Art Karlsruhe 2024

Pour son édition 2024, art KARLSRUHE, l’une des plus importantes foires
internationales d’art d’Europe, revient à ses dates de programmation habituelles. La foire offre un vaste panorama des 120 dernières années, donc à la fois modernes et contemporaines, a lieu en ce moment,  du 22 au 25 février 2024.
La nouvelle direction est formée par un duo composé d’Olga Blaß, historienne de l’art, et Kristian Jarmuschek, galeriste et président de la Fédération des galeristes et marchands d’art allemands. Le Comité consultatif d’art KARLSRUHE, présidé par M. Jarmuschek, a désigné les 170 galeries originaires de quinze pays différents qui exposent dans les quatre halls baignés de lumière du parc des expositions de Karlsruhe. La nouvelle équipe a choisi de renforcer la présence des artistes du XXe siècle, tout en accordant une place prépondérante à la sculpture, souvent de très grand format, au coeur de la manifestation.

Les nouveautés d’art KARLSRUHE

Pour mettre en avant les galeries nouvelles venues, un statut de « Newcomer » a été instauré pour les galeries fondées en 2020 ou plus tard et celles qui avaient participé au salon moins de trois fois. Parmi les dix « Newcomers », citons en particulier les galeries PAW (Karlsruhe) et Tempesta (Milan), qui exposent de l’art contemporain, et LE Gallery (Keerbergen/Belgique), qui présente des oeuvres d’art moderne classique.


Par ailleurs, un statut de « Friends » est proposé. Une galerie peut inviter une autre galerie amie en co-exposant.
Trente-sept exposants regroupés dans le « Paper Square », quant à eux, présentent exclusivement des oeuvres sur papier. Dans le nouvel espace dédié, les amateurs peuvent trouver des propositions pour toutes les bourses. Cette nouveauté s’inscrit dans la tradition de l’exposition spéciale d’estampes organisée au salon depuis de nombreuses années.


Outre les espaces « Sculpture » organisés de longue date dans le cadre d’
art KARLSRUHE et présentant de grandes oeuvres en trois dimensions, cette
édition du salon propose également vingt-quatre « spots Sculpture »
autour de l’atrium vitré, présentant une seule oeuvre, avec notamment des créations de Walter Moroder (galerie Baumgarten), Ingrid Hartlieb (Imke Valentien), Thomas Röthel (Geissler Bentler), Olga Golos (Heckenhauer) et Markus Lüpertz (ArtAffair).

Forte présence de l’art du XXe siècle

Les amateurs d’art visitant le salon peuvent apprécier les nombreuses oeuvres d’art moderne classique (Picasso, Braque, Chagall, Kirchner, Nolde…) et de l’après-guerre (Hartung, Tapiès…) présentées par des galeries célèbres
telles que Raphael (Francfort), Hafenrichter (Nuremberg), Schlichtenmaier (Stuttgart), Rudolf (Kampen/Sylt), Dr. Michael Nöth (Ansbach), Samuelis Baumgarte (Bielefeld), Thole Rotermund (Hambourg), Geissler Bentler (Bonn), Ludorff et Schwarzer (Düsseldorf), Luzán et Malte Uekermann (Berlin), MDA (Höganäs/Suède). Notons également le retour au salon des galeries Geiger (Constance) et Henze & Ketterer (Bâle/Riehen).

OEuvres contemporaines présentées par de grandes galeries

Quant à l’art contemporain, il est exposé par des galeries prestigieuses, habituées du salon ou nouvelles venues, notamment Commeter (Hambourg), Scheffel (Bad Homburg), Meyer Riegger (Karlsruhe), Renate Bender (Munich), Dr. Dorothea van der Koelen (Mayence/Venise), Benden & Ackermann (Cologne), Cosar et Petra Rinck (Düsseldorf), Friese et Hilleckes Gallery (Berlin).


Britta Wirtz, directrice de la société Karlsruher Messe-und Kongress GmbH, déclare à ce sujet :
«C’est un vrai plaisir de voir le nombre de grandes galeries ayant postulé pour un stand au salon, qu’il s’agisse d’habitués ou de nouveaux candidats. Ce qui souligne que les nouveautés apportées à la prochaine édition du salon, en particulier la restructuration des halls d’exposition, sont bien acceptées par les futurs exposants. De plus, nombre de galeries ont opté pour le statut d’exposant “Newcomer” ou “Friend” nouvellement proposé ».

Beaucoup de galeries originaires de Francfort

Les galeries basées à Francfort, ville proche de Karlsruhe, sont particulièrement bien représentées. Parmi celles-ci, Schierke Seinnecke a choisi art KARLSRUHE pour sa première participation à un salon artistique. Citons encore les galeries Schlieder (nouvel exposant) et Hübner & Hübner (de retour au salon), ainsi que les galeries Greulich, Maurer, Heike Strelow et Raphael und Monica Ruppert (qui exposaient déjà en 2023).


Vingt-huit exposants – notamment le fondateur d’art KARLSRUHE, Ewald Karl Schrade (Karlsruhe/Mochental), Burster (Karlsruhe/Berlin), Thomas Fuchs et Michael Sturm (Stuttgart) – sont par ailleurs originaires du Bade-Wurtemberg, tandis que dix-neuf autres – parmi lesquelles Tammen, Schmalfuss et Mianki. Gallery – sont basées à Berlin.

OEuvres des 120 dernières années

L’édition 2024 d’art KARLSRUHE offre un panorama de la production des cent-vingt dernières années, couvrant ainsi la période allant de l’art moderne classique à l’art contemporain. Kristian Jarmuschek déclare à ce propos avec satisfaction :
« En participant pour la première fois, avec le Conseil, à la sélection des exposants, j’ai pu constater à quel point les galeries proposaient des oeuvres remarquables et de jeunes artistes très prometteurs ».
De fait, la liste des artistes représentés se lit comme le
« Who’s who » de l’art des XXe et XXIe siècles, puisqu’elle mentionne Marc Chagall, Lyonel Feininger, Ernst Ludwig Kirchner et Pablo Picasso, des représentants du popart, du groupe Zéro et des Informels (notamment Max Ackermann, Rolf Cavael et Bernard Schultze), sans oublier les
« maîtres anciens » de l’art contemporain (Damien Hirst, Sigmar Polke, Neo Rauch et Gerhard Richter) ni des peintres et sculpteurs célèbres tels que Alexander Calder, Jean-Michel Basquiat et Mimmo Paladino. Cette
liste inclut même de tout jeunes artistes, parmi lesquels Anne Carnein, Ambra Durante et Matthias Garff.
Olga Blaß se réjouit de la grande diversité de styles et de prix des oeuvres exposées :
« Notre intention est de nous adresser aussi bien aux collectionneurs confirmés qu’à un public jeune, auquel nous entendons présenter des oeuvres à un prix abordable, notamment celles sur papier exposées au “Paper Square” organisé dans le Hall 3 ».

Nouvelle disposition de l’espace d’exposition d’art KARLSRUHE

Hall 1. – « Art moderne classique et art contemporain ». L’espace sera consacré à l’art d’avant 1945 mis en résonance avec l’art contemporain. On pourra y apprécier plus particulièrement la qualité muséale des oeuvres présentées par les exposants.
Hall 2. – « Art après 1945 et art contemporain ». Cette section présente des oeuvres modernes d’après-guerre de grande qualité en dialogue avec les réalisations les plus contemporaines.
Hall 3. – « Artication ». Ce mot-valise combine les concepts d’art et d’éducation. On trouvera notamment dans cette section les institutions, mais aussi le nouvel espace « Paper Square » dédiés aux travaux sur papier, l’exposition spéciale de collections privées, l’ « Academy Square » qui présente les travaux des diplômés actuels des écoles d’art du Bade-Wurtemberg ainsi qu’une multitude d’institutions culturelles comme le Zentrum für Kunst und Medien (ZKM), les académies d’art et les associations artistiques.


