Partenariat avec le Parc Zoologique et Botanique de Mulhouse site de l’artiste motoco.fr · retrouvez cette exposition sur lafilature.org CRÉATION VIDÉO du je. 23 nov. au me. 20 déc. 2023 Espace audiovisuel de La Filature du ma. au sa. de 13h à 18h + di. de 14h à 18h + soirs de spectacles · entrée libre Régionale 24 du je. 23 nov. 2023 au di. 7 janv. 2024
« La nuit tombe, le Parc se vide de ses visiteur·euses. Restent les animaux et ce lieu qui maintenant leur appartient. L’obscurité gomme les enclos et je ressens la présence des résidents comme si rien n’empêchait une rencontre. J’aime à penser qu’à la faveur de la nuit les animaux agrandissent mentalement leur enclos et qu’ils aient l’impression, comme moi, de traverser savane, jungle ou taïga en une succession de flashs. Me voilà perdue et le vétérinaire, tel un pisteur, me guide vers cette rencontre improbable. » Anne Zimmermann
La résidence
L’artiste Anne Zimmermann, en résidence au Parc Zoologique et Botanique de Mulhouse depuis l’hiver 2022, nous offre son point de vue sur la relation entre l’humain et le non humain. Les photos et les vidéos sont prises exclusivement au moyen de caméras pièges. Ces appareils captent deux nuits durant les mouvements des animaux. Puis c’est au tour de l’artiste d’entrer dans les enclos, accompagnée pour se faire photographier aux mêmes endroits que les animaux, la nuit d’avant. Elle effectue une chorégraphie nocturne de déplacements hasardeux. Ces appareils fonctionnent en lumière noire, ce qui homogénéise les éclairages et provoque le réfléchissement des yeux (appelé Tapetum Lucidum).
Une manipulation numérique très réduite efface le décalage temporel entre son passage et celui des animaux. Ainsi, ces photos juxtaposent plusieurs temporalités, ce qui a pour effet d’annuler la distance que l’artiste et, sûrement l’animal, auraient maintenue. Le résultat est une illusion, une rêverie. Ça pourrait être celle de l’enfance réduisant l’animal à une peluche ou celle du mystique imaginant quelque Eden retrouvé. Ce qui importe, c’est qu’en partageant symboliquement l’espace, l’humain soit placé sur un plan d’égalité avec le loup, l’ours polaire ou le baudet du Poitou et qu’il n’est pas plus légitime à exister qu’eux. La vidéo présente sept collaborations avec les loups du Canada, les ours polaires, les panthères des neiges, la panthère de l’amour, le casoar, les wallabys des rochers et les baudets du Poitou.
Biographie
Anne Zimmermann est une artiste plasticienne qui vit en Alsace. Elle est diplômée d’une maîtrise d’Arts plastiques de l’Université de Strasbourg en 1998. Elle croise différentes pratiques comme la photographie, l’écriture, la vidéo et la céramique, qu’elle a étudiée aux Arts Décoratifs de Strasbourg. En 2003, elle crée Paula Orpington, un personnage mi-femme, mi-poule fabriqué avec cinquante peaux de poulets naturalisées. Elle habite ce personnage jusqu’en 2008 ; il décède symboliquement en 2010 et est autopsié lors d’une performance organisée par la Kunsthalle de Mulhouse.
Depuis, sa réflexion se poursuit sur les rapports que l’on entretient avec le monde animal. En 2016, elle installe une série d’oeuvres en extérieur avec des ruches et des papillons en partenariat avec La Filature, Scène nationale de Mulhouse. Cette réflexion se poursuit en 2018 avec Homsweet home, exposition en partenariat avec l’O.N.F. Suisse. Cette résidence marque le début d’une série de prises de vues d’animaux forestiers ainsi qu’un partenariat avec le Parc Zoologique et Botanique de Mulhouse en 2022 et 2023. Son atelier est installé à Motoco depuis 2020.
