Guillaume Barth

Guillaume Barth, Elina, 2015. Photographie de la sculpture en sel et eau, 300cm de diamètre, Salar de Uyuni, Bolivie, projet-Elina, 2013-2015.
© Guillaume Barth

Nom : Barth
Prénom : Guillaume
Profession : Artiste multidisciplinaire
Spécialité :  Les arbres
Signe Particulier : Ecosophiste, poète, chercheur

« Mes idées se construisent depuis des lieux différents, ont des formes originales qui semblent s’éloigner les unes des autres, mais à y regarder de plus près, leur part d’invisibilité se recouvre dans un même ensemble. » G.B.

Comment êtes-vous venus à l’art ?

Depuis très jeune, avec une sensibilité exacerbée je pense avoir hérité
de l’âme d’un poète.
Un parcours scolaire atypique, après un bac scientifique « contre
nature » qui s’est orienté vers un cursus de création ( Deug 1 Arts
plastique March Bloch 2004 – deug 1école d’architecture de Strasbourg
2005 – DNAP ESAD Strasbourg 2010 – DNSEP ESAD Strasbourg 2012.)

Depuis quand dessinez-vous ?

Je dessine depuis l’age de 3 ans!

Vos parents, la famille ?

J’ai découvert après le décès de mon grand-père ( Robert Barth ) qu’il
a étudié la sculpture à l’école des Arts Décoratifs de Strasbourg dans
les années après la seconde Guerre Mondiale. Tout cela était un secret
bien gardé.

Comment définiriez-vous votre travail ?

Mes idées se construisent depuis des lieux différents, ont des formes originales qui semblent s’éloigner les unes des autres, mais à y regarder de plus près, leur part d’invisibilité se recouvre dans un même ensemble.
Je me définis avant tout comme sculpteur, cependant mes travaux existent à travers différents médiums. Il n’y a pas de matériau privilégié mais plutôt une méthode de recherche semblable dans l’élaboration de mes projets. À l’origine, il y a toujours une intuition, ressource élémentaire de chaque proposition. D’après mon expérience l’oeuvre préexiste, c’est-à-dire qu’elle se trouve dans une temporalité différente, dans un autre espace avant d’habiter le réel. Mon travail consiste, entre autres, à faire émerger cette forme et à lui constituer une histoire pour la faire apparaître. C’est un travail d’exploration. Il s’inscrit dans des cycles, il n’est pas prévisible, mais il est néanmoins nécessaire car répondant à un besoin d’introspection.
Mon travail est celui d’un chercheur, je me considère comme « non spécialiste » ou spécialiste d’une discipline à venir.

Faites-vous des dessins/essais préparatoires ?

Oui! Il y a souvent même plusieurs mois ou plusieurs années depuis l’idée à la
naissance de la forme.

Quitter la Terre
2014, 30 dessins au coprin noir d’encre (Coprinopsis atramentaria) sur papier cartonné

Quand travaillez-vous ?

Je travaille tout le temps!

A quel endroit ? maison, atelier ?

Il n’y a pas de lieu défini, mon atelier est partout, le train, la forêt, le
coin d’une table d’un bistro, la table basse du salon, l’établi de mon
grand-père.

Baumschule
Avez vous des horaires définis ?

Je devrais apprendre à respecter des horaires mais je n’y arrive pas 🙂

Vos maîtres ?

Je dois énormément à ma formation à l’école, je pense à mes
professeurs Pierre Mercier et Manfred Sternjackob mais aussi plus
récemment Valérie Jouve qui m’a accompagné au Fresnoy (2019-2020)

Vos références littéraires ?

Borges, Carl Gustav Jung, Jérôme Rothenberg, Philippe Descola,
Ahamdou Ambaté Bâ

Qu’est devenu votre travail pendant le confinement ?

J’ai pu me concentrer pendant trois mois sur la sculpture l’oracle du
Nord, les larmes des Arbres. Écouter la forêt sans entendre les bruits
de la route, quel bonheur le confinement

                                 Nouvelle Forêt 2020, 2021, 2121

Que cherchez-vous à exprimer dans votre travail, qui ne serait pas possible
avec des mots


La transcendance*

Quand avez-vous décidé d’exposer votre travail ?

En 2009, première exposition durant la biennale de Sélestat invité par
Philippe Piguet.

 J’ai croisé, Guillaume Barth  la première fois, pour « DEYE NAWE« 
à la Chapelle St Quirin de Sélestat, en 2011, un visage de petit prince, présentant une performance incroyable

Cette pandémie a-t-elle agit sur votre travail ?

Oui, c’est un évènement dans l’histoire de l’humanité, il y a un avant
et un après

Qu’est-ce que vous avez envie de partager ?

J’ai envie de partager mes expériences et l’énergie qui s’y déploie

Cérémonie du thé de Safran,

Les artistes doivent-ils être le reflet des sentiments, de la vision de
leur époque ?

Ils le sont par essence et de part leurs histoires, leurs subjectivités.

Quelle est votre plus belle rencontre en art ?

Il y en à plusieurs, je pense à Bebson de la Rue artiste Congolais de
Kinshasa, une grande leçon de poésie pur et d’humilité!

Une devise ?

Faire confiance à son intuition

Une définition de l’art

J’aime beaucoup celle de Glenn Gould:

L’objectif de l’art n’est pas le déclenchement d’une
sécrétion momentanée, mais la construction, sur la
durée d’une vie, d’un état d’émerveillement et de
sérénité.

*Définition transcendance : La transcendance désigne le fait que tout être ou toute chose dépend d’un principe extérieur, situé « au-delà ». Ce principe supérieur est inconnu et difficilement accessible.

Introduction d’Estelle Pietrzyk,

  • Directrice du musée MAMCS

    Des déserts de sel de Bolivie aux peuples des rennes de Mongolie,
    du Québec au Sénégal en passant par l’Iran, Guillaume Barth poursuit
    une trajectoire peu ordinaire, qui décourage une lecture « classique » du
    parcours du jeune artiste — école / diplôme / résidence / exposition /publication —
    car ce parcours vient s’entrecouper de moments mystérieux, plus proches de l’anthropologie que de la pratique artistique.
    Ces moments gardés secrets par l’artiste viennent nourrir une démarche, qui regarde volontiers du côté du spirituel tout en s’incarnant dans des matériaux simples qui incluent aussi une dimension de fragilité en invitant aussi le sel, des arbres vivants ou encore des pièces de tissus. (…)

Projet Elina 2013-2015

Elina, est un doux nom qui résonne à nos oreilles… Serait-ce celui d’une princesse, une divinité, une incantation ? Elina est une planète imaginaire conçue à partir de briques de sel selon des techniques artisanales des indiens Ayamaras, peuple de Bolivie, au nord du grand désert de sel. Guillaume Barth y a passé 3 mois pour réaliser son projet, se déployant en une sculpture éphémère (Elina), un film (Le deuxième monde, Elina) et un livre.

extrait du texte de Elina, 2010 Marie Terrieux,
directrice de la fondation François Schneider.

Nid pour un Homme

installation de 5 sculptures, différentes essence de bois tressés dans un vénérable tilleul, STUWA 2016, Ueberstrass commissariat Coal


installation de 5 sculptures, différentes essence de bois tressés dans un vénérable tilleul, STUWA 2016, Ueberstrass commissariat Coal

Crocus Sativus

Crocus Sativus, fleur du bonheur, 2018-2021
2018, photographie dans le désert de Korahsan Iran

L’oeil de Simorgh 2018-2018
« Guidés par la Huppe de Salomon, les oiseaux sont une métaphore de
l’âme. Ils sont en quête de l’être suprême, Simorgh, oiseau mythique,
manifestation visible du divin. Par-delà sept vallées, du désir, de l’amour, de la connaissance, de la plénitude, de l’unicité, de la perplexité, du dénuement et de l’anéantissement, seul trente oiseaux parviennent au bout du chemin.
Ils ne trouvent en Simorgh que le reflet d’eux mêmes, car la divinité, en réalité invisible, se manifeste dans le cœur, miroir de l’âme. Les âmes oiseaux comprennent alors qu’il faut s’anéantir soi-même, mourir pour renaître, devenir rien pour devenir tout. »

Simorgh en Perse signifie trente oiseaux.
Projet imaginé d’après le poème soufi,
Le Cantique des Oiseaux, Farîd oddîn’Attâr, 1177, Iran

2018, installation de 30 oiseaux en métal cuivrés et disque en bois concave recouvert de miroirs à la feuille d’argent 150 cm de diamètre. crédit photo Émilie Fux

Concert Pour Une Nouvelle Forêt

GB
A l’automne 2016, je parcours la Forêt de Stuttgart en Allemagne,
où des changements de températures provoquent la germination
des glands sous un chêne en particulier. J’y recueille 148 graines
pour les préserver du gel. Ces glands sont mis en terre dans des
pots dans l’atelier le 25 octobre 2016.
La « Baumschule » prend ainsi naissance. Ce terme allemand désignant
la pépinière est issu de la combinaison des mots « Baum »,
l’arbre et « Schule », l’école.
À la fin de la résidence, 134 jeunes arbres sont sortis de terre.
L’expérience de la nature revêt alors une dimension particulière
à mesure qu’une Nouvelle Forêt pousse dans mon atelier.Durant deux années, nous collaborons étroitement avec le musicien
et compositeur Thibault Bru et la pianiste virtuose Neus  Estarellas. Le Concert pour une Nouvelle Forêt est une oeuvre
évolutive se déclinant en plusieurs compositions. La musique exprime la singularité de chaque arbre au fil de sa croissance et des saisons ainsi que la communication et l’influence réciproque
des arbres et de leur environnement. Comme un dialogue imaginé entre les Arbres.
Le prix Bullukian 2018 récompense l’oeuvre Concert Pour Une
Nouvelle Forêt et permet de réaliser la pièce lors d’une exposition
avec un concert événement joué pour les Arbres dans le jardin
de la fondation à Lyon le 5 juin 2019.

Voyage vers hyperborée

2020, installation produite au Studio National des Arts Contemporains du Fresnoy, photographie du tournage au Québec février 2020

L’Arbre Bleu

2019, tissus en coton bleu 9 bloc de granit en cercle,  installation imaginée pour le vénérable Paulownia, biennale Sélest’art

Axis Mundi

2018, échelle en aluminium, tissus en coton, disque en acier polimiroir, 1800 cm x 58 cm, 298 cm de diamètre. © Guillaume Barth. Arte

Ataraxia – Sōlārī

Ataraxia – Sōlārī est une activation de sculptures imaginées et présentées par les artistes plasticiens

Guillaume Barth (Strasbourg, France) et Cesar Urrutia (CDMX, MX). À travers ces pièces, les artistes affirment un processus artistique comme moyen de guérison et de résilience. Ces oeuvres tentent de dépasser les circonstances dans lesquelles l’angoisse, la peur et la mort sont venues redéfinir nos réalités.

C’est dans cette perspective que les artistes ont commencé à travailler sur le développement de processus créatifs, les amenant à explorer les anciennes pratiques rituelles indigènes comme voie de guérison et de régénération.

