Catégorie : kunsthalle

A l’heure où l’art contemporain est encore controversé, Bettina Steinbrügge nous invite à partager la vision de monde, d’un collectif d’artiste qu’elle a sélectionné, pour l’exposition de la rentrée de la Kunsthalle de Mulhouse.
Marc Bijl ¦ Claire Fontaine ¦ Cyprien Gaillard ¦ Piero Golia, Hadley+Maxwell ¦ Jorge Macchi ¦ Bernhard Martin ; Katrin Mayer ¦ Mladen Miljanovic ¦ Frédéric Moser & Philippe Schwinger
L’inspiration de ce thème provient de l’écoute d’une chanson du groupe REM « The end of the world, us we now » de 1987, puis 12 ans plus tard, la lecture d’un essai du sociologue américain Immanuel Walterstein « The end of the word us we know it »

Les artistes et groupes d’artistes invités prennent position face a la crise financière, à l’effondrement de l’État-providence ou des industries du divertissement, ils avancent de nouveaux espoirs, des utopies et conceptions alternatives. Comme un sismographe, l’exposition trace les signes et images de notre vie quotidienne, sonde les méthodes des pouvoirs en place, tout en proposant de nouveaux contextes esthétiques. Elle montre les travaux d’artistes qui réagissent de manière critique, satirique et subjective aux réalises actuelles et, ce faisant, développent leurs propres propositions, expressions de la réalité contemporaine faisant apparaître leurs façons de composer avec elle. Le concept fait suite au désir de comprendre de manière critique les processus sociaux, politiques et économiques actuels dans un monde global, sans lequel l’art contemporain ne pourrait entre ni considère, ni compris.

Bettina Steinbrügge

Le titre est étonnant, est-ce que tout le monde voit le « Monde et sa fin » de la même manière ? Rien que le début du monde a diverses versions selon les frères Bogdanov. Je vous livre ma sélection des réflexions des artistes telles quelles.
Marc Bijl (NL)
La problématique de Marc Bijl est liée a des avènements politiques, à la perception et à l’association des structures sociales et des systèmes de contrôles qui se manifestent dans
l’espace public. Leur apparence symbolique est thématisée dans les oeuvres. L’installation Fundamentally VII, composée de matériaux de construction et de graffitis fait référence
dans sa matérialise simple au constructivisme minimaliste d’un Sol LeWitt et rend hommage au vandalisme quotidien.
En manipulant ces codes culturels, Marc Bijl invente un langage qui met en lumière une histoire des idées et des constructions sociales. Dans Fundamentally VII, differents
symboles de la culture et de la sous-culture s’affrontent pour infiltrer le système de codes allant jusqu’a les bousculer. Le spectateur doit se réorienter, trouver sa voie dans un nouveau système, voire réviser ses jugements. La question de pouvoir et d’influence est pose afin d’attirer l’attention sur le désir actuel de structure et d’ordre. Toutefois, a l’oppose du dictat conservateur, Marc Bijl célèbre le charme de la déchéance et de la destruction comme une libération.
Claire Fontaine (F)
Il ya trop d’innumaniter est j’ai pas trouver mon droit, 2007
Dans l’article de presse paru a l’occasion de leur exposition à la Galerie Neue à Berlin on pouvait lire :
A chaque fois qu’un changement s’opère dans le lieu et dans le temps, il est le résultat d’un conflit et d’un refus et jamais l’effet d’un soi-disant progrès Combien cette constatation est d’actualité en France. Dans les oeuvres présentées, les couvertures de livres traitant du discours théorique général deviennent de simples couvertures de briques et les déclarations politiques se dissimulent derrière des enseignes lumineuses.
Jorge MaccH i (ARG )
Jorge Macchi travaille avec les objets de la vie quotidienne. Il en fait des supports de développements poétiques mais aussi des éléments de découverte des contextes sociaux et des besoins qui émergent au fil du quotidien. Ses trouvailles, comme par exemple des extraits de journaux, déclenchent de nouvelles narrations et des révélations de la vie quotidienne dues au pur hasard ou a des combinaisons aléatoires. La projection video 12 Short Songs combine deux motifs épétitifs : des titres de journaux et les mécanismes d’une ancienne boite à musique. Ces titres de journaux sont perforés et passés dans la boite qui déclenché une musique cristalline et apaisante formant un contraste absolu avec les titres tous issus despremiers jours de la crise financière. Ici, la brutalité se joint à la rêverie ce qui provoque finalement un effet inquiétant.
Piero Golia (I)
Oh my god, that’s so awesome, 2009