Informations Pratiques
CRÉATION VIDÉO du je. 23 nov. au me. 20 déc. 2023 Espace audiovisuel de La Filature du ma. au sa. de 13h à 18h + di. de 14h à 18h + soirs de spectacles · entrée libre VERNISSAGES dans le cadre de La Régionale 24 je. 23 nov. en présence des artistes et commissaires 18h à La Kunsthalle – centre d’art contemporain Mulhouse Julia Armut (exposition collective) · entrée libre 20h à La Filature, Scène nationale de Mulhouse Le Zoo, La Nuit d’Anne Zimmermann
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EXPOSITION PHOTOGRAPHIQUE EN ENTRÉE LIBRE DU 21 NOV. 2023 AU 25 FÉV. 2024dans le cadre de La Régionale 24coproduction La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Institut pour la Photographie et Mulhouse Art Contemporain. Jean-Louis Schoellkopf bénéficie du soutien de la Région Grand-Est et de la DRAC Grand Est. Retrouvez cette exposition sur lafilature.org Site de l’artiste schoellkopf.fr Commissariat Christian Caujolle et Emmanuelle Walter
« Mon travail depuis cinquante ans s’attache à décrire la ville industrielle, le travail, la culture ouvrière. Comment les changements dans les conditions de pro- duction influent sur la vie des ouvriers, des habitants et sur l’image de la ville. ». C’est le credo et la pratique inlassable de Jean-Louis Schoellkopf – né à Colmar en 1946 – qui, depuis plus d’un demi-siècle creuse le même sillon et donne ses lettres de noblesse au style documentaire.
S’il a, dans sa jeunesse été tenté par le reportage, il en a très vite perçu les limites et s’est attaché à développer une pratique et une réflexion centrées sur du portrait au sens large. Rentré du Canada, c’est à Saint-Étienne, où il photographie aussi bien la mine et la sidérurgie que les habitants dans leurs intérieurs, qu’il a commencé à analyser les conséquences de la fin de l’ère industrielle sur le quotidien des ouvriers mais également sur le paysage urbain. Toujours la mine à Liévin et au Grand Hornu, la métallurgie à Hayange, le tissage à Louviers, la chimie à Ludwigshafen, mais également Gênes, le quartier Alexanderpolder de Rotterdam, Stuttgart, Barcelone, les XIII e et XIXe arrondissements de Paris, Lille-Roubaix –Le territoire de Tourcoing, autant de terrains d’enquête, d’expérimentation et de développement de projets.
Installé à Mulhouse, il a, logiquement, poursuivi ces travaux dans la claire veine documentaire qui est la sienne et qu’il est un des premiers à avoir perçue, affirmée et défendue comme une pratique artistique. Portraits de travailleuses et travailleurs, donc, généralement frontaux mais également et en toute liberté, portraits des habitants qui posent devant le drap blanc d’un studio mobile installé en plein air sur le parvis de La Fonderie.
On trouve également d’autres modalités, plus distanciées et à la fois plus poétiques pour évoquer une culture ouvrière avec des photographies de bouquets sans prétention, simplement beaux et naturels et dans les natures mortes de nourriture qui, avec un clin d’œil à la peinture classique mais totalement sobres, cadrent des produits toujours achetés au marché et toujours consommés après la prise de vue.
Sobrement cadrée au carré, la série des « bunkers » interroge la brutalité de certains bâtiments et, au-delà, une conception de la ville et de l’urbanisme dans laquelle la question de l’individu est absente ou en tout cas négligée. On voit bien là également comment Jean-Louis Schoellkopf conçoit la photographie comme un outil d’analyse critique et combien son œuvre, sur la durée, est une œuvre engagée.
Travaillant à la chambre et au moyen format pour obtenir des images nettes, débarrassées de tout romantisme, Jean-Louis Schoellkopf installe, par séries, des typologies qui nous permettent d’approcher et de lire des pans peu valorisés – entre autres par la photographie – de notre monde contemporain. Aucun sentimentalisme, mais une confrontation directe au monde et une révélation de pans entiers souvent en pleine mutation, voire en train de disparaitre.
