L’OEil de Huysmans. Manet, Degas, Moreau

Jusqu’au 17 janvier 2021
Au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS)

Commissariat : Estelle Pietrzyk, conservatrice en chef du Patrimoine, directrice du MAMCS. L’étape strasbourgeoise de cette exposition a bénéficié de l’expertise de Robert Kopp, professeur de littérature française, Université de Bâle.

« Nul n’a jamais été doué d’un regard aussi aigu, aussi vrillant, aussi net, aussi adroit à s’insinuer jusque dans les replis des visages, des rosaces et des masques. Huysmans est un œil. »

Remy de Gourmont, Le Livre des Masques, Paris, 1896-1898

Le projet

En partenariat avec le musée d’Orsay et conçue comme un voyage dans l’oeuvre de l’écrivain Joris-Karl Huysmans (1848-1907), l’exposition du MAMCS présente les écrits, les oeuvres et les objets qui contribuent à forger les univers de Huysmans, caractéristiques d’une fin de siècle qui oscille entre fascination pour le progrès et curiosité pour l’occulte.

La scénographie de l’exposition

Conçu par l’atelier FCS – Frédéric Casanova Scénographe -, la scénographie de l’exposition L’OEil de Huysmans : Manet, Degas, Moreau,… s’est attaché à établir un parcours fluide aux ambiances différenciées dans lequel l’écriture de Huysmans est centrale. Sans hiérarchie de genre, ce parcours magnifie aussi bien le chef d’oeuvre que le petit objet, tout en maintenant une présence fortes des écrits de l’auteur qui constituent véritablement le coeur du projet de l’exposition.

Figure du naturalisme (considéré comme « fils spirituel de Zola »), chroniqueur d’un Paris en pleine mutation, critique d’art éclairé, auteur décadent, écrivain catholique, Huysmans fut toutes ces plumes à la fois. Elles ne s’excluent pas les unes les autres, mais au contraire se superposent comme autant de couches de glacis sous le pinceau du peintre Primitif. « Exposer Huysmans » relève du défi car un tel projet implique de mettre en présence des œuvres, objets et écrits bien différents : les carnations d’Edgar Degas et les noirs de Félicien Rops, le livre précieux et le traité médical, les parfums élégants et l’objet de pacotille. Huysmans collectionne les mots et offre à son lecteur de rutilants catalogues de couleurs, de matières et de sensations, quelle que soit la nature du récit qui l’occupe (chroniques pour la presse, romans, correspondances…).

Volet complémentaire et enrichi du projet développé par le musée d’Orsay, cette exposition est conçue comme autant de tableaux aux ambiances différenciées. Elle est agencée en dix salles qui vont du boudoir à la rue de Paris, du Salon à l’évocation de la demeure de Des Esseintes, héros iconique d’À Rebours (1884), sans oublier l’architecture et l’art religieux, sujets de prédilection du dernier Huysmans. Le visiteur est invité à découvrir un parcours sensoriel où se rencontrent une certaine idée de la modernité et la décadence latine, le retable d’Issenheim et les Folies-Bergères, le rêve et la mélancolie.

Parcours

L’exposition ouvre sur l’oeuvre magistrale de l’artiste contemporaine luxembourgeoise Su-Mei Tse (née en 1973), Many spoken words (2009), que l’on peut sans difficulté rapprocher du repas funèbre raconté par Huysmans dans À Rebours (1884).  Cette superbe et étrange fontaine où s’écoule en continu une eau teintée de noir rappelle l’intérêt de l’artiste (venue de la musique) pour le son.

Le Drageoir aux épices

Cette première salle met en place les « menus bibelots » et « fanfreluches » (pour reprendre la dédicace de l’ouvrage) qui forgent l’univers d’un jeune homme, alors employé administratif au ministère de l’Intérieur qui rêve aussi bien de couleurs que de matières, de paysages hollandais que de japonaiseries, de la Reine Margot et d’un hareng saur. Drageoir en cristal, invraisemblables sonnettes de tables, bonbonnières, gravures anciennes, font cercle autour
d’une galerie de portraits contemporains et posthumes de l’écrivain (notamment par Forain, Vallotton ou encore André Breton).

Croquis parisiens

Huysmans aimait à se présenter comme « un inexplicable amalgame d’un parisien raffiné et d’un peintre de la Hollande ». Né dans une vieille bâtisse du quartier latin, à deux pas de Notre-Dame, il n’aura de cesse, toute sa vie, d’arpenter sa ville de coeur, de la peindre à la manière d’un Rembrandt ou d’un Jan Steen. Étudiant bohème, il fréquente les théâtres, bals et musichalls,
et s’éprend d’une actrice de Bobino, qu’il encense dans ses toutes premières critiques. La salle dédiée aux Croquis parisiens présente notamment un ensemble important d’affiches anciennes (liées au monde du spectacle, à la littérature, aux réclames pour des objets usuels) témoignant de la vitalité de la capitale, issues de la collection du MAMCS.

Huysmans au Salon

« Sur les 3040 tableaux portés au livret, il n’y en a pas cent qui valent qu’on les examine »,
déclare, péremptoire, Huysmans à l’issue de sa visite au Salon de 1879.
Cette salle propose une évocation de ce rendez-vous annuel où
sont exposées des milliers d’oeuvres, quasiment à touche-touche, sur plusieurs lignes, où se mélangent les genres, les styles… et les talents. Ce « Salon » imaginaire reconstitué pour l’exposition superpose en fait plusieurs expositions (officielles et indépendantes) ; il accueille une sélection d’oeuvres exceptionnelles, issues des collections du musée d’Orsay et des musées
de Strasbourg, où se côtoient en une même vision, les engouements et détestations de Huysmans. Impitoyable envers les gloires académiques (le commentaire de La Naissance de Vénus de Bouguereau est en soi un morceau inoubliable de sa critique d’art), Huysmans encense les peintres qui ont
« le souci de la vie contemporaine » au premier rang desquels il place notamment Degas, Caillebotte (avec les célèbres Raboteurs de parquets)
et Raffaëlli.

Décadences

Décadents, symbolistes, poètes maudits… Les dernières décennies du XIXe siècle voient émerger une nébuleuse d’écrivains dont Huysmans fut partie prenante.  Dans sa bibliothèque décadente idéale, des Esseintes, l’anti-héros d’À Rebours, abrite des auteurs qui, pour certains,
furent aussi les amis de Huysmans. Robert de Montesquiou, dandy, collectionneur et poète,  ne
pardonnera jamais à Huysmans de l’avoir utilisé comme modèle pour des Esseintes, faisant de lui l’archétype de l’esthète décadent.

L’Art de la nuance

À Rebours est publié en 1884. Dans ce « livre empoisonné » (comme l’appellera Dorian Gray dans le roman d’Oscar Wilde), Huysmans raconte les névroses d’un anti-héros, le comte Jean Floressas des Esseintes. Nerveusement épuisé par la vanité de toute chose, des Esseintes se retire « loin du monde » La salle, véritable « cabinet rouge », présente des collections d’objets issus de la culture
technique tels que les nuanciers utilisés par les fabricants de textiles, les palettes utiles aux peintres émailleurs ainsi qu’une sélection de papiers peints de la fin du XIXe siècle. La salle accueille également un « petit théâtre » évoquant l’épisode du dialogue entre le Sphinx et la Chimère dans lequel des Esseintes engage une ventriloque pour qu’elle anime les créatures en leur faisant réciter un extrait de La Tentation de saint Antoine de Gustave Flaubert (1874).
La salle présente enfin la seconde oeuvre d’art contemporain acquise dans la perspective de l’exposition : il s’agit d’un cabinet de curiosités intitulé The Unruly Collection par l’artiste nord-américain Mark Dion (né en 1961) qui réunit quarante-trois « curiosités » faussement issues de la nature, car toute de la main de l’artiste.

Éloge de l’artifice et de la sensation

Avec À Rebours, Huysmans porte à son apogée l’idée de correspondances chère à Baudelaire, selon laquelle « les parfums, les couleurs et les sons se
répondent ». Dans cette salle, un dispositif olfactif évoquant l’orgue à parfums de Des Esseintes invite le visiteur à faire l’expérience des parfums rencontrés chez Huysmans, recréés spécifiquement pour l’exposition par la maison Lubin (qui fournissait déjà l’écrivain à la fin du XIXe siècle) :
l’héliotrope, l’opoponax, le patchouli, la rose thé et l’inimitable frangipane offrent ainsi un moment de pure synesthésie au milieu du parcours.

