Catégorie : Mulhouse

Sommaire du mois de novembre 2020

Je dédie ce mois de novembre à Ramon Ciuret, qui nous a tiré sa révérence,
avec élégance, le 15 novembre 2020.
Une nouvelle étoile luit au firmament des photographes.
Ce petit homme malicieux et joyeux, toujours armé de son appareil photo
ou de son smartphone, pour capturer les beautés de ce monde. Avec son
regard et son oeil, si juste et bienveillant,  il transmettait avec bonheur
ses prises de vue, pour le plaisir de tous dans des expositions et sur
les réseaux sociaux.
Merci à lui pour le partage.

Tu m’avais enseigné le fish eye, je n’oublie pas notre blague sur le ragondin
du bord de l’Ill, et que tu intervenais, avec justesse, dans les  commentaires
sur mon blog.
Tes nombreux amis, du monde entier sont en deuil et attendent avec impatience, une exposition de tes nombreuses et magnifiques photos.
Vous pouvez le retrouver dans un enregistrement fait avec
Francine Hebding, sur radio MNE sous ce lien
Cher Ramon tu nous manques à tous.

les liens du mois de novembre 2020

27 novembre 2020 : Snowman de Fischli/Weiss
24 novembre 2020 : Ana González Sola, A LAS CINCO DE LA TARDE…
19 novembre 2020 : Elina Brotherus, La Lumière Venue Du Nord
14 novembre 2020 :L’Orient de Rembrandt
11 novembre 2020 : Roni Horn You are the Weather
7 novembre 2020  : Eaux-fortes de Rembrandt –Les donations Eberhard W. Kornfeld
3 novembre 2020 : Le lion a faim…Présentation de la Collection à la Fondation Beyeler

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Elina Brotherus, la lumière venue du nord

Exposition de courte durée à la Galerie de la Filature qui se termine le
29 novembre 2020
Elina était plusieurs fois annoncée,
hélas les circonstances actuelles ont empêché sa venue.

« Quand je me photographie, c’est moi mais en même temps ce n’est pas moi… C’est la condition humaine que j’essaie de décrire » Elina Brotherus


this is the first day of the rest of your life

(c’est le premier jour du reste de ta vie)

Elina Brotherus, et Cindy Sherman, ont en commun le sujet de leurs photographies, une seule et même personne : elle.
Pour Elina Brotherus, ce n’est pas une métamorphose, il faut regarder les détails pour passer au second degré. Elle se montre de face ou de dos, telle qu’elle est, nue, debout ou assise, sans pose recherchée, ni artifice qui l’embellisse. Son pied est presque toujours posé sur le déclencheur de l’appareil photo. Elle opère toujours seule, d’une part pour n’avoir personne sur le dos ! d’autre part parce qu’elle utilise une matériel léger, qu’elle peut transporter à elle toute seule. Avec la photographie, et plus récemment la vidéo, Elina Brotherus explore le paysage émotionnel, les sentiments de l’individu et tente de déterminer comment celui-ci devient une partie de l’ensemble formé par les autres. Avec un langage délibérément structuré, elle travaille sur sa propre personne à partir des événements de sa vie.

Comme l’art est aujourd’hui le seul domaine dans lequel on accepte que des adultes s’amusent, elle ne s’en prive pas. C’est en tout cas ainsi que l’artiste finnoise qui pratique depuis un quart de siècle l’autoportrait mis en scène, généralement seule, mais parfois accompagnée de son chien ou, plus récemment de complices, présente sa démarche.
Elle construit tout avec une belle prise de distance qui n’empêche nullement une vision poétique, entre autres dans les paysages de sa Scandinavie natale ou de sa Bourgogne d’adoption.
Le paysage, aux différentes saisons, devient un décor à la respiration ample, un paysage en écho à la peinture romantique
– et à la peinture en général dont Elina a une belle connaissance – pour un corps libre, tour à tour dénudé ou vêtu de couleurs qui dialoguent avec celles de la nature.
Une peinture qu’elle réinterprète en jouant, en référence aux grands moments d’histoire et en écho du contemporain, en allant de l’atelier et de ses modèles réinventés à la mise en situation de son corps, à la limite de l’équilibre,
dans des lieux inattendus comme le chantier des grands magasins de La Samaritaine, exposés ici pour la première fois.

La  couleur

Savante coloriste, elle a cette capacité rare, en milieu de carrière et avec toujours ce mélange de sérieux et de fantaisie, de distance et de sourire,
de se pencher sur ce qu’elle a fait et de recomposer un passé récent qu’elle transforme pour la série 12 ans après.
L’image animée, série de fables qui ne sont jamais édifiantes, est une occasion de plus de jouer. De se jouer de l’espace, de le construire et de le faire exister en devenant illusionniste et magicienne.

