SARKIS 7 Tage, 7 Nächte

L’exposition a été mise en scène par Sarkis, en étroite collaboration avec Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız et Defne Ayas.
Commissaires d'exposition: Defne Ayas, Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız
Commissaire adjoint d'exposition: Sandeep Sodhi
A la Staatliche Kunsthalle de Baden Baden, jusqu'au 4 février 2024

La Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden consacre une vaste exposition individuelle à SARKIS, artiste conceptuel de renommée internationale, né à Istanbul en 1938, qui vit et travaille à Paris. Ses oeuvres à la dimension profondément sociale appellent à la fusion des pratiques et des cultures. Cette exposition est le résultat d’une année d’échanges avec l’artiste sur les thèmes de l’histoire et du traumatisme dans l’art, mais aussi des institutions comme espace de réflexion, de participation et de communauté.

Le titre de l’exposition

7 Tage, 7 Nächte, dérive d’une installation intitulée 7 nuits (2016–2019), que SARKIS considère comme l’une de ses oeuvres les plus importantes jusqu’à ce jour. Il s’agit d’un ensemble de sept compositions et d’un sac de couchage, disposé au sol devant La grande vitrine (1982–2021) au milieu de l’atelier parisien de l’artiste. 7 nuits est présentée pour la première fois dans un contexte institutionnel.

L’oeuvre définit un espace intime d’autoréflexion et de méditation, tout en mettant en scène les aspects contextuels et la signification d’une vie d’artiste faite de résilience et de résistance. C’est une représentation saisissante de la position de l’artiste aujourd’hui et des capacités transformatrices de la politique et de la poésie de l’art.

L’Atelier d’aquarelle dans l’eau

L’Atelier d’aquarelle dans l’eau (2005–2006) est une oeuvre d’art participative qui transforme la salle principale de la Kunsthalle en un espace public ouvert et une scène de création. Ici, tout le monde de 7 à 77 ans est invité à participer à une activité commune, qui se présente comme un rituel éphémère composé d’eau et d’aquarelle. Élément essentiel de la ville de Baden-Baden, avec sa rivière Oos et ses thermes, l’eau est le fil conducteur fluide qui permet de travailler ensemble, de partager et de créer des rencontres personnelles et des souvenirs. À travers l’eau, SARKIS met en avant les qualités fondamentales de l’attention et de la patience pour apprendre ensemble, au moyen de l’art, à guérir les traumatismes collectifs comme personnels.

Cette forme d’activation réciproque de l’oeuvre et de son environnement s’étend également à des oeuvres existantes empruntées à des collections
publiques renommées, parmi lesquelles la série de vêtements d’enfants taillés sur mesure, Défilé du siècle en fluo (1995). Grâce à une chorégraphie conceptuelle pertinente, cette oeuvre évoque la mémoire de personnes de différentes parties du monde, la manière dont elles ont vêtu leur corps à différentes époques et la façon dont nous imaginons un avenir pour notre existence. Dans une ville comme Baden-Baden, dont la part de population âgée est élevée, ce geste est comme un retour à l’enfance, symbolisée par des couleurs néon et des formes à l’abstraction futuriste qui irradient d’intensité.

Les trésors de guerre

C’est son séjour en Allemagne qui a poussé l’artiste à s’intéresser de près à la logique opprimante et restrictive suivie par l’art occidental et à créer le concept de « trésor de guerre ».

Le fait que SARKIS revienne avec cette exposition dans la région trinationale située sur les territoires allemands, français et suisses, n’est donc pas un hasard. Près de Baden-Baden, du temps où il était professeur à l’école des beaux-arts de Strasbourg et en échanges intenses avec des artistes tels que Joseph Beuys, Marcel Broothaers et des historiens de l’art comme Pontus Hultén, il a systématisé sa recherche d’objets non occidentaux dans le but de les mettre en contexte comme des « objets trouvés » – disposés et assemblés par l’artiste sans perdre pour autant leur singularité.

SARKIS ayant la conviction profonde que les objets ont une existence propre – avec, pour chacun, une histoire singulière de douleur et de souffrance –, il s’est rapproché de la notion de « trésor de souffrance de l’humanité », forgée par l’historien de l’art allemand Aby Warburg. SARKIS interprète ainsi l’histoire humaine à la fois comme un trésor et un fardeau collectif, qu’il relie à ses propres souvenirs et au parcours de sa vie.

« Nous considérons que notre rôle à la Kunsthalle Baden-Baden est la médiation continue sous la forme d’une plateforme ouverte », expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız. « L’histoire n’est jamais un processus achevé. En tant que telle, elle est notre matériau de travail et le socle de notre réalité. Nous tirons des leçons de la pratique artistique de SARKIS, à la fois sur l’existence humaine et les questionnements ontologiques. L’actualité de cette exposition ne se rattache pas seulement à une nouvelle urgence de la production artistique face aux guerres qui sévissent actuellement dans notre monde, mais réaffirme également le rôle des pratiques de commémoration dans le contexte des développements géopolitiques contemporains. En Allemagne en particulier, mais aussi dans un cadre discursif mondial, nous encourageons la réflexion approfondie sur les traumatismes générationnels – psychologiques et sociaux – des victimes de la guerre, de la violence d’État et du génocide, y compris du peuple arménien…La mise en exergue de ce thème est un pas important vers la reconnaissance, l’empathie et le souvenir. L’art ne peut pas, à lui seul, résoudre nos problèmes capitaux – la crise climatique, l’effondrement écologique, la gentrification militariste, les politiques belligérantes, entre autres – mais il change notre perspective sur la manière d’y réagir ».

expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız

Defne Ayas

Defne apporte sa contribution avec une autre réflexion: « Les expériences traumatiques, qu’elles soient personnelles ou collectives, se prêtent toujours à l’instrumentalisation, notamment par le monde politique. Mais entre les mains de SARKIS et à travers ses visions, cette fragilité humaine se déplace au-delà des mécanismes de ressassement traumato-cathartiques et devient une forme de recherche cabalistique. Je suis fière que nous puissions présenter ce montage cinématographique à la Kunsthalle de Baden-Baden, qui puise dans son engagement de près d’un demi-siècle pour explorer la notion de ‘trésor de guerre’ ».

Suivant ce modus operandi d’oeuvres d’art qui évoluent avec le monde, la Kunsthalle organisera pendant sept jours et sept nuits des évocations, des repas et des lectures qui réinterpréteront les compositions en constante évolution de SARKIS.

Informations pratiques

L’exposition se clôturera par un symposium intitulé « Les Anonymes / The Anonymous / Die Anonymen » (02-04 février 2024) ; le cadre de cette première invitation emprunte son nom au titre original d’un travail de SARKIS.
Cette plateforme temporaire s’appropriera l’espace d’exposition comme cadre d’apprentissage, pour transformer sa synergie en un lieu partagé par des artistes, des commissaires d’exposition et d’autres, issus de zones en état d’urgence et sous pression, qui ressentent le besoin de changer la façon dont nous vivons et travaillons.
Les ateliers d’aquarelle ont lieu les jeudis et vendredis entre 10h30 et 13h30, de même que les samedis et dimanches entre 12h et 15h.
(Inscription obligatoire sur info@kunsthalle-baden-baden.de)
Les Lunchs du vendredi vous proposent une courte présentation d’une oeuvre d’art de l’exposition, choisie et présentée par l’une ou l’un des membres de la Kunsthalle, avec possibilité de déjeuner ensemble au café de la Kunsthalle.
Tous les vendredis à 13h. (Pas d’inscription requise)
Les Visites du dimanche sont guidées par une ou un spécialiste et suivies d’une discussion permettant de découvrir la perspective des commissaires sur l’exposition en cours. Tous les dimanches à 14h. (Pas d’inscription requise)

Sommaire de juin 2023

La Dentelière de Vermeer en prêt au Louvre Lens
Pendant près d’un an, le musée du Louvre prête sa précieuse Dentellière de Vermeer au Louvre-Lens. Le chef-d’œuvre est visible gratuitement dans la Galerie du temps.

29 juin 2023 : Manet / Degas
24 juin 2023 : Fondation Vasarely
22 juin 2023 : BASQUIAT X WARHOL, À QUATRE MAINS
17 juin 2023  : Shirley Jaffe Forme et expérience
14 juin 2023 : Doris Salcedo, suite
12 juin 2023 : Destins Communs, Omar Ba
11 juin 2023 : Basquiat, The Modena Paintings
07 juin 2023 :Janet Cardiff & George Bures Miller Dream Machines
05 juin 2023 :Mémoires et gestes, une soirée de performances 
03 juin 2023 :LE TEMPS S’ENFUIT SANS DISPARAÎTRE
01 juin 2023 :Découvrez le musée Moco à Amsterdam

Destins Communs, Omar Ba

Dispersion devant l’impasse, 2021 ; 200 × 280 cm, acrylique, crayon, huile, encre de Chine et stylo Bic sur toile
Courtesy collection privée et Templon, Paris – Brussels – New York © photo : Isabelle Arthuis

L’exposition Destins Communs de l’artiste Omar Ba est présentée à La Kunsthalle Mulhouse du 9 juin au 29 octobre 2023.
"Destins Communs, Omar Ba"
Commissariat : Sandrine Wymann
Introduction par Sandrine Wymann

Fo.rmé d’abord au Sénégal puis en Suisse Romande, Omar Ba est avant tout un peintre, même si dans son œuvre la sculpture, le dessin ou la photographie trouvent aussi leur place. De ses peintures, on retient d’abord le , celui d’où jaillissent les couleurs qu’il donne à ses scènes mi- oniriques, mi- réalistes. On retient également la légèreté de ses coups de pinceau qui semblent emprunter chaque matière représentée à un fragment végétal, vrai ou imaginaire. Des pétales, des plumes, des feuilles, des tiges ou d’autres éléments tirés de la nature, si vivement posés sur la toile qu’ils composent une variété immense de textures. L’artiste réinvente continuellement les motifs de sa palette. Qu’elle soit toile ou carton, la surface lui offre un espace profond qu’il investit millimètre par millimètre pour raconter les histoires qui font sa vision du monde. Formé aux contes, enfant d’Afrique, il adopte une construction de l’image fidèle à la tradition des récits aux forces émotionnelles et aux messages philosophiques. Ce qu’il peint a la puissance de l’irréel et la gravité du constat. Derrière l’éclat et l’effusion des couleurs, les figures et les scènes qu’il rapporte sont tout droit sorties d’une histoire aux multiples ressorts politiques et sociaux. Chacun de ses tableaux camoufle une Afrique contemporaine, complexe, blessée et émouvante qu’il partage sans limite, tant ses peintures ont la puissance de séduire ceux qui les regardent.

