L’OEil de Huysmans. Manet, Degas, Moreau

Jusqu’au 17 janvier 2021
Au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS)

Commissariat : Estelle Pietrzyk, conservatrice en chef du Patrimoine, directrice du MAMCS. L’étape strasbourgeoise de cette exposition a bénéficié de l’expertise de Robert Kopp, professeur de littérature française, Université de Bâle.

« Nul n’a jamais été doué d’un regard aussi aigu, aussi vrillant, aussi net, aussi adroit à s’insinuer jusque dans les replis des visages, des rosaces et des masques. Huysmans est un œil. »

Remy de Gourmont, Le Livre des Masques, Paris, 1896-1898

Le projet

En partenariat avec le musée d’Orsay et conçue comme un voyage dans l’oeuvre de l’écrivain Joris-Karl Huysmans (1848-1907), l’exposition du MAMCS présente les écrits, les oeuvres et les objets qui contribuent à forger les univers de Huysmans, caractéristiques d’une fin de siècle qui oscille entre fascination pour le progrès et curiosité pour l’occulte.

La scénographie de l’exposition

Conçu par l’atelier FCS – Frédéric Casanova Scénographe -, la scénographie de l’exposition L’OEil de Huysmans : Manet, Degas, Moreau,… s’est attaché à établir un parcours fluide aux ambiances différenciées dans lequel l’écriture de Huysmans est centrale. Sans hiérarchie de genre, ce parcours magnifie aussi bien le chef d’oeuvre que le petit objet, tout en maintenant une présence fortes des écrits de l’auteur qui constituent véritablement le coeur du projet de l’exposition.

Figure du naturalisme (considéré comme « fils spirituel de Zola »), chroniqueur d’un Paris en pleine mutation, critique d’art éclairé, auteur décadent, écrivain catholique, Huysmans fut toutes ces plumes à la fois. Elles ne s’excluent pas les unes les autres, mais au contraire se superposent comme autant de couches de glacis sous le pinceau du peintre Primitif. « Exposer Huysmans » relève du défi car un tel projet implique de mettre en présence des œuvres, objets et écrits bien différents : les carnations d’Edgar Degas et les noirs de Félicien Rops, le livre précieux et le traité médical, les parfums élégants et l’objet de pacotille. Huysmans collectionne les mots et offre à son lecteur de rutilants catalogues de couleurs, de matières et de sensations, quelle que soit la nature du récit qui l’occupe (chroniques pour la presse, romans, correspondances…).

Volet complémentaire et enrichi du projet développé par le musée d’Orsay, cette exposition est conçue comme autant de tableaux aux ambiances différenciées. Elle est agencée en dix salles qui vont du boudoir à la rue de Paris, du Salon à l’évocation de la demeure de Des Esseintes, héros iconique d’À Rebours (1884), sans oublier l’architecture et l’art religieux, sujets de prédilection du dernier Huysmans. Le visiteur est invité à découvrir un parcours sensoriel où se rencontrent une certaine idée de la modernité et la décadence latine, le retable d’Issenheim et les Folies-Bergères, le rêve et la mélancolie.

Parcours

L’exposition ouvre sur l’oeuvre magistrale de l’artiste contemporaine luxembourgeoise Su-Mei Tse (née en 1973), Many spoken words (2009), que l’on peut sans difficulté rapprocher du repas funèbre raconté par Huysmans dans À Rebours (1884).  Cette superbe et étrange fontaine où s’écoule en continu une eau teintée de noir rappelle l’intérêt de l’artiste (venue de la musique) pour le son.

Le Drageoir aux épices

Cette première salle met en place les « menus bibelots » et « fanfreluches » (pour reprendre la dédicace de l’ouvrage) qui forgent l’univers d’un jeune homme, alors employé administratif au ministère de l’Intérieur qui rêve aussi bien de couleurs que de matières, de paysages hollandais que de japonaiseries, de la Reine Margot et d’un hareng saur. Drageoir en cristal, invraisemblables sonnettes de tables, bonbonnières, gravures anciennes, font cercle autour
d’une galerie de portraits contemporains et posthumes de l’écrivain (notamment par Forain, Vallotton ou encore André Breton).

Croquis parisiens

Huysmans aimait à se présenter comme « un inexplicable amalgame d’un parisien raffiné et d’un peintre de la Hollande ». Né dans une vieille bâtisse du quartier latin, à deux pas de Notre-Dame, il n’aura de cesse, toute sa vie, d’arpenter sa ville de coeur, de la peindre à la manière d’un Rembrandt ou d’un Jan Steen. Étudiant bohème, il fréquente les théâtres, bals et musichalls,
et s’éprend d’une actrice de Bobino, qu’il encense dans ses toutes premières critiques. La salle dédiée aux Croquis parisiens présente notamment un ensemble important d’affiches anciennes (liées au monde du spectacle, à la littérature, aux réclames pour des objets usuels) témoignant de la vitalité de la capitale, issues de la collection du MAMCS.

Huysmans au Salon

« Sur les 3040 tableaux portés au livret, il n’y en a pas cent qui valent qu’on les examine »,
déclare, péremptoire, Huysmans à l’issue de sa visite au Salon de 1879.
Cette salle propose une évocation de ce rendez-vous annuel où
sont exposées des milliers d’oeuvres, quasiment à touche-touche, sur plusieurs lignes, où se mélangent les genres, les styles… et les talents. Ce « Salon » imaginaire reconstitué pour l’exposition superpose en fait plusieurs expositions (officielles et indépendantes) ; il accueille une sélection d’oeuvres exceptionnelles, issues des collections du musée d’Orsay et des musées
de Strasbourg, où se côtoient en une même vision, les engouements et détestations de Huysmans. Impitoyable envers les gloires académiques (le commentaire de La Naissance de Vénus de Bouguereau est en soi un morceau inoubliable de sa critique d’art), Huysmans encense les peintres qui ont
« le souci de la vie contemporaine » au premier rang desquels il place notamment Degas, Caillebotte (avec les célèbres Raboteurs de parquets)
et Raffaëlli.

Décadences

Décadents, symbolistes, poètes maudits… Les dernières décennies du XIXe siècle voient émerger une nébuleuse d’écrivains dont Huysmans fut partie prenante.  Dans sa bibliothèque décadente idéale, des Esseintes, l’anti-héros d’À Rebours, abrite des auteurs qui, pour certains,
furent aussi les amis de Huysmans. Robert de Montesquiou, dandy, collectionneur et poète,  ne
pardonnera jamais à Huysmans de l’avoir utilisé comme modèle pour des Esseintes, faisant de lui l’archétype de l’esthète décadent.