Travaux pratiques, bricolages, rêves et divertissements articulent
une oeuvre dont la cohérence profonde n’enlève jamais
l’indispensable légèreté.
C’est rare, voire unique aujourd’hui.
extrait du Texte Christian Caujolle (commissaire de l’exposition), août 2020

Photos choisies

« Cette image d’autoportrait est aussi un clin d’œil à la difficulté que j’ai eu à mon arrivée en France, je n’avais pas les mots pour communiquer en français… »

C’est grâce à des amies photographes, après un parcours en sciences, – une maitrise en chimie -, études suivies en parallèle, qu’elle apprend l’autoportrait. Pour elle cela a été une libération. C’était la mode dans les années 90 dans les écoles d’art. Quand elle regarde les photos de cette période, elle dit avoir crée une autofiction.
Dans Le reflet dans la suite des séries françaises, elle est dans le coin de la photo,
le visage découpé, on en voit que le menton. Une salle de bain devant un lavabo où sont collés une multitude de post-it, un post-it sur le reflet de son visage cache son reflet. Post-it où il est marqué : reflet.
Tout les objets sont nommés sur les post-it. C’est la première fois qu’elle sortait de son pays pour aller en résidence au musée Nicéphore Niépce. Comme elle ne parlait pas le français c’était
le meilleur moyen d’apprendre la langue en nommant les objets.

Biographie

Elina Brotherus est née en 1972 à Helsinki et partage sa vie et son travail entre la Finlande et la France. Avec la photographie et plus récemment la vidéo,
Elina Brotherus explore le paysage émotionnel, les sentiments de
l’individu et tente de déterminer comment celui-ci devient une partie de l’ensemble formé par les autres. Avec un langage délibérément structuré, elle travaille sur sa propre personne à partir des événements de sa vie.
Bien que ses autoportraits dominent son oeuvre, elle n’interprète jamais de rôles et ne crée pas de mises en scène ; ses paysages révèlent tout autant la nature de ses sentiments.

Dans sa série The New Painting, Elina Brotherus questionne aussi bien les
codes esthétiques de la peinture que la notion de Beauté et va au-devant de questions sur la réalité et sa représentation.
parcours détaillé sur www.gbagency.fr

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Sommaire du mois de septembre 2020

Robes du soir, présentées dans l’exposition Man Ray et la mode au musée du Luxembourg
Jeanne Lanvin et Jean Charles Worth (1925)

20 septembre 2020 : Le Monument, Le Labeur Et L’hippocampe
15 septembre 2020 :  Delphine Gutron
12 septembre 2020 :  Taro Izumi. ex
08 septembre 2020 : Pour tout le sel de la terre
06 septembre 2020 : Susanna Fritscher, Frémissements
04 septembre 2020 : Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

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Le monument, le labeur et l’hippocampe

Jusqu’au 15 novembre 2020 à la Kunsthalle de Mulhouse
Commissaire : Sandrine Wymann
les artistes : Véronique Arnold (FR), Hélène Bleys (FR), Irina Botea Bucan (RO) et Jon Dean (UK), Tanja Boukal (AT), Igor Grubic (HR), Zhanna Kadyrova (UA)

Tanja Boukal

 C’est la mémoire industrielle, qui est évoquée à la Kunsthalle, celle qui laisse les traces du travail, de l’humain, dans nos paysages et dans nos vies. Elle est conçue à partir de l’exemple mulhousien. L’histoire récente de la ville sert de modèle mais pas d’unique point de repère.
Ce qu’elle livre de son passé, la façon dont elle s’en accommode vaut pour d’autres villes, d’autres régions. Elle est représentative d’une histoire industrielle faite de constructions, de travailleurs et d’une certaine idée du progrès qui a traversé son siècle mais pas forcément tenu ses promesses.

L’hippocampe, « animal exotique », est un organe du cerveau, de petite taille, qui ressemble grandement à un cheval de mer. Situé dans le lobe temporal, il est le siège d’une mémoire à long terme, autrement dit de la mémoire de l’individu depuis le moment où il est capable de se souvenir. Cet organe joue un rôle central dans le stockage des connaissances dites explicites, celles que l’on peut formuler par le langage. Il est aussi le siège de ce qu’on appelle la mémoire épisodique, celle qui nous permet d’enregistrer des informations factuelles et contextuelles, celle qui nous sert aussi à voyager mentalement dans le temps et l’espace. Une sorte de disque dur personnel, qui archive nos souvenirs.

Hélène Bleys

L’image commandée à l’artiste Hélène Bleys (en en-tête) qui  illustre le carton de l’exposition, est une sorte d’hippocampe posée sur un enchevêtrement de fils entremêlés et ombrés, des fils qui nous ramènent naturellement à Mulhouse à l’industrie textile. Cette industrie qui a façonné la cité, planté ses usines-monuments dans le paysage, organisé la vie de ses habitants laborieux. Le labeur renvoie à la dimension humaine du sujet.
L’image est au coeur de la pratique d’Hélène Bleys. Par le dessin, qu’elle exerce abondamment, elle dialogue avec des sujets ou des motifs qu’elle met en lumière ou perd dans de vastes compositions.
Autour du dessin, viennent graviter d’autres pratiques telles que la céramique, qui prolongent ses investigations picturales. Membre du collectif Ergastule

elle administre leurs ateliers depuis 2015.
En 2017, elle a été accueillie en résidence à La Kunsthalle Mulhouse.