il présente une projection 35 mm filmée avec une caméra jetée d’un avion. Cette caméra ne semble jamais toucher le sol, le spectacle évoque plutôt une chute verticale irrésistible et interminable dans un paysage d’une beauté irréelle. Il créé une situation paradoxale basée sur un équilibre déréglé entre les moyens et les buts, démontrant ainsi que rien ne se termine comme nous le voudrions.
Katrin Mayer (D)
Balloons / Your very own words.
Indeed! And who are you?(Brion Gysin), 2010
Dans son travail artistique, Katrin Mayer traite de l’importance des images artistiques populaires et quotidiennes et analyse les mécanismes d’inscription des sémantiques culturelles dans des contextes spatiaux et temporels spécifiques. Katrin Mayer cherche des motifs qu’elle met en scène dans de nouveaux dispositifs, qu’elle soumet, dans ses expositions, à des interventions spatiales. Dans Balloons, des
ballons remplis d’hélium flottent au-dessus du sol. Sur le mur voisin, se trouve une affiche qui renvoie, sous la forme d’une histoire dessinée, à des connotations propres à la conscience, la rêverie, l’introspection, la réflexion et l’illusion. Elle joue les références Silver Clouds (1966) d’Andy Warhol, références aux masques, aux illustrations fugaces, à la fascination pour les rêves et leur caractère éphémère.
Bernhard Martin (D)
Le reposoir d’amour refusé, 2010
Les tableaux de Bernhard Martin couvrent de multiples sujets, ils sont dynamiques, inquiétants et revendiquent leur esthétique. Ils assument leur qualité picturale et excluent une surenchère intellectuelle. Bernhard Martin se sert d’un répertoire de style consciencieusement maîtrisé, qui ne lui dicte aucune limite et lui permet de jouer dans ses peintures de la réalité et de la fiction sur un même plan. Sans cesse, il utilise la référence à l’image comme image  et joue avec ses possibilités d’expression. Il en résulte des images fragmentées, humoristiques et énigmatiques, parfois figuratives mais qui ne pressentent aucune structure narrative clairement lisible. Dans Le reposoir d’amour refusé, états du psychisme humain, les sensations, les espoirs, les fêlures sont tout aussi présents que les drogues, la sexualité ou la violence. D’évidents rapports temporels et spatiaux sont dissous, l’espace pictural a des interprétations varies qui aboutissent ici a une installation.
Tout comme les figures transparentes, le spectateur est lui-même entraîné dans un tourbillon d’images dans lequel différentes forces interagissent voire, s’équilibrent.
Mladen Miljanovic (BiH)
Social Orthopedics, 2010
8 ceintures de sécurité, impression numérique
Mladen Miljanović se consacre aux possibilités de nouvelles stratégies artistiques dans lesquelles des interactions sociales sont développées à l’encontre de ses propres expériences personnelles en Bosnie-Herzegovine, son pays d’origine. Dans son installation Social orthopedics, Miljanović étudie des pièces
détachées de l’ancienne voiture yougoslave Zastava 101 à la manière d’un art social appliqué. Dans ce but, il analyse des ceintures de sécurité comme instrument possible de discipline
et de limitation spatiale. Il en déduit une forme artistique
minimaliste et sérielle qui déplace sa réflexion a la lumière des avènements actuels.
Cecil Babiole propose de pervertir sensiblement le principe de l’audioguide tel que nous le connaissons. Il s’agit non pas de faire un véritable audio interactif et localise (avec détection infra-rouge ou autre) mais de créer un audioguide global avec une seule plage sonore non localisé qui soit en résonance avec l’ensemble de l’exposition.
Il se présente sous forme d’un enregistrement sonore d’une dizaine de minutes mixant musiques, éléments vocaux, interview du commissaire.
Les visiteurs ont pu l’écouter soit en appelant un numéro avec leur téléphone portable, soit au moyen d’un lecteur mis à leur disposition.
clic sur la flèche verte
audio-guide22mono.1288546447.mp3
De la musique industrielle des années 80 (Noix) aux cultures
électroniques et numériques d’aujourd’hui, le travail
artistique de Cecil Babiole évolue de manière transversale, croisant les circuits de la musique et  des arts visuels. Loin d’une pluridisciplinarité de mise, c’est le passage d’un langage à un autre, la contamination d’un code par un autre, et une incessante relecture du rapport entre l’image et le son, qui sous-tend sa pratique.
Qu’elles apparaissent dans l’espace public (rue, autobus) ou privé (galeries, salle de concert), ses  dernières installations et performances (PM, Shijing F ield, Dom, I’ll be your Mirror, Circulez y’a rien a voir, Reality Dub, Crumple Zone…) interrogent avec ironie nos systèmes de représentation et nos technologies.
l’exposition se termine le 14 novembre 2010
texte Kunsthalle photos et  vidéos de l’auteur

Romances sans Paroles laisse sans doute une impression mélancolique. Il pleut doucement
sur la ville aurait dit Arthur Rimbaud mais nos artistes malgré leurs humeurs sombres
promènent un regard poétique et ironique qui fait plutôt sourire et laisse entrevoir des
mondes imaginaires, pourquoi pas visionnaires, tout à fait plaisants et attirants.