De cette accessibilité, il en a fait une force, celle de porter la réalité africaine aux yeux de tous et d’interroger nos Destins Communs par le biais de l’allégorie et de la métaphore. Chez Omar Ba, le monde est ontologique, nous sommes tous liés les uns aux autres, au passé et au futur, et sa peinture a une valeur universelle

Biographie

Né au Sénégal en 1977, Omar Ba vit et travaille entre Dakar et Genève. Ses peintures – réalisées à l’aide de techniques et de matériaux variés – représentent des motifs politiques et sociaux aux multiples interprétations.

Son vocabulaire plastique réactive des interrogations historiques et atemporelles tout en élaborant un propos artistique d’une absolue contemporanéité. L’iconographie d’Omar Ba mobilise des métaphores personnelles, des références ancestrales et des figures hybrides. Son travail refuse une narration didactique et cherche, par son caractère énigmatique et son intensité poétique, à exprimer son inconscient et son appréhension symbolique du réel.

Omar Ba a été formé aux Beaux-Arts de Dakar puis de Genève. Ces dernières années, il a participé à de nombreuses expositions collectives internationales, dont les plus récentes sont la Summer Exhibition 2014 à la Royal Academy of Arts (Londres) et la Biennale de Dakar en 2014. Ses œuvres sont entrées dans plusieurs collections publiques dont celles du Centre National des Arts Plastiques (CNAP) en France, de la Collection Nationale Suisse (Bâle) et du Louvre d’Abu Dhabi.

Omar Ba est représenté par les galeries Templon, Bruxelles et Wilde, Genève.

Informations pratiques

Télécharger ici le livret de salle

Lien vers le site d’Omar Ba

La Kunsthalle Mulhouse – Centre d’art contemporain La Fonderie
16 rue de la Fonderie – 68093 Mulhouse Cedex Tél : + 33 (0)3 69 77 66 47

Heures d’ouverture
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h
Samedi et dimanche de 14h à 18h
Fermé les lundis et mardis + 14 juillet

Pendant Art Basel, du 13 au 16 juin,
ouverture exceptionnelle de 10h à 18h

Entrée libre et gratuite

Kunstdéjeuner

Jeudi 22 juin à 12h15

Pendant la pause méridienne, visite commentée de l’exposition Destins Communs, suivie d’un déjeuner pour poursuivre les échanges en toute convivialité.

Participation au repas de 10€/personne,
sur inscription au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr

Déjeuner concocté par l’association EPICES.

Kunstapéro : des œuvres et des vins à découvrir

Jeudi 29 juin à 18h30

Visite commentée de Destins Communs suivie d’une dégustation de vins en écho à l’exposition.

Participation à la dégustation de 5€/personne, inscription obligatoire
(places limitées) au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr

En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain et la Fédération Culturelle des Vins de France.

Visite commentée

Samedi 24 juin à 16h

Découvrez l’exposition Destins Communs – Omar Ba à l’occasion d’un échange avec une médiatrice du centre d’art.

Entrée libre et gratuite.

Les visites guidées sont organisées tous les derniers samedis du mois, aux dates suivantes : 29 juillet, 26 août, 30 septembre et 28 octobre.

Kunstbabies : pour les tous petits et leurs parents

Samedi 8 juillet de 11h à 12h

A destination des jeunes enfants et de leurs parents, ce temps privilégié permettra de découvrir l’exposition Destins Communs à travers le jeu et l’éveil.RDV pour les tous petits, jusqu’à 6 ans, accompagnés d’au moins un parent.
Gratuit, sur inscription obligatoire au 03 69 77 66 47kunsthalle@mulhouse.fr

 Mémoires et gestes, une soirée de performances 

La Kunsthalle Mulhouse, centre d’art contemporain organise, dans le cadre de la Biennale Mulhouse 023 et en partenariat avec le CCN·Ballet de l’Opéra national du Rhin, Mémoires et gestes, une soirée de performances en extérieur ce dimanche 11 juin de 20h à minuit.

Dimanche 11 juin 2023 de 20h00 à minuit

20h30 : Anna Byskov
PITTORESQUE

Le travail d’Anna Byskov se développe à travers différents médiums, vidéos, objets, sculptures, mais c’est dans la performance qu’il trouve un véritable ancrage. Artiste anglo-danoise, née à Quito en Equateur, Anna Byskov
pratique la performance où son corps et son esprit sont engagés vers la voie du burlesque et de la folie. Elle incarne des personnages à la frontière trouble, mêlant fiction et récit personnel, nous emmenant jusqu’aux confins de
l’absurde et de l’incongruité…

21h15 : Compagnie Retouramont – Fabrice Guillot
Environnement Vertical

Duo de danse verticale/mur et espace aérien
Les danseuses plaquées au mur cherchent à créer des espaces pour engager leurs mouvements. Les ouvertures entre les corps et l’architecture sont de plus en plus grandes et permettent les ballants, les courses verticales.
Enfin les danseuses, dans leurs agrès élastiques, entrent dans un territoire ouvert sans contraintes : l’espace aérien

