L’exposition a été mise en scène par Sarkis, en étroite collaboration avec Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız et Defne Ayas.
Commissaires d'exposition: Defne Ayas, Çağla Ilk, Misal Adnan Yıldız
Commissaire adjoint d'exposition: Sandeep Sodhi
A la Staatliche Kunsthalle de Baden Baden, jusqu'au 4 février 2024
La Staatliche Kunsthalle de Baden-Badenconsacre une vaste exposition individuelle à SARKIS, artiste conceptuel de renommée internationale, né à Istanbul en 1938, qui vit et travaille à Paris. Ses oeuvres à la dimension profondément sociale appellent à la fusion des pratiques et des cultures. Cette exposition est le résultat d’une année d’échanges avec l’artiste sur les thèmes de l’histoire et du traumatisme dans l’art, mais aussi des institutions comme espace de réflexion, de participation et de communauté.
Le titre de l’exposition
7 Tage, 7 Nächte, dérive d’une installation intitulée 7 nuits (2016–2019), que SARKIS considère comme l’une de ses oeuvres les plus importantes jusqu’à ce jour. Il s’agit d’un ensemble de sept compositions et d’un sac de couchage, disposé au sol devant La grande vitrine (1982–2021) au milieu de l’atelier parisien de l’artiste. 7 nuits est présentée pour la première fois dans un contexte institutionnel.
L’oeuvre définit un espace intime d’autoréflexion et de méditation, tout en mettant en scène les aspects contextuels et la signification d’une vie d’artiste faite de résilience et de résistance. C’est une représentation saisissante de la position de l’artiste aujourd’hui et des capacités transformatrices de la politique et de la poésie de l’art.
L’Atelier d’aquarelle dans l’eau
L’Atelier d’aquarelle dans l’eau (2005–2006) est une oeuvre d’art participative qui transforme la salle principale de la Kunsthalle en un espace public ouvert et une scène de création. Ici, tout le monde de 7 à 77 ans est invité à participer à une activité commune, qui se présente comme un rituel éphémère composé d’eau et d’aquarelle. Élément essentiel de la ville de Baden-Baden, avec sa rivière Oos et ses thermes, l’eau est le fil conducteur fluide qui permet de travailler ensemble, de partager et de créer des rencontres personnelles et des souvenirs. À travers l’eau, SARKIS met en avant les qualités fondamentales de l’attention et de la patience pour apprendre ensemble, au moyen de l’art, à guérir les traumatismes collectifs comme personnels.
Cette forme d’activation réciproque de l’oeuvre et de son environnement s’étend également à des oeuvres existantes empruntées à des collections publiques renommées, parmi lesquelles la série de vêtements d’enfants taillés sur mesure, Défilé du siècle en fluo (1995). Grâce à une chorégraphie conceptuelle pertinente, cette oeuvre évoque la mémoire de personnes de différentes parties du monde, la manière dont elles ont vêtu leur corps à différentes époques et la façon dont nous imaginons un avenir pour notre existence. Dans une ville comme Baden-Baden, dont la part de population âgée est élevée, ce geste est comme un retour à l’enfance, symbolisée par des couleurs néon et des formes à l’abstraction futuriste qui irradient d’intensité.
Les trésors de guerre
C’est son séjour en Allemagne qui a poussé l’artiste à s’intéresser de près à la logique opprimante et restrictive suivie par l’art occidental et à créer le concept de « trésor de guerre ».
Le fait que SARKIS revienne avec cette exposition dans la région trinationale située sur les territoires allemands, français et suisses, n’est donc pas un hasard. Près de Baden-Baden, du temps où il était professeur à l’école des beaux-arts de Strasbourg et en échanges intenses avec des artistes tels que Joseph Beuys, Marcel Broothaers et des historiens de l’art comme Pontus Hultén, il a systématisé sa recherche d’objets non occidentaux dans le but de les mettre en contexte comme des « objets trouvés » – disposés et assemblés par l’artiste sans perdre pour autant leur singularité.
SARKIS ayant la conviction profonde que les objets ont une existence propre – avec, pour chacun, une histoire singulière de douleur et de souffrance –, il s’est rapproché de la notion de « trésor de souffrance de l’humanité », forgée par l’historien de l’art allemand Aby Warburg. SARKIS interprète ainsi l’histoire humaine à la fois comme un trésor et un fardeau collectif, qu’il relie à ses propres souvenirs et au parcours de sa vie.