La présentation, sobre, évitant les effets d’encadrement, donne à voir le tirage – essentiel – dans sa matérialité et dans sa dimension artisanale. Cela prend un sens encore plus fort au temps du numérique dominant et normalisateur. Pour cette exposition, certaines images ont été imprimées de telle façon que le visiteur puisse choisir et emporter avec lui la trace de ce travail généreux et exigeant. Christian Caujolle, commissaire de l’exposition
Les rendez-vous
EXPOSITION du ma. 21 nov. 2023 au di. 25 fév. 2024 Galerie de La Filature : du ma. au sa. de 13h à 18h + di. de 14h à 18h + soirs de spectacles · entrée libre Fermeture hivernale : du sa. 23 déc. 2023 au me. 3 janv. 2024 inclus VERNISSAGES dans le cadre de La Régionale 24 je. 23 nov. en présence des artistes et commissaires 18h à La Kunsthalle – centre d’art contemporain Mulhouse, Julia Armut (exposition collective) · entrée libre 20h à La Filature, Scène nationale de Mulhouse Le Zoo, La Nuit d’Anne Zimmermann + Jean-Louis Schoellkopf · entrée libre navette gratuite au départ de Freibourg et de Bâle · renseignements : assistant@regionale.org TABLE RONDE « SOCIÉTÉ EN CHANTIER » sa. 25 nov. 10h30 à Motoco L’industrie française, de l’histoire ancienne ? animée par Marie-Claire Vitoux (Maître de conférences honoraire en histoire contemporaine) · avec la participation de Jean-Louis Schoellkopf (photographe), Régis Boulat (Maître de conférences en histoire économique contemporaine), Henri Eckert (Professeur de sociologie) et Jean-Baptiste Forray ( journaliste) · dans le cadre du Forum Latitude organisé par la Librairie 47° Nord · renseignements et tarifs 47degresnord.fr CLUB SANDWICH je. 7 déc. 12h30 en présence de l’artiste visite guidée de l’expo + pique-nique tiré du sac + Food Truck sur le parvis de La Filature · gratuit sur inscription : 03 89 36 28 28 VISITES GUIDÉES sur rendez-vous gratuit sur inscription : edwige.springer@lafilature.org ou 03 89 36 28
Expo éclair à la cour des arts vernissage vendredi 13 à partir de 18h30.
Samedi 14 de 10h à 18h. Dimanche de 10h à 17h.
Anthony Vest rend hommage aux ouvriers qui ont œuvré durant l’âge d’or d’une grande manufacture mulhousienne. (Manurhin) Les toiles de l’artiste s’exposent à la Cour des arts de Brunstatt. Après avoir exposé ses « tentatives d’archéologie industrielle» lors de sa résidence d’artiste au sein des Musées historique et des beaux-arts, à Mulhouse, en 2022, il montre son travail pour une exposition « éclair » à la cour des Arts. Anthony Vest poursuit sa recherche sur les artefacts des usines mulhousiennes.
Photo l’Alsace Antony Vest est diplômé de de l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Après avoir occupé un atelier à la Manurhin, il a déménagé pour un espace plus vaste, dans le quartier mulhousien de la Mer Rouge.
Artiste pluridisciplinaire, Anthony Vest construit au jour le jour un réseau d’images tantôt en dessin, peinture ou photo, tantôt à travers objet ou installation. Il choisit le médium correspondant le plus justement à une construction personnelle d’un univers dans lequel notre œil corrompu se perd inconsciemment.
Sa démarche est une proposition d’observation, une contemplation humble et positive traduite par l’économie des moyens mis en oeuvre.
Les installations présentées proviennent de moules récupérés dans les bennes de Manurhin. Elles deviennent des oeuvres d’art sous forme de sculptures et de peintures. Confectionner un glacis est une technique qu’il a dû apprendre pour révéler au mieux ces pièces en bois, de diverses couleurs et numérotées. « Façonnées jusque dans les années 1950-1960, elles servaient de gabarit pour le moulage de pièces industrielles en bronze », explique l’artiste. Pourquoi faut-il se hâter de découvrir les huiles de la série baptisée Floating Manurhin ? L’artiste répond simplement que « la prochaine expo ne sera pas dans le coin ».
Un regard d’artiste sur des objets témoins d’un savoir-faire en voie de disparition, les moules aux formes convexes étaient destinés à la destruction
Infos pratiques
La Cour des Arts Brunstatt 301 avenue d’Altkirch, Brunstatt, France 03 89 44 81 85
Contact@courdesarts.fr courdesarts.fr
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Maggy Kaiser, sans titre 2011, Fondation Heinrich W. Risken, Badrothefelde
Jusqu'au 28 janvier 2024, au musée des Beaux Arts de Mulhouse
Commissaire : Chloé Tuboeuf, directrice des musées municipaux par intérim
Partenariat : Fondation Heinrich W. Risken, Badrothefelde, Allemagne
Après avoir présenté les mouvements d’avant-garde, par le biais d’œuvres issues des réserves du musée, le Musée des Beaux-arts consacre sa nouvelle exposition temporaire, « Sur les chemins de l’abstraction », à l’artiste mulhousienne Maggy Kaiser, jusqu’au 28 janvier 2024. Le musée se propose de présenter les artistes femmes à l’avenir.