Ces pièces ont pour vocation de rapprocher le public avec les notions de sérénité et de renouveau à travers une activation dans laquelle les protagonistes sont à la fois spectateurs et acteurs.

Lors de leur première rencontre, début décembre, les deux artistes proposés ont eu la même idée: construire une sculpture rituelle en utilisant ces concepts. Cette coïncidence apporte une dynamique particulière à la création de cette œuvre.

Ataraxia – Sōlārī s’est activée le 7 février pour l’inauguration de la Farmacia del Arte à Mexico Manuel María Contreras 71, Col San Rafael,CDMX

Le film Ataraxia – Sōlārī est la trace de cet événement il a été produit en Collaboration spéciale pour la réalisation du film et la bande son de la performance avec Carlos Edelmiro, Phonolab et Rodriguo Morales Vostok.

Le site de Guillaume Barth

Le site de Guillaume Barth en complément de son travail artistique et de recherche poétique ici,
expositions,  textes, prix, de sa relation
personnelle à la forêt de l’Ill*Wald etc

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Art Basel 2022 – Bilan

Art Basel conclut avec succès le retour de son édition de juin L’édition 2022

-Art Basel s’est clôturée le dimanche 19 juin, après une semaine de rapports de ventes dynamiques dans tous les secteurs du marché

-La foire a attiré une participation globale de 70 000 personnes tout au long de ses journées VIP et publiques

-En soutien à l’Ukraine, Art Basel a collaboré avec la ville de Bâle, les principales institutions culturelles de la ville, Liste Art Fair Basel et le PinchukArtCentre sur un projet d’art public mettant en vedette la dernière série photographique de l’artiste ukrainien Boris Mikhailov, « Temptation of Death »

– Art Basel a également soutenu la performance du collectif punk russe Pussy Riot et a fait un don de 110 000 CHF réparti également entre trois organisations d’aide humanitaire

                                 Photo Raymond Stoppele

-Le jeudi 16 juin, Art Basel a organisé sa première Nuit illimitée, avec un programme de performances spéciales d’Ari Benjamin Meyers et Nora Turato et un événement avec l’artiste lauréat d’un Grammy Award Chance the Rapper Le salon, dont le Lead Partner est UBS, a eu lieu à Messe Basel du 16 au 19 juin 2022

Mon Art Basel

Quelques photos prises pendant le court moment qu’à duré ma visite.

A bientot en octobre

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Picasso – El Greco

Picasso et sa première épouse Olga
Paloma Picasso

Jusqu’au 25.09.2022, au  Kunstmuseum Basel | Neubau
Commissaire : Carmen Giménez, avec Gabriel Dette, Josef Helfenstein et Ana Mingota

                                                 au centre Paloma Picasso

Dans le cadre d’une grande exposition temporaire, le Kunstmuseum Basel met en lumière l’intérêt de Pablo Picasso (1881–1973) pour le maître ancien crétois Doménikos Theotokópoulos, mieux connu sous le nom dEl Greco (1541–1614). Quelque 30 rapprochements de chefs-d’oeuvre des deux artistes retracent ce dialogue parmi les plus fascinants de l’histoire de l’art. De prestigieux prêts du monde entier sont réunis autour d’un noyau d’oeuvres de Picasso provenant de la collection du musée.

Des Nouveautés ?

 Picasso

Pablo Picasso a marqué de manière décisive le cours de l’histoire de l’art européenne à maintes reprises. Dans le monde, il n’existe guère d’artiste plus connu et mieux étudié. Pourtant, des nouveautés restent à découvrir dans son oeuvre. On sait ainsi que l’enthousiasme de Picasso pour Le Greco a laissé des traces manifestes dans ses travaux. Toutefois, à cet égard, on songe surtout à ses premières phases de création jusqu’à la période bleue.

                 El Greco

L’exposition Picasso – El Greco propose au contraire une version selon laquelle Picasso s’est consacré non seulement davantage au Greco qu’on ne l’avait supposé jusqu’ici, mais aussi bien plus longtemps qu’on ne le pensait, comme en témoignent des références évidentes à la fois dans ses tableaux cubistes et dans ceux de l’ensemble des périodes de création plus tardives.
L’exposition au Kunstmuseum Basel | Neubau met en scène un « dialogue » d’égal à égal entre Picasso et un de ses modèles, dans une forme circonscrite, parfois associative, s’étendant sur plusieurs siècles.

La réhabilitation du Greco

Né en 1541 en Crête, Le Greco, qui se rendit en Espagne à la fin des années 1570 après un séjour de dix ans à Venise et à Rome, connut une immense gloire de son vivant grâce à sa facture picturale à nulle autre pareille. Pourtant, peu après sa mort, il tomba dans l’oubli. Ce n’est qu’au XIXe siècle puis au tournant du XXe siècle qu’advient une renaissance de l’oeuvre du Greco impliquant des femmes et des hommes artistes dans l’Europe entière. Le jeune Picasso prend part à cette redécouverte en première ligne.
Picasso éprouve un intérêt pour le maître ancien grec dès la fin du XIXe siècle, lorsque sa famille s’établit à Barcelone en 1896. Le futur peintre, tout juste âgé de quinze ans, fréquente des artistes, hommes et femmes, ouverts d’esprit qui jouent un rôle prépondérant dans la réhabilitation du Greco qui a sombré dans l’oubli. En 1898, l’Espagne perd la guerre hispano-américaine et, de ce fait, ses dernières colonies majeures. En réaction au déclin géopolitique de l’ancienne puissance coloniale, de nombreux artistes et gens de culture s’inspirent dudit
« Siglo de Oro », le « Siècle d’or » espagnol qui s’étend du XVIe siècle tardif à la fin du XVIIe siècle. Autour de 1900, époque marquée par le nationalisme et une quête d’identité, les peintres de l’École espagnole jouent un rôle capital avec Le Greco, Diego Velázquez et Francisco de Goya parmi ses représentants.

En tant qu’artiste singulier ayant marqué l’histoire de la peinture européenne, Le Greco se situait à la marge, notamment parce que, en raison de son parcours, trois traditions différentes (gréco-byzantine, vénitienne et espagnole) ont inspiré son oeuvre à partir desquelles il élabora un langage pictural sans pareil. Le manque de documents probants sur sa vie et son oeuvre contribue également à la fascination continue qu’il exerce jusqu’à aujourd’hui. Sa personnalité auréolée de légendes constituait sans doute une surface de projection idéale pour les artistes se rebellant contre l’académisme.

La fascination de Picasso pour les maîtres anciens espagnols

Les emprunts directs au Greco surviennent dès le début de la carrière artistique de Picasso : dans de nombreuses esquisses des années 1898-1899, il s’use véritablement aux motifs du Greco. Son Portrait d’un étranger dans le style du Greco (1899) reproduit une tête type, caractéristique des portraits et des tableaux de saints du Greco, à l’instar du Saint Jérôme (vers 1610) conservé au Metropolitan Museum of Art de New York. L’Enterrement de Casagemas (Évocation) de 1901, chef-d’oeuvre intime qui annonce la période bleue, s’inspire directement du Greco également. Dans les années suivantes, cette influence demeure perceptible, comme le montrent les parallèles étonnants entre le Portrait de Mme Canals (1905) de Picasso et le Portrait d’une dame à la fourrure que l’on attribuait encore à l’époque au Greco, mais dont le véritable auteur n’est pas clairement établi aujourd’hui.
L’exposition porte également une attention particulière au cubisme : deux salles mettent en regard des oeuvres de Picasso réalisées autour de 1910 avec une sélection de célèbres tableaux d’apôtres du Greco (1608/1614) provenant du Museo del Greco à Tolède ainsi que son grand format La Résurrection du Christ (1597–1600) conservé au Prado à Madrid.

Autres comparaisons

Après la Seconde Guerre mondiale, alors que Picasso bénéficiait depuis longtemps d’une renommée internationale, il se consacra largement à l’étude des peintres anciens. L’exposition présente de fascinants exemples de l’intérêt de Picasso pour ses prédécesseurs, dont le tableau Mousquetaire (1967) au verso duquel Picasso a noté « Domenico Theotocopulos van Rijn da Silva », référence explicite aux maîtres qu’il vénérait : Le Greco, Rembrandt et Velázquez.

Picasso  Pablo Picasso
« Greco, Velázquez, INSPIRARME » (Verschiedene Horta-Typen),Conté-Stift auf Papier

De prestigieux prêts

L’exposition Picasso – El Greco réunit plus de cinquante prêts prestigieux consentis par des musées et des collections privées du monde entier aux côtés d’une douzaine d’oeuvres majeures de Picasso provenant de la collection du Kunstmuseum Basel. Parmi les institutions mettant à notre disposition des ensembles d’oeuvres majeurs issus de leurs collections, citons en premier lieu le Museo Nacional del Prado de Madrid, le Museo del Greco de Tolède, le Museu Picasso de Barcelone et le Musée national Picasso de Paris. Par ailleurs, le Metropolitan Museum of Art et le Solomon R. Guggenheim Museum de New York, la National Gallery de Washington, la National Gallery et la Tate Modern de Londres, le Musée du Louvre et le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, le Museum of Fine Arts de Budapest et la Gemäldegalerie de Berlin consentent d’extraordinaires prêts d’oeuvres.

Dans le cadre de l’exposition, un abondant catalogue avec des contributions de Gabriel Dette, Carmen Giménez, Josef Helfenstein, Javier Portús et Richard Shiff paraît aux éditions Hatje Cantz Verlag.
L’exposition est organisée par Kunstmuseum Basel avec le soutien exceptionnel du Musée national Picasso-Paris

Informations

Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 8
Postfach, CH-4010 Basel
T +41 61 206 62 62
kunstmuseumbasel.ch

Tram n° 2 depuis la gare SBB, arrêt Kunstmuseum (enfin)

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Mon Art Basel 2022

ma chronique sur EVA & ADELE Les Jumelles hermaphrodites dans l’art

Prologue

Tout ça parce que je suis tombée du lit, (moi aussi j’ai ri d’abord) sur ma valise ouverte. C’était à Paris le 17 mai. J’ai eu un peu mal au genou. Cela s’est aggravé de jour en jour. Du coup j’ai fait l’impasse sur les ateliers ouverts et autres expositions.
Mon psy prétend que cela s’est produit suite à un cauchemar. En effet cela se transforme en cauchemar…

Acte 1

Je m’étais sagement préparée pour l’évènement (ART BASEL). J’avais, à grands regrets, fait l’impasse sur les évènements mulhousiens  : la biennale de la Photo – BPM -à la Filature – Désidération, à la Chapelle St Jean BPM, musée des BA de Mulhouse BPM, le canal des cigognes, le canal au musée de l’impression sur étoffes, la Kunsthalle
puis St Louis : le vernissage à Fernet Branca, Hombourg BPM, la bibliothèque de Mulhouse, le Séchoir. Enfin vous constaterez l’étendu de mon sacrifice.