22h00 : Éric Androa Mindre Kolo
Mon corps est un héritage colonial

Éric Androa Mindre Kolo est un « mikiliste » (celui qui a vu le monde, celui qui a voyagé) engagé. Il a grandi à Kinshasa (RD Congo). Il a étudié les beaux-arts à Kinshasa et Strasbourg. Sa pratique se développe entre performances, installations, collages et dessins dans une grande acuité aux questions d’actualité, aux contextes, et à la situation faite aux populations du continent africain, notamment dans leur relation à “mikili” (le monde en
lingala).
Voix et musique : Larousse Marciano

22h45 : Elise Alloin et la Compagnie Strates – Harris Gkekas
INFINIR

Depuis plus de 10 ans, Elise Alloin porte un travail autour de la radioactivité.
Ici De ses observations à la centrale nucléaire de Fessenheim est apparue la question de la posture spécifique du corps humain dans un contexte de
risque et de nécessaire précaution. Pour approfondir cette enquête depuis l’endroit du corps en action, Elise Alloin s’est adressée au chorégraphe Harris Gkekas et ensemble ils créent INFINIR. Comme une enquête poétique sur
les éléments paradoxaux constituant le monde nucléaire, INFINIR vise à rendre visibles les matières, les espaces et les enjeux liés au conditionnement physique et mental de l’industrie nucléaire.

Elise Alloin  photo E.I.

Chorégraphie : Harris Gkekas 
Conception et réalisation des éléments plastiques : Elise Alloin
Création Vidéo : Silvi Simon
Création Musicale : Didier Ambact
Performance : Harris Gkekas & Elise Alloin
Production : Compagnie Strates
Coproduction/Soutien : CCN•Ballet de l'Opéra national du Rhin ; La
Kunsthalle Mulhouse, centre d’art contemporain ; desoblique-Lyon.
Avec le soutien financier de la Région Grand Est et de la Fondation
Daniel et Nina Carasso, sous l’égide de la Fondation de France.
Remerciements : CND à Lyon, Studio CHATHA Lyon, Studio UMA
LAVAL/ DADR Cie
Soirée co-programmée et en partenariat avec le CCN•Ballet de l'Opéra national du Rhin

Vernissage le jeudi 8 juin de 18h à 20h

exposition : Destins Communs d’Omar Ba du 9 juin au 29/10/2023

Informations pratiques

Dimanche 11 juin de 20h à minuit à la Fonderie
Entrée libre et gratuite
Buvette par le collectif ZamZam et foodtruck – « Dakar Passion »,
sur place à partir de 19h
Ouverture de l’exposition Destins Communs d’Omar Ba jusqu’à 22h30
Coordonnées
La Kunsthalle Mulhouse – Centre d’art contemporain
La Fonderie
16 rue de la Fonderie 68100 Mulhouse
Tél : + 33 (0)3 69 77 66 47
kunsthalle@mulhouse.fr / www.kunsthallemulhouse.com

Sommaire du mois de février 2023

Wayne Thiebaud Flood Waters LAC Fondation Beyeler actuellement

17 février 2023 : ALCHIMIA NOVA – Anne Marie Maes
14 février 2023 : Espèce d’animal ! Un bestiaire contemporain
14 février 2023 : Un bestiaire contemporain au Séchoir suite
10 février 2023 : La roue = c’est tout, Nouvelle présentation de la collection Tinguely
08 février 2023 : Vagamondes
02 février 2023 : Jean Tinguely : l’Éloge de la folie
01 février 2023 : Trésor national : le musée d’Orsay s’enrichit d’un exceptionnel tableau de Caillebotte

ALCHIMIA NOVA – Anne Marie Maes

Anne-Marie Maes devant les colonnes de Winogradsky

Du 17.02 au  30.04.2023 à la Kunsthalle de Mulhouse
Commissariat : Sandrine Wymann directrice de la Kunsthalle
L’exposition est réalisée avec le soutien de DMC.

« Nous sommes contaminés par nos rencontres : elles changent ce que nous sommes pendant que nous ouvrons la voie à d’autres. Comme la contamination modifie les projets de mondes en chantier, des mondes mutuels ainsi que des nouvelles directions peuvent émerger. »

Anna Lowenhaupt Tsing, « Le champignon de la fin du monde ».

L’artiste

Comment définir Anne Marie Maes ? C’est une artiste multidisciplinaire qui vit et travaille à Bruxelles. Elle se présente comme apicultrice, mais elle combine, les sciences avec l’art, c’est une poétesse magicienne. C’est également une oratrice, intarissable, multilingue, qui saute du français à l’anglais et au latin, du fait de ses connaissances étendues en sciences, en jardinage, ingénierie, fabriquante des métiers à tisser, d’un alambic pour parfum, et j’en oublie. C’est une artiste que l’on peut rattacher au genre art et science.

L’histoire qu’écrit Anne Marie Maes est celle d’un monde vivant en constante transformation. Elle use de ce principe dans l’élaboration de son propre travail et certaines de ses œuvres sont entièrement basées sur des phénomènes d’évolution. Elles fermentent, poussent, se reproduisent, se décomposent… Il n’est pas rare de croiser dans ses expositions des distillations dans des alambics, des cultures bactériennes ou microbiennes dans des aquariums. Les organismes vivants sont en quelque sorte ses partenaires privilégiés, elle engage avec eux des collaborations multiples et renouvelées. C’est bien sous le signe de la collaboration, qui passe toujours et d’abord par la rencontre, qu’Anne Marie Maes est venue à Mulhouse.