Hall 4. – Ce dernier hall, nommé « dm-arena », est placé sous le signe de la découverte.
« Discover » est ainsi consacré à l’art actuel et présente les galeries de la catégorie
« Newcomer« . re:discover – la redécouverte d’artistes injustement oubliés
Le nouveau dispositif « re:discover » permet de rendre une nouvelle fois visibles des artistes qui ont été, de manière totalement injustifiée, négligés par le marché de l’art.
Au total, 20 artistes sont à (re)découvrir dans « re:discover ». Dans le cadre de
l’ARTIMA, des conférences sont consacrées à ce thème les 23 et 24 février.

Sculpture Square

Afin d’aider les jeunes artistes à faire leur entrée sur le marché de l’art, l’Academy Square propose une présentation de diplômés prometteurs des écoles d’art du BadeWurtemberg. En collaboration avec la LBBW et MONOPOL, de jeunes talents sont ainsi rendus visibles et peuvent être découverts par les exposants et les collectionneurs.

Un regard sur les collections privées

Depuis la première édition du salon, une exposition spéciale est consacrée à une
collection privée. Ce qui a permis de découvrir une vingtaine de collections particulières, ainsi que les personnalités de ceux qui les avaient patiemment constituées. Cette tradition chère à art KARLSRUHE est maintenue, mais désormais, chaque édition permettra à de jeunes curateurs d’élaborer des expositions thématiques à partir de différentes collections privées. C’est Sarah Haberkorn qui ouvre le bal. Elle est la conservatrice de la collection de la LBBW – Landesbank Baden-Württemberg.

Otto Piene Chemins vers le paradis

 Au musée Tinguely de Bâle jusqu'au 12 mai 2024
Commissaires de l'exposition :
Dr. Sandra Beate Reimann et Dr. Lauren Elizabeth Hanson
Genres et époques

Otto Piene (1928-2014) visait avec son art des objectifs de grande envergure : non seulement il a littéralement étendu son champ artistique jusqu’au ciel en y faisant flotter son Sky Art et des projections médiatiques, mais ses œuvres se concevaient également comme des contributions à un monde plus harmonieux et durable. Dans sa structure thématique, l’exposition au Musée Tinguely Otto Piene. Chemins vers le paradis retrace les visions de l’artiste au fil des projets et cycles majeurs de son travail. Des réalisations de différents genres et époques dialoguent entre elles et notamment avec sa pratique constante du dessin. Hormis ses Rasterbilder, Rauchzeichnungen, Feuerbilder et ses sculptures lumineuses, l’exposition rassemble plus de 20 carnets de croquis de Piene qui permettent des lectures nouvelles et multiples de son art. Une attention particulière est portée à ses premières installations immersives, telles que

Lichtraum mit Monchengladbachwand (1963-2013) ou Anemones: An Air Aquarium (1976-2023), ainsi qu’à ses expériences innovantes avec la télévision et les intermédias (The Proliferation of the Sun, 1967; Black Gate Cologne, 1968, entre autres). Dix ans après la rétrospective inaugurée à Berlin en 2014 du vivant de l’artiste, cette grande exposition temporaire au Musée Tinguely remet pour la première fois son œuvre à l’honneur. L’exposition se tient à Bâle du 7 février au 12 mai 2024.

En 1961, Piene publie dans la revue ZERO 3 un article intitulé « Chemins vers le paradis » et qui commence par les mots suivants :

« Oui, je rêve d’un monde meilleur. Dois-je rêver d’un monde plus mauvais ? »

Cette contribution aux allures de manifeste signe l’approche constructive et résolument affirmative de Piene ainsi que sa foi sans limite dans le potentiel de l’art pour améliorer la société. L’exposition monographique du Musée Tinguely met l’accent sur le désir de Piene de créer un monde plus harmonieux, pacifique et durable.
S’alignant sur des motifs et des thèmes récurrents, l’exposition offre un nouveau regard sur l’art de Piene. La conception relie les deux périodes de son activité créatrice, qui ont souvent été considérées comme distinctes: d’abord, de 1957 à 1966, Zero à Dusseldorf, puis la phase de Piene au Center for Advanced Visual Studies (CAVS) du Massachusetts Institute of Technology (MIT), aux États- Unis. Ce faisant, il ressort clairement comment l’œuvre de Piene est passée – lors d’un nouveau départ après la Seconde Guerre mondiale – d’un art abstrait en quête de pureté à un art destiné à un large public et utilisant la technologie et les médias.

En plus des œuvres majeures et connues de Piene, Chemins vers le paradis en présente d’autres, rarement vues, et des documents inédits, devenant ainsi la première grande exposition dans un musée à considérer de plus près chez l’artiste la pratique constante du croquis et du dessin en lien avec la peinture, la sculpture, l’installation, la performance et les arts médiatiques. Les travaux et projets issus de ses séries et domaines les plus importants – Rasterbilder et Rauchzeichnungen, sculptures cinétiques, installations lumineuses, Sky Art, expérimentation avec la télévision et les intermédias, entre autres – communiquent ainsi entre eux et avec ses dessins.

Signification et conception

L’exposition montre la signification du dessin et de la conception, dans un sens à la fois étroit et plus large, au sein de l’œuvre de Piene, par-delà les frontières médiatiques – par exemple, lorsqu’il concevait des formes dans le ciel avec de la fumée et de la lumière ou même avec des sculptures gonflables. Piene dessinait avec les moyens traditionnellement destinés à cet usage


– comme ses carnets de croquis qu’il avait toujours à portée de main-, mais il a aussi expérimenté des technologies complètement nouvelles et innovantes à l’époque, comme les émissions de télévision, les projections de diapositives et même les lasers. La « conception» illustre également le potentiel que Piene attribuait à son art : contribuer au développement de la société, dépasser le clivage entre art et technologie, lutter contre les défaillances écologiques et, surtout, aider à un monde plus pacifique, uni à travers l’art. Avec son Sky Art, Piene a également conçu des projets politiques et symboliques concrets, comme le Olympischer Regenbogen (1972) ou la Black Stacks Helium Sculpture (1976), exemples d’art communautaire spécifiquement destiné à un public de masse et fermement contre l’exclusion élitiste du monde de l’art. L’exposition suit ainsi deux axes, celui des médias et celui du contenu, qui certes diffèrent mais sont en même temps étroitement liés l’un à l’autre.

Articulation

Par son articulation thématique, l’exposition nous guide à travers l’œuvre de Piene de la seconde moitié du xxe jusqu’au xxre siècle. Avec des présentations mêlant sculptures, peintures, dessins et documents d’archives (photographies et vidéos, documents), les grands domaines de l’artiste se révèlent au fil des différents médias et phases créatives. Reprenant l’intérêt prononcé de Piene pour la technologie et les nouveaux médias, l’exposition sera l’opportunité de découvrir les carnets de croquis au format numérique. Les techniques de présentation permettront d’illustrer la qualité cinétique et animée des carnets de l’artiste, qui apparaît au fur et à mesure de leur feuilletage, avec notamment ses expériences sur la répétition et l’infiltration de la couleur des feutres.

Chemins vers le paradis

Chemins vers le paradis déploie également dans plusieurs salles d’exposition des projections lumineuses ou des installations avec des structures gonflables, qui invitent le public à découvrir son art spatialement et physiquement. Les différents volets de l’exposition se déroulent dans une suite de onze salles dont la densité et l’atmosphère varient, allant de caissons plongés dans l’obscurité (Black Box) à des salles aérées et baignées de lumière. Les présentations dans les grandes salles blanches (White Cube) alternent avec des expériences immersives optiques, cinétiques et sculpturales, de type installation

 Fin des années 1960 et du début des années 1970

L’exposition porte tout particulièrement sur les œuvres de la fin des années 1960 et du début des années 1970, lorsque Piene passe de Zero au Sky Art et vit entre les États- Unis et l’Allemagne de l’Ouest. Citons ici surtout The Proliferation of the Sun (1967) et Fleurs du Mal (1969),

mais aussi son art médiatique avec Black Gate Cologne (1968), The Medium Is the Medium (1969) et Lichtspur im Haus der Sonne (1974). Des œuvres moins connues et des découvertes d’archives plus récentes seront également présentes. L’exposition donnera par ailleurs un souffle nouveau à plusieurs œuvres qui, depuis leur première présentation, n’ont pas été montrées pendant longtemps (par exemple Anemones: An Air Aquarium, Creative Time, New York, 1976-2023; Windsock Sculptures, MIT, 1969-1970). 