C’est tout l’art d’un commissaire de faire résonner les œuvres d’artistes fraîchement diplômés, avec celles d’artistes connus, confirmés, émergeants et appréciés. En l’occurrence c’est l’éminent Ami Barak qui avec « raison » et pertinence, fait cohabiter les artistes dans l’exposition de l’été, sous le doux titre de « Romance sans paroles » tout un programme, tient elle sa promesse ?
Sandrine Wymann, directrice de la Kunsthalle de Mulhouse s’est, elle aussi attelée à la tâche et de concert, Ils ont créé cette « Romance »
Mélancolie, schizophrénie, un dénominateur commun d’un esprit romantique, mis au goût du jour, d’une génération un peu floue, un peu plus désabusée, les mêmes constantes, les paysages, par rapport au passé, la présence de l’objet, un certain désenchantement, cela rime avec la dépression ambiante, et de citer Freud «  la dépression n’est pas une maladie, ce n’est qu’un affect …. » AB
C’est en s’approchant des œuvres que l’on constate le dialogue instaurée, par les 2 commissaires entre les œuvres.
Les cinq diplômés du Quai font leurs premiers pas sur le devant institutionnel
Pascal Auer, sorte de neveu de Fernando Pessoa, avec Parasite Rec,  met en place un site, une sorte de dédoublement, un art de la défausse. Où se trouve le romantisme dans tout celà ?
Réponse d’AB : le dédoublement est une forme de névrose.
En parallèle l’on trouve Flexible de Joe Scanlan, – un artiste américain –  un meuble de rangement avec étagères, très banale, issu du design, devenu objet discriminatoire puisque destiné aux riches (objet créé avec du matériel de récupération transportable maniable autarcique).
Matthew day Jackson, artiste de la globalisation , qui montre avec Pitfalls of Utopian Desire, l’identité particulière américaine, il déconstruit, en montrant ce double visage de cette nation qui fascine le monde y compris ses adversaires.
3 dessins au fusain qui déconstruisent le chariot  des pionniers,  ceux qui ont traversé l’Amérique en allant vers l’ouest, c’est un objet qui se trouve dans un musée en UK, dépecé, un objet ludique, qui décrit soigneusement, une déconstruction. Il a reproduit le n° de Time Magazine de 1978, qui raconte la tragédie de Jonestown où 800 américains se sont laissés entraînés dans un suicide collectif par un gourou.
Il veut mettre en exergue ce double visage de l’Amérique du côté des gens de souche en utilisant  l’arc en ciel, un symbole indien, et l’utopie sociale et  de l’autre les pulsions et l’inconscient suicidaire, dans cette société qui se   cherche encore une identité culturelle
Reiner Ruthenbeck, élève de Beuys, avec Tuch mi Spannrahmen, – une oeuvre provenant  du Frac de Bourgogne qui déconstruit la question de tableau, remet en cause le statut  de la peinture, référence des années 70, où il s’agit d’une toile et d’un châssis, en revenant sur les ingrédients de la modernité Malévitchienne, du rond dans le carré, la toile est devenue soft, elle est à même le sol, vocabulaire de toute l’abstraction qui s’exprimait après la guerre de 40, où justement il s’agit d’une volonté d’annihiler le sujet, vu que l’histoire s’est chargée d’ébranler nos convictions culturelles.
Une pièce avec un impact visuel fort,  de Daniel Firman, déjà croisé chez Arte, encombré d’objets de consommation courante, à la recherche d’équilibre, semblant l’avoir trouvé, bel état névrotique, Gathering (2000) est une sculpture, un autoportrait, une performance. L’artiste s’est encombré dans un premier temps de tout un tas d’objets hétéroclites qu’il a accumulés sur son dos jusqu’à la limite de sa capacité de portage, de sa force physique. Dans un second temps, débarrassé de ce poids, il a moulé son corps dans la position d’équilibre pour ensuite le rhabiller et donner à la sculpture une valeur d’objet et de
trace de l’expérience.
Daniel Firman s’inscrit dans la lignée des sculpteurs qui élargissent leur réflexion au-delà de l’objet à l’espace environnemental. Proche du chorégraphe, du performeur, il travaille à partir du corps, souvent le sien, et s’intéresse aux limites de la pesanteur et de la matière.Les matériaux de Daniel Firman sont issus de son quotidien, il interroge les objets et les mouvements qui lui sont proches.
AMI Barak – Un autre Français a eu affaire au comité de censure chinois lors de l’Exposition universelle : il s’agit du commissaire Ami Barak, responsable de l’exposition « Art for the World Expo », qui rassemble vingt sculptures autour de l’allée centrale du site de l’Expo U. Pour lui, les voies du comité restent souvent impénétrables. Une oeuvre de Paul McCarthy, qui représente un Père Noël portant un godemiché en guise de sapin, a sans surprise été refusée. Mais une autre de Mike Kelley, qui semblait inoffensive, a reçu un feu rouge du comité : une silhouette sculptée dans le sel, que chèvres et ânes viennent lécher jusqu’à sa disparition. Ami Barak résume ainsi son incompréhension : « Avec ses professeurs académiques et ses fonctionnaires d’une moyenne d’âge de 70 ans, le comité de censure, c’est Jurassic Park. » extrait  Emmanuel Lequeux Le Monde
VISITES GUIDÉES
Visites gratuites les samedis & dimanches à 15:00
Entrée libre sans inscription
Autres visites sur RDV
à partir de 5 personnes minimum
Participation 2 € / personne,
réservation au 03 69 77 66 47
DIALOGUES
Regards croisés entre le Musée des Beaux-Arts
et La Kunsthalle Mulhouse
SAMEDI 21 AOÛT DE 15:00 À 17:00
RDV à La Kunsthalle Mulhouse
IN BUS WITH eRikm
DIMANCHE 22 AOÛT 2010
A l’occasion du Festival MÉTÉO, une promenade
dominicale programmée par eRikm est proposée
dans les centres d’art de la région.
+ Espace multimédia gantner, Bourogne
+ CRAC Alsace, Altkirch
+ FABRIKculture, Hégenheim
+ La Kunsthalle, Mulhouse.
À partir de 19:00 BULLES
Installation de Julien Clauss à la Kunsthalle
Programme complet de la journée
sur www.festival-meteo.fr
Renseignements et inscription
+33 (0)3 89 45 36 67
ou info@festival-meteo.fr
photos de l’auteur et courtoisie de la Kunsthalle
à suivre

clic sur l’image

Lorsque vous pénétrez dans la Kunsthalle, l’espace s’est éclairé, agrandi, les toiles  sur lesquelles dansent  des squelettes, arbres de vie et danses macabres vous accueillent, tout d’abord un rat géant, que ne renierait pas Katharina Fritch avec son Rattenkoenig , celui-ci est tout blanc, et fait partie du bestiaire de Stephen Wilks, puis à la manière d’un retable sur fond d’un paysage urbain, à l’ horizon bleu, le voyageur artiste transporte son âne sur ses épaules.
Puis tout au fond si vous avez suivi le parcours conçu par l’artiste et la commissaire vous atteignez le lieu de réflexions philosophiques avec CATERPILLAR, sculpture gigantesque, lourde et imposante d’une chenille recouverte de textes choisis, par SW féru de littérature et de philosophie..
C’est ainsi que se présente la nouvelle exposition, (jusqu’au 20 juin 2010), dont la commissaire est la talentueuse directrice du lieu Sandrine Wymann. (voir la vidéo de FR3)