« Nous considérons que notre rôle à la Kunsthalle Baden-Baden est la médiation continue sous la forme d’une plateforme ouverte », expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız. « L’histoire n’est jamais un processus achevé. En tant que telle, elle est notre matériau de travail et le socle de notre réalité. Nous tirons des leçons de la pratique artistique de SARKIS, à la fois sur l’existence humaine et les questionnements ontologiques. L’actualité de cette exposition ne se rattache pas seulement à une nouvelle urgence de la production artistique face aux guerres qui sévissent actuellement dans notre monde, mais réaffirme également le rôle des pratiques de commémoration dans le contexte des développements géopolitiques contemporains. En Allemagne en particulier, mais aussi dans un cadre discursif mondial, nous encourageons la réflexion approfondie sur les traumatismes générationnels – psychologiques et sociaux – des victimes de la guerre, de la violence d’État et du génocide, y compris du peuple arménien…La mise en exergue de ce thème est un pas important vers la reconnaissance, l’empathie et le souvenir. L’art ne peut pas, à lui seul, résoudre nos problèmes capitaux – la crise climatique, l’effondrement écologique, la gentrification militariste, les politiques belligérantes, entre autres – mais il change notre perspective sur la manière d’y réagir ».
expliquent les commissaires d’exposition Çağla Ilk et Misal Adnan Yıldız
Defne Ayas
Defne apporte sa contribution avec une autre réflexion: « Les expériences traumatiques, qu’elles soient personnelles ou collectives, se prêtent toujours à l’instrumentalisation, notamment par le monde politique. Mais entre les mains de SARKIS et à travers ses visions, cette fragilité humaine se déplace au-delà des mécanismes de ressassement traumato-cathartiques et devient une forme de recherche cabalistique. Je suis fière que nous puissions présenter ce montage cinématographique à la Kunsthalle de Baden-Baden, qui puise dans son engagement de près d’un demi-siècle pour explorer la notion de ‘trésor de guerre’ ».
Suivant ce modus operandi d’oeuvres d’art qui évoluent avec le monde, la Kunsthalle organisera pendant sept jours et sept nuits des évocations, des repas et des lectures qui réinterpréteront les compositions en constante évolution de SARKIS.
Informations pratiques
L’exposition se clôturera par un symposium intitulé « Les Anonymes / The Anonymous / Die Anonymen » (02-04 février 2024) ; le cadre de cette première invitation emprunte son nom au titre original d’un travail de SARKIS. Cette plateforme temporaire s’appropriera l’espace d’exposition comme cadre d’apprentissage, pour transformer sa synergie en un lieu partagé par des artistes, des commissaires d’exposition et d’autres, issus de zones en état d’urgence et sous pression, qui ressentent le besoin de changer la façon dont nous vivons et travaillons. Les ateliers d’aquarelle ont lieu les jeudis et vendredis entre 10h30 et 13h30, de même que les samedis et dimanches entre 12h et 15h. (Inscription obligatoire sur info@kunsthalle-baden-baden.de) Les Lunchs du vendredi vous proposent une courte présentation d’une oeuvre d’art de l’exposition, choisie et présentée par l’une ou l’un des membres de la Kunsthalle, avec possibilité de déjeuner ensemble au café de la Kunsthalle. Tous les vendredis à 13h. (Pas d’inscription requise) Les Visites du dimanche sont guidées par une ou un spécialiste et suivies d’une discussion permettant de découvrir la perspective des commissaires sur l’exposition en cours. Tous les dimanches à 14h. (Pas d’inscription requise)
Nicolas Party est en terrain familier avec les motifs des maîtres anciens. Son art est en même temps totalement ancré dans le présent. Le peintre suisse (né en 1980) célèbre la beauté de la nature dans ses paysages. Mais l’enfer, sous la forme d’un incendie de forêt déchaîné, fait également partie de l’oeuvre de Party, qui compte parmi les innovateurs de la peinture les plus remarqués au niveau international. Le musée Frieder Burda de Baden-Baden accueille désormais la première présentation muséale allemande. « When Tomorrow Comes » associe une rétrospective de l’histoire de l’art et une redéfinition visionnaire de ce que la peinture est capable d’accomplir au 21e siècle.