Cette exposition a été conçue de manière à souligner, en particulier de nos jours, toute la pertinence des stratégies pionnières de Piene qui cherchaient à combiner l’art avec la technologie et le potentiel public, social et environnemental de l’art. Chemins vers le paradis interroge sur ce que nous pouvons apprendre aujourd’hui de l’art visionnaire d‘Otto Piene. Au-delà de la critique à l’encontre d’un enthousiasme naïf pour la technologie ou d’un idéalisme romantique, l’exposition invite à redécouvrir son travail comme un outil qui élargirait notre imaginaire.

Informations pratiques

Musée Tinguely :
Adresse: Musée Tinguely I
Paul Sacher-Anlage 1  l 4002 Bâle

Heures d’ouverture :
mardi- dimanche 11h-18h, jeudi 11h-21h

Accès
Tram n° 2 jusqu’à WettsteinPlatz
puis bus 31 et38 arrêt musée Tinguely

Site Internet: www.tinguely.ch

Réseaux sociaux : @museumtinguely 1  #museumtinguely 1  #ottopiene

Sommaire du mois de janvier 2024

Centre Pompidou Metz

29 janvier 2024 : Jeff Wall
28 janvier 2024 : La Quinzaine de la Danse
17 janvier 2024 :  Guernica / Ukraine de Jean Pierre Raynaud à Schiltigheim
15 janvier 2024 :  VAN GOGH à Auvers-sur-Oise
7  janvier 2024   : Picasso. Dessiner à l’infini
5  janvier 2024  :  Les trois Rois Mages

Jeff Wall

du 28 janvier – 21 avril 2024 à la Fondation Beyeler
Commissaire :l’exposition est placée sous le commissariat de Martin Schwander, Curator at Large, Fondation Beyeler, en
collaboration avec Charlotte Sarrazin, Associate Curator.

Martin Schwander, Jeff Wall et Sam Keller directeur de la Fondation Beyeler

Introduction

En ce début d’année, la Fondation Beyeler consacre une importante exposition personnelle à l’artiste canadien Jeff Wall (*1946). Il s’agit de la première exposition de cette envergure en Suisse depuis près de deux décennies. Wall, qui a largement contribué à établir la photographie en tant que forme autonome
d’expression artistique, compte aujourd’hui parmi ses représentant·e·s majeur·e·s. Réunissant plus d’une cinquantaine d’oeuvres réalisées au fil de cinq décennies, l’exposition présente une vue d’ensemble très complète du travail précurseur de l’artiste, allant de ses emblématiques grandes diapositives montées dans des caissons lumineux à ses photographies grand format noir et blanc et ses tirages en couleur au jet d’encre. L’exposition met un accent particulier sur les oeuvres des deux dernières décennies, parmi elles des photographies données à voir en public pour la première fois. L’exposition a été conçue en étroite collaboration avec l’artiste.

Son travail

Dans son travail, Jeff Wall sonde les limites entre fait et invention, hasard et construction. Depuis le milieu des années 1970, il a exploré différentes façons d’étendre les possibilités artistiques de la photographie.
Wall qualifie son travail de « cinématographie », voyant dans le cinéma un modèle de liberté de création et d’invention, liberté qui avait été freinée dans le domaine de la photographie par sa définition dominante comme
« documentaire ». Beaucoup de ses photographies sont des images construites impliquant une planification et une préparation longues et minutieuses, une collaboration avec des acteurs·rices et un important travail de
« postproduction ». Jeff Wall crée ainsi des images qui divergent de la notion de la photographie comme principalement une documentation fidèle de la réalité.

Wall est né en 1946 à Vancouver au Canada, où il vit et travaille. Il commence à s’intéresser à la photographie dans les années 1960, âge d’or de l’art conceptuel. À partir du milieu des années 1970, il produit de grandes diapositives montées dans des caissons lumineux. Avec ce format, jusqu’alors associé plutôt à la photographie publicitaire qu’à la photographie d’art, il innove et lance une forme nouvelle de présentation d’oeuvres d’art. Depuis le milieu des années 1990, Wall a encore élargi son répertoire –
d’abord avec des photographies noir et blanc grand format puis avec des tirages en couleur. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans le monde entier, entre autres à la Tate Modern, Londres (2005), au Museum of Modern Art, New York (2007), au Stedelijk Museum, Amsterdam (2014) et au Glenstone Museum, Potomac (2021).

Evolution

Les images de Jeff Wall évoluent entre instantané documentaire, composition cinématographique et invention poétique libre, confrontant les spectateurs·rices à une vaste palette de sujets et de thèmes, à la beauté et à la laideur, à l’ambiguïté et à l’inconfort. Pour Wall, l’art de la photographie se doit d’être aussi libre que toutes les autres formes artistiques dans son éventail de sujets et de traitements – aussi poétique que la poésie, aussi littéraire que le roman, aussi pictural que la peinture, aussi théâtral que le théâtre, et
tout cela avec pour objectif d’atteindre à l’essence même de la photographie.

L’exposition

L’exposition à la Fondation Beyeler s’ouvre dans le foyer du musée avec la juxtaposition de deux oeuvres emblématiques de 1999. Morning Cleaning, Mies van der Rohe Foundation, Barcelona montre les préparatifs matinaux effectués dans le célèbre pavillon avant l’arrivée des premiers visiteurs. L’agent
d’entretien est en train de nettoyer les grandes baies vitrées donnant sur un miroir d’eau, nous faisant ainsi assister à un moment habituellement invisible dans la vie de ce célèbre édifice.

A Donkey in Blackpool représente une étable modeste et pourtant très riche sur le plan visuel, occupée par la figure familière d’un âne, qui nous apparaît ici dans un moment de repos. L’association des deux images réunit des univers socialement et culturellement très différents tout en dirigeant notre attention sur leurs points communs – les êtres humains et les animaux entretiennent tous deux une relation profonde aux intérieurs qui les abritent. L’exposition a été conçue de manière à créer une séquence de comparaisons et de juxtapositions de ce type, tissant des échos et des résonances entre les sujets, les techniques et les genres. Pour le catalogue, l’artiste a rédigé un guide qui présente les différentes dimensions de la production des images et de leur agencement dans l’exposition.

Les paysages

Jeff Wall
The Thinker, 1986
Le penseur
Diapositive dans caisson lumineux, 211 x 229 cm
Courtesy l’artiste
© Jeff Wall

Ainsi, la première salle de l’exposition présente une série de diapositives montées dans des caissons lumineux qui mettent en avant des paysages. Produits entre 1987 et 2005, ces paysages urbains offrent une vaste vision des zones urbaines et périurbaines de Vancouver. Jeff Wall considère les paysages urbains comme un aspect important de son travail, qui lui permet d’explorer l’essence même de la ville, les rapports qu’elle entretient avec les zones non urbaines ou périurbaines qui l’entourent, et sa spécificité en tant que théâtre du maillage infini d’événements qui constituent la vie en société.


Jeff Wall
Boxing, 2011
Les boxeurs
Impression lightjet, 215 x 295 cm
Courtesy l’artiste
© Jeff Wal

Les salles suivantes réunissent des scènes réalisées dans des intérieurs et des extérieurs variés, publics et privés, représentant des hommes et des femmes, des personnes pauvres et aisées, jeunes et âgées – certaines images témoignant d’un travail et d’un artifice recherchés, d’autres ne semblant avoir nécessité
aucun effort, en couleur et en noir et blanc, transparentes et opaques, de grand et de petit format, représentant le réel et l’irréel, et un large éventail d’atmosphères, d’états d’esprit et de relations.