« La main et les gestes sont au coeur de ma pratique, ils incarnent une humanité préservée face la mécanisation généralisée et à l’efficacité imposée actuellement.
Mes mains résistent à l’air du temps, aux modes et elles essaient de
relever le défi de réaliser des oeuvres difficiles à situer, ni anciennes,
ni vraiment nouvelles. Tout se répète comme dans un motif ! »

Véronique Arnold

Le lien qui unit les femmes au textile n’est pas seulement celui de la fabrication mais aussi d’une sensibilité, d’un quotidien, d’une apparence. Les femmes tissent, s’habillent et entretiennent le textile. à Mulhouse, il a pu les faire vivre, elles le chérissent mais il ne les a pas épargnées. Véronique Arnold a rencontré ces femmes pour les écouter parler d’elles. Entre confidences et rapports factuels, elles racontent leur féminité et leurs parcours en laissant entrevoir des choix personnels, des situations subies et surtout des organisations industrielles qui ont façonné leurs vies.

« Dans le cadre temporel de ce projet avec La Kunsthalle, j’ai eu la chance de recueillir la parole de vingt-trois femmes ayant travaillé ou travaillant dans des entreprises textiles. J’ai écouté ce qu’elles disaient et j’ai posé des questions. Mon écoute est tributaire, bien-sûr, de la somme de mes expériences, fantasmes, illusions, connaissances, analyses, etc. C’est un outil on ne peut plus subjectif. Le témoignage
de ces femmes est une parole absolument subjective elle aussi… »

Igor Grubic

L’histoire ne se résume pas à des faits et des monuments, elle est faite d’humanités et d’intimités. Dans son film « How Steel was Tempered », Igor Grubic


visite les ruines d’une usine à travers la relation d’un père et de son fils. L’un est la mémoire du lieu, l’autre en fait son terrain de jeu.
Dans ce même espace ils se côtoient, se perdent puis se retrouvent autour d’une esthétique de désolation et de gestes perdus. Au terme de leurs vagabondages, ils trouvent un rythme commun, une pulsation partagée qui témoigne une transmission de la mémoire et de la valeur du lieu.

Irina Botea Bucan et Jon Dean

À travers une recherche et une étude sur les Maisons de la Culture en Roumanie, Irina Botea Bucan et Jon Dean retracent une histoire du travail et des travailleurs dans l’industrie par le biais de leurs loisirs. Emanant de programmes politiques, ces institutions ont toujours servi à exercer un contrôle sur la population.

Elles ont par ailleurs fait l’objet de programmes
architecturaux qui les ont visiblement installées dans les paysages
urbains roumains. Aujourd’hui, elles sont toujours debout et sont des espaces dans lesquels il est tentant de faire émerger une nouvelle relation entre les hommes et la culture, basée sur une nouvelle organisation du travail, de la société, des pouvoirs politiques et économiques.

Tanja Boukal

L’entreprise DMC, fleuron textile mulhousien, est le témoin
majeur d’une époque industrielle. Elle est le reflet d’un temps
social et économique, elle abrite la mémoire de savoir-faire mais
aussi de traditions. En s’immergeant dans les archives de l’usine,
Tanja Boukal a revisité les lieux, les machines et les hommes qui
avec le temps avaient pris place sur le fil de l’oubli.

série European Spring (Printemps européen), déclinaison du mot
« peur » dans 25 langues européennes,

Par son travail d’artiste, elle les a réveillés, leur a réattribué une présence et à
l’occasion d’ateliers et de rencontres a partagé autant que possible son investigation avec qui souhaitait apporter ses souvenirs ou ses connaissances. L’époque récente a été témoin du passage de la main à la machine et le « dit » progrès industriel a incarné cette transition majeure.
En rapprochant le talent des uns et les capacités des autres, Tanja Boukal propose un terrain si ce n’est de réconciliation, au moins d’acceptation d’un déplacement des compétences.

Zhanna Kadyrova

Sur les sites d’usines abandonnées, Zhanna Kadyrova vient déshabiller les murs de leurs carrelages pour les façonner en de petites jupes ou robes. Les vêtements ainsi assemblés évoquent que, sur les lieux mêmes de leur provenance, du textile était fabriqué. De l’Ukraine à la France l’histoire des fabriques, de textile par exemple, n’est pas très différente et celle de ses
travailleurs non plus.

D’immenses bâtisses grouillant de main d’oeuvre et d’activités sont devenues des espaces vides et dégradés.
Faut-il les réinventer ou leur rendre hommage ? La question du devenir de ces espaces est posée à travers le geste de Zhanna Kadyrova.