J’arrive toute guillerette pour le Breakfast des VIP (Champagne et viennoiseries) J’opte pour un café, je me tourne vers la serveuse qui me
tend le café, c’est là qu’une immense douleur au genou, me foudroie.
Je reste debout en priant le ciel de ne pas m’effondrer devant l’assistance
si chic, et de les asperger avec mon café. Solidaire immédiatement ils me prennent le café des mains, et m’accompagnent vers une chaise. Je ne me souviens plus si j’ai laissé échapper un gros mot, je crois que oui, je les ai remerciés. Un ami qui m’accompagnait est allé au poste de secours de la foire.
Accueilli, par une infirmière qui parlait le français, il a appris qu’il n’y avait
pas de médecin de garde.

Acte 2

Contre la remise de sa CI, on lui a proposé un fauteuil
roulant. Nous voilà parti pour la visite et pour le déjeuner.
Puis décidant d’appeler mon assurance carte World Elite premium (je précise pour la suite), pour être « rapatriée » chez moi, j’apprends qu’il me faut absolument une attestation d’un  vrai médecin.
C’est là que ça se corse. Attente au téléphone, charge de la batterie qui diminue
dangereusement, j’essaie de discuter, rien à faire, je suis dans l’obligation
d’aller aux urgences suisses.
Tout d’abord, mon interlocutrice, me répond qu’il y a une franchise dans mon cas, puis quand je précise que je suis à Bâle, en Suisse, à 35 km de mon domicile, elle ignore tout de Art Basel et me fait patienter pour le service médical qui ne répond pas pendant 25 mn.                                                                            Pistoleto
Je rappelle, enfin j’ai le service médical qui précise que c’est un médecin que je dois voir, ou alors ils ne s’occupent de rien, si je ne veux pas comprendre que c’est tant pis pour moi !

Acte 3

Sur le conseil de l’infirmière de la foire, je fais appel à un taxi, (elle dit que les
pompiers c’est + cher) Elle me pousse jusqu’au taxi et récupère le fauteuil.
Il me mène aux urgences de l’hôpital universitaire de Bâle. Généreux, il me soutient pour sortir du taxi, mais il n’y a personne pour l’accueil, il faut aller jusqu’à l’admission. Je vois un peu plus loin des pompiers, je les appelle au secours. Ils parlent le français et viennent du Doubs, ils ont déposé un malade. Ils demandent un chaise roulante pour moi.
Il n’y a pas de chaise roulante aux urgences.
Ils m’assoient sur une chaise normale. Puis tout d’un coup arrive une chaise. Un infirmier me reçoit, pour les contrôles d’usage, masque,
température, tension etc…
Puis on me pose devant l’admission, où je réponds à toutes questions que l’on me pose, même à celle qui demande, qui prévenir au cas où ….
Puis il est question de procéder à une radio, dans l’attente, on me pose dans un cagibi, je demande à boire.
Puis un infirmier me cherche pour la radio.
il doit descendre la planche où je dois m’étendre, il enlève mes chaussures, s’empêtre dans les doubles noeuds de mes tennis, puis il m’enlève le pantalon,
là je suis prise d’un fou rire nerveux, lui toujours professionnel ne comprend certainement pas mon rire. Il procède à la radio, me remet mon pantalon, pas les chaussures qui sont posées sur ma chaise.
Puis direction cagibi dans l’attente du médecin qui doit révéler le diagnostic
Au bout d’un certain temps arrive le docteur, un suisse, qui m’explique que je n’ai rien, puis il va faire appel à son chef qui lui, parle le français.
Le médecin chef, qui comme tout chef est très occupé, m’explique qu’on va me donner un cachet pour la douleur, et que l’on va me faire un TAC, j’ai compris plus tard que c’est un scanner. On me met dans la salle d’attente du Scanner, je suis seule.
Attente de 45 mn, j’atterris dans la salle du scanner. Là on pénètre dans un espèce de tunnel pour 2 mn dit-elle. De temps en temps mon téléphone sonne mais il est loin.
La dame, à ma demande me conduit aux toilettes, la chaise ne veut pas entrer dans les toilettes, en poussant un peu on y arrive. Pour ressortir c’est le même cirque. On me reconduit chez les 2 médecins. Le médecin assisté d’une infirmière tente de m’allonger, sur une table d’examen, je retombe lourdement sur mon fauteuil. Je comprends que l’infirmière grogne en suisse : elle a 2 jambes non ?
Résultats des courses, à part un peu d’arthrose, je n’ai rien. J’ai un léger … doute, aurait-on scanné la jambe gauche ? Alors que c’est la droite qui est douloureuse.
On me met debout, je ne tiens pas et j’ai mal, on me donne 2 béquilles, encore moins, je prends une leçon de marche avec béquilles, par le chef entouré d’assistants. Sont-ils là pour me rattraper en cas de chute ? Ou mieux, comme c’est un hôpital universitaire, pour suivre la leçon du chef. Puis le médecin chef me dit : si vous avez trop mal et si vous n’arrivez pas à marcher, on vous garde ici.
Panique dans ma tête, je réussis, allez savoir pourquoi, après avoir avaler le médicament, à marcher avec une béquille. Je peux partir, non sans avoir à régler une facture. Mais personne ne sait combien je leur dois.
Au moment de régler avec ma montre connectée, le terminal est un peu loin,
je tire dessus, le système se ment en panne. Les agents sont tenus de le réinitialiser, je paye.

Acte 4

Puis c’est l’attente du taxi, qui me conduit
au-delà de la frontière où m’attend Véronique Arnold, qui y a garé sa voiture.
Elle était à Art Basel, en vélo, où elle expose

les plis de l’Univers

 

à la Galerie Stampa, du 16 au 19/6/22

                                                                   Les mains de l’arbre touchent l’azur

En même temps au centre ville au Spalenberg 2 WWW.stampa-galerie.ch
                                           And When I Say
                                          I AM DREAMING TOO

VÉRONIQUE ARNOLD
ET QUAND JE DIS QUE TU RÊVES,
JE RÊVE AUSSI
2. juin 2022 – 27. août 2022

Finale

Arrivées à Mulhouse, elle m’a hissée jusqu’au 3e étage de mon appartement, avec force béquille. Je ne vous raconte pas la stupéfaction de mon mari quand il m’a vue !

Je remercie, mes 2 accompagnateurs solidaires, qui ont eu une patience infinie avec moi.

Retour à domicile

De retour à Mulhouse, après les urgences de Bâle du 14/6 réclamées par mon assurance , je consulte ma généraliste.
Elle souhaite voir le résultat des examens de Bâle et dans le doute et cette attente elle m’envoie faire une IRM.
Le premier radiologue consulté me fixe RDV au 21/7/
le 2e au mois de septembre et me demande de venir m’inscrire chez lui, ou d’envoyer quelqu’un à ma place
Les autres ne répondent pas au tél.
Il faut savoir que j’habite un 3e étage sans ascenseur, et que je marche avec une béquille, pour épargner le genou droit douloureux.

Information

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BANG BANG

– histoire:s translocale:s de la performance

Madison Bycroft


Un projet d’exposition de Revolving Histories/Performance Chronik Basel
et du Musée Tinguely

EQUIPE
Verein Performance Chronik Basel
:
Conception/réalisation: Lena Eriksson, Muda Mathis, Chris Regn, Andrea Saemann
Musée Tinguely : Séverine Fromaigeat, curatrice programme international

8 juin au 21 août 2022

                                                                    Clip1

L’été

Tout au long de l’été, le Musée Tinguely célèbre la performance avec BANG BANG – histoire:s translocale:s de la performance. Axée sur le processus, l’exposition met l’accent sur le paysage suisse de la performance, ses protagonistes et ses réseaux, et présente dans le même temps un fastueux et vibrant programme international. Des installations vidéo, performances, photos et textes retracent l’histoire incroyablement riche de ce médium déployée à la manière d’un kaléidoscope à nul autre pareil. BANG BANG esquisse une cartographie de l’art performatif, afin de redéfinir les contours mouvants de cette discipline. BANG BANG entremêle performances live, discussions et présentations qui enjoignent public, artistes, chercheur.euse.s et musée à se rencontrer autour d’une exposition-festival haute en couleurs et en surprises au cours de sept week-ends. Organisé du 8 juin au 21 août 2022 au Musée Tinguely et dans le parc Solitude, BANG BANG propose de découvrir les différentes dimensions de l’art performatif.

 

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« L’exposition se veut fluide et évolutive, plutôt que d’apporter des réponses historiques définitives, elle propose des échanges publics sur les questions actuelles relatives à ce genre. Aux confins de plusieurs champs artistiques, la performance est devenue un médium privilégié pour plusieurs générations d’artistes. Aujourd’hui très présente, elle permet d’exprimer dans l’instant des revendications aussi bien esthétiques, sociales que politiques. Par nature expérimentale, la performance peut être provocante, bruyante ou discrète et insaisissable. C’est une forme d’art éphémère, imprévisible et incroyablement vivante. »

Séverine Fromaigeat, Curatrice Musée Tinguely

Les sept chapitres


Afin de déployer ces différentes dimensions de la performance, les sept chapitres qui structurent l’exposition-festival BANG BANG seront explorées et discutés tout au fil de l’été. Chacune de ces sections thématiques structure à sa manière l’exposition, mais ne constitue en aucun cas un cadre strict. Elles tracent en substance les contours rhizomatiques d’une pratique difficilement saisissable.

Des expositions dans l’exposition :

Chaque mois, trois démarches artistiques sont présentées successivement au sein des salles d’exposition du musée.
clip baiser

Événements live :

Du vendredi au dimanche, trois à quatre artistes présentent leurs travaux et explorent le thème du moment à travers leurs performances live et des discussions. En ouverture de chaque week-end, un programme de projections vidéos fait office de préambule aux activités du week-end.

Structure :

Vendredi : programme vidéos Samedi : performances live
Samedi : performances live
Dimanche : présentations et discussions

Chapitre thématique 1-7

1– Saga (regard rétrospectif) du 9 au 12 juin 2022

Bien que la performance soit une pratique récente, il est déjà possible d’en relire l’histoire, les histoires. Pour ce chapitre, nous considérons la performance comme une traversée d’impulsions et de courants venant d’horizons multiples, de cultures métissées, de moments du passé, d’une histoire de l’art et des formes, un entrelacs d’inspirations diverses, qui constitue aujourd’hui un héritage riche pour des dialogues intergénérationnels fructueux

Calendrier d’événements :

Conférences «Revolving Documents#1 du 9 au 10 juin 2022 Narrations of the Beginnings of Performance Art»

(Organisé par HSLU – D&K | Sabine Gebhardt Fink en collaboration avec Networking Performance Art Histories et MAS Curating ZHdK)

Événements live

Fête estivale et vernissage, 7 juin 2022

Ouverture de l’exposition « Kosmos – Porte Rouge » (Christoph Ranzenhofer & Joa Iselin) avec la performance Karabuki

du 11 au 12 juin 2022

Performances : Paul Maheke, Gisela Hochuli, Davide-Christelle Sanvee, DARTS Collective | Claudia Grimm

Talks : Annika Hossain | SAPA, Michael Hiltbrunner s’entretient avec Sibylle Omlin, Paul Maheke, Gisela Hochuli, Davide-Christelle Sanvee, Claudia Grimm | DARTS Collective

2– Explorations médiales (pratiques esthétiques, hybridation) du 17 au 19 juin 2022

La performance se situe à la frontière de plusieurs disciplines, entre différents genres et une multitude de médias et médiums. Arts visuels, théâtre, danse, musique et littérature, mais aussi cabarets et cirque, vidéo et installation, ou encore objet et peinture peuvent y fusionner, s’y perdre, s’y rejouer. Les frontières entre les genres deviennent ici perméables et permettent d’explorer des questions de fluidité, un rapport à l’hybridité du corps, au décalage fécond, au rire, au costume.