L’Art de la nuance

À Rebours est publié en 1884. Dans ce « livre empoisonné » (comme l’appellera Dorian Gray dans le roman d’Oscar Wilde), Huysmans raconte les névroses d’un anti-héros, le comte Jean Floressas des Esseintes. Nerveusement épuisé par la vanité de toute chose, des Esseintes se retire « loin du monde » La salle, véritable « cabinet rouge », présente des collections d’objets issus de la culture
technique tels que les nuanciers utilisés par les fabricants de textiles, les palettes utiles aux peintres émailleurs ainsi qu’une sélection de papiers peints de la fin du XIXe siècle. La salle accueille également un « petit théâtre » évoquant l’épisode du dialogue entre le Sphinx et la Chimère dans lequel des Esseintes engage une ventriloque pour qu’elle anime les créatures en leur faisant réciter un extrait de La Tentation de saint Antoine de Gustave Flaubert (1874).
La salle présente enfin la seconde oeuvre d’art contemporain acquise dans la perspective de l’exposition : il s’agit d’un cabinet de curiosités intitulé The Unruly Collection par l’artiste nord-américain Mark Dion (né en 1961) qui réunit quarante-trois « curiosités » faussement issues de la nature, car toute de la main de l’artiste.

Éloge de l’artifice et de la sensation

Avec À Rebours, Huysmans porte à son apogée l’idée de correspondances chère à Baudelaire, selon laquelle « les parfums, les couleurs et les sons se
répondent ». Dans cette salle, un dispositif olfactif évoquant l’orgue à parfums de Des Esseintes invite le visiteur à faire l’expérience des parfums rencontrés chez Huysmans, recréés spécifiquement pour l’exposition par la maison Lubin (qui fournissait déjà l’écrivain à la fin du XIXe siècle) :
l’héliotrope, l’opoponax, le patchouli, la rose thé et l’inimitable frangipane offrent ainsi un moment de pure synesthésie au milieu du parcours.

Le Goût de l’étrange

Rechercher dans l’étrange de nouvelles sensations, voilà qui retient aussi
l’attention de Des Esseintes : le héros décadent d’À Rebours, comme son auteur, s’intéressent de près à la science des rêves, aux façons de soigner les névroses, aux prémices de la psychiatrie. Les traités médicaux figurent parmi les lectures de Huysmans.
Sur le plan artistique, c’est Odilon Redon qui incarne le mieux cet attrait pour un ailleurs que Huysmans envisage comme « un fantastique de maladie et de délire. » Ses suites gravées chères à Huysmans (Hommage à Goya, Sur le Rêve, Edgar Poe) qui en fut l’élogieux commentateur traduisent, en effet, un imaginaire au symbolisme sombre qui semble le prolongement des cauchemars de Des Esseintes.

Expériences occultes

Cherchant une compensation « aux purulences d’une époque qui répugne »,
Huysmans s’est lancé à la recherche d’un savoir que, depuis la nuit des temps, les hommes ont essayé de se procurer par la sorcellerie, la magie noire, l’ésotérisme, l’astrologie, la voyance et autres sciences occultes.

Élévations

Après l’écriture d’À Rebours, Huysmans se trouve dans une impasse existentielle. L’écrivain Barbey d’Aurevilly affirme qu’il ne lui reste plus qu’à choisir « entre la bouche d’un pistolet et les pieds de la croix ». Ce sera la croix ; après Là-bas, consacré à l’occultisme, Huysmans se tourne vers la mystique chrétienne.

La Religion de l’art

Les oeuvres des peintres dits « primitifs » influencent la vie spirituelle de l’écrivain. Il s’incline devant Memling, le maître de Flémalle, Fra Angelico ou Van der Weyden, artistes profondément croyants des XVe et XVIe siècles.

Mais c’est la découverte de l’oeuvre de Matthias Grünewald, peintre rhénan de la même époque, qui constitue sa plus grande révélation, preuve pour Huysmans que l’esprit peut loger au plus intime de la matière

Informations pratiques

Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS)
1 place Hans-Jean-Arp, Strasbourg
Tél. : +33 (0)3 68 98 50 00
Horaires : tous les jours – sauf le lundi – de 10h00 à 18h00

Programme des visites et conférences, catalogue :
https://www.musees.strasbourg.eu/l-oeil-de-huysmans

   Send article as PDF   

Man Ray et la mode

Jusqu’au 17 janvier 2021 au Musée du Luxembourg
19, rue Vaugirard, 75006 Paris

« Pour plonger dans la flamboyance des années 1920 et 1930 en France, il n’y a guère de lecture plus évocatrice que celle de l’Autoportrait de Man Ray […] »

« Est-ce parce que l’objet le fascine que Man Ray est de ces photographes de mode par inadvertance qui n’oublient pas la mode elle-même ? »

Olivier Gabet, Directeur du musée des Arts décoratifs, Paris

commissaire général : Xavier Rey, directeur des musées de Marseille
commissaires scientifiques
Alain Sayag, conservateur honoraire au Musée national d’Art moderne 
Catherine Örmen, conservateur, historienne de la mode
scénographie : Agence NC, Nathalie Crinière assistée de Lucile Louveau
graphisme : Anamorphée/Pauline Sarrus
conception lumière : Studio 10-30

A regarder sur Arte « l’amour à l’oeuvre – Man Ray et Lee Miller »

Les portraits ( bande annonce -vidéo )

L’oeuvre de cette grande figure de la modernité est ici présentée sous un angle méconnu. Protagoniste de la vie artistique parisienne de l’entre-deux guerres et du surréalisme en particulier, Man Ray avait fait l’objet d’une importante rétrospective au Grand Palais en 1998, et d’une exposition à la Pinacothèque de Paris en 2008. Mais son oeuvre n’avait jamais été explorée sous l’angle de la mode.