Avec beaucoup d’humour mais aussi sur un mode interrogatif et parfois dérangeant, il crée des personnages qui mêlent à la fois la figure du bouffon et de la mort, et viennent amplifier un discours proche de la critique sociale. Porté sur le présent, le travail de Stephen Wilks puise ses sources dans une imagerie issue de la danse macabre, à la manière du peintre expressionniste James Ensor ou du
caricaturiste José Guadalupe Posada, Foules – Fools révélateurs d’une nature humaine éphémère et conquérante.
Comment ne pas penser à Ubu Roi,  manipulateur fou, et ayant droit de vie et de mort sur ses sujets, mais aussi le bouffon de Rigoletto, à l’existence si tragique.

Masqué derrière ses figures animales, telles le cheval de Troie repris dans sa série des Trojandonkeys, Stephen Wilks a su trouver une place de choix au milieu de ses semblables. Il ne se place ni en moralisateur, ni en calculateur mais en observateur privilégié.
Chez Stephen Wilks, la notion de déplacement, omniprésente dans ses oeuvres et dans ses expositions, n’apparaît pas comme une nécessité, comme un état physique qui seul permettrait la création. Ce sont davantage les oeuvres qui sont en mouvement que l’artiste lui-même. Il n’est pas de ceux qui ont développé une réflexion dans la situation du marcheur ou du voyageur. Chez Wilks, le mouvement est constitutif des rapports sociaux et du jeu social qui nous entourent. Aussi, l’intégrer à sa démarche, voire l’amplifier, lui permet de créer des pièces qui s’immiscent ludiquement et subtilement à l’intimité d’un public avec lequel il souhaite installer un jeu de complicité. Sur le mode de la rencontre repose toute sa pratique, elle pose la confiance et la connivence entre l’artiste et le spectateur comme le seul terrain d’étude.
Cette exposition, comme souvent chez Stephen Wilks, se déploie à la manière d’un cortège.
Tandis que ses parades (Animal farm à Louvain en 2008) ou ses ânes (Trojandonkeys) sont des pièces qui ont le déplacement pour fondement, Foules, Fools suggère une avancée, un sens qui mène le spectateur du manège au rez-de-chaussée à la chenille du fond de l’espace. Une progression s’installe lentement, un voyage s’effectue un peu comme une procession sur un chemin de vie.
Chaque pièce de l’exposition se présente à la manière d’un tableau qui interroge notre place à « l’échelle humaine », et peut-être notre passage sur terre. La déambulation ainsi comprise n’est pas sans rappeler le principe des chemins de croix dans la tradition chrétienne : échelonnés de stations, ils évoquent les différentes étapes de la vie du Christ. Les tableaux de Stephen Wilks sont allégoriques, ils renvoient à un jeu de relations complexes que l’artiste ramène à une vanité certaine, accentuée par la présence nouvelle des squelettes dans son bestiaire.
Deux fléaux contribuèrent probablement à la popularité des danses macabres : la peste noire (milieu du xive s.) et la guerre de Cent Ans (1337-1453). Il ne faut pas oublier l’élément de satire sociale que comporte un thème qui souligne vigoureusement l’égalité de tous devant la mort et qui contribua vraisemblablement à son succès.
Le premier exemple de danse macabre figurée est le cycle de peintures (1424) qui se trouvait dans les galeries du cimetière des Innocents à Paris ; toutes les danses macabres en dérivent. La hiérarchie de l’Église et de l’État y formait une danse majestueuse, où les vivants alternaient avec des squelettes ou des cadavres. Cet ensemble fut détruit en 1609, mais une reproduction ou une interprétation libre en est donnée dans les gravures sur bois du graveur parisien Guyot ou Guy Marchant (1485) et les légendes en vers ont été conservées.
De nombreuses danses macabres décoraient les cloîtres et les nefs des églises en France (Sainte-Chapelle de Dijon, 1436 ; La Chaise-Dieu, avant 1460) ; en Allemagne (Marienkirche de Lübeck, peinte en 1463 et restaurée ultérieurement ; Marienkirche de Berlin ; d’Allemagne, le thème se propage en Estonie et en Finlande), en Suisse alémanique (couvent des dominicains de Bâle, env. 1440    ; Berne, 1517, œuvre détruite connue par des copies du xviie s.) et en Angleterre (dans l’ancienne cathédrale de Saint-Paul). En Italie, le thème est rarement représenté et les exemples sont tardifs (San Lazzaro Fuori, Côme, xve s.). Vers 1485 apparaissent des cycles de gravures sur bois représentant des danses macabres qui inspireront certaines fresques du xvie siècle.
La Danse macabre de Bâle, aquarelle de Johann Rudolf Feyerabend (1779-1814), réalisée en 1806 d’après une fresque (de 1440 environ) du couvent des dominicains de Bâle. Historisches Museum, Bâle.En 1523-1526, l’artiste allemand Hans Holbein le Jeune exécuta une série de dessins qui fut gravée par Hans Lützelburger et publiée à Lyon en 1538. Dans Les Simulacres de la mort, il ne s’agit pas à proprement parler de danse macabre, mais d’imagines mortis où la mort, qui n’entraîne plus l’homme dans sa danse macabre, surprend ses victimes au cours de leurs occupations.
Tous les pays d’Europe fournissent des versions littéraires de la danse macabre, qui comptent un chef-d’œuvre, La Danza general de la muerte, poème espagnol inspiré par les légendes du cimetière des Innocents.
À la Renaissance, le thème est peu à peu abandonné, les peintres (Dürer, Urs Graf, Niklaus Manuel Deutsch) préfèrent les sujets plus limités tels que la Jeunesse et la Mort, la Femme et la Mort, l’Amour et la Mort.
Thème de prédilection des peintres et des graveurs, la danse macabre a peu inspiré les sculpteurs : on citera pour la France la danse macabre en bois de l’aître Saint-Maclou à Rouen et celle du cimetière Saint-Saturnin à Blois ; pour l’Allemagne la danse macabre du Georgenthor, sculptée au xvie siècle.