Le Goût de l’étrange

Rechercher dans l’étrange de nouvelles sensations, voilà qui retient aussi
l’attention de Des Esseintes : le héros décadent d’À Rebours, comme son auteur, s’intéressent de près à la science des rêves, aux façons de soigner les névroses, aux prémices de la psychiatrie. Les traités médicaux figurent parmi les lectures de Huysmans.
Sur le plan artistique, c’est Odilon Redon qui incarne le mieux cet attrait pour un ailleurs que Huysmans envisage comme « un fantastique de maladie et de délire. » Ses suites gravées chères à Huysmans (Hommage à Goya, Sur le Rêve, Edgar Poe) qui en fut l’élogieux commentateur traduisent, en effet, un imaginaire au symbolisme sombre qui semble le prolongement des cauchemars de Des Esseintes.

Expériences occultes

Cherchant une compensation « aux purulences d’une époque qui répugne »,
Huysmans s’est lancé à la recherche d’un savoir que, depuis la nuit des temps, les hommes ont essayé de se procurer par la sorcellerie, la magie noire, l’ésotérisme, l’astrologie, la voyance et autres sciences occultes.

Élévations

Après l’écriture d’À Rebours, Huysmans se trouve dans une impasse existentielle. L’écrivain Barbey d’Aurevilly affirme qu’il ne lui reste plus qu’à choisir « entre la bouche d’un pistolet et les pieds de la croix ». Ce sera la croix ; après Là-bas, consacré à l’occultisme, Huysmans se tourne vers la mystique chrétienne.

La Religion de l’art

Les oeuvres des peintres dits « primitifs » influencent la vie spirituelle de l’écrivain. Il s’incline devant Memling, le maître de Flémalle, Fra Angelico ou Van der Weyden, artistes profondément croyants des XVe et XVIe siècles.

Mais c’est la découverte de l’oeuvre de Matthias Grünewald, peintre rhénan de la même époque, qui constitue sa plus grande révélation, preuve pour Huysmans que l’esprit peut loger au plus intime de la matière

Informations pratiques

Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS)
1 place Hans-Jean-Arp, Strasbourg
Tél. : +33 (0)3 68 98 50 00
Horaires : tous les jours – sauf le lundi – de 10h00 à 18h00

Programme des visites et conférences, catalogue :
https://www.musees.strasbourg.eu/l-oeil-de-huysmans

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Cindy Sherman à la Fondation Louis Vuitton

Cindy Sherman untitled# 590, 2016/2018
impression par sublimation thermique sur métal

Jusqu’au 3 janvier 2021

Commissariat général
Suzanne Pagé, Directrice artistique
Commissaires
Une rétrospective (de 1975 à 2020)
Marie-Laure Bernadac
et Olivier Michelon, Conservateur avec Ludovic Delalande, Commissaire d’exposition associé

Crossing Views :
La Collection, regards sur un nouveau choix d’oeuvres
Angeline Scherf
, Conservatrice, Nathalie Ogé, Chargée de recherche pour la Collection, Ludovic Delalande assistés de Claudia Buizza

Architecte scénographe
Marco Palmieri

«Cindy Sherman à la Fondation Louis Vuitton » réunit, d’une part, une
rétrospective composée de quelque 170 oeuvres de l’artiste et, d’autre part, l’exposition Crossing Views, un choix de quelque cinquante oeuvres de la Collection, d’une vingtaine d’artistes français et internationaux, arrêté avec Cindy Sherman.
Podcast sur France culture à écouter

La rétrospective
Proprement dite de l’artiste regroupe ici quelque cent soixante-dix photos articulées en dix-huit séries. Partout, Cindy Sherman y figure, seule. Pourtant il ne s’agit jamais vraiment d’elle-même, le paradoxe étant que, unique objet de son œuvre, elle n’en est jamais le sujet et refuse à ses images le statut d’autoportrait (on peut néanmoins y déceler quelques infimes signes biographiques). Dès lors, certains ont pu s’interroger sur l’existence même de l’artiste. Sans nul doute, Cindy Sherman existe bien, et avec une rare vigilance continûment en alerte.  Si elle fabrique chacune de ses images, elle en assure aussi tous les rôles : maquilleuse, costumière, accessoiriste, metteuse en scène, photographe et même technicienne photo, tout en endossant d’abord le rôle de modèle derrière celui, prioritaire, de l’actrice (entretien Les Inrocks, octobre 2012).

Dans son parcours s’imposent des questionnements obsessionnellement récurrents aujourd’hui : ceux de l’identité, du flottement identitaire et de la
« fluidité des genres », dans une générale dissolution, jusqu’à leurs plus récents développements (men) et aux tapisseries inédites réalisées à partir de ses propres images manipulées sur Instagram. Dans cette nouvelle étape, elle ose, à ses propres dépens, s’opposer à la tyrannie généralisée d’une image idéale

Galeries 1 et 2

Le parcours de l’exposition est globalement chronologique à l’exception de la première section qui met en exergue l’influence continue que le cinéma exerce sur l’imaginaire de l’artiste. Sont ainsi mises en vis-à-vis, les séries Untitled Film Stills (1977-1980), rear screen projections (1980) et flappers (2015-2018).

S’ensuit une section autour de ses premières œuvres de jeunesse encore réalisées en noir et blanc, à travers lesquelles Cindy Sherman va poser les bases de son vocabulaire artistique (maquillage, déguisement, pose, etc.).
Ses photos n’ont pas de titre, elles sont toutes « untitled# » suivi d’un numéro et d’une date de création.

Alors que dans centerfolds (1981), elle réinterprète les doubles pages des magazines de charme, elle expérimente la couleur dans color studies (1982) et pink robes (1982). Depuis le début des années 1980, Cindy Sherman a entrepris un dialogue régulier avec la mode, tout en exerçant un regard très personnel qui en refuse les codes habituels : fashion (1983-1984/1993-1994).

L’artiste explore également l’univers du fantastique à travers différents ensembles (fairy tales, 1985) n’hésitant pas à repousser les limites du gore et du trash (Disasters, 1986-1989) jusqu’au morbide (sex and surrealist pictures, 1992-1996). Entre 1989 et 1990, elle réinterprète les grands maîtres de la peinture ancienne occidentale, de la Renaissance au 19ème siècle dans une série de portraits masculins et féminins (history portraits, 1989-1990).

Au tournant des années 2000, et après un ensemble de portraits masqués (masks, 1994-1996), l’artiste s’intéresse à la figure du clown dont elle explore la dimension carnavalesque à travers des personnages exubérants, grotesques et angoissants (clowns, 2003-2004).

Cette série marque une première étape dans le passage au numérique, l’artiste utilisant pour la première fois le logiciel de retouche Photoshop pour construire ses fonds et démultiplier les personnages dans l’image.

La galerie 2 se termine avec murals (2010), papier peint aux paysages grisés sur lesquels apparaissent des figures féminines et masculines aux dimensions monumentales avec lesquels viennent dialoguer collages (2015), assemblages de plusieurs photographies d’époques différentes.

FLAPPERS

Cindy Sherman qualifie de flappers les personnages qu’elle incarne dans cette série. Le terme, équivalent anglais de « garçonnes », situe ces héroïnes libérées dans l’entre-deux-guerres. Nous les imaginons en jeunes premières de l’âge d’or de Hollywood. Une parenthèse enchantée, car dix ans plus tard elles ont maille à partir avec le krach de 1929 et l’avènement du cinéma parlant ; clap de fin et mise au placard de plusieurs d’entre elles. Ces désormais grandes dames posent devant des décors qui sentent la réussite et la décadence (Untitled #571, Untitled #575 et Untitled #582), elles accessoirisent leur indépendance par du lamé et une cigarette (Untitled #580), mais sont parfois forcées de rejouer les mêmes comédies familiales en dépit de leur âge avéré (Untitled #577, Untitled #584). Mélancoliques, elles sont déjà parfois leur propre fantôme (Untitled #566). Toujours esquivée par l’œuvre de Cindy Sherman, la question biographique surgit au détour de cette série. Quarante ans après les Untitled Film Stills, l’artiste/actrice se livre dans des portraits promotionnels où ni le maquillage ni les retouches numériques n’effacent les marques du temps.

MEN 2019-2020

Tournant  dans l’œuvre de Cindy Sherman, men se caractérise par un changement de genre,  un passage du féminin au masculin qui ouvre de nouvelles possibilités de métamorphose.