Dans ce crossover de médiums, la performance se transforme et se réinvente en permanence, se détachant des conventions de genres, pour incarner une puissance critique et poétique.

Événements live du 17 au 19 juin 2022

Performances : Madison Bycroft, Leo Hofmann, Anne Sylvie Henchoz & Dorothea Rust & Myriam Ziehli & Rahel El-Maawi

Talks : Ysaline Rochat | Les Urbaines, Lisa Letnansky | GESSNERALLEE s’entretient avec Ernestyna Orlowska, Madison Bycroft, Leo Hofmann, Anne Sylvie Henchoz & Dorothea Rust & Myriam Ziehli & Rahel El-Maawi

3– De l’équivalence radicale des expériences (choreopolitics, queer) du 24 au 26 juin 2022

Cette thématique ouvre un champ d’exploration autour de la question du lieu d’où l’on parle. Depuis quel endroit peut- on dire « je », ou « nous »? Comment le contexte – société, architecture, institutions, famille, école, normes de genre, environnement de travail – influent sur nos sensations, notre langage corporel, notre attitude ou encore nos actions.

Événements live du 24 au 26 juin 2022

Performances : Tarek Lahkrissi, Julia Geröcs & Gabriel Studerus, La Ribot Ensemble, Anne Käthi Wehrli

Talks : Maria La Ribot Charlatan | Jean-Damien Fleury, Sarah Glaisen, Esther Maria Jungo, Adailton Santos s’entretient avec Romy Rüegger, Tarek Lahkrissi, Julia Geröcs & Gabriel Studerus, Anne Käthi Wehrli

4– Actions volatiles (politique, activisme, féminisme) du 1 au 3 juillet 2022

Ce thème ouvre un vaste champ d’exploration autour de la question du commun, du collectif, de l’espace public, et, par ricochet, du militantisme, de la circulation de l’information et des médias. La performance interroge notre rapport au politique et peut devenir source d’irritation, un lieu de subversion et de transgression, pour réclamer une forme autodétermination et d’émancipation.

Événements live du 1 au 3 juillet 2022

Performances : Alex Baczynski Jenkins, Darren Roshier, Claudia Barth avec Trudi Barth, Ariane Andereggen

Talks : Yann Marussich s’entretient avec Gabriel Magos, Alex Baczynski-Jenkins, Darren Roshier, Claudia Barth mit Trudi Barth, Ariane Andereggen

5– Élégance sociale (amitiés, scènes, réseaux) du 8 juillet au 7 août 2022

Réseau, collectivité et communauté sont les grands thèmes de ce chapitre né sous le signe des amitiés et du travail collaboratif. La performance n’est-elle pas de facto un art de l’être ensemble, du collectif et de l’interaction ? Echange d’idées, mise en commun des compétences, constitution d’équipe : ces idées sont au cœur de l’ensemble du projet, qui repose essentiellement sur des réseaux (curatoriaux, artistiques et historiques) et des influences partagées.

Talks 10 juillet : KABH – Kunst Archiv Bernhard Huwiler / Renée Magaña, Mike Hentz
Performanc
e 10 juillet : Boris Nieslony

Événements live du 8 juillet au 7 août 2022 au parc Solitude

en collaboration avec PANCH – Performance Art Netzwerk CH

Davide-Christelle Sanvee, «LE ICH DANS NICHT», 2019, Prix Suisse de la Performance, samedi 21 septembre 2019, Aargauer Kunsthaus, Aarau.

Artistes CH : Christine Bänninger, Claudia Barth, Sandra De los Santos, Lilian Frei, Pascale Grau, Gisela Hochuli, Judith Huber, Parvez Imam, Elsbeth Carolin Iten, Vera Kovacevska, Yara Li Mennel, Marie-Anne Lerjen, Dominik Lipp, Regula Michell, Dawn Nilo, MIRZLEKID/ Hansjörg Köfler, Maricruz Peñaloza, Laura Pellegrini, Natalie Peters, Anna Rigamonti, Hanga Séra, Ursula Scherrer, Bruno Schlatter, Nadine Seeger, Benjamin Sunarjo, Meret Wandeler, Monica Klingler, Thomas Zollinger, ROMA JAM Session

Artistes internationaux : Derin Pinar Gençer (Turquie), Anette Arlander (Finlande), Małgorzata Sady (Pologne), Ewa Zarzycka (Pologne), Paweł Korbus (Pologne), Jonathan Blackwood (Grande-Bretagne), OPA (Macédoine du Nord), Ana Lazarevska (Macédoine du Nord)

Come and Show – Performance All Day Long, 6 août 2022, dès 11h

6– Transmission directe (situation, réception) du 12 au 14 août 2022

Il s’agit ici d’explorer l’expérience directe de l’œuvre d’art, par le biais de la simultanéité de présence de l’artiste et du spectateur.rice durant une performance. Entre l’artiste et le public s’ouvre un espace de perception, un temps et un espace partagés, qui sont communs à toutes celles et tous ceux qui sont présente.s. Cette coprésence confère au public un rôle particulier. Il devient le témoin d’une œuvre éphémère dont les sensations et le récit mémoriel occuperont ensuite ses

souvenirs. Cette proximité de temps et d’espace entre le public et le.la artiste fait de la performance un médium artistique unique.

Événements live du 12 au 14 août 2022

Performances : Maria Hassabi, Dorothea Schürch & Bärbel Schwarz, Bruno Jakob & Hans Witschi, Birgit & Anatol Kempker

Talks : Pascale Grau, HSLU | Rachel Mader, Linda Neukirchen, HKB | Hanna Barbara Hölling, Bone Sammlung | Marina Porobic, Kunsthaus ZH | Kerstin Mürer (tbc), HIT | Alicia Reymond, Fritz Franz Vogel | Fotodokumentationen, Chantal Küng | Film : doris, wie lernt eine hexe?, Kunstkredit BS | Isabel Fluri, Kommission bildende Kunst Stadt LU | Michel Rebosura s’entretient avec Heike Fiedler, Dorothea Schürch & Bärbel Schwarz, Bruno Jakob & Hans Witschi, Birgit & Anatol Kempker

7-Freckly Night (célébration des grands moments, du passé au futur) du 19-21 août, 2022

Ce moment festif clôturera ce grand projet et sera une célébration de ce qui est, de ce qui était et de ce que pourrait être (ou pas) une performance. Il mettra en avant la sensualité, l’énergie, l’humour et la collectivité. Ce moment sera organique et voluptueux. Il s’agira de fêter ensemble la performance et de lui rendre hommage à travers concert, performance et show.

Événements live du 19 au 21 août 2022
Performances : Esben Weile Kjaer, Les Reines Prochaines, Chris Regn, Evi Wiemer, Jean Cotter, Yan Duyvendak, Ntando Cele, Anne Rosset & Robert Alexander, Markus Goessi, Iris Ganz, Andrea Saemann Talks : Katharina Steffen | Frauenrakete, Monika Dillier | Damengöttinnen s’entretient avec Ute Holl

Informations pratiques

Musée Tinguely | Paul Sacher-Anlage 1 | 4002 Bâle

Heures d’ouverture :
mardi – dimanche, tous les jours 11h-18h, jeudi jusqu’à 21h

Sites Internet : www.tinguely.ch/bangbang | www.performancechronikbasel.ch

Réseaux sociaux : @museumtinguely | #museumtinguely | #bangbang | #revolvinghistories | #perfomancechronikbasel

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MONDRIAN EVOLUTION

Avond (Soir) :
L’Arbre rouge, 1908–1910
Huile sur toile
70 x 99 cm
Kunstmuseum Den Haag
La Haye, Pays-Bas

A la Fondation Beyeler jusqu’au 9 OCTOBRE 2022
Cette exposition de la Fondation Beyeler, Riehen/Bâle, a été organisée en coopération avec le Kunstmuseum Den Haag.
Elle est placée sous le
commissariat d’Ulf Küster, Senior Curator, Fondation Beyeler.
Elle sera ensuite présentée
à la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf.

Fondation Beyeler célèbre ses 25 années d’existence

La collection de la Fondation Beyeler comprend surtout des œuvres tardives de Mondrian, mais l’exposition se concentre principalement sur les œuvres des débuts de l’artiste, dont le développement est influencé non seulement par la peinture de paysage hollandaise de la fin du 19ème siècle mais aussi par le symbolisme et le cubisme. Ce n’est qu’au début des années 1920 que Mondrian commence à se concentrer sur un vocabulaire pictural pleinement non figuratif composé d’agencements rectilignes de lignes noires sur fond blanc et des trois couleurs primaires bleu, rouge et jaune.

Vous allez suivre ici comment Piet Mondrian (1872–1944), l’un des artistes les plus célèbres de l’art moderne, s’est métamorphosé de peintre paysagiste en avant gardiste et pionnier de l’art abstrait. L’année 2022 marque le 150ème anniversaire de sa naissance.
L’ÉQUIPE DE RESTAURATION AU TRAVAILSept oeuvres importantes de l’artiste se trouvent dans la Collection Beyeler. À l’occasion de cette exposition, elles ont été examinées par des expert·e·s en conservation et en restauration, permettant d’acquérir des connaissances pour partie tout à fait nouvelles.
Avec 89 oeuvres provenant de collections privées et publiques en Europe
et aux États-Unis,

Piet Mondrian
Composition losange avec huit lignes et rouge / Picture N° III, 1938
Huile sur toile, diagonales 141,5 cm, côtes 100 x 100 cm
Fondation Beyeler, Riehen/Bâle, Collection Beyeler
© Mondrian/Holtzman Trust
Photo: Robert Bayer, Bâle


«Mondrian Evolution» retrace le parcours saisissant de l’artiste, de peintre paysagiste du 19ème siècle à l’un des protagonistes majeurs de l’art moderne. L’exposition offre une rare occasion de découvrir sous un jour
nouveau le travail de Mondrian, qui a profondément influencé le 20ème siècle non seulement dans le domaine de l’art mais aussi dans ceux du design, de l’architecture, de la mode et de la culture pop. Il s’agit de la première exposition individuelle consacrée à l’artiste en Suisse depuis 50 ans.