Pratique

Journal de l’exposition

 La Kunsthalle, centre d’art contemporain,
16 rue de la Fonderie à Mulhouse

Agenda

Ouvert du mercredi au vendredi de 12 h à 18 h,
du samedi au mardi de 14 h à 18 h.
Fermé les jours fériés.

Visites guidées
 les 20 et 27 septembre et 25 octobre à 16 h et sur rendez-vous (tél.03.69.77.66.47.)

 

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Delphine Gutron

photo Sandrine Stahl

Nom : Gutron
Prénom : Delphine
Profession : Graveur
spécialité : Dessins – Encres – Gravures
signe particulier : artiste en mouvement au Séchoir, une Sécheuse

Delphine Gutron est une artiste, dessinatrice, graveur.  Dans son atelier au Séchoir, elle alterne entre la gravure, les dessins préparatoires et les dessins tout court. Son travail est très minutieux, son tracé précis et esthétique. Elle dessine avec des outils très fins afin que son trait soit le plus juste possible.
La gravure en taille-douce (ou gravure en creux) est sa technique de gravure préférée de l’artiste.
Delphine grave en effet ses dessins à la pointe sèche sur des plaques de cuivre ou de zinc ou utilise la technique de gravure à l’acide (eau-forte, aquatinte) pour réaliser ses estampes. Elle travaille parfois aussi sur des plaques de gomme qu’elle monte en tampon.

La ville, les usines, les bâtiments, les parcs… sont les thèmes que l’on retrouve souvent dans le travail de Delphine Gutron. Nancéenne, puis mulhousienne d’adoption, elle a beaucoup observé le Temple St Etienne et flâné au Musée d’Impression sur Etoffes de Mulhouse pour y trouver son inspiration.
Mais parfois, son imagination lui suffit, et de son esprit peuvent naître des images d’anges, d’êtres hybrides ou de curieuses créatures animales… la finesse de ses graphismes rendant son œuvre toujours très esthétique.
Emmanuelle van dinh.

L’artiste dans ses propres mots

« Je travaille doucement, avec force détails, en laissant les traits glisser,
jusqu’à atteindre un équilibre sensible. »

 

Entretien avec l’artiste

 

Comment êtes-tu venue à l’art ?

Je dessinais depuis longtemps pour moi, mais un bon déclic lors d’un stage en
2004 pour apprendre la gravure au Centre de la gravure et de l’image Imprimée
à La Louvière en Belgique, où l’on apprenait au milieu des oeuvres de Louise
Bourgeois.

Depuis quand dessines-tu ?

Je dessine depuis toute petite, mais j’ai fait du dessin technique et du dessin de
représentation lors de mes études d’abord scientifiques, un bac E technologies
industrielles puis de la physique Chimie à l’université et de la géologie.

Tes parents t’ont-ils influencée ?

Pour l’amour du papier, cela vient certainement de mon père qui travaillait
dans une imprimerie à Nancy et qui rentrait à la maison avec ses habits
imprégnés de l’odeur de l’encre.

Fais-tu des dessins/essais préparatoires ?

Pour certaines séries, je travaille dans des carnets de recherche et je note des
phrases et des croquis, pour d’autres séries je travaille directement sur le
papier ou le métal. C’est le premier trait qui me guide, même si je sais vers
quoi je vais tendre.

Quand travailles-tu ? A quel endroit ? maison, atelier ?

Je travaille le week-end dans mon atelier au Centre d’Arts en mouvements Le
Séchoir et le soir, je travaille à la maison, tard.

As-tu des horaires définis ? Un rite pour te mettre au travail ?

… Dès que je peux , j’ai un job d’enseignante aussi, et une famille 🙂
Pour le rite : un café !!! pour l’atelier, un verre de bon vin si c’est le soir à la maison, de la musique rock à fond, pleine d’énergie.


                   exposition Fernet Branca POP-UP Artistes

Peux-tu m’expliquer ta technique, c’est un peu mystérieux
pour moi ?

Je travaille en alternance en gravure et en peinture . Pour le moment toujours
sur du papier, cependant j’aimerai travailler le volume, les assemblages,
poursuivre des recherches déjà engagées en ce sens, soit en faisant sortir la
gravure de son cadre, soit en travaillant les feuilles de métal ou encore la
céramique. Je n’ai pas assez le temps de pouvoir mettre en oeuvre toutes ces
expérimentations.

Es-tu influencée par des maîtres ?

Surtout ces trois là :
Odilon Redon pour son onirisme et sa douceur .
Paul Klee pour sa liberté et ses recherches sur les symboles et les couleurs, la
musicalité de ses compositions.
Et Fred Deux pour sa folie et son dessin.

Quelles sont tes lectures, tes références littéraires ?