L’exposition
« Dans l’exposition précédente, nous avions déjà présenté une œuvre de Maggy Kaiser, dans une salle dédiée à l’abstraction », confie Chloé Tuboeuf, la responsable du Musée des Beaux-arts. L’œuvre en question, « Rythme diagonale », fait partie des collections du musée depuis les années 80 et c’est loin d’être un hasard, puisque l’artiste, surtout connue en Allemagne, est née et a grandi à Mulhouse. Née en 1922, Marguerite -Maggy- Kaiser « n’était pas prédestinée à devenir artiste, poursuit Chloé Tuboeuf. Elle a commencé à dessiner à 12 ans, lors d’un séjour de convalescence en Suisse, puis s’est trouvée une fascination pour Kandinsky et Klee, qu’elle a découverts au Kunstmuseum de Bâle ».
Rythme Diagonale ou diagonale droite musée des BA Mulhouse
L’artiste s’installe à Paris en 1947, décide de ne se consacrer qu’à la peinture quatre ans plus tard, puis migre en Provence (où elle vit toujours), en 1962. « Elle a créé des œuvres jusque dans les années 2010 », précise la responsable du musée.
Parcours chronologique et thématique
34 ans après une première exposition consacrée à Maggy Kaiser, le Musée des Beaux-arts présente donc une nouvelle monographie de l’artiste, « Sur les chemins de l’abstraction ». « Cette exposition permet de montrer comment elle est arrivée à l’abstraction, qui apparaît très tôt dans son travail, mais aussi de présenter des œuvres créées dans les années 90 et 2000, qui n’avaient encore jamais été présentées », expose Chloé Tuboeuf. Sur tout le deuxième étage du musée, les visiteurs peuvent découvrir le travail singulier de l’artiste, présenté de manière chronologique et thématique. Dans la première salle consacrée à ses œuvres de jeunesse, une très classique nature morte à l’aquarelle côtoie une vue de Mulhouse déjà influencée par le cubisme, ainsi que sa première toile abstraite, « L’inconnue », qui marque un tournant dans son travail.
Mulhouse 1956 Fondation Heinrich W.Risken
L’abstraction comme fil conducteur
De salle en salle, on se rend compte de l’évolution du travail de l’artiste, au fil du temps. Si l’abstraction est un fil conducteur, les formes géométriques rigoureuses, les fonds sombres et les toiles rondes des années 70 et du début des années 80 laissent place à la période blanche, caractérisée par des fonds clairs et des lignes fines de couleurs. « Elle s’est détachée de la géométrie pure et de son propre style », analyse Chloé Tuboeuf.
Participation de Géraldine Husson pour les assises
Les œuvres les plus récentes, beaucoup plus colorées et surtout plus grandes, montrent des formes circulaires, flottant dans des univers aux espaces sans limites. « Ici, il y a une explosion de la gamme chromatique et on sent que Maggy Kaiser s’est totalement libérée de la forme géométrique. »
Une artiste peu connue des Mulhousiens
L’exposition, qui revient sur plus de 60 ans de création, offre aussi quelques surprises, comme cette vitrine présentant des photos et articles de presse, sur le travail d’art mural réalisé par Maggy Kaiser. On y voit notamment des clichés d’œuvres murales en céramique, qui sont toujours visibles dans les écoles mulhousiennes George Sand, Plein Ciel et Jean Zay ! Pour le Musée des Beaux-arts, cette exposition dédiée à Maggy Kaiser permet également de mettre en lumière le travail d’une femme artiste, pas forcément connue des Mulhousiens.