CONTRASTES

Piet Mondrian
Femme au fuseau, ca. 1893–1896
Huile sur toile, 36,8 × 29,8 cm
Prêt de la Pace Gallery
© 2022 Mondrian/Holtzman Trust
Photo: Kerry Ryan McFate

L’exposition est conçue de manière chronologique mais elle tire son expressivité de la confrontation
d’oeuvres précoces et tardives, qui met en lumière les forces de transformation à l’oeuvre dans le travail de Mondrian. Au fil de neuf salles d’exposition, on retrouve des motifs récurrents tels les moulins à vent, les
dunes, la mer, les bâtiments de ferme se reflétant dans l’eau et les plantes, représentés à des degrés divers d’abstraction.
Dans ses paysages, Piet Mondrian explore l’éclat et le rayonnement de la couleur – ce qui donne à ces tableaux leur apparence extraordinairement lumineuse et vive – ainsi que l’influence de la lumière et l’expérience de l’espace, de la surface, de la structure et des reflets.

Moulin à Oostzijde dans le crépuscule, vers 1907–1908
Huile sur toile, 67,5 × 117,5 cm
Musée d’Art de La Haye, Pays-Bas
Legs Salomon B. Slijper
© 2022 Mondrian/Holtzman Trust
Photo: Musée d’Art de La Haye

Le tableau Moulin au soleil, 1908

Piet Mondriaan
Molen bij zonlicht
Post Restauratie 2011

Le tableau Moulin au soleil, 1908, dont la radicalité apparaît encore aujourd’hui, avait provoqué un tollé parmi les critiques de l’époque avec son explosion de couleurs et sa technique picturale d’apparence sommaire. L’exposition présente également l’oeuvre Le nuage rouge, 1907, qui saisit le moment magique et fugace auquel le soleil couchant teinte un nuage rouge vif alors même que le paysage et le ciel demeurent
encore d’un bleu éclatant. Ce tableau appartient à un groupe d’oeuvres que Mondrian a peintes au crépuscule, lorsque les couleurs et les combinaisons chromatiques sont soumises à des transformations intenses. Dans ses autoportraits dessinés de 1908, il se représente également au crépuscule, les pupilles grand ouvertes et réceptives aux plus infimes nuances chromatiques produites par la lumière. Le tableau de grand format Forêt près d’Oele, 1908, du Kunstmuseum Den Haag offre une perspective dirigée vers le soleil, situé au-dessus de l’horizon. La succession des troncs d’arbres qui se teintent de rouge ou de violet dans le contre-jour crée l’illusion de spatialité.


Piet Mondriaan
Bosch; Bos bij Oele
128 x 158 cm

Rencontre avec le cubisme à Paris

Après les explosions chromatiques des années 1907 à 1911, Mondrian, inspiré par sa rencontre avec le cubisme à Paris, revient à des couleurs moins éclatantes. Des tons gris et ocres dominent désormais ses tableaux et la ligne en tant que telle devient toujours plus importante. Mondrian poursuit son exploration de thèmes comme l’abstraction. La métamorphose de ses représentations d’arbres est particulièrement impressionnante, donnant à voir le raisonnement qui sous-tend sa quête picturale. L’expérience de ces
tableaux permet à Mondrian de se détacher entièrement de la figuration. Composition No. IX, 1913, un prêt du Museum of Modern Art à New York,
est une imbrication de formes pour la plupart caractérisées
par des angles droits.

New York City 1

New York City 1 est l’oeuvre la plus récente de l’exposition et appartient à un petit groupe de tableaux créés autour de 1941. Sa composition est semblable à celle de Forêt près d’Oele de 1908, mis à part le fait qu’elle
n’entretient plus aucun rapport avec un paysage réel mais tient d’une «abstraction pure». L’oeuvre est inachevée et apporte un

NEW YORK CITY 1, 1941
Huile et papier sur toile, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

témoignage important du processus de travail de Mondrian dans les dernières années de sa vie. À New York, il avait commencé à reconfigurer ses images et à les rendre plus dynamiques et plus rythmiques à l’aide de bandes de papier. Les surfaces colorées cèdent alors le pas aux lignes de couleur.

Petite Biographie

Né en 1872 à Amersfoort aux Pays-Bas, Mondrian entre tôt en contact avec l’art : son père enseigne le dessin, son oncle est un peintre amateur à succès, influencé par la peinture de paysage de l’École de La Haye, incarnation spécifiquement néerlandaise de Piet Mondrian
Ferme près de Duivendrecht, vers 1916
Huile sur toile, 86,3 x 107,9 cm
The Art Institute of Chicago, don de Dolly J. van der Hoop Schoenberg
© 2022 Mondrian/Holtzman Trust
Photo: bpk/The Art Institute of Chicago/Art Resource, NY

l’impressionnisme. Après une éducation calviniste et une formation en tant que professeur de dessin, entre 1892 et 1895 Mondrian étudie à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam. Il continue à travailler en tant que professeur de dessin, peint des  portraits sur commande et réalise des dessins scientifiques pour l’Université de Leyde. Mais il poursuit également ses ambitions artistiques et développe rapidement son propre style. La plupart des oeuvres de cette période, qui représentent majoritairement des moulins à vent, des rivières et des bâtiments de ferme,
témoignent encore de l’influence de l’École de La Haye. À partir de cette base, Mondrian élargit avec détermination le champ de ses possibilités artistiques.

Philosophie et Esotérisme

L’art de Mondrian est étroitement lié à son intérêt pour la philosophie et l’ésotérisme. À partir de 1908, il se passionne pour la théosophie ; influencé par les écrits de Rudolf Steiner – alors encore théosophe – en  1909 il adhère à la section néerlandaise de la Société théosophique. Sa rencontre avec le cubisme mène fin 1911 à un premier séjour à Paris qui dure jusqu’en 1914, lorsque Mondrian ne peut y retourner en raison du début de la Première Guerre mondiale. En 1919, il s’installe durablement à Paris.
Après la Première Guerre mondiale, les artistes sont nombreux à chercher un renouveau culturel radical.
Aux Pays-Bas, un groupe d’artistes d’avant-garde se constitue et publie à partir de 1917 la revue De Stijl.
Mondrian formule l’intention du groupe de démanteler les traditions afin de refonder tous les aspects de la vie sur la base des éléments essentiels de l’art tels qu’il les défend.

No. VI / Composition No.II

Dans des écrits théoriques, Mondrian tente d’exposer son programme artistique. Il désigne sa nouvelle forme d’expression picturale sous le terme de «néoplasticisme», qu’il conçoit en première ligne comme une concentration sur les moyens d’expression essentiels de la peinture : d’une part le noir et le blanc,
situés aux extrêmes opposés de l’échelle des couleurs, d’autre part les couleurs primaires jaune, rouge et bleu. Le noir est généralement celui des lignes qui s’étirent à la verticale et à l’horizontale, se croisant à angle droit. La combinaison de ces éléments ouvre des possibilités de composition infinies. Mondrian s’intéresse à l’image essentielle, à la création d’un équilibre parfait et tendu à la fois, dans lequel tous les éléments semblent à leur place.
Mondrian passe les 25 dernières années de sa vie dans les trois métropoles de l’art moderne: Paris, Londres et New York. De fin 1911 à 1938, avec une interruption due à la Première Guerre mondiale, il vit à Paris. Après quelques années à Londres, en 1940 il s’installe à New York, où il décède en 1944 âgé de 71 ans. En tant que membre de la Société théosophique, Mondrian accordait une grande importance à l’internationalité. Il accède au statut de célébrité dès les années 1920 en tant qu’artiste d’avant-garde et co-initiateur de la peinture abstraite. Ses ateliers deviennent des lieux légendaires, sources d’inspiration
surtout pour des artistes plus jeunes dont Willem de Kooning et Lee Krasner.

Le film «Piet & Mondrian»

Dans le cadre de l’exposition, la Fondation Beyeler présente le film «Piet & Mondrian», un court-métrage de Lars Kraume, l’un des cinéastes les plus renommés de langue allemande. Le film prend pour point de départ l’essai Réalité naturelle et réalité abstraite, formulé par Mondrian en 1919/20 sur le mode du dialogue pour y exposer ses considérations et ses réflexions sur l’abstraction dans l’art. Le grand acteur allemand de théâtre et de cinéma Lars Eidinger donne vie au texte théorique de Mondrian.
«Piet & Mondrian» a été produit par Felix von Boehm / Lupa Film avec le soutien financier du Medienboard Berlin-Brandenburg. Le scénario a été écrit par Constantin Lieb.

Le catalogue

Le catalogue de l’exposition a été conçu par Irma Boom, graphiste de renom international qui au fil des dernières années a renouvelé les possibilités infinies du livre. Le catalogue paraît en allemand et en anglais au Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 264 pages, il réunit des articles rédigés par Benno Tempel, Caro
Verbeek, Ulf Küster, Kathrin Beßen, Susanne Meyer-Büser, Charlotte Sarrazin et l’artiste Bridget Riley, avec une préface de Sam Keller et Ulf Küster. À l’occasion de l’exposition, le Hatje Cantz Verlag, Berlin publie
également Mondrian A–Z : dans ce texte amusant, Ulf Küster explore en ordre alphabétique les thèmes qui intéressaient le peintre et nous offre ainsi des aperçus de son univers mental et sensoriel.
Il existe un tiré à part en français
N’oubliez pas de scanner le code barre à l’entrée de l’exposition pour avoir le livret de salle en français

Informations

La Fondation Beyeler est ouverte tous les jours de 10.00 à 18.00 h,
le mercredi jusqu’à 20.00 h
Tram depuis la SBB
Depuis Bâle CFF : Tram n° 2 direction « Eglisee » jusqu’à l’arrêt « Bâle, Badischer Bahnhof », changer pour le tram n° 6 arrêt Fondation Beyeler


FONDATION BEYELER
Baselstrasse 101
CH-4125 Riehen/Basel
Tél. +41 61 645 97 00
Fax +41 61 645 97 19
info@fondationbeyeler.ch

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Sommaire du mois de mai 2022

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Nos Iles, Fondation Schneider

Oeuvre de Brankica Zilovi

A la Fondation Schneider jusqu’au 18 septembre 2022

Au commencement était le vent … puis le naufrage … puis le sable… puis la jungle…puis la solitude…
et peut-être le paradis.

Commissaire : Marie Terrieux directrice du Centre d’art contemporain de la Fondation François Schneider de Wattwiller.
Sa narration rythmée d’extraits littéraires évoque l’insularité en jetant l’ancre sur des territoires troublants ou saisissants.
Conception du dossier : Morane Remaud avec l’aide de Lucie Strohm

Les artistes exposés

Hoda Afshar • Cécile Beau • Benoit Billotte • Stéphane Clor • Olivier Crouzel • Pauline Delwaulle . Gilles Desplanques • Pierre Fraenkel • Charles Fréger • François Génot • Axel Gouala • Sébastien Gouju . Rodney Graham • Yohanne Lamoulère • Philippe Lepeut • Aurélien Mauplot • Abraham Poincheval
Eleonore Saintagnan • Stéphane Thidet • Brankica Zilovic

L’exposition

Très riche, elle aborde aussi bien des questions géographiques (flux migratoires), historiques (colonialisme), qu’utopiques et artistiques et vous permet d’explorer diverses thématiques. L’écriture et la littérature sont aussi à l’honneur avec une scénographie ponctuée de textes et citations allant de Marivaux à Michaël Ferrier en passant par Jules Verne et Saint-John Perse. Cela peut être l’occasion pour vous, selon vos programmes scolaires, de faire découvrir à vos élèves des textes issus de la littérature classique et contemporaine liés aux îles.