Nicolas Party, photo: Juliana Sohn
L’artiste a dit un jour : « Il est intéressant pour moi de réfléchir à l’Apocalypse et à l’histoire de l’art, à Sodome et Gomorrhe et à d’autres tableaux historiques représentant des incendies qui ont mis fin au monde. Nous pensons à présent, et nous le ressentons également, être à la fin de notre parcours en tant qu’êtres humains, car le réchauffement climatique nous conduit à une crise écologique, mais ce sentiment est une constante, depuis l’arche de Noé jusqu’aux bombardements atomiques de la Seconde Guerre mondiale, en passant par les différents récits apocalyptiques de la Bible. »
Ses oeuvres
Des pastels murals de grand format sont complétés par des peintures à fond de cuivre, des autels et des sanctuaires sur des piédestaux. Party transforme ainsi l’ensemble des pièces du bâtiment Richard Meier en un cosmos pictural planifié de manière conceptuelle : interagissant entre mur, peinture et objet, paysages, portraits et natures mortes, son oeuvre définit un parcours énigmatique à travers l’architecture et esquisse la vision d’un avenir de l’homme sur terre, entre images utopiques et dystopiques, à la fois apaisantes et inquiétantes. Ce sont des images qui montrent un monde tel qu’il était avant l’existence des hommes – et peut-être aussi après, lorsque le bref interlude de leur existence sera terminé.
Des paysages vallonnés se perdent dans la profondeur de l’image et entraînent le regard dans l’immensité du paysage. Ses couleurs rappellent les paysages numériques méditatifs ou les pochettes de disques psychédéliques. La peinture de la Renaissance ou l’Art nouveau ont peut-être ici servi de modèle.
« Je regarde d’autres images quand je crée les miennes. Des images issues de la longue histoire culturelle de l’homme. C’est mon obsession quotidienne. »
Ainsi Party lui-même parle t-il du processus organique de sa production artistique, qui reflète toujours l’histoire de l’art et le riche pool d’images qu’elle tient à disposition. Le répertoire thématique de l’artiste, qui vit à New York, est également très varié : Les panoramas de paysages, qui rappellent des peintres comme Giovanni Segantini ou Ferdinand Hodler, en font partie, tout comme les portraits et les natures mortes. Des montagnes monolithiques et des cascades, des fleurs et des arbres, des fruits et des récipients archaïques, des chats et des dinosaures peuplent les images illusionnistes. Son univers singulier, de plus en plus sombre, est mystérieux et nécessite un regard intense. Les dinosaures représentent justement un monde dans lequel l’homme n’a pas encore fait son apparition – ou a même déjà disparu. Party déclare lui-même au sujet de l’expérience spécifique du temps dans ses images :
« L’échelle de temps de l’univers est bien plus grande que nous. Dans mes images, il est souvent difficile de savoir si elles se déroulent avant ou après l’existence de l’homme. En effet, le désastre que représente l’homme pour le monde est toujours présent. Mais une chose est sûre : le monde continuera d’exister sans nous. En même temps, l’imaginaire puissant dont mes images sont porteuses est aussi une invitation à tout fuir. »
Nicolas Party a testé différentes techniques et y a trouvé de nouvelles formes d’expression. Très tôt, il s’est intéressé à l’animation par ordinateur, il est techniquement très au fait des conditions de production d’images contemporaines, de la disponibilité infinie des images. Cela se voit dans ses oeuvres : les corps se développent à partir des volumes géométriques, leurs surfaces restent homogènes et ont perdu leur attrait tactile individuel au profit d’une harmonie hautement esthétique de couleurs et de formes. Ils sont imaginés, visualisés, voire synthétisés dans l’espace virtuel – puis transposés dans une peinture virtuose. Ils évoluent de manière ambivalente entre l’effet de surface et l’effet spatial.
Il en résulte un rapport spécifique à la réalité, comme le formule l’artiste lui-même : « Quand on crée des images en 3D, on a un autre lien avec la réalité. Cette réalité est une sorte d’abstraction dont on est conscient dès le départ qu’elle est générée par des chiffres et des codes. Certes, il existe un lien avec ce que nous appelons le monde réel, qui comprend des plantes et des objets que l’on peut sentir et toucher. L’ordinateur ne dispose toutefois pas de tous ces sens. C’est un outil qui ne vise que l’oeil. » Et de poursuivre : « Il s’agit donc moins de la réalité que de l’idée que nous nous en faisons – de ce qu’est une montagne, de ce que pourrait être un fruit ou un visage« .