Les oeuvres les plus célèbres de l’artiste

L’exposition inclut beaucoup des oeuvres les plus célèbres de l’artiste, parmi elles After ‘Invisible Man’ by Ralph Ellison, the Prologue (1999–2000),

construction d’une scène du roman de 1952 d’Ellison qui montre le jeune protagoniste noir en train de rédiger l’histoire du livre dans son repaire secret en sous-sol, éclairé d’exactement 1369 ampoules électriques.
A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) (1993), l’une des oeuvres aux dimensions les plus impressionnantes de Wall, est une adaptation contemporaine d’une des planches de la série de gravures sur bois de Katsushika Hokusai Trente-six vues du mont Fuji (1830- 1832). Ces deux images puisent leurs origines dans les oeuvres d’autres artistes ;


Wall s’accorde la liberté de trouver ses sujets là où le mène son imagination.
A Sudden Gust of Wind est l’une des premières oeuvres pour lesquelles l’artiste a recouru à la technologie numérique, qui lui permet de combiner plusieurs
négatifs individuels en une seule image finale.

Les oeuvres récentes en contrepoint des oeuvres anciennes

La plupart des oeuvres récentes de Wall sont inclues dans l’exposition, généralement présentées en contrepoint à des images plus anciennes.
Fallen rider (2022), image d’une femme qui vient de chuter de sa monture,

est accroché face à War game (2007), où trois jeunes garçons, apparemment photographiés pendant un jeu de guerre, sont allongés sous surveillance dans une prison improvisée.

Dans Parent child (2019), c’est une petite fille qui est allongée, cette fois sur un trottoir dans l’ombre paisible d’un arbre, sous le regard d’un homme qui est probablement son père.

Comme des images de film, les photographies de
Wall semblent saisir un instant en train de se dérouler – l’avant et l’après demeurent hors champ. Sur un mur voisin est accroché Maquette for a monument to the contemplation of the possibility of mending a hole
in a sock (2023), dans lequel une autre figure contemplative, une femme d’un certain âge tenant à la main une aiguille, considère un trou dans le talon usé d’une chaussette mauve. La repriseuse semble irréelle, telle une apparition nous rappelant à l’incertitude qui pèse sur la volonté et la capacité de l’humanité à réparer ce qui a été usé, sursollicité et abîmé.

Le catalogue

Le catalogue de l’exposition, mis en page par Uwe Koch en consultation étroite avec l’artiste, est publié en version anglaise et allemande par Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 240 pages, il contient des illustrations des oeuvres de l’exposition, une conversation entre Jeff Wall et Martin Schwander, une explication détaillée de l’artiste lui-même de la sélection des oeuvres et de leur accrochage dans les onze salles de l’exposition, ainsi que des essais rédigés par Martin Schwander et Ralph Ubl.

Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler :
tous les jours 10h00–18h00,
le mercredi jusqu’à 20h00

Programmation associée « Jeff Wall »

Dimanche, 28 janvier
14h –15h
Conférence de Jeff Wall
L’artiste canadien Jeff Wall s’exprimera personellement sur place au
sujet de son travail actuel et de sa toute nouvelle exposition, qui sera
présentée à la Fondation Beyeler du 28 janvier au 21 avril 2024.
L’exposition peut être visitée avant et après la manifestation. La
conférence sera donnée en anglais.
Prix : billett d’entrée
Un lundi sur deux à partir
du 29 janvier
14h–15h
Perspectives – en allemand
Un lundi sur deux, nous vous invitons au parcours thématique autour de
thèmes choisis, en rapport avec l’exposition « Jeff Wall », en compagnie
d’un.e membre de notre équipe de médiation. Ce format vous permet de
découvrir les oeuvres sous des angles inattendus, d’élargir vos
connaissances et d’approfondir votre compréhension de certaines
oeuvres choisies.
29.01. Échos – l’histoire de l’art pour toile de fond
12.02. Une absence – langage et image
26.02. Freeze – l’instant décisif
11.03. Par procuration – poupées, zombies, actrices et acteurs
25.03. Visions du monde – paysage et société
08.04. Poses, postures et gestes – le corps signifiant
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Samedi, 3 février
Dimanche, 4 février
Samedi, 2 mars
Dimanche, 3 mars
Samedi, 20 avril
Dimanche, 21 avril
10h–18h
Open Studio – en allemand
Au travers de différents ateliers, l’Open Studio offre à ses participants
l’opportunité d’aborder et d’approfondir divers thèmes et techniques de
travail, ainsi que de s’essayer eux-mêmes à quelques explorations
créatives.
Sans inscription. Participation gratuite et ouverte à tous les âges (en
compagnie d’un adulte pour les enfants jusqu’à 12 ans).
Dimanche, 4 février
Dimanche, 3 mars
Dimanche, 21 avril
11h–12h
Visite accompagnée en famille – en allemand
Une expérience artistique et ludique pour les enfants de 6 à 10 ans
accompagnés de leurs parents. La visite accompagnée et interactive en
famille fait de l’art une expérience ludique pour petits et grands. Le
nombre de participants est limité.
Prix : jusqu’à 10 ans : CHF 7.- /Adultes : billet d’entrée
Un mercredi sur deux à
partir du 7 février
12h30–13h
Conversation autour d’une oeuvre – en allemand
Lors de cette confrontation courte mais intense avec une oeuvre d’art
choisie, vous aurez accès à des informations sur les singularités de
l’oeuvre en question, sur son auteur et sur l’époque de sa genèse.
Le nombre de participants est limité.
07.02. Jeff Wall, Dead Troops Talk, 1992
21.02. Jeff Wall, The Storyteller, 1986
06.03. Jeff Wall, After ‘Invisible Man’ by Ralph Ellison, 1999/2000
20.03. Jeff Wall, War game, 2007
03.04. Jeff Wall, In the Legion, 2022
17.04. Jeff Wall, Restoration, 1993
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Mercredi, 7 février
Mercredi, 6 mars
18h30–19h30
Visite avec les commissaires de l’exposition
Vous souhaitez voir les expositions de la Fondation Beyeler à travers les
yeux de celles et de ceux qui les conçoivent ? Cette visite vous en donne
l’occasion. Les commissaires ne se contentent pas de vous renseigner
sur la conception, l’organisation et la programmation de l’exposition,
mais vous apportent également des éclairages sur les artistes, leur
époque, la genèse des oeuvres et leur signification dans le contexte
artistique. Le nombre de participants est limité.
Prix : CHF 35.- / Bénéficiaires d’une rente AI 30.- / Moins de 25 ans
10.- / Art Club, Young Art Club, Amis, Museums-PASS-Musées 10.-
Dimanche, 11 février
Dimanche, 10 mars
Dimanche, 7. avril
Visite accompagnée – en français
Aperçu de l’exposition « Jeff Wall ».
Le nombre de participants est limité.
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Jeudi, 22 février
Jeudi, 14 mars
Jeudi, 11 avril
10h30–11h30
Sketch it! – en allemand
« Sketch it » donne l’occasion de se confronter de manière créative à
des oeuvres choisies exposées à la Fondation Beyeler. En particulier, les
oeuvres photographiques de Jeff Wall nous inspirent à explorer
différentes techniques. Nous posons ainsi un regard neuf sur les oeuvres
originales.
Tous les matériaux nécessaires sont mis à disposition.
Prix : billet d’entrée + CHF 10.-
Dimanche, 25 février
Dimanche, 7 avril
9h–12h
L’art au petit déjeuner – en allemand
Délicieux petit–déjeuner au « Beyeler Restaurant im Park » suivi d’une
visite accompagnée (11–12h) de l’exposition. Le nombre de participants
est limité.
Attention : la vente des billets se termine le vendredi après-midi.
Prix : CHF 80.- / Bénéficiaires d’une rente AI 75.- / Moins de 25 ans
55.- / Art Club, Young Art Club, Amis, Museums-PASS-Musées 48.-
Mercredi, 28 février
18h–20h30
Atelier pour adultes – en allemand
L’atelier pour adultes offre la possibilité d’approfondir de manière active
par la pratique ce que l’on a vu et vécu durant la visite guidée. L’objectif
est de comprendre les techniques artistiques en atelier et de les mettre
en pratique. Point n’est besoin de notions ni de compétences
artistiques; toutes les personnes s’intéressant à l’art – que ce soit sous
l’angle esthétique, philosophique ou artisanal – sont les bienvenues.
Le nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée + CHF 20.- (matériel inclus)
Jeudi, 29 février
16h30–17h30
Visite accompagnée pour personnes avec un handicap visuel – en
allemand
Les visites guidées destinées aux malvoyants et aveugles contiennent
des descriptions détaillées qui permettent de faire ressentir l’oeuvre au
plus profond. Votre chien guide peut vous accompagner dans le musée.
Nous souhaitons vous informer du fait que les oeuvres ne peuvent pas
être touchées. Entrée gratuite pour une personne accompagnante. Le
nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée
Jeudi, 7 mars
16h30–17h30
Visite accompagnée pour personnes avec un handicap auditif – en
allemand
Un(e) interprète traduit les explications des oeuvres d’art de l’exposition
en cours simultanément en langage des signes.
Le nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée
Mercredi, 13 mars
14h–16h30
Ateliers pour enfants – en allemand
Découverte de l’exposition au cours d’une visite guidée suivie
d’expérimentations ludiques dans l’atelier.
Inscription obligatoire : tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : CHF 10.- matériel inclus
Dimanche, 14 avril
10h–18h
Journée des familles – en français, allemand & anglais
Organisée autour de l’exposition « Jeff Wall », la Journée des familles
sera consacrée aux histoires, aux secrets et aux ambiances qui
imprègnent les univers visuels de l’artiste canadien. Des visites guidées
en famille offriront un accès amusant aux oeuvres et aux thèmes de
l’exposition. Les plus jeunes pourront voyager sur le tapis des contes ou
explorer le musée en compagnie de Fred l’écureuil. Des ateliers pour
tous les âges proposeront des activités de création, de découverte et de
jeu.
Toutes les animations de la Journée des familles sont comprises dans le
billet d’accès au musée. L’accès au musée est gratuit jusqu’à 25 ans