Dans un espace clos et sombre, un son grandissant, une houle répétitive, enveloppante nous happe et nous embarque sur de nouveaux rivages. Apparait alors dans l’oeuvre voisine un curieux corsaire qui nous invite à explorer un territoire où se côtoient une drôle de cabane de pluie, des masques et autres objets. Il nous perd dans une jungle de cuir ou de plastique ponctuée de douces vahinés aux déhanchés hypnotiques. L’itinérance se poursuit sur des îles plus hostiles. S’y croisent des prisonniers au large des côtes australiennes, un individu loufoque échoué sur une île de béton, des jeunes femmes isolées en Bretagne ou une famille confinée sur un bras du Rhône. Des cartographies encrées, tissées, brillantes, bleutées nous entraînent vers des songes lointains quand un nuage de coquillages sonore ouvre vers de joyeux horizons.
Composée comme un voyage et née au printemps 2020, lors d’une expérience globale d’enfermement, où l’isolement et la solitude furent prégnants, Nos îles est aussi la suite de L’Atlas des Nuages*, l’exploration des multi-composantes de l’eau formant des paysages visuels, naturels, imaginaires qui habitent tout un chacun.
Morceau de terre entouré par les eaux, îles aux trésors oubliées, abandonnées, mystérieuses, fantasmées, le sujet a un potentiel narratif inépuisable et se déploie aussi bien dans la littérature que dans les arts visuels. Pour rejoindre Ithaque, Ulysse parcourt différents archipels pendant de longues années, Robinson Crusoé fonde un des mythes majeurs de l’explorateur et d’une certaine vision de l’ailleurs, Marivaux plante son décor en paysage insulaire pour une utopie sociale.
Entre tragédie et burlesque, documentaire et fiction, 20 artistes sont conviés pour ce voyage en pays ilien.
Nos îles est une vision subjective de l’insularité et ses métaphores variées ; les artistes eux-mêmes ne sont ici pas ou peu insulaires mais nous livrent leurs différentes visions du naufrage, de la robinsonnade, de l’exotisme, de l’enfermement et des utopies.
*L’Atlas des Nuages, exposition de 25 artistes en 2018 à la Fondation François Schneider.

Thèmes & pistes de réflexion

L’exposition Nos îles propose un voyage insulaire dont découlent de nombreuses thématiques liées au voyage, à la robinsonnade, à l’exotisme mais aussi la solitude, l’exil, l’ouverture sur le monde grâce à la cartographie. Le visiteur est plongé dans un univers onirique qui s’inscrit toutefois dans la réalité en abordant des thèmes et enjeux sociaux et contemporains. Imaginée pendant la difficile expérience de confinement et de renfermement sur soi dûs
à la crise sanitaire mondiale, l’exposition illustre la rêverie, l’ouverture vers l’ailleurs mêlées à l’isolement mais aussi et surtout à l’eau par les multiples manières de représentations de ces grandes thématiques. Conçue comme une histoire avec une narration qui évolue au fil du parcours, l’exposition tisse de multiples liens avec la littérature. Tout le parcours est ponctué de citations d’auteurs classiques ou contemporains qui guident le visiteur au fur et à mesure de sa déambulation : comme si ce dernier ouvrait un roman afin de se plonger dans une histoire bien particulière.

ACTE 1 – La tempête & le naufrage

Le parcours débute par un naufrage… qui fait échouer le visiteur sur l’île et lui ouvre la voie vers la suite de son aventure. Plongé dans une salle obscure éclairée par une lumière succincte, le voyage débute avec une installation immersive dont jaillit le puissant bruit du vent. Pris dans la tempête, on pourrait imaginer être dans la cale d’un bateau, bercé, ou emporté par ces sons, par la mer en colère, on ne sait pas où l’on va atterrir…
Philippe Lepeut, C’est du vent, 2015, Installation sonore, 5 haut-parleurs, banc, ampoule électrique


C’est du vent est une installation sonore qui plonge le visiteur dans une pénombre et invite au recueillement. Dans une salle aveugle, des haut-parleurs diffusent le bruit léger, répétitif et enveloppant du vent. Ce son familier, pourtant capté à des milliers de kilomètres d’ici, devient fond sonore qui ne tarde pas à encercler le visiteur. Oeuvre mystérieuse et intime, C’est du vent peut s’entendre comme la révélation d’un secret à demi-mots et à mi-voix.

ACTE 2 – L’arrivée sur l’île : La robinsonnade

a. Vexation Island (L’île de la contrariété), Rodney Graham

Après cette tempête, tel un pirate, le visiteur échoue sur une île paradisiaque de sable blanc avec des cocotiers et une eau transparente. À son réveil difficile après ce naufrage, il tente de s’emparer d’une noix de coco pour assouvir sa soif mais celle-ci lui tombe sur la tête. Assommé par le choc, il retombe aussitôt dans un état d’inconscience…
Rodney Graham,Vexation Island, 1997, boucle vidéo de 9 min.
Revisitant le mythe de Robinson Crusoé, le film nous fait assister au réveil difficile du naufragé sur une île déserte. Filmée en boucle, l’oeuvre évoque l’idée du cycle perpétuel, il y est aussi question d’autodérision. L’artiste dépeint un corsaire un peu idiot, symbolise à la fois une génération d’aventuriers anciens mais aussi le fantasme du tourisme balnéaire, comme un spot publicitaire tropical… L’humour et l’absurde ainsi qu’une certaine théâtralité habitent son oeuvre. Tournée aux îles vierges et jouant lui-même le rôle de ce pirate en perdition, Rodney Graham met en exergue la contradiction dans laquelle il se trouve, sauvé sur une île, dont il ne peut s’échapper… Avec Vexation Island, Rodney Graham aborde une étape supplémentaire avec le film dans son travail, jusque-là plus photographique et textuel, introduit la couleur et le costume ses films et érige une recherche entre fiction et réalité et mise en abîme.

b. Le refuge, Stéphane Thidet

« Hélas ! Voici l’orage encore ! Ce que j’ai de mieux à faire est de me glisser sous son caban, il n’y a pas d’autres abris aux environs. Le malheur vous donne de bizarres compagnons de lit. Je vais m’abriter là jusqu’à ce que la tempête ait jeté sa lie. »
William Shakespeare, La tempête, Acte II, scène 2, vers 1610

Une cabane en bois, meublée succinctement. Un abri dans lequel il pleut sans cesse… à l’intérieur. Ainsi le mot refuge perd tout son sens. Question de temps ou de contre-temps, de point de vue, de dépérissement, d’inquiétude. Le monde de Stéphane Thidet, souvent lié à l’enfance ou au divertissement, place le spectateur dans un état de gène et d’incertitude. C’est un refuge qui se refuse à nous puisque la seule solution pour y entrer serait d’accepter d’être entièrement trempé, de s’installer au sein de ce déluge pour en profiter. Le refuge se trouve alors entièrement détourné de sa fonction première, celle d’abriter, en oscillant entre hostilité et fascination parce que l’on a très envie d’y entrer, malgré son caractère peu accueillant. L’oeuvre joue sur les sensations, le bruit de la pluie diluvienne qui s’écoule, l’humidité fraîche sur notre peau au fur et à mesure que l’on s’approche de l’entrée, des fenêtres. Une forme de réalité très proche s’entremêle à une métaphore quasi surréaliste de la
« maison qui pleure » parce que nous avons tous cette volonté d’être abrité, par la maison de famille, par un cocon que l’on aimerait avoir ou que l’on arrive à avoir, que l’on perd mais que l’on rêve de retrouver, que l’on pleure de chagrin.

ACTE 3 – SOS Bouteille à la mer

Le premier réflexe d’un naufragé sur une île serait d’appeler au secours, de chercher de l’aide. Mais que faire quand nous nous trouvons livrés à nous même, abandonnés, coupés de tout contact humain et du monde extérieur ?
Une bouteille lancée à la mer…
Abraham Poincheval, Bouteille, 2016, sérigraphie, gouache, feutre et aquarelle sur papier, 89 × 113 cm

ACTE 4 – À la découverte de l’île

L’exploration de l’île permet au visiteur de découvrir de nombreux objets particuliers, incongrus, que l’on ne trouverait pas dans notre quotidien plus urbain. Elle soulève aussi certains questionnements quant aux populations auxquelles il se trouve ici confronté.

a. Des objets étranges en lien avec l’artisanat

 Pierre Fraenkel, Monstrum : des coiffes inquiétantes et fascinantes
. Pierre Fraenkel, Monstrum, 2020, fils coton DMC, bois d’animaux.
Trophée de fil rouge, coiffe chamanique, déguisement d’un autre temps, curiosité d’une île lointaine ?
Lesdéroulent des histoires étranges et effrayantes et provoquent en nous un possible malaise, une exploration de nos pulsions intimes, animales, aux confins du morbide. Pierre Fraenkel réinvente une civilisation habitée par l’étrangeté. On aurait envie d’animer ces parures fascinantes dans des cérémonies rituelles, celles-ci se faisant aussi l’écho du monstre de la grande machine industrielle d’antan, ayant englouti une part de nos sociétés. Sous ces chevelures, échouées sur une plage abandonnée, on peut s’y cacher, s’y réfugier et épuiser les possibilités de la transformation.

. Sébastien Gouju et ses palmiers revisités
Sébastien Gouju, Fougère, 2019, Cuir, bois peint et acier, environ 102 × 157
Palmier, 2019, Cuir, bois peint et acier, environ 230 × 340

Les arbres noirs de   nous font pénétrer dans un monde sombre, ténébreux. Avec un feuillage de cuir et de peau, qui n’est pas totalement innocent, un décalage se créé dans la représentation classique du palmier romantique au soleil couchant. Ce n’est pas non plus la jolie plante d’intérieur, mais peut-être plus l’évocation d’un jardin secret. Invité en résidence dans un atelier de ganterie par la Fondation Hermès l’artiste a développé cette série d’arbres qui s’inscrit dans sa réflexion autour du monde animal et végétal développée depuis une quinzaine d’années. La sensualité du cuir, la texture et la dentelle délicate de fines lamelles en font des arbres aux allures fantastiques pour une petite forêt à l’exotisme nouveau.

b. Des objets étranges en lien avec des questionnements contemporains

• Axel Gouala et ses joyeuses sculptures
« J’ai toujours senti deux moteurs dans le travail. L’un est l’amour du dessin, l’envie de matérialiser des images, considérant aussi la sculpture comme du dessin. L’autre étant l’envie de m’amuser. Un terrain de jeu où partager avec les amis et le spectateur des stupidités qui me passent dans la tête. Dans mes pièces récentes, je porte un regard ironique sur mon propre romantisme et mon rapport à la marche ou au paysage, ce qui oppose des pièces très littérales à des pièces second degré. »

• Un paradis bleu ?
Charles Fréger, Blue Heaven, 2013. Installation de 6 boucles vidéos.