San titre 2005 « L’exposition montre avant tout un travail mais le musée s’attache aussi à valoriser les femmes artistes et à travailler sur leurs biographies, dans la collection permanente ou par le biais d’expositions temporaires, conclut Chloé Tuboeuf. Elles ont été invisibilisées, on les connaît donc moins, et c’est aussi notre travail de les faire redécouvrir ! »
Autour de l’exposition : plusieurs événements gratuits
Visites commentées de l’exposition (sur réservation) :
Dimanche 6 octobre à 11h et à 15h
Jeudi 9 novembre à 18h30
Dimanche 3 décembre à 15h
Muséovacances : atelier enfant (7-11 ans), création d’un nuancier avec « La pigmentière »
Jeudi 26 octobre de 14h à 17h (sur réservation)
Musée des Beaux Arts de Mulhouse 4 Place Guillaume Tell 68100 Mulhouse Ouvert tous les jours de 13 h à 18 h 30 entrée gratuite
Renseignements réservation
Par email à l’adresse : accueil.musees@mulhouse-alsace.fr Par téléphone : 03 89 33 78 11 Retrouvez toute l’actualité sur : www.beaux-arts.musees-mulhouse.fr
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Mulhouse, Temple Saint-Étienne du 9 septembre au 21 octobre 2023 du mercredi au dimanche de 13h à 19h, entrée gratuite réservation possible pour des visites guidées avec l’artiste au 06 48 30 53 37
Quand dix mille vues entrelacées apprivoisent la lumière.
Élisabeth Bourdon au Temple Saint-Étienne
Avec l’aimable autorisation de Luc Maechel
L’artiste Élisabeth Bourdon investit depuis le 8 septembre l’espace d’exposition du Temple Saint-Étienne avec ses œuvres récentes : des pièces singulières à la technique innovante évoquant l’art du vitrail particulièrement en harmonie avec le site qui abrite des vitraux du XIVe. Sont aussi exposées une demi-douzaine de toiles peintes à l’acrylique entre 2012 et 2018.
Elisabeth Bourdon & Anne Catherine Goetz adjointe à la culture Dans un monde fragile et fragmenté, il est tentant de chercher, d’explorer afin de (re)trouver un ordre, tout au moins quelque chose qui permet de donner un fil de cohérence au désordre. Il y a sans doute une part instinctive dans cette pulsion, une part de conjuration aussi. Le carré, unité primaire, apparaît comme un premier geste d’évidence. Mais le réel ne se laisse pas circonscrire aussi facilement et, très vite, il convient de le démultiplier. Le carré devient motif sériel, s’invite en profusion, en superposition, en lien. Bientôt les formes oblitèrent le fond – le geste premier de la peinture est de préparer le fond et Élisabeth y est très attentive. Si celui-ci disparaît peu à peu sous les motifs, il demeure en résonance avec les couleurs postérieures comme les harmoniques en musique enluminent la voix du chanteur ou de l’instrument. À la fin, il se livre en pulsations ourdies dont l’artiste joue car il y a du ludique dans la chorégraphie polychrome de ses compositions. À ce trouble jeu, surgit quelquefois un visage, un animal, une architecture : magie de la paréidolie.
Elisabeth Bourdon & Robert Cahen Si avec la peinture, elle module l’opacité avec de souterraines rémanences, depuis 2018, elle a inversé son approche et travaille sur la transparence. D’une technique à l’autre, la logique d’élaboration change peu. Le fond, c’est désormais un luminaire led (60 x 60 cm), une surface écran et surtout une source de lumière pour irriguer l’exubérance colorée de ses arrangements obtenus par le filtre d’anciennes diapositives superposées, retravaillées.
La première série respecte strictement la règle du jeu avec l’occlusion du cadre : la juxtaposition scrupuleuse des diapositives (121 par couche). La créativité naît de l’apposition et de la superposition. Les sujets photographiés se dissolvent par la magie des recouvrements et de la diffraction. Le matériau impose ses contraintes, mais génère de l’inattendu, acquiert une vie propre loin des clichés. Peu à peu l’artiste se libère de l’exigence du carré en décollant la pellicule du cache. Les œuvres gagnent en transparence, en vibration, abolissent les frontières tranchées, s’autorisent des superpositions plus nombreuses, plus audacieuses. Elle joue avec les rangées de perforations, manipule, abrase l’émulsion du support… Comme les sujets préexistent, elle les regroupe par séries thématiques suscitant à chaque fois une dynamique particulière à leur texture : élan des colonnes d’églises vers les chapiteaux, arabesques des tympans, moutonnement des paysages, etc. Même ses propres photos, souvenirs de familles, deviennent matière à filtrer la lumière.