Sommaire du mois de novembre 2023

Hommage à Léonard Gianadda
les 2 académiciens,
Jean Clair à l’Académie  Francaise,
Léonard Gianadda à l’Académie des Beaux Arts

photo elisabeth itti 2013

27 novembre 2023 : ST-ART 2023
26 novembre 2023 : Anne Zimmermann – Le Zoo, La Nuit
26 novembre 2023 : Jean-Louis Schoellkopf
13 novembre 2023 :  Saba Niknam
12 novembre 2023 :  Aux temps du sida. Œuvres, récits et entrelacs
8 novembre 2023 :   SARKIS 7 Tage, 7 Nächte
5 novembre 2023 :  Nicolas Party, when tomorrov comes

Saba Niknam

Nom : Niknam
Prénom : Saba
Profession : artiste polyvatente
Spécialité : croyances, mythologies et rituels de différents peuples à travers le monde
Signe particulier : pseudo – Huginn Muninn, noms des corbeaux de Odin
dieu dans la mythologie germanique et scandinave

                               vue de l’exposition à la galerie Cahn à Basel

L'exposition à Basel, à la galerie Cahn est visible jusqu'au 19 novembre 2023


Galerie Cahn comtempory
19 Steinentorstrasse
Basel

Ouvert du jeudi au dimanche
13 h à 19 h
Biographie

Saba Niknam, née en 1988 à Téhéran, Iran, est une artiste accomplie et polyvalente, dont la passion pour la créativité l’a emmenée dans un voyage remarquable. Elle est diplômée de l’estimée Haute École des Arts du Rhin à Strasbourg, témoignant de sa dévotion et de son talent artistique. Les poursuites artistiques de Saba sont profondément influencées par les cultures diverses, l’art populaire, ainsi que les croyances, mythologies et rituels de différents peuples à travers le monde. Avec modestie, elle aborde son art avec une approche ethnologique, cherchant à explorer et à célébrer la riche diversité culturelle de notre planète.

                                              Basel
En 2023, les œuvres d’art de Saba Niknam ont été reconnues et acclamées en étant intégrées dans les collections de deux institutions prestigieuses : le Musée du quai Branly à Paris et le Fonds régional d’art contemporain d’Alsace (FRAC Alsace). De tels accomplissements sont un témoignage de sa vision artistique et de son talent.

                                    Basel avec Jean-David Cahn
En 2023, elle a participé à l’exposition « Dévoiler » de la Galerie Cahn de Basel,
sous l’autorité de Pierre-Jean Sugier, commissaire et galeriste, en compagnie de l’artiste photographe Jean-Christophe Ballot.

En 2022, Saba s’est lancée dans une collaboration captivante avec le directeur artistique Hamid Rahmanian. Ensemble, ils ont créé un spectacle envoûtant de marionnettes d’ombre intitulé “Chant du Nord”, un spectacle artistique qui a été présenté en première au vénérable Musée du quai Branly à Paris. La première du spectacle a suscité beaucoup d’attention et a davantage consolidé la position de Saba Niknam en tant qu’artiste éminente et visionnaire.

Reconnaissant la valeur de la croissance continue, en 2020, Saba a enrichi davantage son expertise artistique en se spécialisant dans les miniatures persanes à la prestigieuse Prince’s Foundation School of Traditional Arts de Londres. Cette entreprise lui a permis d’approfondir sa compréhension et sa maîtrise de cette forme d’art unique, cherchant humblement à perfectionner ses compétences.

Les accomplissements créatifs de Saba Niknam ont été reconnus à travers des subventions et des expositions prestigieuses. En mars 2019, elle a reçu une subvention de création individuelle de la DRAC Grand-Est pour son projet exceptionnel “Mami Wata”, une exploration captivante des créations mythiques d’eau. La même année, elle a participé à la prestigieuse exposition “GALERISTES” avec Club 7.5 au Carreau du Temple à Paris, suivie d’une remarquable exposition de groupe à la Galerie Marek Kralewski à Freiburg, en Allemagne. Ces opportunités lui ont permis de partager sa voix artistique avec un public diversifié.

Animée par une profonde curiosité pour les cultures diverses, Saba a participé en 2015 au prestigieux programme de résidence croisée “Alsace-Québec, ville d’Alma”. Au cours de cette expérience immersive, elle a plongé dans les mythes des Innu, un peuple autochtone, exprimant ses découvertes profondes à travers des dessins captivants et des objets d’art. Son travail de cette période a été exposé de manière remarquable au FRAC Alsace dans l’exposition “Panache” de février à mai 2017. (2019)

              Saba Niknam, Nommo le dieu poisson, 2019

En 2015, Saba Niknam a organisé sa première exposition solo, intitulée “Le Nom Secret du Soleil”, à la prestigieuse Galerie Jean-François Kaiser à Strasbourg, une étape importante dans son parcours artistique.

Tout au long de sa carrière, l’engagement de Saba envers la diversité culturelle, l’exploration de différentes mythologies et son dévouement à la collaboration artistique restent au cœur de son travail. Avec un cœur humble et ouvert, elle s’efforce d’engager le public à travers ses créations captivantes et significatives, laissant une impression indélébile sur le monde de l’art contemporain. À chaque tissage habile de ses œuvres, elle contribue à l’éclatant tapis de l’héritage culturel partagé de l’humanité.

Voyages à travers les Coiffes

Plusieurs de mes expositions se nourrissent des mythes et des symboles, et je collectionne de nombreux vêtements ethniques. Les vêtements et coiffes sont une grande source d’inspiration dans mes dessins je crois au fait que les vêtements ethniques ne sont pas seulement un habit pour le corps mais se lisent, tel un livre qui, à travers les broderies, symboles, formes et couleurs, racontent l’histoire et les croyances d’un peuple.

              exposition Basel Galerie Cahn 2023
Dans ce travail artistique, je mélange les habits ethniques des différentes cultures et dessine des coiffes inspirées de véritables coiffes folkloriques, dans un dessin à la mise en scène à la fois théâtralisée et mystique. J’aime raconter des histoires, et l’art en tant que vecteur de narration me fascine.
Ce nouveau projet “Voyages à travers les Coiffes” s’inscrit donc dans la continuité de cette démarche d’exploration des symboles et de narration. Il s’agit d’un projet photographique mettant en scène les coiffes que je fabrique en m’inspirant des traditionnelles coiffes d’Asie.