Ce n’est pas auprès des ces ânes  que l’on attrape des coups de pied.
DONKEY ROUNDABOUT  construite à l’identique d’un véritable manège, Cette pièce est une sorte de bilan d’étape dans l’oeuvre de Stephen Wilks.
Elle clôt un ensemble de projets et annonce de nouvelles formes. Six personnages esquissés portent six ânes qui font référence à ceux que l’artiste a envoyés de par le monde depuis quelques années. Tous se retrouvent sur une plateforme au lent mouvement rotatif. Les figures tournent, passent et repassent, et cette révolution renvoie à un principe de quotidien et d’éternel recommencement. Le mécanismeapparent de la pièce, ses roues crénelées, son apparence de grosse horloge, le sourd bruit qui s’en échappe sont autant d’éléments qui renforcent et concrétisent cette idée du temps qui passe. Les personnages fabriqués de bois sont en quelques sortes la modélisation des squelettes qui font leur apparition peu de temps après dans l’oeuvre de l’artiste. Debout sur le carrousel, ils font référence à l’iconographie de la danse macabre : les personnages y sont souvent représentés en cercle dans une attitude dansante. Une fois de plus chez Wilks, c’est l’homme qui porte l’animal. Il renverse les points de vue, surprend et remet en cause les fonctionnements et usages de ses semblables.

BARCELONA  – Photographie imprimée sur papier. Extrait du voyage de l’âne bleu. Cette image vient contrebalancer le côté fantastique et fictionnel de la première partie de l’exposition. Elle apparaît dans l’exposition à la manière d’un horizon (bleu) et amène une part de réel et d’optimisme. Installée comme une toile de fond, elle donne à l’exposition une ambiance théâtrale renforcée par la foule de fous située en avant de scène.

 

CATERPILLAR  Animal en tissu, recouvert d’extraits de textes. Symbole de la métamorphose et du devenir, la chenille intervient dans le travail de Stephen Wilks comme le support à une réflexion sur la capacité d’évolution d’un être humain. Si la vieillesse est un thème qui revient de plus en plus fréquemment dans son oeuvre, ce n’est pas seulement à
travers son caractère inévitable et fascinant mais aussi dans ce qu’elle implique en termes de changement. Grandir, c’est vieillir. Vieillir est une mutation lente et permanente de notre nature physique, morale ou intellectuelle. Vieillir est notre quotidien, perceptiblement ou non. La sculpture est gigantesque, lourde et imposante, la chenille dégage une image positive, poétique, évanescente, elle tente d’échapper à la fatalité de l’être. La chenille est le support matériel à des textes que Stephen Wilks est allé puiser du côté des auteurs qui se sont intéressés à la question de la métamorphose. Lewis Caroll côtoie Goethe, Lou Reed et Franz Kafka. De cette allégorie, Stephen  Wilks a également tiré une nouvelle série de dessins qui interviennent comme le miroir de ces écrits. La chenille reprend dans ce cas le rôle qu’il donne d’évidence à ses animaux, elle s’infiltre dans les détails de la vie et en révèle la fragilité.

 

photos de l’auteur – courtoisie Kunsthalle et Stephen Wilks

Vous ne m’en voudrez  pas, si je commence par le bouquet final du vernissage du 3e volet de la dernière exposition de la Kunsthalle de Mulhouse :
« Les sculptures meurent aussi » dont le commissaire est Lorenzo Benedetti. Je commence souvent par le dessert, avant d’attaquer le plat de résistance.
Benjamin Dufour, artiste à Mulhouse, dans le cadre des résidences Grand Est, organisées conjointement par la Kunsthalle et les Frac Lorraine, Franche Comté, Champagne Ardenne, a rencontré la ville, ses habitants et développé quelques projets. Il conduit des expériences, il est comme un chercheur, pas fou du tout. Plutôt très organisé mais qui aime laisser une part à l’inattendu au fil de ses recherches. Il écrit ses projets, les accumule et les développe, les expérimente au fil des occasions et des circonstances.
En l’occurrence cela a été la confection, puis le lancement, d’un ballet d’hélicoptères, performance dans le hall de la Kunsthalle, à la grande joie du public nombreux, demeuré enfant.
Tel un chef d’escadrille, il a placé ses assistants et commence le compte à rebours, cap Canaveral est un grosse farce à côté, je peux vous l’affirmer, je l’ai visité …
Puis c’est le lancement, l’envol des bourdons, Apocalypse Now sans la chevauchée des Walkyries, le tourbillon tel des hannetons lumineux, fous qui se lancent à l’assaut de la voûte de la Kunsthalle, certains s’échouent lamentablement sur le sol, des assistants les font repartir de plus bel. L’effet est joyeux, festif, et le vol improvisé croit-on, mais minutieusement, minuté, calculé, construit, préparé, au cours de ses deux mois de résidence, s’achève par un atterrissage pas toujours glorieux, qui renvoie le public ravi vers le buffet.
 