Son Travail

Elle développe depuis de nombreuses années un travail qui s’appuie sur la recherche scientifique, la biologie, l’étude des micro-organismes d’une part, les sciences numériques et la passion du jardinage d’autre part. Dans son jardin à Bruxelles, elle cultive les plantes qui lui servent de matière première pour ses expérimentations, elle installe aussi les ruches qui lui permettent d’étudier le comportement des abeilles. C’est en les observant qu’elle trouve sa propre représentation du monde, celle qu’elle livre dans chacun de ses projets et qui, au fil du temps, s’étoffe de précisions et de beautés.

 Le livre de la nature, Anne Marie Maes l’explore par l’étude et l’expérimentation, non pas pour vérifier des hypothèses, procédé qu’elle laisse à ses partenaires scientifiques, mais pour mieux la raconter à travers ses œuvres. Elle a la rigueur et la curiosité du scientifique mais aussi la liberté et le sens du beau de l’artiste. Son monde ne se réduit pas à un ensemble de phénomènes, elle l’aborde par le sensible, elle le touche, le ressent, éventuellement lui emprunte des systèmes qu’elle reproduit ou essaye dans son atelier. Ses procédés de narration sont multiples. Elle raconte par la couleur.

Naturelles, extraites ou combinées, ses couleurs sont fidèles à celles de la nature, elle s’autorise à les prélever, parfois les classer, souvent les magnifier quand elles deviennent œuvres. L’élément graphique est un autre de ses artifices visuels.    Il peut être le sien, répondre à des lois strictes, géométriques, se soumettre à des répétitions de formes, inspiré de récurrences qu’elle relève et fait siennes. Il est souvent une ligne, celle des trajectoires des abeilles dans la ruche ou des rhizomes partout présents dans la nature. Elle peut aussi le confier au hasard des organisations naturelles ou au développement des micro-organismes qui produisent leurs propres dessins.

Dans ses projets, Anne Marie Maes a aussi recours à des figures de style. La métaphore, par exemple la forme du tissage dont les entrelacs renvoient aux réseaux, lui permet de rendre compte de la complexité de ses observations. Ailleurs, l’accumulation lui sert à donner un effet de profusion par l’énumération de quantité de formes, de phénomènes, de processus ou de couleurs.

En septembre 2021, Sandrine Wymann a été contactée par Pierre Fechter, microbiologiste au CNRS à Strasbourg qui souhaitait entamer une collaboration avec un artiste pour provoquer un autre regard sur les bactéries, sujet d’étude de son laboratoire. En échangeant avec Christopher Crimes de la Fondation [N.A!] Project, l’invitation d’Anne Marie Maes, artiste soutenue par la fondation depuis plusieurs années, lui est apparue comme une évidence. Dès lors un réseau de savoirs, de curiosités et d’intérêts s’est créé et a porté le projet jusqu’à l’exposition. L’artiste a rencontré les biologistes, ils ont partagé des connaissances, des outils et se sont révélés des objectifs et des méthodes de travail.

Anne Marie Maes a découvert une région, ses plantes, ses terrains et a souhaité les placer au centre de son projet. Pierre Fechter et son équipe ont découvert ce qu’était la recherche par l’art, ses libertés et son lien avec les publics.

À ce binôme, s’est rattaché un groupe de cueilleurs, pré-leveurs qui ont eu pour mission de récolter les plantes, les organismes et les champignons qui ont servi de matière aux expériences et à la production des œuvres de l’artiste. Se sont aussi impliqués les ambassadeurs [N.A!] Project de l’entreprise Solinest, en participant à la fabrication de certaines œuvres, celles qui ont été préparées quelques mois avant l’exposition et qui rejoindront la collection de l’entreprise à Brunstatt à l’issue de leur présentation à La Kunsthalle.

Enfin, un dernier groupe partenaire a très activement pris part au projet : les étudiants en Master Critique- Essais, écritures de l’art contemporain de l’Universite de Strasbourg ont rédigé et coordonné la présentation de l’exposition et une interview d’Anne Marie Maes et de Pierre Fechter publiées dans le journal d’exposition. En quelques rencontres, ils se sont approprié le projet et l’ont magnifiquement restitué et prolongé à travers leurs questions et leurs présentations.

L’exposition à son tour laissera une place belle à la rencontre avec les publics que nous nous réjouissons d’accueillir et qui pourront venir et revenir voir les œuvres se transformer en l’espace de deux mois et demi. Des temps d’ateliers, présentations, débats rythmeront le projet qui ne fait sens, pour chacun de ceux qui l’ont voulu, que dans l’échange et la découverte de l’autre, ce que nous aimons designer comme des temps de fertilisations croisées.