Ces coiffes que je crée respectent l’authenticité des codes traditionnels, à laquelle j’ajoute une touche qui m’est personnelle. En portant des costumes ethniques, je me mets face à l’objectif et crée une scène théâtrale pour raconter l’origine mythique de la coiffe.


Chacune d’entre elles font l’objet d’une recherche ethnologique afin de révéler le sens derrière la forme ; ces coiffes sont toutes riches de symboles car elles couvrent la tête, considérée comme la partie la plus importante du corps et symbole d’intelligence. Ces objets donnent une valeur importante à la tête qui la porte.


Dans cette série de photographies, j’essaie de présenter ces nouvelles formes de coiffes ethniques et d’initier un voyage à travers l’habit, comme l’a fait Léon Bakst, grand artiste peintre, qui fut également costumier et décorateur pour les Ballets russes.

Saba Niknam 2020

 
Citation du Président de l’Académie d’Alsace des sciences, lettres et arts

extrait :
…. silhouette gracieuse dans le monde de l’art, discrète et élégante, Saba cultive une vertu bienfaisante : elle est très gaie !
Bernard Reumaux, Editeur

Son site

Vous pouvez la retrouver sur son site ici

SARKIS 7 Tage, 7 Nächte

L’exposition a été mise en scène par Sarkis, en étroite collaboration avec Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız et Defne Ayas.
Commissaires d'exposition: Defne Ayas, Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız
Commissaire adjoint d'exposition: Sandeep Sodhi
A la Staatliche Kunsthalle de Baden Baden, jusqu'au 4 février 2024

La Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden consacre une vaste exposition individuelle à SARKIS, artiste conceptuel de renommée internationale, né à Istanbul en 1938, qui vit et travaille à Paris. Ses oeuvres à la dimension profondément sociale appellent à la fusion des pratiques et des cultures. Cette exposition est le résultat d’une année d’échanges avec l’artiste sur les thèmes de l’histoire et du traumatisme dans l’art, mais aussi des institutions comme espace de réflexion, de participation et de communauté.

Le titre de l’exposition

7 Tage, 7 Nächte, dérive d’une installation intitulée 7 nuits (2016–2019), que SARKIS considère comme l’une de ses oeuvres les plus importantes jusqu’à ce jour. Il s’agit d’un ensemble de sept compositions et d’un sac de couchage, disposé au sol devant La grande vitrine (1982–2021) au milieu de l’atelier parisien de l’artiste. 7 nuits est présentée pour la première fois dans un contexte institutionnel.

L’oeuvre définit un espace intime d’autoréflexion et de méditation, tout en mettant en scène les aspects contextuels et la signification d’une vie d’artiste faite de résilience et de résistance. C’est une représentation saisissante de la position de l’artiste aujourd’hui et des capacités transformatrices de la politique et de la poésie de l’art.

L’Atelier d’aquarelle dans l’eau

L’Atelier d’aquarelle dans l’eau (2005–2006) est une oeuvre d’art participative qui transforme la salle principale de la Kunsthalle en un espace public ouvert et une scène de création. Ici, tout le monde de 7 à 77 ans est invité à participer à une activité commune, qui se présente comme un rituel éphémère composé d’eau et d’aquarelle. Élément essentiel de la ville de Baden-Baden, avec sa rivière Oos et ses thermes, l’eau est le fil conducteur fluide qui permet de travailler ensemble, de partager et de créer des rencontres personnelles et des souvenirs. À travers l’eau, SARKIS met en avant les qualités fondamentales de l’attention et de la patience pour apprendre ensemble, au moyen de l’art, à guérir les traumatismes collectifs comme personnels.

Cette forme d’activation réciproque de l’oeuvre et de son environnement s’étend également à des oeuvres existantes empruntées à des collections
publiques renommées, parmi lesquelles la série de vêtements d’enfants taillés sur mesure, Défilé du siècle en fluo (1995). Grâce à une chorégraphie conceptuelle pertinente, cette oeuvre évoque la mémoire de personnes de différentes parties du monde, la manière dont elles ont vêtu leur corps à différentes époques et la façon dont nous imaginons un avenir pour notre existence. Dans une ville comme Baden-Baden, dont la part de population âgée est élevée, ce geste est comme un retour à l’enfance, symbolisée par des couleurs néon et des formes à l’abstraction futuriste qui irradient d’intensité.

Les trésors de guerre

C’est son séjour en Allemagne qui a poussé l’artiste à s’intéresser de près à la logique opprimante et restrictive suivie par l’art occidental et à créer le concept de « trésor de guerre ».

Le fait que SARKIS revienne avec cette exposition dans la région trinationale située sur les territoires allemands, français et suisses, n’est donc pas un hasard. Près de Baden-Baden, du temps où il était professeur à l’école des beaux-arts de Strasbourg et en échanges intenses avec des artistes tels que Joseph Beuys, Marcel Broothaers et des historiens de l’art comme Pontus Hultén, il a systématisé sa recherche d’objets non occidentaux dans le but de les mettre en contexte comme des « objets trouvés » – disposés et assemblés par l’artiste sans perdre pour autant leur singularité.

SARKIS ayant la conviction profonde que les objets ont une existence propre – avec, pour chacun, une histoire singulière de douleur et de souffrance –, il s’est rapproché de la notion de « trésor de souffrance de l’humanité », forgée par l’historien de l’art allemand Aby Warburg. SARKIS interprète ainsi l’histoire humaine à la fois comme un trésor et un fardeau collectif, qu’il relie à ses propres souvenirs et au parcours de sa vie.

« Nous considérons que notre rôle à la Kunsthalle Baden-Baden est la médiation continue sous la forme d’une plateforme ouverte », expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız. « L’histoire n’est jamais un processus achevé. En tant que telle, elle est notre matériau de travail et le socle de notre réalité. Nous tirons des leçons de la pratique artistique de SARKIS, à la fois sur l’existence humaine et les questionnements ontologiques. L’actualité de cette exposition ne se rattache pas seulement à une nouvelle urgence de la production artistique face aux guerres qui sévissent actuellement dans notre monde, mais réaffirme également le rôle des pratiques de commémoration dans le contexte des développements géopolitiques contemporains. En Allemagne en particulier, mais aussi dans un cadre discursif mondial, nous encourageons la réflexion approfondie sur les traumatismes générationnels – psychologiques et sociaux – des victimes de la guerre, de la violence d’État et du génocide, y compris du peuple arménien…La mise en exergue de ce thème est un pas important vers la reconnaissance, l’empathie et le souvenir. L’art ne peut pas, à lui seul, résoudre nos problèmes capitaux – la crise climatique, l’effondrement écologique, la gentrification militariste, les politiques belligérantes, entre autres – mais il change notre perspective sur la manière d’y réagir ».

expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız

Defne Ayas

Defne apporte sa contribution avec une autre réflexion: « Les expériences traumatiques, qu’elles soient personnelles ou collectives, se prêtent toujours à l’instrumentalisation, notamment par le monde politique. Mais entre les mains de SARKIS et à travers ses visions, cette fragilité humaine se déplace au-delà des mécanismes de ressassement traumato-cathartiques et devient une forme de recherche cabalistique. Je suis fière que nous puissions présenter ce montage cinématographique à la Kunsthalle de Baden-Baden, qui puise dans son engagement de près d’un demi-siècle pour explorer la notion de ‘trésor de guerre’ ».

Suivant ce modus operandi d’oeuvres d’art qui évoluent avec le monde, la Kunsthalle organisera pendant sept jours et sept nuits des évocations, des repas et des lectures qui réinterpréteront les compositions en constante évolution de SARKIS.