Le film inversible a capté le réel – et de façon hyperréaliste : visages, paysages, détails d’architecture, tableaux… mais ces rendus objectifs n’existent plus que pour être transgressés. Le figuratif devient ferment d’abstraction ou chaque pièce décline sa dominante colorée. Coquetterie d’artiste, avec des diapositives de leurs œuvres, elle rend hommage à Bacon, Rembrandt, etc., ajoutant quelques traits de pinceaux pour attiser l’émergence du portrait. Mais toujours discrètement, sans ostentation : laisser à l’amateur le plaisir de la découverte.
Avec ces pièces de lumière, Élisabeth Bourdon réinvente un art du vitrail non pour représenter ou raconter, mais provoquer la vibration graphique, colorée des photogrammes et, comme à l’ouverture d’un coffret à bijoux, offrir au visiteur le miroitement des trésors qu’il abrite. Dans sa quête d’un ordre du monde, ses œuvres suggèrent qu’au-delà du carré l’unité primaire est la lumière et, comme le souffle Christian Bobin dans La grande vie (2014), L’âme naît au point de rencontre de notre néant avec la lumière qui nous en sauve.
Exposition d’Elisabeth Bourdon au musée des Beaux Arts de Mulhouse sous ce lien
Pratique
Temple St Etienne Place de la Réunion 68100 Mulhouse Fermé lundi et mardi
Pour joindre l’artiste au 06 48 30 53 37
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Du 7 au 23 septembre 2023 Vernissage le 7 septembre à partir de 18h Sous le commissariat de Marie Deparis-Yafil Galerie Marguerite Milin 11 rue Charles-François Dupuis 75003 Paris
Pour une fois je vais parler/écrire d’une exposition que je n’ai pas vue, d’une part par amitié pour Naji, d’autre part pour la gravité du sujet
Note d’intention
Bien que fléau menaçant tous les enfants du monde, à tous les niveaux des sociétés, et à des degrés divers de barbarie, la violence sexuelle faite sur enfant reste un sujet éminemment tabou, tant sur les plans politique que culturel. L’art lui-même, à diverses époques, a pu se faire l’écho bienveillant, sinon complice, de pratiques dont on connait pourtant les ravages physiques et psychologiques sur l’adulte que l’enfant abusé sera devenu. Il est temps, aujourd’hui, que cela cesse, et que l’on puisse aussi entendre et voir la parole des artistes qui, d’une manière ou d’une autre, luttent pour que la parole des victimes soit entendue et reconnue. Cette exposition collective, une première sur ce sujet, constitue un moyen d’objectiver la question, au travers de propositions artistiques contemporaines fortes, donnant matière – au propre comme au figuré- à réflexion, ambitionnant de contribuer à faire bouger les lignes.
Les artistes
Avec : Jessy Deshais, Naji Kamouche, Sylvie Kaptur-Gintz, Sandra Krasker, Monk, Piet.sO, Anne Plaisance, Virginie Plauchut, Erik Ravelo Suarez, Camille Sart, Maïssa Toulet, Tina Winkhaus.
QUI NE DIT MOT…
se réfère explicitement au proverbe d’origine latine qui tacet consentire videtur («qui se tait semble consentir»), laissant au lecteur le soin de finir lui même la phrase, et posant ainsi deux questions cruciales, intimement liées: celle du consentement, celle du silence. La locution populaire fait écho à cette tenace présupposition que celui qui n’objecte pas de refus donne tacitement son accord, préjugé si souvent répété dans les entourages des victimes, depuis «Tu aurais pu dire non» à «Pourquoi n’a-t-il/elle rien dit pendant toutes ces années?» … C’est le «non» qui n’a pas pu être dit, ou n’a pas été entendu, dont la victime devra sans cesse se justifier, c’est le long silence, dont il faudra se justifier encore, face à une ignorance et une suspicion persistantes des raisons profondes qui nourrissent un secret durant parfois des décennies. C’est aussi l’injonction au silence régnant dans les entourages, les familles…toute une mécanique des yeux et des oreilles tacitement fermés, socle parfois inattaquables des structures familiales et sociales… «Qui ne dit mot…consent», est aussi un principe de droit, à la racine même de principe de prescription, qu’il nous faut aujourd’hui ré examiner et requestionner.