Man Ray est sans conteste le père de la photographie de mode. Il arrive à Paris en 1921 sur les conseils de Marcel Duchamp, qui l’introduit dans le milieu de l’avant-   garde et dans le Tout-Paris des années folles. Pour des raisons alimentaires, Man Ray va d’abord s’adonner avec succès au portrait mondain et glisser peu à peu des mondanités vers la mode.
Son premier contact dans le monde de la mode sera Paul Poiret, mais bien vite la plupart des grands couturiers vont faire appel à lui : Madeleine Vionnet, Coco Chanel, Augusta Bernard, Louise Boulanger, et surtout, Elsa Schiaparelli.                                 
                                                                                               Peggy Guggenheim   

La photographie de mode

Née avec le XXe siècle, la photographie de mode est balbutiante : au début des années 1920, elle est utilitaire, documentaire et inféodée aux codes de l’illustration de mode. Rapidement, les magazines, principaux vecteurs de diffusion des modes, vont lui consacrer de plus en plus de place. Ainsi Man Ray
commence-t-il à publier ses portraits dans les chroniques mondaines de Vogue, Vanity Fair, et Vu, mais c’est Harper’s Bazaar, au cours des années 1930, qui fera de lui un photographe de mode célèbre.
Ses compositions étranges, ses recadrages, jeux d’ombres et de lumière, ses solarisations, colorisations et autres expérimentations techniques vont contribuer à la création d’images oniriques et frappantes, qui
s’inscriront dans des mises en page particulièrement novatrices.
C’est ainsi que l’artiste offre à la mode une vision nouvelle du désir et du rêve
et à la photographie de mode ses lettres de noblesse.


La publicité

Figure de l’avant-garde, Man Ray est ainsi impliqué dans la culture de masse qui émerge au travers de la mode et de la publicité. L’exposition met en lumière cet enrichissement permanent entre « l’art pour l’art » et les productions assujetties à une commande. Ainsi de la photographie iconique, Les Larmes,
qui est d’abord, il convient de le rappeler, une publicité pour une commande pour une marque de rimmel, le « Cosmécil » d’Arlette Bernard, publiée dans le
magazine Fiat en 1934, accompagnée du slogan « pleurez au cinéma / pleurez au théâtre / riez aux larmes, sans crainte pour
vos yeux » Cette composition est devenue une des images les plus célèbres de Man Ray. Ces Larmes, exemple type du changement qu’il peut opérer.  Elle juxtapose une image en gros plan de l’oeil du modèle et de larmes de verre. Le recadrage gomme la platitude du contact photographique et lui confère un graphisme qui donne tout son mystère à l’image.

Les modèles de haute couture

Dans l’exposition, une large sélection de photographies – tirages originaux, mais également tirages contemporains de grand format – dialogue avec quelques modèles de haute couture et des documents cinématographiques évocateurs de la mode des années 1920 et 1930, une mode qui fait désormais la
part belle à la coiffure et au maquillage.

Ces courts extraits audiovisuels donnent un autre éclairage sur la mode en montrant que la manière de filmer s’émancipe aussi. Quant aux revues de mode, elles occupent une large place, afin de souligner le rôle majeur qu’elles ont tenu dans la diffusion toujours plus large d’une esthétique nouvelle. Man Ray a tout fait pour dissimuler ce qu’il considérait comme une activité mineure, son « métier » de
photographe professionnel, préférant privilégier une posture d’artiste peintre inventif et libre. Lorsqu’il pratiquait la photographie de mode il tirait parcimonieusement, se limitant aux contacts puis seulement aux images retenues pour la publication. A cette époque, les revues étaient propriétaires, non seulement des tirages, mais aussi des négatifs. La dispersion et la rareté de ces images aujourd’hui réunies dans
l’exposition leur confère un caractère exceptionnel.

Le recours à des tirages modernes pour en montrer certaines permet d’apprécier les différences entre des épreuves qui ont cependant toutes été réalisées à partir des négatifs originaux, car la photographie est un
objet, et pas seulement une image.

L’apogée de la photographie

Lee Miller, le visage peint

Kiki de Montparnasse

Noire et blanche
Epreuve gélatino argentique, Tirage d’exposition
réalisé d’après le négatif sur plaque de verre
20,4 x 28,2 cm
Paris, Centre Pompidou, Musée national d’Art
moderne/Centre de création industrielle,
achat par commande
Madame Toulgouat portant une robe d’Elsa Schiaparelli
EN GUISE DE CONCLUSION

L’exceptionnelle vitalité du milieu mondain et le contexte des années 1920 favorable à l’abolition des frontières entre les arts, ont joué en faveur d’une promotion de la mode. Les couturiers, désormais personnalités mondaines à part entière, ont eux-mêmes encouragé les artistes et stimulé leur créativité.
En peu de temps, la mode – et plus particulièrement la haute couture –, a vu son aura s’élargir. Quant à son corollaire, la photographie de mode, elle devient, dès les années 1930, une discipline artistique autonome.
Man Ray quitte Paris en 1939. A son retour en en mai 1951 la ville n’est n’est plus celle qu’il avait découverte, à peine débarqué d’Amérique, au début des années 1920. La chaleur communicative des passions partagées avec Tristan Tzara ou Marcel Duchamp, la découverte amusée d’un mode de vie relativement confortable, sont bien loin. Il se retrouve confiné dans l’humidité obscure d’un ancien garage, à l’ombre des tours sévères de l’église Saint-Sulpice. Sa réussite de photographe de mode recherché, de coqueluche des riches expatriés américains, appartient désormais au passé et il se consacre à sa vocation de peintre qui ne l’a jamais vraiment quitté.
Face à l’histoire il prend une posture, qu’il tiendra jusqu’à la fin, celle d’un « touche-à-tout » de génie, dilettante de talent qui ne prétend faire que ce qui l’amuse et récuse toute contrainte économique et sociale.
Pourtant, la photographie de mode, cette partie longtemps occultée de son travail de photographe professionnel, demeure le témoignage d’une incontestable réussite.
Le parcours de l’exposition se déroule à travers les sections suivantes:
Du portrait des années 1920 à la photographie de mode, La montée de la mode et de la publicité et L’apogée d’un photographe de mode, les années Bazaar.