Kunstlexique :
Performance :
oeuvre d’art éphémère qui implique en général la participation physique de l’artiste.
photos  de l’auteur
vidéo autorisation expresse de Benjamin Dufour
Benjamin Dufour était également présent dans les Tranches de Quai avec une vidéo Rythmique de nombres premiers.
Vous pouvez le retrouver au musée de la lutherie de Mirecourt (88).
Une rencontre est organisée le lundi 8 février à 21h.

Et si la Regionale était un pays, à quel pays appartenez-vous ?
La Kunsthalle propose différentes manières pour aborder la Regionale, soit classiquement, avec le vernissage force Kougelhoupf et vin blanc, visites guidées classiques avec une guide.
Les Kunstapéro, visites guidées suivies d’une dégustation, qui permet de discuter autour d’un verre, avec une participation de 5 € (7 janvier 2010 à 18 h)
Puis une expérience  inédite « Colin maillard » proposée  par Joël Henry de Latourex (laboratoire de tourisme expérimental) Entrée libre, inscription au 0369776647
L’exposition de la Kunsthalle souhaite mettre en avant la place du code, de la mesure, de l’organisation et de la structure. Où se situent les frontières d’un espace ? Ce sont des séries de références, un principe de codification qui marquent les convergences et définissent les appartenances. A travers, des installations, du son, de la peinture, des photographies et des sculptures l’exposition dessinera un espace, un territoire qui lui est propre.
Commissaires de l’exposition : Sandrine Wymann directrice de la Kunsthalle Mulhouse et Bertrand Lemonnier artiste enseignant à l’Ecole d’art du Quai à Mulhouse.
Colin-maillard
 Pouvez-vous nous présenter l’œuvre exposée ?
Nous nous sommes retrouvés au bas de l’escalier de la Kunst, par couples.
Le principe étant que l’un des personnages du couple fasse le guide, décrive les œuvres présentées, la 2e personne le visage recouvert d’un loup, la suit « aveuglement », tente de comprendre les explications, et pose des questions, pour parfaire sa compréhension de ce qui est décrit. Ensuite après une pause on  échange les impressions des couples, puis nouvelle visite de l’exposition cette fois sans le bandeau pour voir les œuvres et les confronter aux explications données par le guide occasionnel. C’est ainsi que je me suis prêtée à faire le guide de mon « aveugle » Mariana.
Grimper les escaliers de la Kunst est déjà une aventure, combien de marches ? attention au tournant, rentrer dans l’espace d’exposition, en évitant à son aveugle de se cogner au montant de la porte. Puis nous voici dans le vif du sujet, décrire les oeuvres au plus juste, trouver les mots, le matériau, la couleur,  sans jargonner, être objectif, éviter de marcher sur les œuvres à même le sol, sans oublier que le thème fédérateur ici est le code.
Voici comment j’ai décrit mon David par Michel Ange sous bulle :
Michel Ange, c’est la place de la Seigneurie à Florence, le David, la taille de la scuplture, son arrogance, la beauté du corps, le papier bulle, les alvéoles colorées, de noir, de gris, de blanc, pour former le visage, les bras, les aisselles, le pubis, les muscles des jambes. Je ne sais même plus si j’ai prononcé le nom de David, tellement cela me semblait évident.
Voici ce qu’en dit l’artiste Barbara Bugg :
Si la Regionale était un pays, je me sentirais du pays  « Regionale ». Ce pays serait pour ainsi dire un pays artistique artificiel, exempt de tout sentiment d’appartenance à une nation.
Le plastique bulle est un matériau courant d’emballage.
Partant de l’idée qu’une sculpture ou un objet ait été emballé avec du plastique bulle, puis déballé, apparaissent alors sur la feuille des traces et des empreintes de cet objet.
L’empreinte se compose de points (pixels) – chaque point est important, mais ce n’est que dans leur totalité qu’ils produisent un sens (l’image).
Le plastique bulle, donc le matériau d’emballage, devient le véritable objet d’art, et obtient de ce fait une surprenante importance.Un premier ensemble est formé d’oeuvres qui font appel à l’image informatisée ou à l’utilisation d’internet. Qu’elle soit « re-codées », comme le Retour aux sources de Bertrand Gondouin, déconstruite à la manière de Without you baby, There ain’t no us de Comenius Roethlisberger et Admir Jahic ou qu’elles imposent une lecture conditionnée de l’image comme Matrix Hype 8 de Ildiko Csapo (3D), David de Barbara Bugg (pixel) ou le travail de Chloé Dugit-Gros (image virtuelle d’un dessin), toutes ces oeuvres ont pour convergence de nous mener à une lecture