Texte Sandrine Wymann

                 Bibliothèque de curiosités

SUR LA CROISSANCE ET LA FORME

Anne Marie Maes est fascinée par les processus par lesquels la nature crée des formes : comment les abeilles créent des rayons de miel dans la ruche, comment elles s’auto-organisent en essaims, comment les plantes poussent et forment des motifs géométriques, ou comment les bactéries et les levures créent collectivement des surfaces matérielles formant des biotextiles. Elle observe et analyse ces processus, les isole ou les fait apparaître dans des conditions artificielles, puis crée des œuvres d’art à partir de cette recherche artistique dans de nombreux médias différents : installations, vidéo, audio, photos et sculptures. Ces œuvres d’art vont souvent au-delà d’une pure expérience esthétique, même si le sens de la beauté est toujours présent. Elles intriguent car elles amènent le spectateur à s’interroger sur les processus de croissance naturelle qui leur ont donné naissance. Elles soulèvent des questions sur la durabilité de notre mode de vie et de nos processus de fabrication actuels.

Ses Expériences

Elle travaille avec une gamme de médias biologiques, numériques et traditionnels, y compris des organismes vivants. Sur le toit de son studio à Bruxelles, elle a créé un laboratoire en plein air et un jardin expérimental où elle étudie les organismes symbiotiques et les processus que la nature utilise pour créer des formes.

Les projets à long terme “Bee Agency” et “Laboratory for Form and Matter” – dans lesquels elle expérimente avec des bactéries et des textiles vivants – fournissent un cadre qui a inspiré un large éventail d’installations, de sculptures, de photographies, d’objets et de performances – tous à l’intersection de l’art et de l’écologie.

Anne Marie Maes a exposé ses œuvres dans des centres d’art et des festivals du monde entier. Elle a reçu une mention honorable à Ars Electronica pour son projet de recherche en cours intitulé “The Intelligent Guerrilla Beehive”.

A visiter son site
 annemariemaes.net

Informations pratiques

Heures d’ouverture
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h Samedi et dimanche de 14h à 18h
Fermé les lundis et mardis + du 7 au 10 avril 2023 Entrée libre et gratuite

Coordonnées
kunsthalle@mulhouse.fr / www.kunsthallemulhouse.com

Les notices ont été réalisées par Rose Defer, Louise Delval-Kuenzi, Marine Le Nagard, Théo Petit-D’Heilly, Caroline Schikelé, Maïta Stébé étudiants en Master Critique-Essais, écritures de l’art contemporain de l’Université de Strasbourg.

                           Performance au Palais de Tokyo

COLLOQUE
« Associer l’artiste et le chercheur pour penser une société contemporaine »
Jeudi 30 mars → de 15h à 20h30
Entrée libre
Table ronde « Associer l’artiste et le chercheur pour penser une société contemporaine » ; Visite de l’exposition Alchimia Nova suivie d’une performance d’Anne Marie Maes ; Buffet & présentation de la Inland Academy.

Le colloque a pour objectif de mettre en lumière les apports qui résident dans les collaborations croisées entre artistes, chercheurs, et acteurs du milieu socio-économique, au travers du cas de la collaboration entre Anne Marie Maes et Pierre Fechter, soutenue par le Fonds [NA!] Project.

Avec la participation de :

  • Christophe Chaillou, enseignant à l’Université de Lille & Charge de mission Art & Sciences, Vice- Présidence Valorisation et Lien Science-Société.
  • Fernando Garcia-Dori, artiste, initiateur de la Inland
  • Guillaume Logé, chercheur associé à l’Universite Paris 1 Panthéon-Sorbonne et conseiller artistique, docteur en esthétique, histoire et théorie des arts et en sciences de l’environnement.
  • Anne Marie Maes, artiste multidisciplinaire qui vit et travaille à
  • Luc Steels, scientifique et artiste belge, pionnier de l’intelligence artificielle en Europe

Modérateur : Alexis Weigel

RENCONTRE
« Conférence gustative » – Temps public avec Pierre Fechter
Jeudi 13 avril → 18h30 Entrée libre

En mars 2023
En Mars 2023

Kunstapéro : des œuvres et des vins à découvrir
Jeudi 9 mars à 18h30
Visite commentée de Alchimia Nova suivie d’une dégustation de vins en écho à l’exposition.

Participation à la dégustation de 5€/personne, inscription obligatoire (places limitées) au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr

En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain et la Fédération Culturelle des Vins de France.

Kunstdéjeuner
Jeudi 16 mars à 12h15

Pendant la pause méridienne, visite commentée de l’exposition Alchimia Nova, suivie d’un déjeuner pour poursuivre les échanges en toute convivialité.

Participation au repas de 10€/personne, sur inscription au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr
Déjeuner concocté par l’association EPICES.

Visites commentées de l’exposition
Les samedis 25 mars et 29 avril à 16h00

Découvrez l’exposition Alchimia Nova à l’occasion d’un échange avec une médiatrice du centre d’art.

L’équipe de médiation du centre d’art vous propose une visite commentée tous les derniers samedis du mois.
Entrée libre et gratuite.