Musée du Luxembourg
19, rue Vaugirard, 75006 Paris

ouverture
tous les jours de 10h30 à 19h / nocturne jusqu’à 22h le lundi
fermetures exceptionnelles à 18h les 24 et 31 décembre

   Send article as PDF   

Sommaire du mois de septembre 2020

Robes du soir, présentées dans l’exposition Man Ray et la mode au musée du Luxembourg
Jeanne Lanvin et Jean Charles Worth (1925)

20 septembre 2020 : Le Monument, Le Labeur Et L’hippocampe
15 septembre 2020 :  Delphine Gutron
12 septembre 2020 :  Taro Izumi. ex
08 septembre 2020 : Pour tout le sel de la terre
06 septembre 2020 : Susanna Fritscher, Frémissements
04 septembre 2020 : Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

   Send article as PDF   

Pour tout le sel de la terre

photo Sylvain Scubbi

Dépaysement et anthropocène du Bassin potassique

Au séchoir, « Pour tout le sel de la terre », jusqu’au 20 septembre 2020

Dans le cadre de la Biennale de la Photographie de Mulhouse,
commissaire général: Anne Immelé,
l’exposition collective conçue par Mickaël Roy, propose une lecture post-industrielle, environnementale et sociale du Bassin potassique alsacien à travers une sélection de photographies de
Bernard Birsinger, Stéphane Spach, Dominique Bannwarth,
Jacky Naegelen & Sylvain Scubbi.

                                      Sandrine Stahl, Mickaël Roy, Anne Immelé

Origine du projet

Mickaël Roy, commissaire d’exposition raconte :
C’est un projet qui vient de ses années d’adolescence durant lesquelles il fréquenta le collège Joliot-Curie de Wittenheim.
« Le collège est construit sur un ancien puits minier, mais jamais personne ne nous a parlé de l’histoire minière, aucune trace, aucune plaque ne rappelle cette mémoire. Partant de cette forme d’amnésie collective, je me suis dit qu’il serait intéressant de faire émerger une mémoire visuelle et sociale de ce territoire. »

Bernard Birsinger


Cinq photographes

Trois corpus d’images y sont rassemblés, dont certaines n’ont jamais été montrées en Alsace, et témoignent de la transformation des paysages d’un territoire alsacien emblématique.

                                          Stéphane Spach
Mickaël Roy y a rassemblé les travaux de cinq photographes publiés dans les années 1980 et 1990. Ils étaient tout jeunes alors ! Stéphane Spach, aujourd’hui installé à La Claquette dans le Bas-Rhin, a derrière lui une belle carrière de photographe ; autodidacte, il a longtemps été inspiré par la nature et s’adonnait aussi à la photographie culinaire. Il a publié en 1999   Terres fertiles , dont sont tirés les clichés exposés.

                                   Dominique Bannwarth, Sylvain Scubbi

Jacky Naegelen et Dominique Bannwarth travaillaient quant à eux à l’agence locale de L’Alsace à Wittelsheim lorsqu’ils publièrent Kali avec Sylvain Scubbi. Le premier a mené depuis une brillante carrière de photographe de presse pour Reuters, il est aujourd’hui retraité. Le second exerce toujours, au sein du journal L’Alsace , mais il a privilégié l’écriture. Le dernier a assidûment pratiqué la photo en parallèle d’une carrière dans l’industrie.

                                      Bernard Birsinger

Quant à Bernard Birsinger, il fut partie prenante de la Mission photographique de la Datar (Délégation interministérielle à l’aménagement du territoire et à l’attractivité régionale) dans les années 1980 et en dévoile quelques clichés. Photographe professionnel, il a mené une carrière prolifique en expositions et en ouvrages.

                                        Sylvain Scubbi

Histoire sociale et dimension mémorielle

Tout en noir et blanc, avec quelques photos actuelles qui concèdent à la couleur dans cette exposition où le documentaire se mélange au patrimoine. Histoire sociale, humaine, patrimoniale, environnementale, tout est abordé ici, par la force des photographies.
« Un territoire conserve la mémoire des lieux. Le Bassin potassique a été habité et transformé par le prisme du temps et des transitions humaines et environnementales. Les photographes ont saisi des images dignes d’être représentées, que ce soit dans une dimension documentaire, frontale ou sublime et onirique », complète Mickaël Roy.
Le commissaire de l’exposition insiste aussi sur sa dimension mémorielle et souhaite qu’elle soit une amorce à quelque chose de plus large, conviant le public à partager des témoignages ou des photos.

avec l’aimable autorisation pour le texte de Claudine Studer Carrot

 

Mickaël Roy, commissaire

 

Après des études d’histoire de l’art, on a pu le rencontrer au Musée des beaux-arts de Mulhouse en tant que médiateur culturel. Puis il développe une pratique indépendante de recherche en arts, de critique d’art, de commissariat d’expositions et de projets artistiques ainsi que d’enseignement, de conférences et de médiation dans le champ des arts visuels et plastiques.
Il a œuvré notamment auprès de la Biennale d’art contemporain de Lyon, de la galerie du Granit à Belfort, mais aussi plus récemment comme chargé de mission à la mairie de Wittenheim. Mickaël Roy est actuellement chargé du développement culturel auprès de l’association Emmaüs Centre-Alsace, avec notamment la préfiguration d’un lieu d’action artistique, culturelle et solidaire, la villa Kientz.
Le thème du Bassin potassique s’est imposé à lui lorsqu’Anne Immelé, directrice artistique de la Biennale de la photographie de Mulhouse, lui a confié le commissariat d’une exposition pour l’édition 2020.

Plusieurs expositions se déploient dans Mulhouse :

Ce noir tout autour qui parait nous cerner,
Nolwenn Brod, Isabelle Giovacchini, Jean-Baptiste Grangier,
Alain Willaume, Giovanna Silva,
Geert Goiris ainsi que des photographies issues de la collection de
Madeleine Millot-Durrenberger
(commissariat d’Anne Immelé au Musée des Beaux-arts),
Avant la nuit de Christophe Bourguedieu
à La Filature,
Comme des tourbillons de poussière, exposition collective conçue par
Pascal Amoyel
à la Galerie de la bibliothèque, se déploie à partir des séries photographiques d’Olivier Kervern, Louis Perreault, Antoine Seiter et Jean Marquès.

Le Séchoir
25, rue Josué Hofer
68200 Mulhouse

   Send article as PDF   

Susanna Fritscher, Frémissements

Jusqu’au 14 septembre 2020, au Centre Pompidou Metz

Un coup de coeur
Au cœur de l’architecture blanche du Centre Pompidou-Metz,
Susanna Fritscher, transforme en paysage imaginaire une des galeries suspendues entre terre et air.
Tout le plateau est pris par l’installation (vidéo), avec le jeu de la baie vitrée du musée, qui si l’on avance donne à voir, un paysage large, de loin, la vue sur l’église de Metz.