Je lis beaucoup de romans historiques où sont liés art et politique afin de
comprendre comment la société et les événements politiques peuvent
intervenir sur l’art. Ca me permet également de vivre une époque que je n’ai pas connue .
Les livres de Sophie Chauveau par exemple, Dan Franck, les monographies d’artistes ou les livres sur les ateliers d’artistes .
Récemment j’ai lu Zao de Richard Texier aux éditions Gallimard et cela me permet de voir les artistes sous un autre angle que la peinture, dans leurs relations d’amitié et de connivence avec les autres artistes de leur époque .
Le bon livre aussi de Philippe Dagen, « artistes et ateliers » qui me permet de m’imaginer au coeur de la création.

Peins-tu des autoportraits ?
Je n’en ai réalisé qu’un, une fois, pour mon diplôme d’arts plastiques .

Qu’est devenu ton travail pendant le confinement ?

Il a pris de l’ampleur ! Du temps libéré, et de grandes feuilles de papier à disposition ont permis à la série « ROOMS » d’apparaître.
J’ai expérimenté un geste plus ample oublié des détails et mis en avant une
émotion plus immédiate avec une gamme de couleurs plus réduite.
C’est la série que j’ai exposée à Fernet Branca cet été.
Bien sûr, la notion de confinement, le sentiment d’être bloqué entre 4 murs a vu dans la peinture une échappée belle. Dans les Rooms , je revisite les lieux qui me sont familiers et les émotions qui m’ont parcourues dans ces endroits.
(ci-contre le Fakir)

Cette pandémie a-t-elle agit sur ton travail ?

Elle m’a donné du temps, c’est très précieux pour faire évoluer son travail et
pouvoir interpréter ses questionnements graphiquement.
Depuis le déconfinement, je continue les grands formats, je sens que j’ai
franchi une étape supplémentaire dans la liberté de mon expression artistique,
tant par le format que par les idées qui continuent de s’accumuler et les projets
que je consigne.

Que cherches-tu à exprimer dans ton travail, qui ne serait pas possible avec
des mots ?

J’essaye d’imaginer un monde qui a existé ou qui va exister. Je m’interroge
beaucoup sur la notion de temps (géologique, à l’échelle des millions d’années
mais aussi historique) et la notion de création (les espèces, apparition/
disparition, utopie, préservation des écosystèmes, sensibilisation au beau qui est partout dans une bestiole mais aussi dans la ferraille d’une poutre).
Je souhaite surtout ressentir intensément des moments, des émotions très
particulières et que le public qui voit ces traces éprouve aussi immédiatement
une empathie, une compassion ou un regard non anodin sur mes dessins.

Le Séchoir est-il un apport pour toi ?

Membre fondateur au Séchoir depuis mai 2014.
A permis des collaborations, des expositions collectives jusqu’à Berlin, des échanges artistes riches tant au niveau des techniques que des recherches et des questionnements. Cela m’a permis aussi de découvrir nombre d’artistes plasticiens mais aussi musiciens et d’affuter mon regard sur les oeuvres grâce aux sélections lors des appels à projets de nos expositions.
J’acquiers des notions de scénographie, d’exposition également, bref un apprentissage dans tous les domaines !!
Cela n’a pas vraiment modifié ma manière de travailler mais me permet des rencontres, des échanges, d’entrer dans l’élaboration de projet et
ponctuellement des conseils dans des techniques que je pratique moins
souvent comme la céramique.

Les artistes doivent-ils être le reflet des sentiments, de la vision de leur
époque ?

Pour moi , l’artiste doit être le reflet de son époque, mais comme le temps agit
sur nous, inéluctablement et que je suis persuadée que vivent au fond de nous
des vies antérieures, les époques précédentes transpirent dans le présent .Le
sentiment que l’on donne à voir à travers nos peintures, nos textes, nos dessins, il n’est pas si spontané, il n’est pas qu’une bribe de contemporanéité,
imbibé d’actuel mais pas essentiellement, il est plutôt le résultat d’une
réitération de ce même sentiment à travers les âges, les époques.
Tous les sentiments ont déjà été vécus, mais les artistes les transmettent au coeur de l’époque dans laquelle ils sont nés, sur un fond d’une époque plus ancienne, présente aussi en eux.

Quelle est ta plus belle rencontre en art ?

Celle qui évolue. J’ai pu être totalement insensible à l’oeuvre d’un artiste et
avec le temps ou la médiation de galeriste par exemple, commencer à apprécier
les mêmes oeuvres. Passer de l’indifférence à un sentiment intense sur une
même image, je trouve ça fort, avec le temps.

As-tu une définition de l’art ?

Ce serait : L’art c’est une émotion animale, primaire qui nous saisit sur une
image, une musique, une phrase, c’est vital.