Charles Fréger
explore les ailleurs proches ou lointains notamment à travers les coutumes et les costumes. Avec Blue Heaven, le paradis est revisité, il est ici au féminin, avec 6 vahinés, figures typiques de l’imaginaire occidental de l’exotisme. Pour la réalisation de ses vidéos, l’artiste fait le choix de ne pas se rendre sur les terres originelles des vahinés, il rend visite à ces danseuses polynésiennes établies sur le continent, à Toulon. Il les filme, une à une, et ralentit leurs mouvements. Les vahinés font front, colliers de fleurs et air rieur, leur épaisseur mystérieuse intacte. La danse hypnotique des vahinés évoque le chant des sirènes qui appelle le marin à sans cesse reprendre la mer. Et dit tout autant le désir tenace du photographe de poursuivre sa quête, vers l’autre.

ACTE 5 – Le sentiment de solitude, d’isolement, d’enfermement

Après de longues heures de marche rythmées par de multiples découvertes sur cette île, apparaît le sentiment de solitude chez le visiteur. Seul, abandonné, ses proches lui manque, il a le goût d’ailleurs et se sent alors prisonnier de cette île aux aspects paradisiaques qui finissent par le hanter…
a. L’isolement
Le mot isolement vient du latin «insula» qui désigne l’île. L’exposition Nos îles a été pensée durant la difficile épreuve de confinement connue ces deux dernières années suite à la pandémie mondiale. L’isolement, l’enfermement et le repli sur soi sont alors devenus communs à nous tous, qui avons connu ce sentiment de solitude, comme enfermés, chacun sur notre île. Car l’île présente une dualité permanente entre enfermement et ouverture sur le monde, deux visions paradoxales, entre paradis et solitude…
« Nul homme n’est une île, complète en elle-même ; chaque homme est un morceau de continent, une part de l’océan… ». John Donne
Notion musicale Le mash-up7Le son a une importance toute particulière pour Thomas Teurlai dans cette oeuvre, il donne ainsi oeuvre le titre Mash-up qui est un style musical.C’est une technique et style consistant à mélanger deux, voire plusieurs titres en une seule piste sonore à partir de compositions préexistantes.Ce terme anglais, qui vient du verbe « to mash », n’a pas réellement d’équivalent français. Il signifie « réduire en purée » et, par extension, mélanger ou mixer. Le mash-up, c’est l’art d’associer différentes choses ; cela s’applique aux domaines de la musique ou l’informatique, par exemple. Cabine de douche, stroboscope, platine vinyle, 200 x 120 x 80 cm.

Yohanne Lamoulère, L’île, 2020, photographies, 5 x (60×60), 13 x (40×40),
13 x (30×30) cm

Yohanne Lamoulère met en photographie deux mois de confinement sur u
n bras du Rhône entre avril et mai 2020. C’est l’expérience de la vie sauvage, telle une Robinson Crusoé des temps modernes. Douce – amère, sa série L’île dépeint l’innocence des jeux, l’ambiguïté du déguisement, adossées à la spontanéité du bocage et de la mangrove.

b. La solitude en béton
Gilles Desplanques, Île de béton, 2016, vidéo, 9 min. 20


 Un homme égaré sous un échangeur autoroutier, noeud urbain des métropoles du XXème siècle, dans un paysage de glace et de béton … Ainsi est posé le décor de la performance vidéo de Gilles Desplanques au cadrage minutieux. Son héros s’agite de manière peu cohérente en petite tenue orange, il est sur le point de basculer… dans quel monde ? Inspiré par la nouvelle éponyme de J-G. Ballard où un architecte plonge dans un trou lors d’un accident automobile, ici notre Robinson des temps modernes descend aux enfers mais doit s’adapter, comme tout un chacun dans une humanité loufoque, grave et aux rebondissements nombreux.

c. L’île prison

Hoda Asfhar, Remain, 2018, installation vidéo à deux canaux.

Remain n’a pas été filmé au paradis mais sur Manus Island, île prison, au nord de la Papouasie-Nouvelle- Guinée. Sur cette île de sable blanc, d’eau azur et à la jungle luxuriante, des centaines de demandeurs d’asile sont isolés et parqués par le gouvernement australien… L’artiste y recueille les témoignages terribles, où chacun raconte la violence et le désespoir qu’il a connu, dans cet enfer tropical.

d. L’île en perdition

Olivier Crouzel, Yali, 2021, installation vidéo, sable de pierre ponce de l’île, 400 × 250 cm
L’eau fait partie des sujets récurrents explorés par Olivier Crouzel avec ses grandes installations vidéos questionnant l’érosion du littoral, la représentation des bords de mer, le niveau de la mer qui monte…
Yali s’inscrit dans le projet « White Beach » démarré l’été 2017 en Grèce. Sur l’île volcanique de Nisyros, l’artiste y débusque un hôtel abandonné depuis 2010. Il filmera entre autre ses 43 vues sur la mer et repère en face une île blanche qui se détache, c’est l’île de Yali.

ACTE 6
L’ouverture au monde et la cartographie

Pour échapper à cette île, il faut étudier la cartographie. Les îles ne sont jamais seules au monde et structurent de vastes réseaux. Les artistes contemporains s’y intéressent en explorant divers matériaux.
Le visiteur est ici amené à découvrir les nombreuses formes que peuvent prendre la cartographie sur des supports traditionnels ou innovants.

a. Cartographie numérique
Pauline Delwaulle, Haïkus cartographiques, 2019, 11 boucles vidéos
Pauline Delwaulle a grandi à Dunkerque, où l’on va voir la mer, la regarder vraiment, la contempler. À proximité se trouve Calais, pour un autre type de rapport à l’eau, de départ ou d’arrivée. La relation de l’artiste avec la mer est double, à la fois poétique et politique. La carte et l’île traversent toute son oeuvre.
Les multiplicités plastiques qu’offre l’île, ses variétés toponymiques et les vastes réflexions concernant les frontières, les limites territoriales que l’homme inscrit pour ordonner le monde, permettent à Pauline
Delwaulle de composer depuis 10 ans un archipel d’images, de films, de cartes numériques, de traces où elle renverse et brouille les paysages.

b. Cartographie sur de nouveaux matériaux
Benoît Billotte, Insulae, 2015, 4 sérigraphies sur couverture de survie160 × 210 cm chacune.

Sur de grandes surfaces dorées, des silhouettes noires se détachent, ce sont des îles qui flottent sur des couvertures de survie.

c. Cartographie à l’encre
Aurélien Mauplot, Les Possessions, 2014, impressions numériques sur pages de livres, dimensions variables
Le tour du monde en quatre-vingts jours est un récit qui correspond au monde du XIXème siècle : Jules Verne y rêvait une possession complète, une connaissance absolue, un voyage au rythme

Histoire – L’île de la Rose
Les îles naissent, disparaissent, sont exploitées, cartographiées, baptisées,
colonisées. Aurélien Mauplot, avec son oeuvre tend à créer des îles utopiques,
imaginaires, en tissant des liens entre poésie, politique et cartographie. Le principe utopique d’îles de liberté n’est pas nouveau dans l’histoire, l’histoire de l’art ou encore le cinéma. Dans les années 60-70, ce modèle utopique donne naissance à quelques micro-nations insulaires. Des îles sont créées de toutes pièces, comme c’est ici le cas dans le travail de l’artiste Aurélien Mauplot. L’année 1968 vit l’apparition, au large de Rimini mais hors des eaux territoriales italiennes, de l’Insulo de la Rozoj (L’île de la Rose), plateforme d’environ 400 m2 construite par l’ingénieur Giorgio Rosa.

Il fut le président de cet état indépendant du 1er mai 1968 au 26
février 1969. En plus d’une monnaie, d’un drapeau, d’un timbre postal et d’un
hymne, la république de l’île des Roses adopte une langue destinée à symboliser sa vocation internationaliste : l’esperanto. C’est d’ailleurs dans cette langue que
fut rédigé l’acte de constitution du territoire libre de l’île de la Rose. Les autorités italiennes décident finalement de sa destruction en 1969.
Le film «L’incroyable histoire de l’Île de la Rose» réalisé en 2020 par Sydney Sibilia retrace cette histoire vraie maîtrisé.

S’emparant de ce roman, Aurélien Mauplot imprime sur chaque page du livre,
de façon arbitraire, la carte d’une île ou d’un état reconnu par l’ONU.                                  

ACTE 7 : L’ailleurs, le paradis

Stéphane Clor, Sans titre (partie de l’installation Imaginary Soundscape), 2016, coquillages suspendus et ventilateur, dimensions variables.

Nuage de coquillages tintinnabulant, écho de nacre et de calcaire, corps sonore flottant et envoutant, Imaginary Soundscape, vient à la fois clore et ouvrir cette promenade insulaire en nous emmenant sur d’autres rives, d’autres îles et de nouvelles contrées célestes.

Philippe Lepeut, On air, 2015, pierre de galène, coquillage non identifié, support et équerres en laiton, verre et système de diffusion sonore intégré, 120 × 120 × 30 cm
Robinson, l’écoute, le son, la langue…la tempête, les paysages multiples sont certains sujets qui habitent Philippe Lepeut, depuis plusieurs années. Bercé par Le Robinson Suisse, roman du pasteur suisse alémanique Johann David Wyss (1812), il consacrera d’ailleurs 10 ans de son oeuvre au sujet avec notamment « Le Projet Robinson », film mettant en scène trois personnages s’exprimant en langue des signes. La question de l’isolement et du pouvoir du langage oral s’y trame. Philippe Lepeut est un artiste multifacette, qui peut donner le sentiment de faire le grand écart, et nous porter d’un univers à un autre, tour à tour cartomancien, constructeur de cabanes, sculpteur de buis ou enregistreur de vent. Il apparaît que la nature et l’instable position de l’homme en son centre relient ses dessins, performances, installations visuelles ou sonores. Il est souvent question de son dans son oeuvre, nous poussant à écouter pour mieux voir. Avec On Air, seconde pièce sonore de l’artiste exposée, une chimère est créée, telle les étrangetés des cabinets de curiosités d’antan. En plongeant son oreille dans ce coquillage de fiction, ce sont les ondes d’un autre monde qui nous arrivent, une île où l’on tente d’échapper au libéralisme qui consomme et consume tout un chacun, artistes y compris.

Juliette Armanet, L’amour en solitaire, 2017.
« Après de longues heures de marche rythmées par de multiples découvertes sur cette île, apparaît le sentiment de solitude chez le visiteur. Seul, abandonné, ses proches lui manque, il a le goût d’ailleurs et se sent alors prisonnier de cette île aux aspects paradisiaques qui finissent par le hanter..« 

Informations pratiques

Fondation François Schneider
27 rue de la Première Armée – 68700 Wattwiller
Ouvert du mercredi au dimanche de 11h à 18h
  fondationfrancoisschneider.org

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Jouée de stalles – Unterlinden

Jouée de stalles provenant de l’église de la commanderie des Antonins d’Issenheim (Alsace), Rhin supérieur, atelier bâlois, 1493

Contexte

Cette sculpture provient de la commanderie des Antonins d’Issenheim (Alsace). C’est un élément des stalles des chanoines de l’église de la commanderie d’Issenheim. Ces stalles sont décrites en 1628 (Archives départementales ADMM H 1788) :
« en 1493, Guers a fait faire dans le choeur des stalles d’un travail remarquable, au nombre de 54, ornées de 50 figures et de plus de cent bustes ».