Le plaisir des yeux, mais de la permanence de l’éphémère

L’artiste autrichienne installée en France qui a récemment fait basculer les espaces des Mondes Flottants de la Biennale de Lyon, du Musée d’arts de Nantes et du Louvre Abu Dhabi dans l’immatérialité, réinvente notre relation au réel, à ce qui nous entoure, à l’environnement qu’elle soulève, trouble, confondant l’atmosphère avec l’architecture qui devient liquide, aérienne, vibratile.


« Les matériaux que j’utilise, plastiques, films, voiles ou fils, sont si volatiles qu’ils semblent se confondre avec le volume d’air qu’ils occupent. Dans le jeu qu’ils instaurent dans et avec l’espace, la matérialité bascule et s’inverse : l’air a désormais une texture, une brillance, une qualité ; nous percevons son flux, son mouvement. Il acquiert une réalité palpable, modulable – une réalité presque visible – ou audible, dans mes œuvres les plus récentes qui peuvent se décrire en termes de vibration, d’oscillation, d’onde, de fréquence… »
précise l’artiste.

                                                Photo centre Pompidou Metz

Elle explore le système d’aération du Centre Pompidou-Metz comme un organisme dont elle capte le pouls. Les pulsations de l’air qui émanent de son métabolisme deviennent la matière première d’une chorégraphie de lignes formées par les longs fils de silicone qui captent et reflètent la lumière. Les vagues ondulatoires sans cesse réinventées se propagent et mettent en branle cette forêt impalpable que les visiteurs sont invités à traverser. La nef du centre d’art résonne et amplifie les flux d’air qui y circulent et qui la métamorphosent en un immense corps sonore, instrument à vent qui laisse sourdre les souffles libérés du bâtiment.

Ce belvédère sensible et propice à la contemplation capte les mouvements et frissonnements de la nature. Comme par capillarité, les rythmes générés par ces lignes infinies de silicone, que Susanna Fritscher dompte et orchestre, vibrent et s’harmonisent à l’unisson avec ceux des corps des visiteurs-promeneurs, invités à se détacher de la pesanteur, de la gravité. Cet environnant rend également perceptible l’instabilité du temps présent et ses frémissements figurent alors un prélude ou une invitation à de possibles soulèvements. Les visiteurs apparaissent comme des grisailles.

France Culture, la critique à partir de 17 mn

   Send article as PDF   

Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

Prénom : Richard
Nom : Chapoy
Profession : promeneur dans les arts
signe particulier : dendrophile

Faut-il encore le présenter ? Il est « presque » connu comme le loup blanc dans sa jungle poétique d’arbres, présent localement dans de nombreuses expositions, et sur les réseaux sociaux.

Les 28/29/30 août les visiteurs ont pu découvrir ses dernières créations disséminées dans son jardin, bien en évidence ou cachées dans la végétation luxuriante de l’été, ainsi que dans son atelier qui occupe une bonne partie de son sous-sol à Illzach.
Un dessin a été offert au visiteur, à choisir dans la profusion de sa production par celui qui réfute le qualificatif d’artiste.
Ce gaucher contrarié, en guise de représailles contre les Ayatollahs de la main droite, a autorisé dans ses cours, l’usage de toute possibilité permettant de
dessiner . Il a enseigné le dessin dans différents collèges et endroits de la région.

Comment est- vous venu à l’art ?

Enfant en découvrant les reproductions des impressionnistes et des fauves dans l’almanach que recevait ma grand-mère tous les ans. Très marqué par l’entrée en gare St Lazare de Monet (une grande émotion la première fois devant le tableau au musée d’Orsay).

Depuis quand dessinez-vous ?

Depuis ma petite enfance, une activité importante avec plein de petits bricolages.

Comment définissez-vous votre travail ?

Une promenade quotidienne dans les mélanges improbables, une recherche de matières, de réactions, vers une simplification maximale avec le temps …

Faites-vous des dessins préparatoires ?

Non, tout démarre comme une improvisation qui se structure sur la durée avec un fond d’expérimentations et de souvenirs.

Quand travaillez-vous ?

Tous les jours, tout le temps. Dans l’atelier ou le jardin. En fonction du jour, je peux commencer à 6h le matin jusqu’à 23h. Entre 3 et 12h par jour depuis 30 ans par besoin vital !

Quelle est votre technique ?

Un jeu avec toute sorte de constituants, une « cuisine » très personnelle.
Toutes sortes de papiers, papier de soie, papier Kraft, cartons, bois, boîtiers de CD, nacre…) et des réactions entre les produits (émulsions instables, matières végétales, solvants, acides, colorants, encres…)

On pourrait y chanter les petits papiers de Gainsbourg et Régine

Vous référez-vous à des maîtres ?

Très nombreux depuis mon enfance : Monet, Matisse, Ernst, Magritte, Klee, Alechinsky, Hartung, Dubuffet, Soulages, Baselitz, Fautrier, Richard Long, Richard Serra, Mondrian (hommage à) … et d’autres.

Références littéraires : Antonin Artaud (les œuvres complètes), Henri Michaud, Pierre Daix, Michel Pastoureau, Michel Draguet …

Le confinement a t’il influé votre travail, on a pu voir de nombreuses publications sur un réseau social ?

Pas de changement sauf une réalisation quotidienne de paysages imaginaires. Pas d’incidence, je suis un contemplatif très affairé, sans angoisse ni certitude avec un besoin vital de faire !

A cause du confinement, 4 expositions ont été annulées, 4 réalisées, 3 en prévision cette année.

A venir, une exposition à la cave dimière
de Guebwiller,
Pour être informé de ses prochaines expositions, vous pouvez consulter les informations sur sa page Faceboock
ci dessous

 

L’artiste

« Je ne suis pas artiste juste un promeneur dans les arts, l’actualité me fait parfois réagir (quelques dessins et peintures sur les naufrages des migrants en méditerranée mais que je ne mettrais pas en vente) mais pour l’essentiel je suis « homme des cavernes »  loin des visions sociologiques ou politiques de certains.« 
La simplicité d’une forme d’art, le plaisir du regard partagé, mon petit univers en croissance permanente …

 

Sa devise :

Pour une poésie du concret, pour que l’improbable trouve une réalité.