Une future exposition « Katalog « , à venir au
Centre d’Arts en Mouvements Le Séchoir.
Ateliers Ouverts 2020, 10 et 11 octobre 2020 à partir de 14 h

                                                                   Série Rooms

Delphine Gutron
Atelier Le Séchoir
– 25 Rue Josué Hofer, La Tuilerie,
68200 Mulhouse

site Web :
https://www.delphinegutron.com
faceBook :  https://www.facebook.com/DelphineGutron

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Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

Prénom : Richard
Nom : Chapoy
Profession : promeneur dans les arts
signe particulier : dendrophile

Faut-il encore le présenter ? Il est « presque » connu comme le loup blanc dans sa jungle poétique d’arbres, présent localement dans de nombreuses expositions, et sur les réseaux sociaux.

Les 28/29/30 août les visiteurs ont pu découvrir ses dernières créations disséminées dans son jardin, bien en évidence ou cachées dans la végétation luxuriante de l’été, ainsi que dans son atelier qui occupe une bonne partie de son sous-sol à Illzach.
Un dessin a été offert au visiteur, à choisir dans la profusion de sa production par celui qui réfute le qualificatif d’artiste.
Ce gaucher contrarié, en guise de représailles contre les Ayatollahs de la main droite, a autorisé dans ses cours, l’usage de toute possibilité permettant de
dessiner . Il a enseigné le dessin dans différents collèges et endroits de la région.

Comment est- vous venu à l’art ?

Enfant en découvrant les reproductions des impressionnistes et des fauves dans l’almanach que recevait ma grand-mère tous les ans. Très marqué par l’entrée en gare St Lazare de Monet (une grande émotion la première fois devant le tableau au musée d’Orsay).

Depuis quand dessinez-vous ?

Depuis ma petite enfance, une activité importante avec plein de petits bricolages.

Comment définissez-vous votre travail ?

Une promenade quotidienne dans les mélanges improbables, une recherche de matières, de réactions, vers une simplification maximale avec le temps …

Faites-vous des dessins préparatoires ?

Non, tout démarre comme une improvisation qui se structure sur la durée avec un fond d’expérimentations et de souvenirs.

Quand travaillez-vous ?

Tous les jours, tout le temps. Dans l’atelier ou le jardin. En fonction du jour, je peux commencer à 6h le matin jusqu’à 23h. Entre 3 et 12h par jour depuis 30 ans par besoin vital !

Quelle est votre technique ?

Un jeu avec toute sorte de constituants, une « cuisine » très personnelle.
Toutes sortes de papiers, papier de soie, papier Kraft, cartons, bois, boîtiers de CD, nacre…) et des réactions entre les produits (émulsions instables, matières végétales, solvants, acides, colorants, encres…)

On pourrait y chanter les petits papiers de Gainsbourg et Régine

Vous référez-vous à des maîtres ?

Très nombreux depuis mon enfance : Monet, Matisse, Ernst, Magritte, Klee, Alechinsky, Hartung, Dubuffet, Soulages, Baselitz, Fautrier, Richard Long, Richard Serra, Mondrian (hommage à) … et d’autres.

Références littéraires : Antonin Artaud (les œuvres complètes), Henri Michaud, Pierre Daix, Michel Pastoureau, Michel Draguet …

Le confinement a t’il influé votre travail, on a pu voir de nombreuses publications sur un réseau social ?

Pas de changement sauf une réalisation quotidienne de paysages imaginaires. Pas d’incidence, je suis un contemplatif très affairé, sans angoisse ni certitude avec un besoin vital de faire !

A cause du confinement, 4 expositions ont été annulées, 4 réalisées, 3 en prévision cette année.

A venir, une exposition à la cave dimière
de Guebwiller,
Pour être informé de ses prochaines expositions, vous pouvez consulter les informations sur sa page Faceboock
ci dessous

 

L’artiste

« Je ne suis pas artiste juste un promeneur dans les arts, l’actualité me fait parfois réagir (quelques dessins et peintures sur les naufrages des migrants en méditerranée mais que je ne mettrais pas en vente) mais pour l’essentiel je suis « homme des cavernes »  loin des visions sociologiques ou politiques de certains.« 
La simplicité d’une forme d’art, le plaisir du regard partagé, mon petit univers en croissance permanente …

 

Sa devise :

Pour une poésie du concret, pour que l’improbable trouve une réalité.

Sa définition de l’art :

Un souffle de vie, comme un vent apportant l’émotion.

Richard Chapoy -ARTCHIMIE–   

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Sommaire du mois d’août 2020

Giuseppe Penone
Frontières indistinctes – Noce, 2017
Bronze, marbre blanc de carrare

26 août 2020 : « L’Île Des Morts » D’Arnold Bocklin
23 août 2020 : Christophe Bourguedieu
14 août 2020 : Christo au musée Würth
01 août 2020 : LES FRÈRES BURDA. Une histoire des Collections

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Christophe Bourguedieu

Exposition à la Galerie de la Filature de Mulhouse jusqu’au 13 septembre 2020

Le temps fort de la 4e Biennale de la photographie de Mulhouse (BPM)

Christophe Bourguedieu a été l’hôte de la galerie de la Filature en 2002, c’était déjà une proposition d’Anne Immelé, collaboratrice à l’époque, pour la programmation et le suivi des projets auprès de Paul Cottin.
Christophe Bourguedieu nous a guidé à travers son exposition, « Avant la Nuit », en toute improvisation, en ponctuant certains éléments, en soulignant, la pertinence ou la cohérence de ses choix, soutenu, par la commissaire Anne Immele, qui est à l’initiative du choix du photographe, qui souligne la commande de la photographie spécialement conçue pour Mulhouse.