QUI NE DIT MOT… pour prendre à rebours donc, cette croyance que celui qui se tait consent, pour affirmer que le silence d’une victime ne vaut évidemment pas consentement, que rien n’est moins tacite que la domination par le silence. Mais «Qui ne dit mot…» fait aussi allusion au silence de «ceux qui savent». Aujourd’hui, peut-être plus que jamais, savoir et ne rien dire doit pouvoir être appréhendé comme une forme de consentement au délit ou au crime. Cette parole là aussi doit être libérée. Dans le même temps, on ne peut – encore une fois- voler la parole à la victime, ni extorquer sa vérité. Les enjeux sont complexes. Evitant l’écueil de l’angélisme, opposant une image édulcorée de l’enfance à une réalité sordide, comme celui du voyeurisme, refusant toute ambiguité complaisante, cette exposition, premier moment d’un projet d’ampleur, entend ne laisser le moindre doute sur les intentions des artistes et du commissaire. Au travers d’oeuvres de tous médias – peinture, sculpture, photographie, vidéo, installation…- l’exposition explore différentes approches, entre corps et esprit, réalité et mémoire, traumatisme et résilience, violence et réparation, avec une attention particulière portée à l’histoire : celle des enfances volées, des vies de famille spoliées, des adolescences mortifères, des adultes devenus avec peine, à qui on n’offre le plus souvent ni le droit de souffrir, ni la reconnaissance de cette blessure que rien ne viendra suturer. Elle parle de manière plus générale, des systèmes et mécanismes de domination à l’oeuvre dans cet asservissement et cette réification du corps de l’autre, de l’emprise et de la manipulation, du silence et du secret, et prétend en ce sens à l’universel. Elle engage, enfin, sur la voix de la résilience celles et ceux qui croient en le pouvoir cathartique de l’art. QUI NE DIT MOT… est une victoire sur le silence, et la première exposition rassemblant des artistes contemporains pour dire non. texte de Marie Deparis-Yafil
PRÉSENTATION EN AVANT-PREMIERE DU DOCUMENTAIRE « Odette et moi», de Anne Lucie Domange Viscardi, en présence d’Anne Lucie Domange Viscardi, Andréa Bescond et Déborah Moreau, à partir de 18h.
« Odette et moi» est un documentaire qui capte la transmission d’un spectacle, mais pas n’importe quel spectacle ! Écrite et interprétée par Andréa Bescond, mise en scène par Eric Métayer, « Les chatouilles ou la danse de la colère », jouée pour la première fois en 2014, est une oeuvre artistique essentielle qui marque un moment import libération de la parole au sujet de la pédocriminalité. En 2016, forte de son incroyable succès au regard du sujet abordé et portée par l’énergie d’Andréa Bescond, la pièce remporte le Molière du Seul(e) en Scène. Adaptée en 2018 pour le cinéma, la pièce devenue film remporte à nouveau le succès et deux Césars, celui de la meilleure adaptation pour Andréa Bescond et Eric Métayer, et celui de la meilleure comédienne pour un second rôle pour Karin Viard. Après l’avoir interprété durant plus de 4 ans, Andréa Bescond décide de transmettre le spectacle pour qu’il continue d’exister tandis qu’elle souhaite vivre d’autres aventures artistiques.
Le documentaire « Odette et moi» raconte l’histoire de cette transmission, de cette passation entre Andréa Bescond et Déborah Moreau, évoquant au passage le contenu même du texte , et son histoire. D’avril 2018 à juin 2019, Anne Lucie Domange Viscardi suit les deux actrices et nous fait témoins du processus de transmission de ce spectacle hors catégorie, des auditions jusqu’à la première représentation à Avignon. Au travers de ce passage de relais, grâce à la puissance du spectacle, émouvant, réaliste et savamment parsemé d’humour, on découvre et comprend la mécanique des agresseur.e.s, le déni de l’entourage, et la capacité des humain.e.s à se relever quoiqu’il arrive. On assiste également à la naissance d’une comédienne talentueuse, Déborah Moreau, qui relève ce défi artistique avec talent et détermination !