C’est la première fois qu’elle y consacre une série complète. Pour explorer ce nouveau sujet, elle a saisi l’opportunité offerte par la créatrice de mode Stella McCartney de puiser dans ses collections, et notamment dans sa nouvelle ligne de vêtements pour homme. Elle a ainsi composé un ensemble de silhouettes à la masculinité androgyne qui apparaissent dans des paysages variés, retravaillés numériquement. Lorsqu’ils ne sont pas solitaires, ses personnages sont accompagnés d’un double, cette fois potentiellement féminin.

À travers les poses, les attitudes et les expressions, l’artiste cherche à révéler la vulnérabilité de ces hommes comme elle le fait pour ses personnages féminins. Dans cette galerie de portraits, elle réinvente les codes de représentation d’une masculinité nouvelle et volontiers ambiguë qui brouille les frontières habituelles entre les genres.

TAPISSERIES 2019-2020

Cette série marque une rupture dans la fabrication et dans l’impression des images de Cindy Sherman qui explore un nouveau support, la tapisserie. Dans la trame d’un tissage mêlant coton, laine et acrylique avec parfois de la soie, apparaissent des images préalablement conçues sur Instagram. Si, à l’instar de ses photographies imprimées sur papier, ses tapisseries sont accrochées au mur, mais suspendues à une tringle, un changement radical de régime s’opère pour ces images transposées de l’écran au textile, les faisant basculer du virtuel au matériel.  L’artiste se photographie au naturel à l’aide de son téléphone portable, à la manière d’un selfie, avant d’entamer sa métamorphose (cheveux, yeux, visage, lèvres, etc.) numériquement. Alors que les applications beauté Facetune, Perfect 365 et YouCam Makeup sont censées sublimer un visage en supprimant les imperfections, Cindy Sherman en détourne le dessein pour créer des personnages fantaisistes, caricaturaux ou grotesques.

LA SCÉNOGRAPHIE DE L’EXPOSITION PAR MARCO PALMIERI

L’exposition « Cindy Sherman à la Fondation » est construite comme un ensemble unique autour des œuvres de Cindy Sherman.

Une suite d’espaces semi-circulaires enveloppe les visiteurs dans chaque série de l’artiste, comme si ces derniers se retrouvaient face à un miroir aux multiples facettes.

Tout au long du parcours de l’exposition, les miroirs amplifient les connexions entre les séries. Ces miroirs ajoutent un autre niveau de complexité en intégrant le visiteur dans l’expérience,    en leur montrant leur propre reflet, celui des autres, et celui des œuvres. Ces miroirs suscitent également une légère gêne, ce qui créé un sentiment de confusion.

La palette de couleurs a été choisie en référence aux couleurs que Cindy Sherman emploie pour le maquillage : le rose foncé d’un rouge à lèvre, le gris profond d’un eyeliner, le turquoise et le jaune vif d’un fard à paupières.

Crossing Views :

La Collection, regards sur un nouveau choix d’œuvres

60 œuvres de la Collection de la Fondation 23 artistes

Adel Abdessemed (1971, Algérie/France)
Marina Abramović (1946, Serbie)
Ziad Antar (1978, Liban)
Dara Birnbaum (1946, États-Unis) Christian Boltanski (1944, France) Louise Bourgeois (1911-2010, États-Unis) Clément Cogitore (1983, France) Rineke Dijkstra (1959, Pays-Bas) Samuel Fosso (1962, Cameroun)
Gilbert & George (1942, Royaume-Uni) Damien Hirst (1965, Royaume-Uni) Pierre Huyghe (1962, France)

                           Adel Abdessemed
Annette Messager (1943, France) Zanele Muholi (1972, Afrique du Sud) Albert Oehlen (1954, Allemagne) Rob Pruitt (1964, États-Unis) Torbjørn Rødland (1970, Norvège) Wilhelm Sasnal (1977, Pologne) Cindy Sherman (1954, États-Unis)
Wolfgang Tillmans (1968, Allemagne) Rosemarie Trockel (1952, Allemagne) Andy Warhol (1928-1987, États-Unis) Ming Wong (1971, Singapour)

Informations pratiques

Réservations

Sur le site : www.fondationlouisvuitton.fr

Horaires d’ouverture (hors vacances scolaires)
Lundi, mercredi et jeudi de 11h à 20h Vendredi de 11h à 21h
Nocturne jusqu’à 23h tous les 1
er vendredis du mois Samedi et dimanche
de 10h à 20h

Fermeture le mardi, le 25 décembre et le 1er janvier

 

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Man Ray et la mode

Jusqu’au 17 janvier 2021 au Musée du Luxembourg
19, rue Vaugirard, 75006 Paris

« Pour plonger dans la flamboyance des années 1920 et 1930 en France, il n’y a guère de lecture plus évocatrice que celle de l’Autoportrait de Man Ray […] »

« Est-ce parce que l’objet le fascine que Man Ray est de ces photographes de mode par inadvertance qui n’oublient pas la mode elle-même ? »

Olivier Gabet, Directeur du musée des Arts décoratifs, Paris

commissaire général : Xavier Rey, directeur des musées de Marseille
commissaires scientifiques
Alain Sayag, conservateur honoraire au Musée national d’Art moderne 
Catherine Örmen, conservateur, historienne de la mode
scénographie : Agence NC, Nathalie Crinière assistée de Lucile Louveau
graphisme : Anamorphée/Pauline Sarrus
conception lumière : Studio 10-30

A regarder sur Arte « l’amour à l’oeuvre – Man Ray et Lee Miller »

Les portraits ( bande annonce -vidéo )

L’oeuvre de cette grande figure de la modernité est ici présentée sous un angle méconnu. Protagoniste de la vie artistique parisienne de l’entre-deux guerres et du surréalisme en particulier, Man Ray avait fait l’objet d’une importante rétrospective au Grand Palais en 1998, et d’une exposition à la Pinacothèque de Paris en 2008. Mais son oeuvre n’avait jamais été explorée sous l’angle de la mode.

Man Ray est sans conteste le père de la photographie de mode. Il arrive à Paris en 1921 sur les conseils de Marcel Duchamp, qui l’introduit dans le milieu de l’avant-   garde et dans le Tout-Paris des années folles. Pour des raisons alimentaires, Man Ray va d’abord s’adonner avec succès au portrait mondain et glisser peu à peu des mondanités vers la mode.
Son premier contact dans le monde de la mode sera Paul Poiret, mais bien vite la plupart des grands couturiers vont faire appel à lui : Madeleine Vionnet, Coco Chanel, Augusta Bernard, Louise Boulanger, et surtout, Elsa Schiaparelli.                                 
                                                                                               Peggy Guggenheim   

La photographie de mode

Née avec le XXe siècle, la photographie de mode est balbutiante : au début des années 1920, elle est utilitaire, documentaire et inféodée aux codes de l’illustration de mode. Rapidement, les magazines, principaux vecteurs de diffusion des modes, vont lui consacrer de plus en plus de place. Ainsi Man Ray
commence-t-il à publier ses portraits dans les chroniques mondaines de Vogue, Vanity Fair, et Vu, mais c’est Harper’s Bazaar, au cours des années 1930, qui fera de lui un photographe de mode célèbre.
Ses compositions étranges, ses recadrages, jeux d’ombres et de lumière, ses solarisations, colorisations et autres expérimentations techniques vont contribuer à la création d’images oniriques et frappantes, qui
s’inscriront dans des mises en page particulièrement novatrices.
C’est ainsi que l’artiste offre à la mode une vision nouvelle du désir et du rêve
et à la photographie de mode ses lettres de noblesse.


La publicité

Figure de l’avant-garde, Man Ray est ainsi impliqué dans la culture de masse qui émerge au travers de la mode et de la publicité. L’exposition met en lumière cet enrichissement permanent entre « l’art pour l’art » et les productions assujetties à une commande. Ainsi de la photographie iconique, Les Larmes,
qui est d’abord, il convient de le rappeler, une publicité pour une commande pour une marque de rimmel, le « Cosmécil » d’Arlette Bernard, publiée dans le
magazine Fiat en 1934, accompagnée du slogan « pleurez au cinéma / pleurez au théâtre / riez aux larmes, sans crainte pour
vos yeux » Cette composition est devenue une des images les plus célèbres de Man Ray. Ces Larmes, exemple type du changement qu’il peut opérer.  Elle juxtapose une image en gros plan de l’oeil du modèle et de larmes de verre. Le recadrage gomme la platitude du contact photographique et lui confère un graphisme qui donne tout son mystère à l’image.