Une salle dédiée à Mulhouse

Une salle est spécifiquement dédiée à Mulhouse, des paysages, des maisons,
des personnages, qui devraient être le reflet de notre ville.
D’autres photographies, provenant du monde entier où Christophe a voyagé proposent des lieux étranges, parfois très impersonnels. Des liens imperceptibles se voient, par certaines couleurs, un peu de rouge, comme le petit pan de mur jaune …. une voiture jaune, des volets de même couleur, une lumière idéale, une photo parfaite.


La présence de certains animaux, des constructions se répondent par des jeux de symétrie, ou des inversions, suggérant la possibilité d’une lecture différente.
Un boxeur, un Botticelli, un après-midi chez le voisin d’Anne, un hôtel mulhousien (Witz), de belles jeunes femmes, un chien blanc, en rappel un ragondin blanc, toutes ses choses doivent faire sens et lien. L’univers de Wim Wenders, d’Edward Hopper, par le côté impersonnel, voire mélancolique, sensoriel.

Christophe Bourguedieu est un photographe mondialement connu et reconnu

Il n’aime pas les images trop évidentes, trop esthétiques, trop symboliques, trop militantes, voire, trop humaines. Ses photographies peuvent sembler anodines, impersonnelles, sa recherche de la neutralité est presque obsessionnelle, pas de couleurs claquantes. Il s’attache à la lumière, à l’espace, à la singularité.

La BPM-BIENNALE ou

le Microcosme mulhousien de la culture masqué


Benoit André professionnel de la culture, ancien de Chaillot est à son affaire, il n’a pas eu de chance, nouveau directeur de la Filature depuis le 1er janvier, il est tombé de plein pied dans la pandémie. Il s’est fait fort de faire ouvrir la Galerie de la Filature, auprès des autorités préfectorales qui lui opposaient la COVID, ce qui a permis d’exposer les photographies de Christophe Bourguedieu,
À la tombée de la nuit.

Anne Immele, professeur, docteur en Photographie, maitre d’œuvre de la Biennale, nous explique avec enthousiasme la cohérence des photos exposées, l’étrangeté de l’ambiance dans le contexte actuel, de la pandémie, du désert culturel, des catastrophes mondiales, Californie, Liban, Australie, l’image de Mulhouse en lien avec St Nazaire, une photo de l’arrêt de tram St Nazaire…..

Anne Catherine Goetz, nouvelle adjointe à la culture issue des récentes élections municipales, par son discours de vernissage, inaugure ses nouvelles fonctions, et ouvre ainsi l’exposition Christophe Bourguedieu,

Éric Kheliff, comédien, vice-président de MAC,  en doublure de Dominique BANNWARTH, président de MAC, absent pour cause de vacances, déclame ou plutôt lit son papier, pour se féliciter de la participation de MAC à la Biennale et à la Galerie de la Filature, de leur partenariat avec l’Agrandisseur. Il remercie, Christophe Bourguedieu, Anne Immele, Benoit André et Anne Catherine Goetz pour leur collaboration. En conclusion il annonce une future exposition en off, de l’artiste Fahd El Jaoudi, soutenu par MAC, Mulhouse Art Contemporain.

L’exposition est accompagnée d’un guide de salle, édité par Novo, dans lequel vous pouvez lire un entretien entre Michel Poivert et Christophe Bourguedieu.

il est très difficile de photographier des photos

Informations

Des visites aux horaires suivants :
du mardi au samedi de 13h30 à 18h30
Sauf samedi 29 août de 11h à 18h30

Dimanche 30 août de 14h à 18h

Visites commentées possibles sur RDV (à partir de 4 personnes)
au 06 99 73 81 80 ou agrandisseur@gmail.com

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Sandra Kunz

Sandra Kunz nous a quitté sur la pointe des pieds le 11 juin 2020.
Une étoile qui brille au firmament des artistes.
Tout le monde se souvient de son atelier à la Manufacture où elle nous accueillait avec tant de bonheur.