Sa définition de l’art :

Un souffle de vie, comme un vent apportant l’émotion.

Richard Chapoy -ARTCHIMIE–   

   Send article as PDF   

Christophe Bourguedieu

Exposition à la Galerie de la Filature de Mulhouse jusqu’au 13 septembre 2020

Le temps fort de la 4e Biennale de la photographie de Mulhouse (BPM)

Christophe Bourguedieu a été l’hôte de la galerie de la Filature en 2002, c’était déjà une proposition d’Anne Immelé, collaboratrice à l’époque, pour la programmation et le suivi des projets auprès de Paul Cottin.
Christophe Bourguedieu nous a guidé à travers son exposition, « Avant la Nuit », en toute improvisation, en ponctuant certains éléments, en soulignant, la pertinence ou la cohérence de ses choix, soutenu, par la commissaire Anne Immele, qui est à l’initiative du choix du photographe, qui souligne la commande de la photographie spécialement conçue pour Mulhouse.

Une salle dédiée à Mulhouse

Une salle est spécifiquement dédiée à Mulhouse, des paysages, des maisons,
des personnages, qui devraient être le reflet de notre ville.
D’autres photographies, provenant du monde entier où Christophe a voyagé proposent des lieux étranges, parfois très impersonnels. Des liens imperceptibles se voient, par certaines couleurs, un peu de rouge, comme le petit pan de mur jaune …. une voiture jaune, des volets de même couleur, une lumière idéale, une photo parfaite.


La présence de certains animaux, des constructions se répondent par des jeux de symétrie, ou des inversions, suggérant la possibilité d’une lecture différente.
Un boxeur, un Botticelli, un après-midi chez le voisin d’Anne, un hôtel mulhousien (Witz), de belles jeunes femmes, un chien blanc, en rappel un ragondin blanc, toutes ses choses doivent faire sens et lien. L’univers de Wim Wenders, d’Edward Hopper, par le côté impersonnel, voire mélancolique, sensoriel.

Christophe Bourguedieu est un photographe mondialement connu et reconnu

Il n’aime pas les images trop évidentes, trop esthétiques, trop symboliques, trop militantes, voire, trop humaines. Ses photographies peuvent sembler anodines, impersonnelles, sa recherche de la neutralité est presque obsessionnelle, pas de couleurs claquantes. Il s’attache à la lumière, à l’espace, à la singularité.

La BPM-BIENNALE ou

le Microcosme mulhousien de la culture masqué


Benoit André professionnel de la culture, ancien de Chaillot est à son affaire, il n’a pas eu de chance, nouveau directeur de la Filature depuis le 1er janvier, il est tombé de plein pied dans la pandémie. Il s’est fait fort de faire ouvrir la Galerie de la Filature, auprès des autorités préfectorales qui lui opposaient la COVID, ce qui a permis d’exposer les photographies de Christophe Bourguedieu,
À la tombée de la nuit.

Anne Immele, professeur, docteur en Photographie, maitre d’œuvre de la Biennale, nous explique avec enthousiasme la cohérence des photos exposées, l’étrangeté de l’ambiance dans le contexte actuel, de la pandémie, du désert culturel, des catastrophes mondiales, Californie, Liban, Australie, l’image de Mulhouse en lien avec St Nazaire, une photo de l’arrêt de tram St Nazaire…..

Anne Catherine Goetz, nouvelle adjointe à la culture issue des récentes élections municipales, par son discours de vernissage, inaugure ses nouvelles fonctions, et ouvre ainsi l’exposition Christophe Bourguedieu,

Éric Kheliff, comédien, vice-président de MAC,  en doublure de Dominique BANNWARTH, président de MAC, absent pour cause de vacances, déclame ou plutôt lit son papier, pour se féliciter de la participation de MAC à la Biennale et à la Galerie de la Filature, de leur partenariat avec l’Agrandisseur. Il remercie, Christophe Bourguedieu, Anne Immele, Benoit André et Anne Catherine Goetz pour leur collaboration. En conclusion il annonce une future exposition en off, de l’artiste Fahd El Jaoudi, soutenu par MAC, Mulhouse Art Contemporain.

L’exposition est accompagnée d’un guide de salle, édité par Novo, dans lequel vous pouvez lire un entretien entre Michel Poivert et Christophe Bourguedieu.

il est très difficile de photographier des photos

Informations

Des visites aux horaires suivants :
du mardi au samedi de 13h30 à 18h30
Sauf samedi 29 août de 11h à 18h30

Dimanche 30 août de 14h à 18h

Visites commentées possibles sur RDV (à partir de 4 personnes)
au 06 99 73 81 80 ou agrandisseur@gmail.com

   Send article as PDF   

Christo au musée Würth

Le Musée Würth d’Erstein (Bas-Rhin) présente du 12 juillet 2020 au
20 octobre 2021 une vaste rétrospective à Christo et Jeanne-Claude (1958-2019) ,
grâce au fonds exceptionnel de la Collection Würth
Claire Hirner
, commissaire

 Le musée alsacien ,  propose de pénétrer plus intimement un œuvre
qui marque de son empreinte le paysage artistique et l’imaginaire
collectif des XXe et XXIe siècles.

Dessins, croquis, esquisses, collages et maquettes

Ils ont préfiguré, défendu et illustré les projets majeurs de la carrière du couple de 1958 à 2019 : les portiques de Central Park, les chemins flottants sur le lac Iseo, l’empaquetage du Reichstag, du Pont-Neuf ou des îles de la baie de Biscayne, les parapluies jumelés d’Ibaki et de Los Angeles, le rideau tendu dans la vallée du Colorado…

                                        CHRISTO ET JEANNE-CLAUDE
                                           Valley Curtain, Rifle, Colorado 1970-72

L’exposition reflète le parcours créatif d’une vie.
Fidèle à sa démarche de qualité en marge des sentiers battus, le Musée Würth d’Erstein, au sud de Strasbourg,  fait écho à l’empaquetage spectaculaire par Christo de l’Arc de triomphe (18 septembre-3 octobre 2021)
en mettant en lumière le talent de dessinateur extraordinaire mais peu connu de l’artiste américain d’origine bulgare décédé récemment (31 mai 2020).