Les modèles de haute couture

Dans l’exposition, une large sélection de photographies – tirages originaux, mais également tirages contemporains de grand format – dialogue avec quelques modèles de haute couture et des documents cinématographiques évocateurs de la mode des années 1920 et 1930, une mode qui fait désormais la
part belle à la coiffure et au maquillage.

Ces courts extraits audiovisuels donnent un autre éclairage sur la mode en montrant que la manière de filmer s’émancipe aussi. Quant aux revues de mode, elles occupent une large place, afin de souligner le rôle majeur qu’elles ont tenu dans la diffusion toujours plus large d’une esthétique nouvelle. Man Ray a tout fait pour dissimuler ce qu’il considérait comme une activité mineure, son « métier » de
photographe professionnel, préférant privilégier une posture d’artiste peintre inventif et libre. Lorsqu’il pratiquait la photographie de mode il tirait parcimonieusement, se limitant aux contacts puis seulement aux images retenues pour la publication. A cette époque, les revues étaient propriétaires, non seulement des tirages, mais aussi des négatifs. La dispersion et la rareté de ces images aujourd’hui réunies dans
l’exposition leur confère un caractère exceptionnel.

Le recours à des tirages modernes pour en montrer certaines permet d’apprécier les différences entre des épreuves qui ont cependant toutes été réalisées à partir des négatifs originaux, car la photographie est un
objet, et pas seulement une image.

L’apogée de la photographie

Lee Miller, le visage peint

Kiki de Montparnasse

Noire et blanche
Epreuve gélatino argentique, Tirage d’exposition
réalisé d’après le négatif sur plaque de verre
20,4 x 28,2 cm
Paris, Centre Pompidou, Musée national d’Art
moderne/Centre de création industrielle,
achat par commande
Madame Toulgouat portant une robe d’Elsa Schiaparelli
EN GUISE DE CONCLUSION

L’exceptionnelle vitalité du milieu mondain et le contexte des années 1920 favorable à l’abolition des frontières entre les arts, ont joué en faveur d’une promotion de la mode. Les couturiers, désormais personnalités mondaines à part entière, ont eux-mêmes encouragé les artistes et stimulé leur créativité.
En peu de temps, la mode – et plus particulièrement la haute couture –, a vu son aura s’élargir. Quant à son corollaire, la photographie de mode, elle devient, dès les années 1930, une discipline artistique autonome.
Man Ray quitte Paris en 1939. A son retour en en mai 1951 la ville n’est n’est plus celle qu’il avait découverte, à peine débarqué d’Amérique, au début des années 1920. La chaleur communicative des passions partagées avec Tristan Tzara ou Marcel Duchamp, la découverte amusée d’un mode de vie relativement confortable, sont bien loin. Il se retrouve confiné dans l’humidité obscure d’un ancien garage, à l’ombre des tours sévères de l’église Saint-Sulpice. Sa réussite de photographe de mode recherché, de coqueluche des riches expatriés américains, appartient désormais au passé et il se consacre à sa vocation de peintre qui ne l’a jamais vraiment quitté.
Face à l’histoire il prend une posture, qu’il tiendra jusqu’à la fin, celle d’un « touche-à-tout » de génie, dilettante de talent qui ne prétend faire que ce qui l’amuse et récuse toute contrainte économique et sociale.
Pourtant, la photographie de mode, cette partie longtemps occultée de son travail de photographe professionnel, demeure le témoignage d’une incontestable réussite.
Le parcours de l’exposition se déroule à travers les sections suivantes:
Du portrait des années 1920 à la photographie de mode, La montée de la mode et de la publicité et L’apogée d’un photographe de mode, les années Bazaar.

Musée du Luxembourg
19, rue Vaugirard, 75006 Paris

ouverture
tous les jours de 10h30 à 19h / nocturne jusqu’à 22h le lundi
fermetures exceptionnelles à 18h les 24 et 31 décembre

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Sommaire du mois de septembre 2020

Robes du soir, présentées dans l’exposition Man Ray et la mode au musée du Luxembourg
Jeanne Lanvin et Jean Charles Worth (1925)

20 septembre 2020 : Le Monument, Le Labeur Et L’hippocampe
15 septembre 2020 :  Delphine Gutron
12 septembre 2020 :  Taro Izumi. ex
08 septembre 2020 : Pour tout le sel de la terre
06 septembre 2020 : Susanna Fritscher, Frémissements
04 septembre 2020 : Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

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Le monument, le labeur et l’hippocampe

Jusqu’au 15 novembre 2020 à la Kunsthalle de Mulhouse
Commissaire : Sandrine Wymann
les artistes : Véronique Arnold (FR), Hélène Bleys (FR), Irina Botea Bucan (RO) et Jon Dean (UK), Tanja Boukal (AT), Igor Grubic (HR), Zhanna Kadyrova (UA)

Tanja Boukal

 C’est la mémoire industrielle, qui est évoquée à la Kunsthalle, celle qui laisse les traces du travail, de l’humain, dans nos paysages et dans nos vies. Elle est conçue à partir de l’exemple mulhousien. L’histoire récente de la ville sert de modèle mais pas d’unique point de repère.
Ce qu’elle livre de son passé, la façon dont elle s’en accommode vaut pour d’autres villes, d’autres régions. Elle est représentative d’une histoire industrielle faite de constructions, de travailleurs et d’une certaine idée du progrès qui a traversé son siècle mais pas forcément tenu ses promesses.

L’hippocampe, « animal exotique », est un organe du cerveau, de petite taille, qui ressemble grandement à un cheval de mer. Situé dans le lobe temporal, il est le siège d’une mémoire à long terme, autrement dit de la mémoire de l’individu depuis le moment où il est capable de se souvenir. Cet organe joue un rôle central dans le stockage des connaissances dites explicites, celles que l’on peut formuler par le langage. Il est aussi le siège de ce qu’on appelle la mémoire épisodique, celle qui nous permet d’enregistrer des informations factuelles et contextuelles, celle qui nous sert aussi à voyager mentalement dans le temps et l’espace. Une sorte de disque dur personnel, qui archive nos souvenirs.

Hélène Bleys

L’image commandée à l’artiste Hélène Bleys (en en-tête) qui  illustre le carton de l’exposition, est une sorte d’hippocampe posée sur un enchevêtrement de fils entremêlés et ombrés, des fils qui nous ramènent naturellement à Mulhouse à l’industrie textile. Cette industrie qui a façonné la cité, planté ses usines-monuments dans le paysage, organisé la vie de ses habitants laborieux. Le labeur renvoie à la dimension humaine du sujet.
L’image est au coeur de la pratique d’Hélène Bleys. Par le dessin, qu’elle exerce abondamment, elle dialogue avec des sujets ou des motifs qu’elle met en lumière ou perd dans de vastes compositions.
Autour du dessin, viennent graviter d’autres pratiques telles que la céramique, qui prolongent ses investigations picturales. Membre du collectif Ergastule

elle administre leurs ateliers depuis 2015.
En 2017, elle a été accueillie en résidence à La Kunsthalle Mulhouse.

« La main et les gestes sont au coeur de ma pratique, ils incarnent une humanité préservée face la mécanisation généralisée et à l’efficacité imposée actuellement.
Mes mains résistent à l’air du temps, aux modes et elles essaient de
relever le défi de réaliser des oeuvres difficiles à situer, ni anciennes,
ni vraiment nouvelles. Tout se répète comme dans un motif ! »

Véronique Arnold

Le lien qui unit les femmes au textile n’est pas seulement celui de la fabrication mais aussi d’une sensibilité, d’un quotidien, d’une apparence. Les femmes tissent, s’habillent et entretiennent le textile. à Mulhouse, il a pu les faire vivre, elles le chérissent mais il ne les a pas épargnées. Véronique Arnold a rencontré ces femmes pour les écouter parler d’elles. Entre confidences et rapports factuels, elles racontent leur féminité et leurs parcours en laissant entrevoir des choix personnels, des situations subies et surtout des organisations industrielles qui ont façonné leurs vies.