Informations pratiques

L’exposition se clôturera par un symposium intitulé « Les Anonymes / The Anonymous / Die Anonymen » (02-04 février 2024) ; le cadre de cette première invitation emprunte son nom au titre original d’un travail de SARKIS.
Cette plateforme temporaire s’appropriera l’espace d’exposition comme cadre d’apprentissage, pour transformer sa synergie en un lieu partagé par des artistes, des commissaires d’exposition et d’autres, issus de zones en état d’urgence et sous pression, qui ressentent le besoin de changer la façon dont nous vivons et travaillons.
Les ateliers d’aquarelle ont lieu les jeudis et vendredis entre 10h30 et 13h30, de même que les samedis et dimanches entre 12h et 15h.
(Inscription obligatoire sur info@kunsthalle-baden-baden.de)
Les Lunchs du vendredi vous proposent une courte présentation d’une oeuvre d’art de l’exposition, choisie et présentée par l’une ou l’un des membres de la Kunsthalle, avec possibilité de déjeuner ensemble au café de la Kunsthalle.
Tous les vendredis à 13h. (Pas d’inscription requise)
Les Visites du dimanche sont guidées par une ou un spécialiste et suivies d’une discussion permettant de découvrir la perspective des commissaires sur l’exposition en cours. Tous les dimanches à 14h. (Pas d’inscription requise)

Nicolas Party, when tomorrov comes

Nicolas Party, Forêt Rouge, 2023. Pastels tendres sur mur, 1063 x 628 cm, Musée Frieder Burda © Nicolas Party ; Photo : Nikolaï Kazakov

Au musée Frieder Burda à Baden Baden, Allemagne jusqu'au 18 février 2024
Commissaire : Udo Kittelmann, 

Nicolas Party est en terrain familier avec les motifs des maîtres anciens. Son art est en même temps totalement ancré dans le présent. Le peintre suisse (né en 1980) célèbre la beauté de la nature dans ses paysages. Mais l’enfer, sous la forme d’un incendie de forêt déchaîné, fait également partie de l’oeuvre de Party, qui compte parmi les innovateurs de la peinture les plus remarqués au niveau international. Le musée Frieder Burda de Baden-Baden accueille
désormais la première présentation muséale allemande.
« When Tomorrow Comes » associe une rétrospective de l’histoire de l’art et une redéfinition visionnaire de ce que la peinture est capable d’accomplir au 21e siècle.

                                       Nicolas Party, photo: Juliana Sohn

L’artiste a dit un jour :
« Il est intéressant pour moi de réfléchir à l’Apocalypse et à l’histoire de l’art, à Sodome et Gomorrhe et à d’autres tableaux historiques représentant des incendies qui ont mis fin au monde. Nous pensons à présent, et nous le ressentons également, être à la fin de notre parcours en tant qu’êtres humains, car le réchauffement climatique nous conduit à une crise écologique, mais ce sentiment est une constante, depuis l’arche de Noé jusqu’aux bombardements atomiques de la Seconde Guerre mondiale, en passant par les différents récits apocalyptiques de la Bible. »

Ses oeuvres

Des pastels murals de grand format sont complétés par des peintures à fond de cuivre, des autels et des sanctuaires sur des piédestaux. Party transforme ainsi l’ensemble des pièces du bâtiment Richard Meier en un cosmos pictural planifié de manière conceptuelle : interagissant entre mur, peinture et objet, paysages, portraits et natures mortes, son oeuvre définit un parcours énigmatique à travers l’architecture et esquisse la vision d’un avenir de l’homme sur terre, entre images utopiques et dystopiques, à la fois apaisantes et inquiétantes. Ce sont des images qui montrent un monde tel qu’il était avant l’existence des hommes – et peut-être aussi après, lorsque le bref interlude de leur existence sera terminé.

Nicolas Party, Montagnes, 2023. Pastel tendre sur mur, 302,5 x 1713,4 cm, Musée Frieder Burda ; © Nicolas Parti ;

Des paysages vallonnés se perdent dans la profondeur de l’image et entraînent le regard dans l’immensité du paysage. Ses couleurs rappellent les paysages numériques méditatifs ou les pochettes de disques psychédéliques. La peinture de la Renaissance ou l’Art nouveau ont peut-être ici servi de modèle.

« Je regarde d’autres images quand je crée les miennes. Des images issues de la
longue histoire culturelle de l’homme. C’est mon obsession quotidienne. »

Ainsi Party lui-même parle t-il du processus organique de sa production artistique, qui reflète toujours l’histoire de l’art et le riche pool d’images qu’elle tient à disposition.
Le répertoire thématique de l’artiste, qui vit à New York, est également très varié : Les panoramas de paysages, qui rappellent des peintres comme Giovanni Segantini ou Ferdinand Hodler, en font partie, tout comme les portraits et les natures mortes. Des montagnes monolithiques et des cascades, des fleurs et des arbres, des fruits et des récipients archaïques, des chats et des dinosaures peuplent les images illusionnistes. Son univers singulier, de plus en plus sombre, est mystérieux et nécessite un regard intense. Les dinosaures représentent justement un monde dans lequel l’homme n’a pas encore fait son apparition – ou a même déjà disparu. Party déclare lui-même au sujet de l’expérience spécifique du temps dans ses images :


« L’échelle de temps de l’univers est bien plus grande que nous. Dans mes images, il est souvent difficile de savoir si elles se déroulent avant ou après l’existence de l’homme. En effet, le désastre que représente l’homme pour le monde est toujours présent. Mais une chose est sûre : le monde continuera d’exister sans nous. En même temps, l’imaginaire puissant dont mes images sont porteuses est aussi une invitation à tout fuir. »

Nicolas Party a testé différentes techniques et y a trouvé de nouvelles formes d’expression. Très tôt, il s’est intéressé à l’animation par ordinateur, il est techniquement très au fait des conditions de production d’images contemporaines, de la disponibilité infinie des images. Cela se voit dans ses
oeuvres : les corps se développent à partir des volumes géométriques, leurs surfaces restent homogènes et ont perdu leur attrait tactile individuel au profit d’une harmonie hautement esthétique de couleurs et de formes. Ils sont imaginés, visualisés, voire synthétisés dans l’espace virtuel – puis transposés dans une peinture virtuose. Ils évoluent de manière ambivalente entre l’effet de surface et l’effet spatial.

Il en résulte un rapport spécifique à la réalité, comme le formule l’artiste lui-même : « Quand on crée des images en 3D, on a un autre lien avec la réalité. Cette réalité est une sorte d’abstraction dont on est conscient dès le départ qu’elle est générée par des chiffres et des codes. Certes, il existe un lien avec ce que nous appelons le monde réel, qui comprend des plantes et des objets que l’on peut sentir et toucher. L’ordinateur ne dispose toutefois pas de tous ces sens. C’est un outil qui ne vise que l’oeil. » Et de poursuivre : « Il s’agit donc moins de la réalité que de l’idée que nous nous en faisons – de ce qu’est une montagne, de ce que pourrait être un fruit ou un visage« .

Les supports

Le support central de son art sont les murs, les limites de l’espace qu’il dépasse en peinture. Dans un ductus précis, sa peinture murale transforme la situation d’exposition en une oeuvre d’art totale, installative et temporaire. À proximité immédiate, devant et parfois sur cet espace, Party présente ses tableaux à plusieurs ailes, en cuivre et à charnières, semblables à des autels de voyage, et des sanctuaires, parfois accrochés au mur, parfois placés sur des socles devant. Ils plongent l’ensemble de la pièce dans une atmosphère sacrée, d’où émane un son mystérieux subliminal

Dans son exposition de Baden-Baden, Party développe sa peinture de manière conséquente et passe à l’étape suivante : les arbres se dressent dans l’espace comme des êtres vivants isolés, en même temps menacés par le rouge qui apparaît comme du feu. Les espaces naturels idylliques et romantiques ont désormais disparu, l’anthropocène s’est installé et fait des victimes dans le présent et dans l’avenir. Un avenir où le sort de la nature et de l’homme n’est pas encore décidé. Devant les surfaces blanches et les formes géométriques claires du bâtiment du musée de Richard Meier, sa peinture se détache d’autant plus efficacement et permet aux visiteurs de l’exposition de vivre une
expérience spatiale aux couleurs intenses, à l’atmosphère dense et hautement esthétique.