Le processus complexe d’élaboration des projets du couple

Christo et Jeanne-Claude ont créé, à quatre mains, un geste poétique fort, coloré, rythmé, immédiatement reconnaissable dans sa singularité, son mystère et sa beauté. Leurs empaquetages, recouvrements, tentures,
parapluies et murs de bidons les ont gratifiés d’une visibilité et d’une notoriété publique mondiales. Les traces dessinées portant signature de Christo sont plus
confidentielles et pourtant essentielles à la concrétisation de leurs installations.

                             portiques de Central Park
Ces véritables œuvres d’art – des tableaux souvent de larges dimensions associant carte topographique, photo, plans et dessin du projet émaillés de notes, souvent même d’un échantillon de tissu – témoignent
du processus de création, souvent mesuré à l’aune de décennies, d’un couple d’artistes sans égal. Elles invitent aussi à considérer autrement, « au mur » et à échelle humaine, en regard de photographies des projets aboutis, des œuvres monumentales dont on ne connaît souvent que la forme finale, aussi impressionnante que temporaire.

La rétrospective du musée Würth

Ces travaux préparatoires, inscrits dans la tradition du dessin de drapé tout autant que dans la modernité, sont également, depuis longtemps, une ressource
déterminante du couple pour l’autofinancement de ses installations.
Pour sa rétrospective, seul acteur en région de cette manifestation d’envergure nationale, et sur une large période de dix mois, le Musée Würth d’Erstein puise dans le fonds exceptionnel de la Collection Würth, qui a acquis depuis la fin des
années 1980 quelque 130 esquisses et maquettes, et témoigne du
soutien résolument engagé de l’industriel et collectionneur Reinhlod Würth envers cet œuvre remarquable.


                          chemins flottants sur le lac Iseo
Une occasion unique de découvrir un visage méconnu de l’art de Christo, peu représenté dans les collections publiques et complémentaire des événements qui animent la capitale française en 2021. Ces dessins et maquettes sont une sorte de mémoire inaltérable d’installations qui elles ont disparu. Très tôt, Christo et Jeanne-Claude ont eu conscience de l’importance de ces traces. Ils ont documenté, filmé leurs préparatifs ou leurs négociations dès leurs débuts.

Pénétrer le processus de création

 Les propos de Christo servent de guide à cette traversée rebroussant le temps, des projets les plus récents – et des dessins de plus grand format, allant jusqu’à plus de 2 mètres – jusqu’aux années 1950.
« L’œuvre d’art, ce n’est pas l’objet mais le processus »,
citation sur laquelle s’ouvre le rez-de-chaussée, pourrait accompagner l’ensemble de la rétrospective.

vue du musée RDCH

Un talent de dessinateur remarquable et peu connu

 Chaque œuvre est singulière dans sa genèse, sa maturation et sa réalisation, chacune possède une histoire qui lui est propre, déroulée au fil de travaux préparatoires dessinés.

Enfin, cette rétrospective permet de mettre en lumière le talent de dessinateur remarquable et peu connu de Christoil signe de son nom seul ses dessins,
contrairement aux projets, dont il partage la paternité avec Jeanne-Claude –, que le grand public considère principalement à l’aune de ses empaquetages, et que les collections publiques valorisent peu.
Pour cet artiste qui reconnaît que « les croquis d’un architecte sont parfois
meilleurs que ses constructions », le dessin est primordial.
Comment ne pas le rapprocher, avançant
                                                                                                      Wrapped Oil Barrels
sur ce « chemin du réel » qu’est pour lui le dessin avec un constant souci du textile et de sa représentation, d’artistes ayant pratiqué l’art du drapé, notamment d’un Léonard de Vinci, lui aussi obsédé par cette quête du réel et de la vie, couvrant des carnets entiers de tombées d’étoffes ?

L’empaquetage du Reichstag.

Reinhold Würth avait également sollicité le couple d’artistes pour un
empaquetage de l’intérieur du Museum Würth de Künzelsau (BadeWurtemberg), en 1995, l’année de l’empaquetage du Reichstag.
Aux côtés de l’habillage du Reichstag (1971-1995) –
représenté par la maquette mais aussi par de nombreux
dessins – est évoqué l’empaquetage intérieur du Museum
Würth en Allemagne (1994-1995) et celui, extérieur, des
arbres de la Fondation Beyeler (Suisse, 1997-1998).

Christo et Jeanne Claude, l’empaquetage du Reichstag 1971-1995
Encourager de nouvelles expériences sensorielles

La première pièce de l’étage met en scène les dessins et photos d’un projet initié en 1984, étiré non plus seulement dans le temps mais aussi dans sa géographie :
en 1991, trois mille cents parapluies sont plantés et ouverts simultanément à Ibaki, au Japon (parapluies bleus), et sur trente kilomètres au nord de Los Angeles, aux États-Unis (parapluies jaunes), créant une œuvre
jumelle inscrite dans des espaces et des cultures différents.

                                         parapluies jumelés d’Ibaki
Prémonition des Floating Piers italiennes, les Surrounded Islands habillent,
dès les années 1980, les îles de Biscayne Bay, en Floride, d’un voile rose. Le Pont-Neuf reflète quant à lui, en 1985, son drapé jaune d’or dans la Seine.
L’eau est très souvent présente dans les projets de Christo et Jeanne-Claude – illustration de cette « expérience sensible » que le couple invite à vivre avec ses œuvres.
En témoignent encore les dessins des chemins recouverts de Kansas City (Wrapped Walk Ways, 1977-1978), du
ruban flottant sur les collines californiennes de Running Fence (1972-1976), du rideau orange tendu entre deux falaises du Valley Curtain Project for Rifle (1970-1972), de
l’empaquetage de la Little Bay en Australie (1968-1969)…

Quand Christo emballe une femme
Wrapping Woman Düsseldorf, 1963

On peut voir sur une vidéo, le déroulement de l’opération
Christo et Jeanne-Claude : un geste poétique à quatre mains

«Il n’y a aucun message, confiait Christo à propos de son Mastaba
installé sur le lac Serpentine à Londres en 2018. Il y a quelque chose
à découvrir soi-même. C’est une invitation géante, comme un escalier
tendu vers le ciel
Avant de clore son parcours à travers ce riche corpus, le Musée Würth d’Erstein évoque des projets pensés dans les années 1960-1970 – réalisés ou non – pour Barcelone, Milan, Rome, Time Square, la Kunsthalle de Berne, le Whitney Museum of American Art et la documenta IV de Cassel.
« On voit que le dessin, dès les débuts de l’artiste, précise Claire Hirner, a accompagné la pensée de Christo, conscientisé ses interrogations, ses réflexions sur
la faisabilité de ses projets. »
La boucle est bouclée avec les Wrapped Oil Barrels, que l’on peut voir comme des préliminaires, en 1958, du Mur de 1999 abordé en début
d’exposition.▪

D’origine bulgare, naturalisé américain, Christo (1935‑2020) a depuis longtemps tissé des liens étroits avec Paris : installé dans la capitale française de 1958 à 1964, il y rencontre son épouse Jeanne‑Claude (1935‑2009), avec qui il donnera naissance à un œuvre singulier, et y habille son plus vieux pont, le PontNeuf. Christo et elle seraient nés le même jour à la même heure. 
L’inédit du propos, le gigantisme de l’œuvre et son accessibilité au grand public, le renouvellement du regard sur le patrimoine parisien auquel elle invite créent à l’époque l’enthousiasme, après des années de négociations et d’études.