Un bestiaire contemporain au Séchoir suite

Hommage à andré maïo 1968–2022

Malgré son décès, André Maïo nous pousse de l’avant. Il insuffle un vent
d’ouverture et de folie douce à une équipe de bénévoles qui oeuvrent de
manière professionnelle à accueillir les artistes et tous les publics dans un
esprit de respect, de curiosité et de partage.
Le Séchoir vous est ouvert.  Venez nous rendre visite !
L’équipe du Séchoir
Nocturne à partir du 11 mars 2023 jusqu’à 22 h



Anne Zimmermann

espace runspace
le mouvoir Anne Zimmermann
17 FÉV – 26 MARS – UN MUR, UN ARTISTE, UNE PIÈCE
VERNISSAGE LE VENDREDI 17 FÉVRIER À 18H30
Anne Zimmermann est une artiste plasticienne qui vit en Alsace à Wittersdorf.
En 2003 elle crée un personnage au nom de Paula Orpington.
Personnage mi-femme,
mi-poule fabriqué avec 50 peaux
de poulets naturalisées.
Elle habitera ce personnage jusqu’en 2008. Ce personnage décéda
symboliquement en 2010 et a été autopsié lors d’une performance organisée par la Kunsthalle de Mulhouse.
Depuis, sa réflexion se poursuit sur les rapports que l’on entretient avec le monde animal. Elle installe en 2016, une série d’oeuvres en extérieur avec des ruches et des papillons en partenariat avec La Filature de Mulhouse et Coal avec le projet Stuwa. Cette réflexion se poursuivra en 2018 avec Homsweet home, exposition en partenariat avec l’O.N.F. Suisse. Résidence qui marquera le début d’une série de prises de vues d’animaux forestiers ainsi qu’un partenariat avec le Zoo de Mulhouse en 2022. Une exposition sera prévue dans le parc zoologique en avril 2023.
En parallèle, elle est directrice artistique de la Forêt Enchantée à Altkirch. Son atelier est installé à Motoco depuis 2020.

Pratiques
4 rue de la source
68130 Wittersdorf
MOTOCO
13 rue des brodeuses
(1er étage sur rendez-vous)
68100 Mulhouse
Contact
06 71 53 42 60
contact@anne-zimmermann.com
www.anne-zimmermann.com
www.facebook.com/zimmer.anne
www.instagram.com/zimmermannanne1
Qu’est-ce qu’un Runspace ?
Terme qui vient du langage informatique :
Le Runspace est un espace de travail séparé du programme principal qui
permet d’exécuter une tâche en parallèle.
Appliqué au domaine de l’Art contemporain, cela devient un espace
limité qui accueille un artiste sur le principe : un espace, un artiste, une
oeuvre (adaptée à l’espace).
Le Séchoir a décidé de créer en son sein un tel espace qui accueillera en alternance un artiste du Séchoir et un artiste extérieur, en parallèle de ses autres cycles
Les cailloux au fond des poches de Virginia

Vincent Campos & Claudine Gambino-Cibray
Proposition sonore de Jean-Louis Davoigneau
17 FÉV – 26 MARS – EXPOSITION SOLO
VERNISSAGE LE VENDREDI 17 FÉVRIER À 18H30
I
nstallation se composant de cinq pièces céramiques qui mêlent présence
sculpturale et environnement sonore et prend source dans l’oeuvre de Virginia
Woolf.


Grès émaillé et oxydé, bois, mousse expansée, pierres grises – Dimensions
variables.
Cette oeuvre a été réalisé avec le soutien de la DRAC Grand Est et de la région
Grand Est.

Le thème de l’eau, de la dérive rencontre par-delà les circonstances de vie de
l’auteure, les mythes de Narcisse ou encore d’Ophélie. Eaux dormantes, eaux noires, flux de l’inconscient, eaux troubles de la mélancolie qui rejoignent celles de l’écriture de Virginia.
Deux grandes pièces de 1.40 m, « fontaines » déversant leur flux.
Des pièces plus petites, au sol, vasque, pierres amoncelées au sol et autres
éléments céramiques céramiques « flammes » ou «flux » enserrant une
chaise.

Pratique

25 rue Josué Hofer,
La Tuilerie, 68200 Mulhouse
Au dernier étage, accessible
aux personnes à mobilité réduite.
ACCÈS EN BUS
La ligne C7 de Soléa vous déposera
devant Le Séchoir, arrêt LESAGE.
ACCÈS EN VOITURE
Prendre la sortie 17 de l’A35.
Parking gratuit devant Le Séchoir.
www.lesechoir.fr

Sommaire du mois de novembre 2022

30 novembre 2022 : ST-ART 2022, 26e édition
28 novembre 2022 : SurréAlice – une double exposition
25 novembre 2022 : L’art mystique de Laurent Grasso
20 novembre 2022 : Stephen Dock, photographe
15 novembre 2022 : Raymond Stoppele, le vénitien
11 novembre 2022 : La modernité déchirée
10 novembre 2022 : Oskar Kokoschka. Un fauve à Vienne
7 novembre 2022  :  Hyperréalisme. Ceci n’est pas un corps
5 novembre 2022 :   Jacques Thomann – le regard poétique
2 novembre 2022  :  L’art brut – Collection Würth

Sommaire du mois de juillet 2021

Fête de l’été à la Fondation Beyeler

26 juillet 2021 : Elles font l’abstraction
22 juillet 2021 : Museum Tinguely AHOY !
16 juillet 2021 : Centenaire de la naissance d’Ernst Beyeler
14 juillet 2021 : Christian Boltanski
10 juillet 2021 : Frieder Burda, en souvenir
05 juillet 2021 : Circumnavigation jusqu’à Épuisement
01 juillet 2021 : Palais Augmenté