Biographie

Après avoir suivi des études en design graphique en Suisse et aux Etats-Unis, Sandra Kunz ouvre sa propre agence de design et signe de nombreuses collaborations avec notamment Design-Team pour l’exposition suisse Expo.01. En 2005 et 2010, elle complète ses études avec des Masters en design, art et innovation. En 2010, Sandra et l’artiste chinoise Yang Jiansa prennent part à l’exposition universelle de Shanghai avec une œuvre monumentale The container. L’ensemble de son travail artistique tourne autour des questions d’identité et de construction de la réalité.
Elle est aussi très active dans les domaines de la sculpture, de l’installation et de la photographie.
Sandra Kunz est née en 1960 à Reinach, BL en Suisse
                                                                                                      photo Armin Roth

Régionale 2012

Sandra Kunz livre de belles photographies, très pures, inspirées de l’opéra de Pékin. Ses modèles en jyjamas évoluent gracieusement, en noir et blanc sur les murs de son loft-atelier.

Sa vie entre le sud-est de la Chine et la Suisse s’inspire d’une recherche sur les chevauchements culturels et les interprétations spécifiques à ces deux sociétés. Par une immersion dans la culture collectiviste de la société chinoise elle a été confrontée à son individualisme, héritier de ses propre racines . Ces antipodes stimulent son processus créatif

Dans son atelier à la Manufacture

Un travail tout de grâce et d’ingéniosité, de délicatesse, inspiré de son séjour en Asie

A la Kunsthalle en 2013 Fait Et À Faire – Voir Et Revoir

Dans ce travail Sandra Kunz aborde le genre de l’autoportrait. A partir d’un jeu avec ses homonymes, les Sandra Kunz de Suisse, elle manipule les images et décline les portraits de manière énigmatique et dérangeante.
Chaque nom est associé à un visage.
«Mon visage m’appartient, mon nom aussi.»

Sandra Kunz est unique, elle est l’original, elle ne peut être confondue. Mais si Sandra Kunz est l’original, alors que sont les autres ? Et si toutes les Sandra Kunz sont des originaux, le nom Sandra Kunz n’a plus de raison d’être. Qui est vraiment Sandra Kunz, comment est-elle perçue et comment se perçoit-elle ? C’est le thème de ces quatre séries de portraits.

Sûr qu’elle était unique et combien cela résonne très fort dans notre souvenir.
Notre dernier entretien à la Kunsthalle était tout de gaité, avec son humour, elle
me disait « tu ne parles pas assez de moi « 
Et moi de lui répondre « tu ne perds rien pour attendre … »

Puis à Art Basel en 2016, elle parcourait les allées en compagnie de son amie
Clarisse Schwarb

www.sandra-kunz.ch

 

Une vue de son atelier

Toutes les photos sont de moi sauf la 2 qui est de Armin Roth,
merci à Eric Kehliff

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LA FILATURE, SCÈNE NATIONALE DE MULHOUSE

JEUDI 2 JUILLET 19H VENDREDI 3 JUILLET 20H SAMEDI 4 JUILLET 15H + 19H spectacle initialement prévu en mars 2020

Un spectacle à nul autre pareil qui nous mène vers cette terre d’enfance où les mythes entrent en nous comme des instincts de vie. Suivons les Centaures, ils existent si l’on y croit.
À Marseille, il est un lieu unique, à la lisière de la ville et des calanques, un royaume de paille et de bois. Camille en est la princesse, Manolo le prince. Les chevaux en sont les animaux, doués du pouvoir magique de se métamorphoser en centaures. Oui, les centaures existent : ils se nomment Manolo – Idra et Camille – Gaïa, le premier dans la majesté d’un pur andalou, le second dans la puissance tranquille d’un frison. Centaures, quand nous étions enfants raconte l’histoire exceptionnelle et exemplaire de ces deux-là, de cette métamorphose, d’un rêve d’enfant devenu réalité. Fascination des chevaux magnifiques et de la virtuosité des cavaliers, beauté des images fulgurantes qui écartent les ténèbres, vertige devant le corps-à-corps dansé de l’homme et de l’animal jusqu’à la fusion des deux dans un centaure féminin/masculin d’une beauté éblouissante, frisson lorsque parfois l’animal fait mine de renâcler.
Tel un conte de fées des temps modernes, le spectacle offre, aux enfants et parents réunis, une dense matière à émotions, sensations, méditation sur notre place dans le monde et notre capacité à l’enchanter. Et longtemps après la représentation, les rêves exhumés se balancent encore entre la réalité et l’enfance déposée dans l’âme des jouets et celle des animaux.

théâtre équestre · grande salle 50 min · à voir en famille dès 7 ans
avec Camille & Manolo et les chevaux Indra (étalon ibérique), Gaïa (étalon frison), voix Elsa Scholler, Timeo Bonnano, Lua Gaggini, Laurent Schefer, Christiane Suter, Claude Thébert d’après l’histoire véritable de Camille & Manolo, texte, mise en scène Fabrice Melquiot
plus d’infos, photos, vidéo sur ce spectacle

La Filature

 tarif spécifique 14 € la place (réduit 8 €)
billetterie à partir du jeudi 25 juin 03 89 36 28 28
ou sur www.lafilature.org

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