Informations

Entrée gratuite
pour tous et tous les jours
Horaires
Du mardi au samedi, de 10h à 17h
Dimanche, de 10h à 18h
Groupes et visites guidées
Renseignements et réservations
+33 (0)3 88 64 74 84
mwfe.info@wurth.fr
Visites guidées :
Français : tous les dimanches à 14h30





   Send article as PDF   

Sommaire du mois de juillet 2020

Chez ta mère, la guinguette de Motoco
photo Antonio Piccarreta Talis

25 juillet 2020 : The Incredible World of Photography Collection Ruth et Peter Herzog
23 juillet 2020 : Friedrich Dürrenmatt. La satire dessinée
12 juillet 2020 : POP-UP artistes
03 juillet 2020 : BPM-Biennale de la Photographie de Mulhouse

   Send article as PDF   

Friedrich Dürrenmatt. La satire dessinée

Les noces de Cana

Jusqu’au 31 octobre 2020
Au Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’Illustration,
à Strasbourg

« Par rapport à mes œuvres littéraires, mes dessins ne sont pas un travail annexe, mais des champs de bataille, faits de traits et de couleurs »
écrivait en 1978 l’auteur suisse Friedrich Dürrenmatt (1921-1990).

Pourtant, même si ses pièces de théâtre comme Les Fous de Dieu
(1947), La Visite de la Vieille Dame (1955) et Les Physiciens (1962) ont été traduites en plus d’une quarantaine de langues, son œuvre graphique reste aujourd’hui largement méconnue. C’est pourquoi le Musée Tomi Ungerer-Centre international de l’Illustration propose de faire découvrir pour la première fois en France près de 100 dessins originaux de l’auteur, grâce aux prêts généreusement consentis par le Centre Dürrenmatt Neuchâtel et les collections privées suisses Liechti et Bloch.

Mythologie et bible

Inspirés par Goya et et Bosch l’univers dessiné de Friedrich Dürrenmatt et peuplé entre autres de figures issues de la bible et de la mythologie.
Il aime représenter des scènes terrifiantes comme celles de l’Apocalypse et des figures monstrueuses comme le Minotaure. Dans son répertoire iconographique une place est réservée aux Anges, ces intermédiaires entre le divin et l’humain, qu’il traite de manière humoristique et même satirique.

Tomi Ungerer, Babylone

Tomi Ungerer et Friedrich Dürrenmatt partageaient le même regard critique sur la société de leur époque. L’auteur suisse écrivit même une préface pour Babylon, un recueil de dessins satiriques de Tomi Ungerer publié en 1979 chez leur éditeur commun, Diogenes Verlag à Zurich.  Il qualifie ceux-ci de hyéroglyphes de la terreur. Tomi Ungerer illustre dans un style graphique qui évoque les lithographies de Daumier, les grands maux de notre société moderne, de la déshumanisation et de la surconsommation.

Satire sociale et politique

Il s’est montré un juge féroce de notre temps dans ses œuvres graphiques et littéraires. Tracés au stylo à bille ou à l’encre ses dessins sont mordants et spontanés. Il a illustré des sujets très divers allant des critiques littéraires à l’église, la dictature, la bombe atomique. Sa critique politique atteint un sommet dans Die Heimat im Plakat. Ein Buch für Schweizer Kinder (la patrie dans l’affiche, un livre pour les enfants suisses) où il se livre à une attaque violente de son propre pays.

Le Monde, un théâtre

L’œuvre graphique et picturale de FD « dessinateur dramaturgique » est intimement liée à son œuvre littéraire. S’il illustre rarement ses propres créations, en revanche, il donne à ses dessins une dimension tragique. Le collage qu’il expérimente en parallèle sur le plan littéraire avec le montage

(Portrait d’une planète) est l’une des techniques qui y contribue.
Ce n’est qu’à la fin des années soixante qu’il l’utilise avec des documents découpés associés à la gouache.

Les livres pour enfants

Mais cet ogre était aussi capable de tendresse comme en témoigne le livre, haut en couleurs et plein de fantaisie, qu’il avait dessiné dans les années 1950 pour ses trois enfants.

Un livre pour les enfants suisse est un recueil de dessins satiriques réalisés par FD, suite à l’épidémie de typhus qui a contaminé en 1963 la célèbre station de
Zermatt et que les autorités ont voulu dissimuler. L’artiste a choisi d’intituler le dessin qui montre un cadavre pendu par un cor de chasse qui est suspendu à un crochet de boucher, « Auf Hor steht Todesstrafe », littéralement « sur le cor est inscrit peine de mort » Il se livre à un jeu de mot à partir de « Horn » qui signifie cor de chasse. Le mot apparait aussi dans le nom de la montagne qui domine Zermatt, « Matterhorn » (le Cervin) et qui pourrait être déformé en « Marterhorn » (pic de la torture). Dürrenmatt joue ainsi sur les anti-thèses (santé-maladie, paradis-enfer) qui reflètent toute l’ambiguité de la situation de l’époque

Commissariat : Thérèse Willer, conservatrice en chef du Musée Tomi Ungerer
et avec le conseil scientifique de Peter André Bloch, professeur émérite à l’Université de Haute-Alsace

 INFORMATIONS PRATIQUES
Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’Illustration
2, avenue de la Marseillaise, Strasbourg
Ouvert tous les jours de 10h à 18h – sauf le mardi
Tél. +33 (0)3 68 98 50 00

   Send article as PDF