« Dans le cadre temporel de ce projet avec La Kunsthalle, j’ai eu la chance de recueillir la parole de vingt-trois femmes ayant travaillé ou travaillant dans des entreprises textiles. J’ai écouté ce qu’elles disaient et j’ai posé des questions. Mon écoute est tributaire, bien-sûr, de la somme de mes expériences, fantasmes, illusions, connaissances, analyses, etc. C’est un outil on ne peut plus subjectif. Le témoignage
de ces femmes est une parole absolument subjective elle aussi… »

Igor Grubic

L’histoire ne se résume pas à des faits et des monuments, elle est faite d’humanités et d’intimités. Dans son film « How Steel was Tempered », Igor Grubic


visite les ruines d’une usine à travers la relation d’un père et de son fils. L’un est la mémoire du lieu, l’autre en fait son terrain de jeu.
Dans ce même espace ils se côtoient, se perdent puis se retrouvent autour d’une esthétique de désolation et de gestes perdus. Au terme de leurs vagabondages, ils trouvent un rythme commun, une pulsation partagée qui témoigne une transmission de la mémoire et de la valeur du lieu.

Irina Botea Bucan et Jon Dean

À travers une recherche et une étude sur les Maisons de la Culture en Roumanie, Irina Botea Bucan et Jon Dean retracent une histoire du travail et des travailleurs dans l’industrie par le biais de leurs loisirs. Emanant de programmes politiques, ces institutions ont toujours servi à exercer un contrôle sur la population.

Elles ont par ailleurs fait l’objet de programmes
architecturaux qui les ont visiblement installées dans les paysages
urbains roumains. Aujourd’hui, elles sont toujours debout et sont des espaces dans lesquels il est tentant de faire émerger une nouvelle relation entre les hommes et la culture, basée sur une nouvelle organisation du travail, de la société, des pouvoirs politiques et économiques.

Tanja Boukal

L’entreprise DMC, fleuron textile mulhousien, est le témoin
majeur d’une époque industrielle. Elle est le reflet d’un temps
social et économique, elle abrite la mémoire de savoir-faire mais
aussi de traditions. En s’immergeant dans les archives de l’usine,
Tanja Boukal a revisité les lieux, les machines et les hommes qui
avec le temps avaient pris place sur le fil de l’oubli.

série European Spring (Printemps européen), déclinaison du mot
« peur » dans 25 langues européennes,

Par son travail d’artiste, elle les a réveillés, leur a réattribué une présence et à
l’occasion d’ateliers et de rencontres a partagé autant que possible son investigation avec qui souhaitait apporter ses souvenirs ou ses connaissances. L’époque récente a été témoin du passage de la main à la machine et le « dit » progrès industriel a incarné cette transition majeure.
En rapprochant le talent des uns et les capacités des autres, Tanja Boukal propose un terrain si ce n’est de réconciliation, au moins d’acceptation d’un déplacement des compétences.

Zhanna Kadyrova

Sur les sites d’usines abandonnées, Zhanna Kadyrova vient déshabiller les murs de leurs carrelages pour les façonner en de petites jupes ou robes. Les vêtements ainsi assemblés évoquent que, sur les lieux mêmes de leur provenance, du textile était fabriqué. De l’Ukraine à la France l’histoire des fabriques, de textile par exemple, n’est pas très différente et celle de ses
travailleurs non plus.

D’immenses bâtisses grouillant de main d’oeuvre et d’activités sont devenues des espaces vides et dégradés.
Faut-il les réinventer ou leur rendre hommage ? La question du devenir de ces espaces est posée à travers le geste de Zhanna Kadyrova.


Pratique

Journal de l’exposition

 La Kunsthalle, centre d’art contemporain,
16 rue de la Fonderie à Mulhouse

Agenda

Ouvert du mercredi au vendredi de 12 h à 18 h,
du samedi au mardi de 14 h à 18 h.
Fermé les jours fériés.

Visites guidées
les 20 et 27 septembre et 25 octobre à 16 h et sur rendez-vous (tél.03.69.77.66.47.)

 

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Delphine Gutron

photo Sandrine Stahl

Nom : Gutron
Prénom : Delphine
Profession : Graveur
spécialité : Dessins – Encres – Gravures
signe particulier : artiste en mouvement au Séchoir, une Sécheuse

Delphine Gutron est une artiste, dessinatrice, graveur.  Dans son atelier au Séchoir, elle alterne entre la gravure, les dessins préparatoires et les dessins tout court. Son travail est très minutieux, son tracé précis et esthétique. Elle dessine avec des outils très fins afin que son trait soit le plus juste possible.
La gravure en taille-douce (ou gravure en creux) est sa technique de gravure préférée de l’artiste.
Delphine grave en effet ses dessins à la pointe sèche sur des plaques de cuivre ou de zinc ou utilise la technique de gravure à l’acide (eau-forte, aquatinte) pour réaliser ses estampes. Elle travaille parfois aussi sur des plaques de gomme qu’elle monte en tampon.

La ville, les usines, les bâtiments, les parcs… sont les thèmes que l’on retrouve souvent dans le travail de Delphine Gutron. Nancéenne, puis mulhousienne d’adoption, elle a beaucoup observé le Temple St Etienne et flâné au Musée d’Impression sur Etoffes de Mulhouse pour y trouver son inspiration.
Mais parfois, son imagination lui suffit, et de son esprit peuvent naître des images d’anges, d’êtres hybrides ou de curieuses créatures animales… la finesse de ses graphismes rendant son œuvre toujours très esthétique.
Emmanuelle van dinh.

L’artiste dans ses propres mots

« Je travaille doucement, avec force détails, en laissant les traits glisser,
jusqu’à atteindre un équilibre sensible. »

 

Entretien avec l’artiste

 

Comment êtes-tu venue à l’art ?

Je dessinais depuis longtemps pour moi, mais un bon déclic lors d’un stage en
2004 pour apprendre la gravure au Centre de la gravure et de l’image Imprimée
à La Louvière en Belgique, où l’on apprenait au milieu des oeuvres de Louise
Bourgeois.

Depuis quand dessines-tu ?

Je dessine depuis toute petite, mais j’ai fait du dessin technique et du dessin de
représentation lors de mes études d’abord scientifiques, un bac E technologies
industrielles puis de la physique Chimie à l’université et de la géologie.

Tes parents t’ont-ils influencée ?

Pour l’amour du papier, cela vient certainement de mon père qui travaillait
dans une imprimerie à Nancy et qui rentrait à la maison avec ses habits
imprégnés de l’odeur de l’encre.

Fais-tu des dessins/essais préparatoires ?

Pour certaines séries, je travaille dans des carnets de recherche et je note des
phrases et des croquis, pour d’autres séries je travaille directement sur le
papier ou le métal. C’est le premier trait qui me guide, même si je sais vers
quoi je vais tendre.

Quand travailles-tu ? A quel endroit ? maison, atelier ?

Je travaille le week-end dans mon atelier au Centre d’Arts en mouvements Le
Séchoir et le soir, je travaille à la maison, tard.

As-tu des horaires définis ? Un rite pour te mettre au travail ?

… Dès que je peux , j’ai un job d’enseignante aussi, et une famille 🙂
Pour le rite : un café !!! pour l’atelier, un verre de bon vin si c’est le soir à la maison, de la musique rock à fond, pleine d’énergie.


                   exposition Fernet Branca POP-UP Artistes

Peux-tu m’expliquer ta technique, c’est un peu mystérieux
pour moi ?

Je travaille en alternance en gravure et en peinture . Pour le moment toujours
sur du papier, cependant j’aimerai travailler le volume, les assemblages,
poursuivre des recherches déjà engagées en ce sens, soit en faisant sortir la
gravure de son cadre, soit en travaillant les feuilles de métal ou encore la
céramique. Je n’ai pas assez le temps de pouvoir mettre en oeuvre toutes ces
expérimentations.

Es-tu influencée par des maîtres ?

Surtout ces trois là :
Odilon Redon pour son onirisme et sa douceur .
Paul Klee pour sa liberté et ses recherches sur les symboles et les couleurs, la
musicalité de ses compositions.
Et Fred Deux pour sa folie et son dessin.

Quelles sont tes lectures, tes références littéraires ?

Je lis beaucoup de romans historiques où sont liés art et politique afin de
comprendre comment la société et les événements politiques peuvent
intervenir sur l’art. Ca me permet également de vivre une époque que je n’ai pas connue .
Les livres de Sophie Chauveau par exemple, Dan Franck, les monographies d’artistes ou les livres sur les ateliers d’artistes .
Récemment j’ai lu Zao de Richard Texier aux éditions Gallimard et cela me permet de voir les artistes sous un autre angle que la peinture, dans leurs relations d’amitié et de connivence avec les autres artistes de leur époque .
Le bon livre aussi de Philippe Dagen, « artistes et ateliers » qui me permet de m’imaginer au coeur de la création.