Le même ensemble fait l’émerveillement d’un vicaire de l’abbé général chargé de visiter les maisons de l’Ordre antonin. Il arrive le 25 septembre 1650 et précise : « Le choeur est tout entier travaillé à jour, avec des petites figures d’une menuyserie approchant de celle des Dominicains de Troyes ».
Enfin l’Inventaire estimatif rédigé le 4 février 1793 par Louis Vaillant et Louis Homburger mentionne : « Nous observons qu’il règne tout autour du choeur une boiserie moderne en panneaux de bois de chêne, mais que les stalles qui sont aussi en chêne sont d’une structure antique ». (ADHR L 608 1 Q boite 172).
Les stalles au même titre que l’orfèvrerie, les objets liturgiques, la grille du choeur ont sans doute été vendues peu après leurs estimations (les retables, panneaux peints et sculptures dignes de l’intérêt des commissaires de la république sont transférés au musée de Colmar). De la fin du 18e siècle à la collection de Madame D. mise en vente à Paris le 1er avril 2022, l’histoire de cette oeuvre nous est inconnue à ce jour.

Description

Ce relief en chêne est le registre supérieur d’une jouée de stalles.
Le vieillard en prière, tenant entre ses mains jointes un chapelet et vêtu de feuillages est saint Onuphre, anachorète de la Thébaïde au 4e siècle. Ce saint priant dans le désert égyptien, comme son prédécesseur saint Paul l’ermite, se distingue de ce dernier, soit par son absence de vêtement où seuls ses poils ou sa chevelure et sa barbe cachent sa nudité, soit par un vêtement de feuillages (Gravure d’Albrecht Dürer, Saint Jean Baptiste et saint Onuphre, 1503, Bristih Museum ou Retable de Bergheim sculpté par Veit Wagner vers 1515, Musée Unterlinden, détail du relief avec Saint Onuphre).
La présence de saint Onuphre, associé à de très nombreux autres saints et saintes, s’inscrit parfaitement dans le programme iconographique des stalles réalisées pour l’église de la commanderie des Antonins d’Issenheim dont le saint patron a lui aussi vécu dans le désert égyptien.
En outre l’étude matérielle, formelle et stylistique prouvent que cet élément faisait bien partie des stalles des religieux de la commanderie d’Issenheim dont plusieurs éléments, datées de 1493 sont conservés au Musée Unterlinden.
Les dimensions (approximatives données dans le catalogue, 131 x 36,5 cm) de ce fragment de jouée en chêne, découpée dans sa partie inférieure et dans sa largeur correspondent aux dimensions des registres supérieurs des deux jouées en chêne conservées au musée Unterlinden : approximativement 127 x 41 cm. Sont représentés Saint Jérôme et Sainte Catherine, et sur la seconde, Saint Augustin et Sainte Barbe. Les sculptures des deux saints des registres supérieurs, sculptées au revers, sont positionnées, comme le Saint Onuphre, entre deux colonnes torses sous un arc de rinceaux ouvragés. Le traitement des rinceaux ajourés est strictement le même que celui visible sur un élément des stalles d’Issenheim conservé au Musée Unterlinden : les tiges se terminent en palmettes aux multiples petits lobes.
L’aspect hiératique de Saint Onuphre, pas seulement lié à sa fonction, les mains surdimensionnées, le visage aux joues creusées, les sillons descendant sous les yeux, les pattes d’oies et les lignes de rides sur le front sont autant de motifs formels qui se retrouvent sur les autres sculptures des stalles conservées au Musée Unterlinden. Les différences de traitement et de qualité entre les figures s’expliquent par les diverses mains oeuvrant dans cet atelier très certainement bâlois.
La sculpture bâloise a été étudiée dès le début des années 1950 par Annie Kaufmann Hagenbach (Die Basler Plastik des fünfzehnten und frühen sechzehnten Jahrunderts, éd. Birkhäuser, Bâle, 1952). Autour de 1500, quatre ateliers sont identifiés à Bâle : celui du Maître de Saint Laurent identifié à Heinrich Isenhut, Jos et Domenicus Guntersumer, Martin Lebzelter et Martin Hoffmann. Le sud de l’Alsace dépendant du diocèse de Bâle, beaucoup de sculptures de Haute Alsace proviennent d’ateliers bâlois. Guy Guers, qui vient d’être nommé précepteur de la commanderie des Antonins d’Issenheim y commande ces stalles datées 1493. Il est encore prématuré d’attribuer les stalles à un atelier précis.
Cette acquisition, rendue possible grâce à la perspicacité de Damien Berné, conservateur en chef au Musée de Cluny, qui a repéré l’oeuvre, permettra de relancer le travail de recherche autour de cet ensemble provenant du site le plus connu d’Alsace grâce au Retable réalisé par Grünewald et Nicolas de Haguenau.

Les éléments de stalles d’Issenheim actuellement dans les collections du Musée ont été données entre 1855 et 1858 par l’artiste colmarien Gustave Saltzmann (1811-1872).
Cette acquisition ajoute un élément aux reliefs et jouées des stalles d’Issenheim déjà conservés au musée, et sa redécouverte permet d’imaginer que d’autres éléments de ces stalles existent encore après leur dispersion à la Révolution française.
Pantxika De Paepe
Direcrice et conservatrice en chef du Musée Unterlinden

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Nouvelle acquisition du Musée Unterlinden

Don de Jean Louis et Esther Mandel
Le Christ au mont des Oliviers et La Dérision du Christ,
panneaux peints sur bois réalisés vers 1480 par l’atelier
d’un peintre actif dans le Rhin supérieur

Le Christ au Mont des Oliviers, huile sur panneau, dimensions 143 cm (haut) x 54,6 cm (large), Musée Unterlinden, Colmar
La Dérision du Christ, huile sur panneau, dimensions 143 cm (haut) x 54,6 cm (large), Musée Unterlinden, Colmar
À partir du 25 mai 2022, le Musée Unterlinden de Colmar présente le Christ au Mont des Oliviers et la Dérision du Christ dans la salle consacrée à l’art des années 1480-1500 au rez-de-chaussée du cloître. C’est ainsi que la directrice du musée Unterliden, Pantxika De Paepe, nous a accueilli avec enthousiasme
et excitation.

Description

Ces deux oeuvres sont des peintures à l’huile et tempera sur résineux illustrant des scènes de la Passion du Christ décrites dans les Évangiles.
Le premier volet représente
le Christ au Mont des Oliviers.
Alors que le Christ se retire à Gethsémani, sur le Mont des Oliviers pour prier,
un ange apparaît et lui offre un calice à boire
en acceptation de sa destinée.
 Au premier plan, les apôtres
Pierre, Jean et Jacques le Mineur sont plongés dans le sommeil.

Le deuxième volet illustre La Dérision du Christ.

 Le Christ vient de comparaître devant Ponce Pilate, gouverneur romain de la province de Judée qui le condamne à mort. Il est ensuite flagellé, puis frappé et insulté par plusieurs hommes. Afin de le tourner en ridicule, ces derniers l’ont déguisé en « roi des Juifs ». Il porte ainsi un manteau pourpre, couleur de la royauté et une couronne faite d’épines. Un de ses agresseurs lui tend un roseau pour faire office de sceptre. Ponce Pilate assiste à la scène, il est représenté debout derrière le Christ avec une barbe et un long manteau.
Les deux panneaux ont fait l’objet d’une restauration pour permettre leur exposition au sein du musée. La face et le revers de chaque panneau ont été dépoussiérés, l’adhérence de la couche picturale a été vérifiée et a fait l’objet d’un re-fixage ponctuel. La restauratrice Julie Sutter a ensuite procédé à un décrassage de la couche picturale avant de combler les lacunes et d’atténuer les retouches anciennes qui gênaient la lecture de la composition.

Contexte

Ces deux panneaux offerts au Musée par Jean Louis et Esther Mandel sont apparus sur le marché de l’art au début des années 2000. Ils étaient à l’époque attribués au Maître du Retable de Maikammer. Ce nom de convention fut donné par l’historien de l’art allemand Alfred Stange dès 1955 à l’auteur anonyme du Retable de la Passion du Christ peint vers 1450 pour l’église de Maikammer, ville située à l’Ouest de Spire dans le Palatinat-Rhénan.
L’étude plus approfondie de ces deux panneaux permettra d’affiner leur origine, mais d’ores et déjà l’expressivité des personnages ou la violence des bourreaux placent ces deux panneaux dans la continuité d’artistes tel le Maitre de la Passion de Karlsruhe à Strasbourg ou Gaspard Isenmann à Colmar. Ces deux peintres oeuvrant au milieu du 15e siècle ont marqué durablement la peinture du Rhin supérieur et des régions limitrophes.
En attendant de mieux cerner la provenance des deux panneaux, il n’est pas possible de préciser leur fonction. Leur format étroit indique qu’il s’agit de deux volets de retable. Le fait qu’ils ne soient pas peints au revers prouve, qu’accrochés à la caisse centrale, ils encadraient de façon fixe une paire de volets mobiles qui eux pouvaient s’ouvrir ou se refermer.


Les dimensions des panneaux, leur iconographie et leur style, permettent d’affirmer aujourd’hui qu’ils proviennent du retable de la Passion, conservé au
Wilhelm Hack Museum de Ludwigshafen depuis son acquisition en France en 1977. La partie centrale de la caisse montre une Crucifixion sur laquelle se referment deux volets dont les faces internes illustrent le Portement de Croix
et la Descente de Croix, et les faces externes, le Lavement des mains de Pilate
et la Flagellation.
Les deux panneaux s’inscrivent ainsi parfaitement dans la configuration où les volets se fermaient. A ce moment quatre panneaux de la Passion du Christ se suivaient : Christ au Mont des Oliviers, Lavement des mains de Pilate, Flagellation, Dérision du Christ.


Il est malheureusement impossible de savoir à quel moment les panneaux du Musée Unterlinden ont été séparés du reste du retable.
Des étiquettes et inscriptions en allemand au revers leur permettront sans doute d’avoir quelques renseignements sur l’histoire de ces panneaux. A cette fin, nous diffuserons largement les photographies du revers auprès des visiteurs du musée et des internautes.

Important :

Nous profitons également de cet accrochage pour demander des informations que pourraient avoir des visiteurs concernant les inscriptions gravées au dos des deux œuvres écrites en langue allemande. Celles-ci pourraient révéler des informations concernant le lieu de conservation des panneaux entre les années 1935 et 1945, aujourd’hui encore inconnu. Toute indication à ce sujet sera ainsi la bienvenue.

A vous

Une animation vous permet de suivre l’histoire des panneaux ici

Informations

Horaires d’ouverture
Musée Unterlinden

Mercredi au lundi : 9h – 18h
Mardi : fermé

Clôture des caisses 30 minutes avant la fermeture du Musée.

Jours fériés de fermeture : 1.1., 1.5., 1.11., 25.12

Café-Restaurant Schongauer

Mercredi au dimanche :  11h00 à 17h00
Fermé le lundi et le mardi

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