empreinte de références informatiques.
Star Wars kids me laisse perplexe, pourquoi tout le monde exploite cette vidéo alors que cela a rendu le jeune garçon malade au point de ne plus sortir de chez lui, et moi je me joins à la meute pour en parler sur mon blog. perçoit-on l’idée de dénonciation de la surconsommation des images et duWeb ? Des images, 600 dessins visibles ou non visibles de youtoube reproduites sur des planches encadrées, 22 dessins en largeur x 7 en hauteur soit 154 dessins en tout qui sont accrochées au mur du fond de la Kunsthalle, puis par une série de lots devant le mur, chaque image étant une séquence de la vidéo la plus visionnée sur Youtoube. Voici ce qu’en disent les 2 plasticiens :
Comenius Roethlisberger : une installation contemporaine sortie de ses gonds.
Admir Jahic : peindre d’après les numéros. Ils ont dessiné les 40 dernières secondes (15 dessins par seconde) de la vidéo,
reproduit et encadré les images Youtoube de Star Wars Kid, » Nos travaux sont des surfaces de projection. Dans des mises en scènes énigmatiques, nous réfléchissons sur tous les aspects et contextes possibles de l’identité.Nos travaux sont des surfaces de projection. Dans des mises en scènes énigmatiques, nous réfléchissons sur Star Wars Kid est né il y a plusieurs années grâce une personne s’étant volontairement filmé en train de faire semblant de se battre à la « star-wars » avec un balai, devant des rideaux et le type est vraiment à fond dans ce qu’il fait, très sérieux, très concentré …
C’est justement ce qui rend cette vidéo unique … et ça ne s’arrête pas là puisqu’ayant eu la maladresse de laisser la vidéo dans la caméra, des camarades ont diffusé la vidéo sur la toile.
Voilà que des dizaines de personnes se sont misent à la trafiquer en y ajoutant des effets spéciaux, musiques et faisant même des parodies de films, le résultat est vraiment hilarant et est devenu en quelque temps un véritable phénomène du même genre que :  all your base belong to us,  ou le chinois !!! « Une autre approche, un autre ensemble, nait d’une attention portée à la forme. Lifeboat de Bruno Steiner est un carton animé, tourné et retourné et qui laisse toujours apparaitre sa forme première. La série Blickwinckel de Gianin Conrad, bas-reliefs géométriques construits à partir du mètre en bois du bricoleur est contrainte par l’utilisation du matériau. On retrouve également le Matrix Hype 8 d’Ildiko Csapo qui construit une oeuvre en volume et renvoie ainsi à la représentation de la matière, à la construction moléculaire.
Les repères historiques liés à une mémoire partagée ou transmise sont également représentés. Le David de Barbara Bugg mais aussi la Chambre d’écoute d’Emanuel Strassle qui introduit dans l’espace un ronflement, un bourdonnement faisant référence à un univers industriel.
Certaines oeuvres ont pour point commun de venir perturber notre bon sens de l’espace. Anita Kuratle s’inscrit dans cette approche de même que Katja Flieger. Avec ses Ground painting, elle mène à l’absurde les conventions de signalétique urbaines prescrites et respectées. Selma Weber et sa série Ein Moment trifft die Welt engage une réflexion sur les clichés et les conventions qui sont les nôtres en matière de représentation vestimentaire.
Un autre vecteur de reconnaissance est le signe, utilisé comme moyen de communication, detransmission. Christina Schmid l’utilise dans ses Audioguides, canevas brodés de messages sténographiées en anglais …, avec une traduction sur l’envers. Andreas Frick, dans Bérénike, extrait des pages imprimées, les termes relatifs à la couleur et à son évocation. Les mots transmettent alors une information chromatique susceptible à son tour de mener à une nouvelle définition de pays.
Et ainsi de glissement en glissement, de lecture en relecture des oeuvres, se dénombre une multitude de pays possibles qui tour à tour ou conjointement pourraient s’appeler la Régionale.