Peins-tu des autoportraits ?
Je n’en ai réalisé qu’un, une fois, pour mon diplôme d’arts plastiques .

Qu’est devenu ton travail pendant le confinement ?

Il a pris de l’ampleur ! Du temps libéré, et de grandes feuilles de papier à disposition ont permis à la série « ROOMS » d’apparaître.
J’ai expérimenté un geste plus ample oublié des détails et mis en avant une
émotion plus immédiate avec une gamme de couleurs plus réduite.
C’est la série que j’ai exposée à Fernet Branca cet été.
Bien sûr, la notion de confinement, le sentiment d’être bloqué entre 4 murs a vu dans la peinture une échappée belle. Dans les Rooms , je revisite les lieux qui me sont familiers et les émotions qui m’ont parcourues dans ces endroits.
(ci-contre le Fakir)

Cette pandémie a-t-elle agit sur ton travail ?

Elle m’a donné du temps, c’est très précieux pour faire évoluer son travail et
pouvoir interpréter ses questionnements graphiquement.
Depuis le déconfinement, je continue les grands formats, je sens que j’ai
franchi une étape supplémentaire dans la liberté de mon expression artistique,
tant par le format que par les idées qui continuent de s’accumuler et les projets
que je consigne.

Que cherches-tu à exprimer dans ton travail, qui ne serait pas possible avec
des
mots ?

J’essaye d’imaginer un monde qui a existé ou qui va exister. Je m’interroge
beaucoup sur la notion de temps (géologique, à l’échelle des millions d’années
mais aussi historique) et la notion de création (les espèces, apparition/
disparition, utopie, préservation des écosystèmes, sensibilisation au beau qui est partout dans une bestiole mais aussi dans la ferraille d’une poutre).
Je souhaite surtout ressentir intensément des moments, des émotions très
particulières et que le public qui voit ces traces éprouve aussi immédiatement
une empathie, une compassion ou un regard non anodin sur mes dessins.

Le Séchoir est-il un apport pour toi ?

Membre fondateur au Séchoir depuis mai 2014.
A permis des collaborations, des expositions collectives jusqu’à Berlin, des échanges artistes riches tant au niveau des techniques que des recherches et des questionnements. Cela m’a permis aussi de découvrir nombre d’artistes plasticiens mais aussi musiciens et d’affuter mon regard sur les oeuvres grâce aux sélections lors des appels à projets de nos expositions.
J’acquiers des notions de scénographie, d’exposition également, bref un apprentissage dans tous les domaines !!
Cela n’a pas vraiment modifié ma manière de travailler mais me permet des rencontres, des échanges, d’entrer dans l’élaboration de projet et
ponctuellement des conseils dans des techniques que je pratique moins
souvent comme la céramique.

Les artistes doivent-ils être le reflet des sentiments, de la vision de leur

époque ?

Pour moi , l’artiste doit être le reflet de son époque, mais comme le temps agit
sur nous, inéluctablement et que je suis persuadée que vivent au fond de nous
des vies antérieures, les époques précédentes transpirent dans le présent .Le
sentiment que l’on donne à voir à travers nos peintures, nos textes, nos dessins, il n’est pas si spontané, il n’est pas qu’une bribe de contemporanéité,
imbibé d’actuel mais pas essentiellement, il est plutôt le résultat d’une
réitération de ce même sentiment à travers les âges, les époques.
Tous les sentiments ont déjà été vécus, mais les artistes les transmettent au coeur de l’époque dans laquelle ils sont nés, sur un fond d’une époque plus ancienne, présente aussi en eux.

Quelle est ta plus belle rencontre en art ?

Celle qui évolue. J’ai pu être totalement insensible à l’oeuvre d’un artiste et
avec le temps ou la médiation de galeriste par exemple, commencer à apprécier
les mêmes oeuvres. Passer de l’indifférence à un sentiment intense sur une
même image, je trouve ça fort, avec le temps.

As-tu une définition de l’art ?

Ce serait : L’art c’est une émotion animale, primaire qui nous saisit sur une
image, une musique, une phrase, c’est vital.

Une future exposition « Katalog « , à venir au
Centre d’Arts en Mouvements Le Séchoir.

Ateliers Ouverts 2020, 10 et 11 octobre 2020 à partir de 14 h

                                                                   Série Rooms

Delphine Gutron
Atelier Le Séchoir
– 25 Rue Josué Hofer, La Tuilerie,
68200 Mulhouse

site Web :
https://www.delphinegutron.com
faceBook :  https://www.facebook.com/DelphineGutron

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Taro Izumi. ex

C’est jusqu’au 15 novembre 2020 au musée Tinguely de Bâle
Commissaire d’exposition : Séverine Fromaigeat.

La grande exposition d’automne du Musée Tinguely offre une immersion dans le monde malicieux et ludique de l’artiste japonais Taro Izumi (*1976, Nara). Izumi observe nos modes de vie, examine nos relations sociales et celles que nous entretenons avec le monde naturel  et animal.  Il en   conçoit  des  oeuvres multiformes  et inclassables qui, à partir d’une trame simple et d’une certaine économie de moyens, embarquent pour des voyages aux portes de l’absurde.
Dans l’exposition« ex», l’artiste déploie son univers créatif unique, un écosystème organique qui n’appartient, en tant que tel, a aucune catégorie artistique établie.
Sculpture, installation, performance et vidéo s’y mêlent étroitement.
De la même manière, les matériaux s’ajoutent les uns aux autres – bois, textile, plantes, animaux empailles, objets familiers ou éléments recyclés de toutes sortes -, dans des constructions en apparence chaotiques et pourtant précisément conçues et assemblées. Rencontrer cet univers luxuriant et en constante expansion, c’est la promesse de télescopages, de rebonds, de chevauchements. C’est entrer dans un kaléidoscope visuel et mental.

Au Musée Tinguely,  Taro Izumi présente sa première exposition personnelle d’envergure en Suisse, avec des oeuvres spécifiquement conçues pour les espaces du musée et qui proposent une réflexion sur les bouleversements culturels et sociétaux apparus avec le Covid-19.

L’exposition s’accompagne d’une publication qui, pour la première fois,
fournit une description complète de l’oeuvre d’Izum.

 

 

Video as medium as mirror as image as movement as object as video

La technique la plus adaptée à la retranscription instantanée des actions que l’artiste invente est la vidéo. Il l’emploie à la manière d’un stylo qui capte et traduit tout ce qu’il observe. Medium pivot de sa pratique, elle est de toutes ses installations, de toutes ses expositions et joue un rôle sémantique essentiel. Pour « ex », au Musée Tinguely, les écrans, omniprésents, envahissent l’espace: ils rythment les salles, ils se placent au sol et au plafond, s’accrochent aux murs et s’inclinent dans les airs. La vidéo, sur ses supports, déroute : elle accapare, elle captive, et, en cherchant continûment à l’intercepter, sature l’attention des spectateurs et spectatrices. En faisant l’expérience immersive des 0euvres vidéos de Taro Izumi, on ne peut s’empêcher de penser a l’espace urbain tokyoïte débordant de sons et d’images que certaines installations semblent rejouer.

Taro Izumi au Musée Tinguely – Une tentative de saisir l’insaisissable

Tickled in a dream maybe ? (2017) est la plus grand installation multimédia présentée au Musée Tinguely. Cette série, entremêlant sculptures et vidéos, se déploie à partir de photographies de sportifs – principalement des footballeurs – captés en plein élan acrobatique. A partir de ces images décrivant des actions spectaculaires – comme des reprises de volée, des tacles glissés, l’audacieuse pirouette d’un tir légendaire ou le saut dans les airs d’un célèbre basketteur -, Izumi compose des structures de soutien permettant à des performeurs de simuler ces mouvements impossibles à reproduire pour quiconque n’y est pas entrainé. Entre le meuble et la prothèse, le socle et la sculpture, ces structures architecturées aux airs bricolées prennent des formes très variées, qui ne sont pas sans évoquer – tant formellement que conceptuellement – les 0euvres interactives de Jean Tinguely (1925-1991) ainsi que son esprit bricoleur et espiègle. L’artiste tente ici de saisir l’insaisissable : le mouvement, le temps et la gravité.