Des peintures murales représentent une chute d’eau coulant en cascade, une forêt embrasée, des formations nuageuses aériennes et des panoramas de montagne ou même un paysage de ruines. Elles contrastent avec des portraits de femmes avec des fleurs, minutieusement peints et d’apparence énigmatique, des natures mortes avec des fruits ou des légumes non identifiables et des images miniatures de dinosaures, pour exprimer la fascination récente de l’artiste pour les créatures préhistoriques.

L’artiste, né en 1980, est connu pour concevoir ses expositions comme des mises en scène globales, quasi immersives, dans lesquelles il étend la palette de ses peintures, qui reprennent des citations de l’histoire de l’art et du style, sur les murs blancs des salles d’exposition. L’aspiration des murs trop blancs à être touchés avec sensualité par des œuvres d’art se révèle de manière impressionnante.
Il est représenté dans de nombreuses collections prestigieuses et a fait l’objet d’importantes expositions individuelles dans des musées aux États-Unis, en Europe et en Asie.

Information pratiques

Museum Frieder Burda
· Lichtentaler Allee 8 b · 76530 Baden-Baden
Phone: +49 (0)7221 39898-0 www.museum-frieder-burda.de

Horaires d’ouverture : du mardi au dimanche de 10h à 18h
Ouvert tous les jours fériés (fermé les 24 et 31 décembre)

• Liaison directe en bus depuis la gare de Baden-Baden avec les lignes 201, 216 et 243 jusqu’à l’arrêt Augustaplatz.

• Depuis l’Augustaplatz, vous traversez la place jusqu’au parc, traversez la rivière Oos et arrivez directement au musée.

Les abstractions de Maggy Kaiser au Musée des Beaux-arts

Maggy Kaiser, sans titre 2011, Fondation Heinrich W. Risken, Badrothefelde

Jusqu'au 28 janvier 2024, au musée des Beaux Arts de Mulhouse
Commissaire : Chloé Tuboeuf, directrice des musées municipaux par intérim
Partenariat : Fondation Heinrich W. Risken, Badrothefelde, Allemagne

Après avoir présenté les mouvements d’avant-garde, par le biais d’œuvres issues des réserves du musée, le Musée des Beaux-arts consacre sa nouvelle exposition temporaire, « Sur les chemins de l’abstraction », à l’artiste mulhousienne Maggy Kaiser, jusqu’au 28 janvier 2024. Le musée se propose de présenter les artistes femmes à l’avenir.

L’exposition

« Dans l’exposition précédente, nous avions déjà présenté une œuvre de Maggy Kaiser, dans une salle dédiée à l’abstraction », confie Chloé Tuboeuf, la responsable du Musée des Beaux-arts. L’œuvre en question, « Rythme diagonale », fait partie des collections du musée depuis les années 80 et c’est loin d’être un hasard, puisque l’artiste, surtout connue en Allemagne, est née et a grandi à Mulhouse.
Née en 1922, Marguerite -Maggy- Kaiser
 « n’était pas prédestinée à devenir artiste, poursuit Chloé Tuboeuf. Elle a commencé à dessiner à 12 ans, lors d’un séjour de convalescence en Suisse, puis s’est trouvée une fascination pour Kandinsky et Klee, qu’elle a découverts au Kunstmuseum de Bâle ».

        Rythme Diagonale ou diagonale droite musée des BA Mulhouse

 L’artiste s’installe à Paris en 1947, décide de ne se consacrer qu’à la peinture quatre ans plus tard, puis migre en Provence (où elle vit toujours), en 1962. 
« Elle a créé des œuvres jusque dans les années 2010 »,
précise la responsable du musée.

Parcours chronologique et thématique

34 ans après une première exposition consacrée à Maggy Kaiser, le Musée des Beaux-arts présente donc une nouvelle monographie de l’artiste, « Sur les chemins de l’abstraction ». « Cette exposition permet de montrer comment elle est arrivée à l’abstraction, qui apparaît très tôt dans son travail, mais aussi de présenter des œuvres créées dans les années 90 et 2000, qui n’avaient encore jamais été présentées », expose Chloé Tuboeuf. Sur tout le deuxième étage du musée, les visiteurs peuvent découvrir le travail singulier de l’artiste, présenté de manière chronologique et thématique. Dans la première salle consacrée à ses œuvres de jeunesse, une très classique nature morte à l’aquarelle côtoie une vue de Mulhouse déjà influencée par le cubisme, ainsi que sa première toile abstraite, « L’inconnue », qui marque un tournant dans son travail.

                              Mulhouse 1956 Fondation Heinrich W.Risken

L’abstraction comme fil conducteur

De salle en salle, on se rend compte de l’évolution du travail de l’artiste, au fil du temps. Si l’abstraction est un fil conducteur, les formes géométriques rigoureuses, les fonds sombres et les toiles rondes des années 70 et du début des années 80 laissent place à la période blanche, caractérisée par des fonds clairs et des lignes fines de couleurs. « Elle s’est détachée de la géométrie pure et de son propre style », analyse Chloé Tuboeuf.

Participation de Géraldine Husson pour les assises

Les œuvres les plus récentes, beaucoup plus colorées et surtout plus grandes, montrent des formes circulaires, flottant dans des univers aux espaces sans limites. « Ici, il y a une explosion de la gamme chromatique et on sent que Maggy Kaiser s’est totalement libérée de la forme géométrique. »

Une artiste peu connue des Mulhousiens

L’exposition, qui revient sur plus de 60 ans de création, offre aussi quelques surprises, comme cette vitrine présentant des photos et articles de presse, sur le travail d’art mural réalisé par Maggy Kaiser. On y voit notamment des clichés d’œuvres murales en céramique, qui sont toujours visibles dans les écoles mulhousiennes George Sand, Plein Ciel et Jean Zay ! Pour le Musée des Beaux-arts, cette exposition dédiée à Maggy Kaiser permet également de mettre en lumière le travail d’une femme artiste, pas forcément connue des Mulhousiens.

                                                San titre 2005
« L’exposition montre avant tout un travail mais le musée s’attache aussi à valoriser les femmes artistes et à travailler sur leurs biographies, dans la collection permanente ou par le biais d’expositions temporaires, conclut Chloé Tuboeuf. Elles ont été invisibilisées, on les connaît donc moins, et c’est aussi notre travail de les faire redécouvrir ! »

Autour de l’exposition : plusieurs événements gratuits

Visites commentées de l’exposition (sur réservation) :

  • Dimanche 6 octobre à 11h et à 15h
  • Jeudi 9 novembre à 18h30
  • Dimanche 3 décembre à 15h

Muséovacances : atelier enfant (7-11 ans), création d’un nuancier avec « La pigmentière »

  • Jeudi 26 octobre de 14h à 17h (sur réservation)

    Musée des Beaux Arts de Mulhouse
    4 Place Guillaume Tell
    68100 Mulhouse
    Ouvert tous les jours de 13 h à 18 h 30
    entrée gratuite

Renseignements réservation

Par email à l’adresse : accueil.musees@mulhouse-alsace.fr
Par téléphone : 03 89 33 78 11
Retrouvez toute l’actualité sur : www.beaux-arts.musees-mulhouse.fr

Sommaire de septembre 2023

Giuseppe Penone à l’Académie des Beaux Arts
 

26 septembre 2023 : Corps à corps. Histoire(s) de la photographie
23 septembre 2023 : Icônes de lumière, Elisabeth Bourdon
19 septembre 2023 : QUI NE DIT MOT…(Une victoire sur le silence)
18 septembre 2023 : Soirée des 30 ans de La Filature, Scène nationale de Mulhouse
18 septembre 2023 : Aglaé Bory, Ici Ailleurs
16 septembre 2023 : Niko Pirosmani
13 septembre 2023 : Les lauréats du prix Praemium Imperiale 2023
08 septembre 2023 : Concert – Clavecin Ruckers
04 septembre 2023 : Matisse, Derain et leurs amis, L’avant-garde parisienne des années 1904–1908