Lecture
Le samedi 9 septembre lors du VERNISSAGE RENCONTRES AVEC LES ARTISTES il y a eu la PRÉSENTATION ET LECTURE DE « Mon Secret » DE NIKI DE SAINT PHALLE Visite commentée, rencontres et discussions privilégiées avec les artistes présents, à partir de 14h. Présentation de la ré-édition du livre « Mon Secret », de Niki de Saint Phalle, par Ariana Saenz Espinoza et Christine Villeneuve, co-édité par les éditions Le rayon blanc et les éditions des femmes-Antoinette Fouque, à partir de 18h30, suivi d’une lecture d’extraits de l’ouvrage.
Informations pratiques
GALERIE MARGUERITE MILIN 11 rue Charles-François Dupuis 75003 Paris OUVERTE TOUS LES JOURS DU MARDI AU SAMEDI DE 12h à 19h et sur RDV www.margueritemilin.com galeriemargueritemilin@gmail.com mdeparisyafil@gmail.com
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« La nuit tombe, le Parc se vide de ses visiteur·euses. Restent les animaux et ce lieu qui maintenant leur appartient. L’obscurité gomme les enclos et je ressens
Une manipulation numérique très réduite efface le décalage temporel entre son passage et celui des animaux. Ainsi, ces photos juxtaposent plusieurs temporalités, ce qui a pour effet d’annuler la distance que l’artiste et, sûrement l’animal, auraient maintenue. Le résultat est une illusion, une rêverie. Ça pourrait être celle de l’enfance réduisant l’animal à une peluche ou celle du mystique imaginant quelque Eden retrouvé. Ce qui importe, c’est qu’en partageant symboliquement l’espace, l’humain soit placé sur un plan d’égalité avec le loup, l’ours polaire ou le baudet du Poitou et qu’il n’est pas plus légitime à exister qu’eux. La vidéo présente sept collaborations avec les loups du Canada, les ours polaires, les panthères des neiges, la panthère de l’amour, le casoar, les wallabys des rochers et les baudets du Poitou.
Photo l’Alsace
Les installations présentées proviennent de moules récupérés dans les bennes de Manurhin. Elles deviennent des oeuvres d’art sous forme de sculptures 
« Dans 
Rythme Diagonale ou diagonale droite musée des BA Mulhouse
gy Kaiser, le Musée des Beaux-arts présente donc une nouvelle monographie de l’artiste, « Sur les chemins de l’abstraction ». « Cette exposition permet de montrer comment elle est arrivée à l’abstraction, qui apparaît très tôt dans son travail, mais aussi de présenter des œuvres créées dans les années 90 et 2000, qui n’avaient encore jamais été présentées », expose Chloé Tuboeuf. Sur tout le deuxième étage du musée, les visiteurs peuvent découvrir le travail singulier de l’artiste, présenté de manière chronologique et thématique. Dans la première salle consacrée à ses œuvres de jeunesse, une très classique nature morte à l’aquarelle côtoie une vue de Mulhouse déjà influencée par le cubisme, ainsi que sa première toile abstraite, « L’inconnue », qui marque un tournant dans son travail.
Participation de Géraldine Husson pour les assises
San titre 2005
Le film inversible a capté le réel – et de façon hyperréaliste : visages, paysages, détails d’architecture, tableaux… mais ces rendus objectifs n’existent plus que pour être transgressés. Le figuratif devient ferment d’abstraction ou chaque pièce décline sa dominante colorée.
« Seul » – Fenêtre, néon clignotant, poignées de porte, dimensions variables, 2003 (courtesy Naji Kamouche)
« Les petites culottes » Organdi, eau sucrée, impression
« Les chatouilles ou la danse de la colère », jouée pour la première fois en 2014, est une oeuvre artistique essentielle qui marque un moment import libération de la parole au sujet de la pédocriminalité.
En 2016, forte de son incroyable succès au
et son histoire. D’avril 2018 à juin 2019, Anne Lucie Domange Viscardi suit les deux actrices et nous fait témoins du processus de transmission de ce spectacle hors catégorie, des auditions jusqu’à la première représentation à Avignon. Au travers de ce passage de relais, grâce à la puissance du spectacle, émouvant, réaliste et savamment parsemé d’humour, on découvre et comprend la mécanique des agresseur.e.s, le déni de l’entourage, et la capacité des humain.e.s à se relever quoiqu’il arrive.
Le samedi 9 septembre lors du VERNISSAGE RENCONTRES AVEC LES ARTISTES