Exhibition as Gesamtkunstwerk

Les expositions de Taro Izumi ont pris au fil du temps une dimension immersive importante. C’est a travers le medium expositionnel que l’artiste habite les espaces, qu’il élabore une narration. Ces dernières années, il a principalement imaginé ses 0euvres en réponse aux lieux où il est invité à montrer son travail.
Cela l’a conduit à envisager « l’exposition » comme une 0euvre en soi.
Par le biais de la technologie digitale et de l’usage récurrent de la vidéo, du streaming et de la superposition d’images, l’artiste constitue un réseau complexe d’interactions entre ses 0euvres.

Des robots aspirateurs et un théâtre sans spectateurs

Taro Izumi imagine chaque pièce de sa grande exposition au Musée Tinguely comme un organe vivant à l’intérieur de l’organisme qu’est l’exposition. Chaque 0euvre a un rôle à jouer afin que l’exposition respire, vibre, se meuve, chante et s’illumine. Des robots aspirateurs sont suspendus en l’air comme démis de leur fonction première; des lumières clignotent continuellement sur les écrans, des sons arrivent de toutes parts;

(Théâtre Covid-19)
et en contrepoint, un immense théâtre (400) dont 30 000 dans le monde entier, 
silencieux, sans spectateurs ni spectacle attend les visiteurs et est un hommage.
ce sont 10 mn enregistrées, sans rien faire, ni parler, dans un théâtre imaginaire, une mise en scène d’une pièce, une plaque en laiton, avec le numéro de la place, avec un Iphone en life streaming on peut voir ce qui se passe dans le musée sans y être. Izumi nous parle ici de l’absence, du vide et de présence virtuelle, de lieux qui sont devenus inaccessibles. Il propose son regard sur les nouveaux types de comportements qui ont récemment émerge avec l’avènement du Covid-19.

Avec une forme de légèreté et un sens de l’ironie, Taro Izumi parvient à amalgamer ces univers supposément antagonistes. Il navigue entre ces mondes, de l’organique au technologique, et du technologique à l’organique, en passant par tout ce qui existe entre les deux. Son esthétique, rebelle à toute étiquette, renvoie cependant à l’art total prôné par Fluxus

Boules de billard en plexiglass
C’est une boule enfermée dans une cage en plexi, comme lorsque nous étions enfermé, privé d’air, de mouvement, isolé, pendant le confinement, métaphore de notre vie de ces derniers mois.



Missing Cats
Taro Izumi, se pose la question de savoir, où se trouvent ces chats perdus du monde entier. Sur un site Web, qu’on peut consulter, il se demande si on peut voir ou pas, ou simplement imaginer ce qu’ils font et deviennent.



Publication

L’exposition est accompagnée par le premier catalogue qui examine avec profondeur le travail de l’artiste. Cette publication éditée par Hatje Cantz, placée sous la direction de la commissaire d’exposition, a été réalisée en étroite collaboration avec l’artiste, qui a lui­ même élabore le corpus iconographique de l’ouvrage. Le catalogue retrace et examine en profondeur son parcours, avec essais critiques, interviews et un riche cahier iconographique. Traduisant une idée de circularité et de constant mouvement, cet ouvrage peut être lu verticalement et regardé horizontalement, se transformant en un objet ludique,à observer, toucher et interpréter de multiples manières.

Avec une préface de Roland Wetzel, un essai détaille autour de la trajectoire artistique de Taro Izumi par Séverine Fromaigeat, un texte sur la nature ontologique de ses 0euvres par Keren Goldberg, un dialogue entre l’architecte Jun Aoki et le conservateur de musée Kenjiro Hosaka, une brève description biographique par l’historien de l’art Jean de Loisy, des interludes épistolaires par le curateur Gabriel Ritter et l’éclairage du zoologiste Robert Zingg sur le monde animal en captivité. Le catalogue donne un aperçu complet de l’évolution de l’0euvre de Taro Izumi et dévoile son intérêt  pour des thèmes qui affleurent dans sa pratique, comme l’architecture, le monde animal et les questions conceptuelles relative à la conception artistique.

  

Informations pratiques Musee Tinguely :

Titre de l’exposition: Taro Izumi. ex

 

Adresse: Musée Tinguely I Paul Sacher-Anlage 1 I 4002 Bâle

Heures d’ouverture: du  mardi au dimanche, de 11h a 18h

Site  Internet:  www.tinguely.ch  I www.taroizumi.com/en/

Medias sociaux : @museumtinguely I #museumtinguely I #tinguely I #taroizumi

Journee speciale « Taro Izumi» à l‘occasion des Kunst Tage
 Dimanche, 20 septembre 2020
11-18h Videos screenings
15-16h Curator’s tour

16-17h Artist talk:
entretien avec l’artiste Taro Izumi et la commissaire de l’exposition.

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Pour tout le sel de la terre

photo Sylvain Scubbi

Dépaysement et anthropocène du Bassin potassique

Au séchoir, « Pour tout le sel de la terre », jusqu’au 20 septembre 2020

Dans le cadre de la Biennale de la Photographie de Mulhouse,
commissaire général: Anne Immelé,
l’exposition collective conçue par Mickaël Roy, propose une lecture post-industrielle, environnementale et sociale du Bassin potassique alsacien à travers une sélection de photographies de
Bernard Birsinger, Stéphane Spach, Dominique Bannwarth,
Jacky Naegelen & Sylvain Scubbi.

                                      Sandrine Stahl, Mickaël Roy, Anne Immelé

Origine du projet

Mickaël Roy, commissaire d’exposition raconte :
C’est un projet qui vient de ses années d’adolescence durant lesquelles il fréquenta le collège Joliot-Curie de Wittenheim.
« Le collège est construit sur un ancien puits minier, mais jamais personne ne nous a parlé de l’histoire minière, aucune trace, aucune plaque ne rappelle cette mémoire. Partant de cette forme d’amnésie collective, je me suis dit qu’il serait intéressant de faire émerger une mémoire visuelle et sociale de ce territoire. »

Bernard Birsinger


Cinq photographes

Trois corpus d’images y sont rassemblés, dont certaines n’ont jamais été montrées en Alsace, et témoignent de la transformation des paysages d’un territoire alsacien emblématique.

                                          Stéphane Spach
Mickaël Roy y a rassemblé les travaux de cinq photographes publiés dans les années 1980 et 1990. Ils étaient tout jeunes alors ! Stéphane Spach, aujourd’hui installé à La Claquette dans le Bas-Rhin, a derrière lui une belle carrière de photographe ; autodidacte, il a longtemps été inspiré par la nature et s’adonnait aussi à la photographie culinaire. Il a publié en 1999   Terres fertiles , dont sont tirés les clichés exposés.

                                   Dominique Bannwarth, Sylvain Scubbi

Jacky Naegelen et Dominique Bannwarth travaillaient quant à eux à l’agence locale de L’Alsace à Wittelsheim lorsqu’ils publièrent Kali avec Sylvain Scubbi. Le premier a mené depuis une brillante carrière de photographe de presse pour Reuters, il est aujourd’hui retraité. Le second exerce toujours, au sein du journal L’Alsace , mais il a privilégié l’écriture. Le dernier a assidûment pratiqué la photo en parallèle d’une carrière dans l’industrie.

                                      Bernard Birsinger

Quant à Bernard Birsinger, il fut partie prenante de la Mission photographique de la Datar (Délégation interministérielle à l’aménagement du territoire et à l’attractivité régionale) dans les années 1980 et en dévoile quelques clichés. Photographe professionnel, il a mené une carrière prolifique en expositions et en ouvrages.

                                        Sylvain Scubbi

Histoire sociale et dimension mémorielle

Tout en noir et blanc, avec quelques photos actuelles qui concèdent à la couleur dans cette exposition où le documentaire se mélange au patrimoine. Histoire sociale, humaine, patrimoniale, environnementale, tout est abordé ici, par la force des photographies.
« Un territoire conserve la mémoire des lieux. Le Bassin potassique a été habité et transformé par le prisme du temps et des transitions humaines et environnementales. Les photographes ont saisi des images dignes d’être représentées, que ce soit dans une dimension documentaire, frontale ou sublime et onirique », complète Mickaël Roy.
Le commissaire de l’exposition insiste aussi sur sa dimension mémorielle et souhaite qu’elle soit une amorce à quelque chose de plus large, conviant le public à partager des témoignages ou des photos.

avec l’aimable autorisation pour le texte de Claudine Studer Carrot

 

Mickaël Roy, commissaire

 

Après des études d’histoire de l’art, on a pu le rencontrer au Musée des beaux-arts de Mulhouse en tant que médiateur culturel. Puis il développe une pratique indépendante de recherche en arts, de critique d’art, de commissariat d’expositions et de projets artistiques ainsi que d’enseignement, de conférences et de médiation dans le champ des arts visuels et plastiques.
Il a œuvré notamment auprès de la Biennale d’art contemporain de Lyon, de la galerie du Granit à Belfort, mais aussi plus récemment comme chargé de mission à la mairie de Wittenheim. Mickaël Roy est actuellement chargé du développement culturel auprès de l’association Emmaüs Centre-Alsace, avec notamment la préfiguration d’un lieu d’action artistique, culturelle et solidaire, la villa Kientz.
Le thème du Bassin potassique s’est imposé à lui lorsqu’Anne Immelé, directrice artistique de la Biennale de la photographie de Mulhouse, lui a confié le commissariat d’une exposition pour l’édition 2020.