Barbara Bugg, Gianin Conrad, Ildiko Csapo, Chloé Dugit-Gros, Katja Flieger, Andreas Frick,
Bertrand Gondouin, Anita Kuratle, Comenius Roethlisberger et Admir Jahic, Christina Schmid,
Bruno Steiner, Emanuel Strassle, Selma Weber.

photos Emilie George – Elisabeth Itti

Après la Notte, c’est encore Lorenzo Benedetti, qui  est aux commandes pour la seconde fois à la « Kunsthalle » Fonderie.

Le jardin aux sentiers qui bifurquent, la nouvelle de Jorge Luis Borges, le mène à interroger les possibles d’une oeuvre
et le rapport au temps dans un processus de création puis d’exposition.
Il choisit de présenter des artistes qui puisent des formes et des matières dans l’objet existant, le paysage contemporain et qui, par leurs regards et leurs interventions, les mènent à l’état d’oeuvres.
Par ailleurs, Lorenzo Benedetti questionne le principe de l’exposition en se penchant sur la combinaison oeuvre-espace,
sur la tension qui émane de certains rapprochements et qui induit une métamorphose sans cesse renouvelée des lieux investis.
Sept artistes sont invités à participer à cette exposition. Issus de la jeune scène internationale, ils représentent une nouvelle génération de plasticiens qui à travers leurs oeuvres soulèvent des questions formelles dans un contexte à la fois physique, social ou historique.
La relation entre l’espace et la forme est fondée sur une dialectique systématique dans laquelle les éléments ont pour
fondement la transformation. L’exposition tente de définir les éléments du changement qui naissent par tension entre les
espaces et les formes qui y sont contenues. Dans l’exposition « Le jardin aux sentiers qui bifurquent » le sujet est lié à l’espace en tant que forme et à sa dynamique de métamorphose.
La multiplicité des combinaisons et transformations questionne perpétuellement l’espace d’exposition, tentant de le définir, tout en visant à dépasser ses limites, de définir son abstraction ou de redécouvrir les formes toutes faites qui s’accordent avec les conditions sociales ou historiques.
C’est ainsi que l’on peut voyager et annuler les distances avec les cartes des années 40, aplaties, mais trouées, « Atlas »  du mulhousien Etienne Chambaud, pour remplir éventuellement la marqueterie  de son roman les « pages blanches » absence et potentiel devant une œuvre litteraire  dans la lumière d’une fenêtre où intervient par moment la rature, Il nous fait  rêver devant le collage de la « danse » (Irma Duncan à Grünewald, Anonyme, vers 1910)
Raphaël Zarka avec ses sculptures, les 2 cônes en aluminium, et 3 sculptures en bois.  Nous explique qu’on peut les travailler aujourd’hui, comme on travaille la photographie documentaire. C’est la relation qu’il tient à avoir avec la sculpture abstraite.
Il s’est ingénié à la  reconstruction d’objets qui ont existés, décrits par un scientifique anglais Abraham Sharp au 18 e siècle,  qui avait découvert une méthode pour découper des polyèdres. Ce dernier a écrit un livre, La géométrie Improv’d, publié en 1718, riche en polyèdres, en particulier ceux avec des visages tétragonaux. Le livre montre comment couper ces nouveaux solides à partir de cubes de bois .
Il s’est inspiré de 2 planches de gravure que Sharp n’a jamais réalisées, et  il a ainsi réalisé ses polyèdres, semi-réguliers,
Généalogie formelle, qui viennent d’un autre rayon du musée d’histoire de la science et qui le fascinent.
Pour Benoît Maire, c’est une tête de méduse en bronze qui regarde une autre tête de méduse, une peinture, qui pose la question de la dialectique entre 2 méduses, elles sont là pour pétrifier ceux qui la regardent. (Méduse dont la tête, pourtant, changeait en pierre ceux qui la regardaient).
Benoît Maire pose la question de savoir ce qui se passerait  si les 2 se regardaient, mais aussi est évoqué,  la position de la sculpture par rapport à la peinture. (la solution de Volterra ?)
Protélèmene – images  pliées, sont des  Sérigraphie sur 3 plaques de zinc qui se regardent et se replient sur elles-mêmes, une origine de la représentation idéale.
C’est une exposition austère, conceptuelle qui demande de la réflexion. A cet usage sont organisées tous les 1er jeudi du mois, des visites guidées.
Jusqu’au 15.11 2009
photos courtoisie Kunsthalle sauf la photo 1 de l’auteur

Ce vendredi 27, la ministre de la culture Madame Christine Albanel a signé la convention de labellisation de ville d’art et d’histoire de Mulhouse à la Kunsthalle de Mulhouse.
L’exposition, la Notte confié au commissaire Lorenzo Benedetti a comme point de départ le film d’Antonioni, la difficile recherche de l’identité des personnages, l’ambiguité qu’elle génère et cela confère au film une valeur artistique et une absence de récit qui le rapproche des problématiques de l’art contemporain. La perception, la réalité, l’identité, l’ambiguité, la vérité sont différents thèmes présentés dans cette première exposition. Dans la Notte les oeuvres qui les incarnent sont mises en relation avec l’espace qui les accueille.
La Notte renvoie également à la transformation et à l’évolution de l’identité, elle permet un hommage particulier au lieu. L’histoire et le passé sont amenés à s’effacer lentement de nos mémoires. C’est pour cette raison que l’exposition a un lien avec l’architecture du bâtiment évoquant ainsi, avec intensité, des réminiscences historiques. L’architecture stricte rationnelle et élégante du bâtiment d’origine devient un élément à part entière de l’expace d’exposition, une pièce de l’expostion, dans la mesure où elle est considérée comme point de départ, point à partir duquel s’est opéré une transition architecturale, mais aussi base sur laquelle s’est construite une exposition.
La cheville ouvrière de cette aventure qui en a permis l’aboutissement, grâce à sa volonté opiniâtre depuis 20 ans, soit 4 mandats du dynamique  est l’adjoint à la culture de la ville Michel Samuel Weis
D’emblée cette première exposition, poétique, dépouillée, minimaliste, conceptuelle, met la barre très haut. Qu’à cela ne tienne des visites guidées, permettent à tout un chacun d’aborder les oeuvres.
Sur la facade vitrée de la Kunsthalle, Laurent Grasso a réalisé une oeuvre in situ. Il a installé une grande éclipse en néons, qui accompagne la totalité du cycle d’expositions, conçu par Lorenzo Benedetti. Laurent Grasso considère ses éclipses comme un évènement semi-miraculeux qui réunit un coucher de soleil et une éclipse, évènement rare et presque surnarturel.
Une oeuvre qui a surpris la ministre est celle d’Italo Zuffi « la replica » c’est une parfaite imitation en marbre de quatre modèles de brique. Le matériau noble si couteux du marbre sert ici à la réalisation d’un objet ordinaire. L’artiste met l’accent sur le pouvoir de l’architecture à travers le choix du matériau, tout en soulignant le caractère de cette supériorité sur ce qui l’entoure.
En invitant Tatiana Trouvé, le commissaire introduit des oeuvres qui viennent troubler les dimensions, les perspectives et les échelles d’un lieu. Il prend le parti de bousculer les perceptions du spectateur.
Vous pouvez lire sur le blog du journaliste Dominique Banwarth, président de l’association Mulhouse Art contemporain, un présentation des oeuvres et des artistes.