Circumnavigation jusqu’à Épuisement

©Photo Catherine Kohler

Jusqu’au 31 octobre 2021, une proposition de Sandrine Wymann

En 2021, La Kunsthalle Mulhouse accueille Circumnavigation jusqu’à épuisement, une exposition de l’artiste brésilienne Clarissa Tossin.
Été 2019, la forêt d’Amazonie brûle. Automne, hiver 2019-2020 plus de 180 000km2 des terres australiennes sont ravagés par le feu. Début 2020, l’Office National des Forêts français (ONF) publie que sur 9 343 forêts gérées par ses équipes, 45,1% d’entre elles ont été impactées par la sécheresse en 2019, en particulier, les forêts de l’est de la France.
La planète terre s’affole et ce sont là les conséquences d’un monde que l’homme a voulu industrialisé, globalisé, rentable et connecté.
Le progrès comme seule valeur a guidé les développements industriels des trois derniers siècles, aujourd’hui le monde flambe et nous devons penser et repenser nos objectifs et nos circulations.
Pour Clarissa Tossin, il n’est pas question de revenir en arrière, de ne pas accepter le XXIème siècle tel qu’il nous arrive. Nous sommes les produits d’une société de consommation, l’artiste prend acte et ses oeuvres sont là pour nous confronter à l’absurdité et la perversité du monde que nous construisons et laissons derrière nous.
À travers ses sculptures, photographies, installations, elle s’intéresse à l’homme comme agent principal d’un système qu’il a fait advenir et dont il est responsable.Nous laisserons nos propres traces, celles d’une civilisation qui a utilisé de nombreux matériaux artificiels. Après nous, restera le plastique, les métaux transformés. Les archéologues du futur jugeront nos actes et nos méthodes.


Clarissa Tossin ne se pose pas en juge, ce qu’elle constate n’est pas une finalité mais une étape qui doit être dépassée et elle est de ce fait attentive aux solutions qui émergent. On trie, recycle, on privilégie les circuits courts mais ces innovations en sont encore à leurs balbutiements et leurs mises en oeuvre sont souvent hésitantes ou mal maîtrisées. De la réalité de ces efforts à la fiction d’une échappatoire, elle imagine qu’un jour peut-être nous irons sur mars pour fuir la terre que nous aurons épuisée afin de démarrer une nouvelle histoire. Celle d’une civilisation extra-terrestre qui n’a d’autre choix que de continuer ailleurs.
Circumnavigation jusqu’à épuisement, est une exposition dans laquelle Clarissa Tossin aborde des problématiques qui comme les matières et les idées circulent d’un bout à l’autre du monde pour in fine nous toucher chacun, individuellement, jusque dans notre quotidien.

L’artiste brésilienne Clarissa Tossin, basée à Los Angeles, utilise des images en mouvement, des installations, des sculptures et des recherches collaboratives pour explorer les contre-récits effacés des espaces construits et explorer les récits alternatifs qui définissent un lieu.
Parmi ses récentes expositions personnelles, figurent Future Fossil au Radcliffe Institute de Harvard (2019) et Encontro das Águas (Rencontre des eaux) au Blanton Museum of Art à Austin, TX (2018). Les oeuvres de Clarissa Tossin ont été exposées au Whitney Museum, New York ; à la biennale du Hammer Museum, Los Angeles ; à la biennale SITE Santa Fe, Santa Fe, NM ; au Queens Museum, New York ; au Bronx Museum, New York ; à la 12ème biennale de Gwangju, Corée du Sud ; le Center for Contemporary Art, Tel Aviv, Israël ; la Fondation Iberê Camargo, Porto Alegre, Brésil ; le Skulpturenmuseum Glaskasten Marl, Marl, Allemagne ; la K 11 Art Foundation, Hong Kong ; et le Dhaka Art Summit, Bangladesh.
ClarissaTossin a obtenu de nombreuses bourses dont celles de la Graham Foundation (2020) ; la Foundation for Contemporary Arts (2019) ; la Fellows of Contemporary Art (2019) ; Artadia Los Angeles (2018) ; une bourse de recherche de la fondation Juméx Foundation (2018) ; Harvard Radcliffe (2017-18).
Ses oeuvres ont rejoint de nombreuses collections dont celles du Whitney Museum of American Art, New York ; du Los Angeles County Museum of Art (LACMA) ; du Hammer Museum, Los Angeles ; des Harvard Art Museums, Cambridge ; de l’Art Institute of Chicago ; de la Fundação Inhotim, Brésil ; de la Kadist Art Foundation, San Francisco.
Clarissa Tossin est représentée par les galeries Luisa Strina de Sao Polo et Commonwealth and Council de Los Angeles.
Le site clarissatossin.net

Informations pratiques

ADRESSE

La Kunsthalle Mulhouse
Centre d’art contemporain
La Fonderie
16 rue de la Fonderie
68093 Mulhouse Cedex
Entrée par le parvis de la Fonderie

ACCES

Autoroute  A35 et A36, sortie Mulhouse centre, direction Gare puis Université – Fonderie ou Clinique Diaconat Fonderie.

Gare  Suivre le canal du Rhône au Rhin (Quai d’Isly) jusqu’au pont de la Fonderie puis rue de la Fonderie (15 min à pied / 5 min à bicyclette).

Transports publics  – Bus : Ligne C5 arrêt « Fonderie » / Ligne 51 arrêts « Molkenrain »  ou « Porte du Miroir » (sauf le dimanche)  // Tram : Lignes 2 et 3 arrêt « Tour Nessel ».