Plusieurs expositions se déploient dans Mulhouse :

Ce noir tout autour qui parait nous cerner,
Nolwenn Brod, Isabelle Giovacchini, Jean-Baptiste Grangier,
Alain Willaume, Giovanna Silva,
Geert Goiris ainsi que des photographies issues de la collection de
Madeleine Millot-Durrenberger
(commissariat d’Anne Immelé au Musée des Beaux-arts),
Avant la nuit de Christophe Bourguedieu
à La Filature,
Comme des tourbillons de poussière, exposition collective conçue par
Pascal Amoyel
à la Galerie de la bibliothèque, se déploie à partir des séries photographiques d’Olivier Kervern, Louis Perreault, Antoine Seiter et Jean Marquès.

Le Séchoir
25, rue Josué Hofer
68200 Mulhouse

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Susanna Fritscher, Frémissements

Jusqu’au 14 septembre 2020, au Centre Pompidou Metz

Un coup de coeur
Au cœur de l’architecture blanche du Centre Pompidou-Metz,
Susanna Fritscher, transforme en paysage imaginaire une des galeries suspendues entre terre et air.
Tout le plateau est pris par l’installation (vidéo), avec le jeu de la baie vitrée du musée, qui si l’on avance donne à voir, un paysage large, de loin, la vue sur l’église de Metz.

Le plaisir des yeux, mais de la permanence de l’éphémère

L’artiste autrichienne installée en France qui a récemment fait basculer les espaces des Mondes Flottants de la Biennale de Lyon, du Musée d’arts de Nantes et du Louvre Abu Dhabi dans l’immatérialité, réinvente notre relation au réel, à ce qui nous entoure, à l’environnement qu’elle soulève, trouble, confondant l’atmosphère avec l’architecture qui devient liquide, aérienne, vibratile.


« Les matériaux que j’utilise, plastiques, films, voiles ou fils, sont si volatiles qu’ils semblent se confondre avec le volume d’air qu’ils occupent. Dans le jeu qu’ils instaurent dans et avec l’espace, la matérialité bascule et s’inverse : l’air a désormais une texture, une brillance, une qualité ; nous percevons son flux, son mouvement. Il acquiert une réalité palpable, modulable – une réalité presque visible – ou audible, dans mes œuvres les plus récentes qui peuvent se décrire en termes de vibration, d’oscillation, d’onde, de fréquence… »
précise l’artiste.

                                                Photo centre Pompidou Metz

Elle explore le système d’aération du Centre Pompidou-Metz comme un organisme dont elle capte le pouls. Les pulsations de l’air qui émanent de son métabolisme deviennent la matière première d’une chorégraphie de lignes formées par les longs fils de silicone qui captent et reflètent la lumière. Les vagues ondulatoires sans cesse réinventées se propagent et mettent en branle cette forêt impalpable que les visiteurs sont invités à traverser. La nef du centre d’art résonne et amplifie les flux d’air qui y circulent et qui la métamorphosent en un immense corps sonore, instrument à vent qui laisse sourdre les souffles libérés du bâtiment.

Ce belvédère sensible et propice à la contemplation capte les mouvements et frissonnements de la nature. Comme par capillarité, les rythmes générés par ces lignes infinies de silicone, que Susanna Fritscher dompte et orchestre, vibrent et s’harmonisent à l’unisson avec ceux des corps des visiteurs-promeneurs, invités à se détacher de la pesanteur, de la gravité. Cet environnant rend également perceptible l’instabilité du temps présent et ses frémissements figurent alors un prélude ou une invitation à de possibles soulèvements. Les visiteurs apparaissent comme des grisailles.

France Culture, la critique à partir de 17 mn

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Richard Chapoy -ARTCHIMIE-

Prénom : Richard
Nom : Chapoy
Profession : promeneur dans les arts
signe particulier : dendrophile

Faut-il encore le présenter ? Il est « presque » connu comme le loup blanc dans sa jungle poétique d’arbres, présent localement dans de nombreuses expositions, et sur les réseaux sociaux.

Les 28/29/30 août les visiteurs ont pu découvrir ses dernières créations disséminées dans son jardin, bien en évidence ou cachées dans la végétation luxuriante de l’été, ainsi que dans son atelier qui occupe une bonne partie de son sous-sol à Illzach.
Un dessin a été offert au visiteur, à choisir dans la profusion de sa production par celui qui réfute le qualificatif d’artiste.
Ce gaucher contrarié, en guise de représailles contre les Ayatollahs de la main droite, a autorisé dans ses cours, l’usage de toute possibilité permettant de
dessiner . Il a enseigné le dessin dans différents collèges et endroits de la région.

Comment est- vous venu à l’art ?

Enfant en découvrant les reproductions des impressionnistes et des fauves dans l’almanach que recevait ma grand-mère tous les ans. Très marqué par l’entrée en gare St Lazare de Monet (une grande émotion la première fois devant le tableau au musée d’Orsay).

Depuis quand dessinez-vous ?

Depuis ma petite enfance, une activité importante avec plein de petits bricolages.

Comment définissez-vous votre travail ?

Une promenade quotidienne dans les mélanges improbables, une recherche de matières, de réactions, vers une simplification maximale avec le temps …

Faites-vous des dessins préparatoires ?

Non, tout démarre comme une improvisation qui se structure sur la durée avec un fond d’expérimentations et de souvenirs.

Quand travaillez-vous ?

Tous les jours, tout le temps. Dans l’atelier ou le jardin. En fonction du jour, je peux commencer à 6h le matin jusqu’à 23h. Entre 3 et 12h par jour depuis 30 ans par besoin vital !

Quelle est votre technique ?

Un jeu avec toute sorte de constituants, une « cuisine » très personnelle.
Toutes sortes de papiers, papier de soie, papier Kraft, cartons, bois, boîtiers de CD, nacre…) et des réactions entre les produits (émulsions instables, matières végétales, solvants, acides, colorants, encres…)

On pourrait y chanter les petits papiers de Gainsbourg et Régine

Vous référez-vous à des maîtres ?

Très nombreux depuis mon enfance : Monet, Matisse, Ernst, Magritte, Klee, Alechinsky, Hartung, Dubuffet, Soulages, Baselitz, Fautrier, Richard Long, Richard Serra, Mondrian (hommage à) … et d’autres.

Références littéraires : Antonin Artaud (les œuvres complètes), Henri Michaud, Pierre Daix, Michel Pastoureau, Michel Draguet …

Le confinement a t’il influé votre travail, on a pu voir de nombreuses publications sur un réseau social ?

Pas de changement sauf une réalisation quotidienne de paysages imaginaires. Pas d’incidence, je suis un contemplatif très affairé, sans angoisse ni certitude avec un besoin vital de faire !

A cause du confinement, 4 expositions ont été annulées, 4 réalisées, 3 en prévision cette année.

A venir, une exposition à la cave dimière
de Guebwiller,
Pour être informé de ses prochaines expositions, vous pouvez consulter les informations sur sa page Faceboock
ci dessous

 

L’artiste

« Je ne suis pas artiste juste un promeneur dans les arts, l’actualité me fait parfois réagir (quelques dessins et peintures sur les naufrages des migrants en méditerranée mais que je ne mettrais pas en vente) mais pour l’essentiel je suis « homme des cavernes »  loin des visions sociologiques ou politiques de certains.« 
La simplicité d’une forme d’art, le plaisir du regard partagé, mon petit univers en croissance permanente …

 

Sa devise :

Pour une poésie du concret, pour que l’improbable trouve une réalité.

Sa définition de l’art :

Un souffle de vie, comme un vent apportant l’émotion.

Richard Chapoy -ARTCHIMIE–   

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