Les supports
Le support central de son art sont les murs, les limites de l’espace qu’il dépasse en peinture. Dans un ductus précis, sa peinture murale transforme la situation d’exposition en une oeuvre d’art totale, installative et temporaire. À proximité immédiate, devant et parfois sur cet espace, Party présente ses tableaux à plusieurs ailes, en cuivre et à charnières, semblables à des autels de voyage, et des sanctuaires, parfois accrochés au mur, parfois placés sur des socles devant. Ils plongent l’ensemble de la pièce dans une atmosphère sacrée, d’où émane un son mystérieux subliminal
Dans son exposition de Baden-Baden, Party développe sa peinture de manière conséquente et passe à l’étape suivante : les arbres se dressent dans l’espace comme des êtres vivants isolés, en même temps menacés par le rouge qui apparaît comme du feu. Les espaces naturels idylliques et romantiques ont désormais disparu, l’anthropocène s’est installé et fait des victimes dans le présent et dans l’avenir. Un avenir où le sort de la nature et de l’homme n’est pas encore décidé. Devant les surfaces blanches et les formes géométriques claires du bâtiment du musée de Richard Meier, sa peinture se détache d’autant plus efficacement et permet aux visiteurs de l’exposition de vivre une expérience spatiale aux couleurs intenses, à l’atmosphère dense et hautement esthétique.
Des peintures murales représentent une chute d’eau coulant en cascade, une forêt embrasée, des formations nuageuses aériennes et des panoramas de montagne ou même un paysage de ruines. Elles contrastent avec des portraits de femmes avec des fleurs, minutieusement peints et d’apparence énigmatique, des natures mortes avec des fruits ou des légumes non identifiables et des images miniatures de dinosaures, pour exprimer la fascination récente de l’artiste pour les créatures préhistoriques.
L’artiste, né en 1980, est connu pour concevoir ses expositions comme des mises en scène globales, quasi immersives, dans lesquelles il étend la palette de ses peintures, qui reprennent des citations de l’histoire de l’art et du style, sur les murs blancs des salles d’exposition. L’aspiration des murs trop blancs à être touchés avec sensualité par des œuvres d’art se révèle de manière impressionnante. Il est représenté dans de nombreuses collections prestigieuses et a fait l’objet d’importantes expositions individuelles dans des musées aux États-Unis, en Europe et en Asie.
Information pratiques
Museum Frieder Burda · Lichtentaler Allee 8 b · 76530 Baden-Baden Phone: +49 (0)7221 39898-0 www.museum-frieder-burda.de
Horaires d’ouverture : du mardi au dimanche de 10h à 18h Ouvert tous les jours fériés (fermé les 24 et 31 décembre)
• Liaison directe en bus depuis la gare de Baden-Baden avec les lignes 201, 216 et 243 jusqu’à l’arrêt Augustaplatz.
• Depuis l’Augustaplatz, vous traversez la place jusqu’au parc, traversez la rivière Oos et arrivez directement au musée.
Partager la publication "Nicolas Party, when tomorrov comes"
L’oeuvre définit un espace intime d’autoréflexion et de méditation, tout en mettant en scène les aspects contextuels et la signification d’une vie d’artiste faite de résilience et de résistance. C’est une représentation saisissante de la position de l’artiste aujourd’hui et des capacités transformatrices de la politique et de la poésie de l’art.
L’Atelier d’aquarelle dans l’eau (2005–2006) est une oeuvre d’art participative qui transforme la salle principale de la Kunsthalle en un espace public ouvert et une scène de création. Ici, tout le monde de 7 à 77 ans est invité à participer à une activité commune, qui se présente comme un rituel éphémère composé d’eau et d’aquarelle. Élément essentiel de la ville de Baden-Baden, avec sa rivière Oos et ses thermes, l’eau est le fil conducteur fluide qui permet de travailler ensemble, de partager et de créer des rencontres personnelles et des souvenirs. À travers l’eau, SARKIS met en avant les qualités fondamentales de l’attention et de la patience pour apprendre ensemble, au moyen de l’art, à guérir les traumatismes collectifs comme personnels.
Cette forme d’activation réciproque de l’oeuvre et de son environnement s’étend également à des oeuvres existantes empruntées à des collections
Le fait que SARKIS revienne avec cette exposition dans la région trinationale située sur les territoires allemands, français et suisses, n’est donc pas un hasard. Près de Baden-Baden, du temps où il était professeur à l’école des beaux-arts de Strasbourg et en échanges intenses avec des artistes tels que Joseph Beuys, Marcel Broothaers et des historiens de l’art comme Pontus Hultén, il a systématisé sa recherche d’objets non occidentaux dans le but de les mettre en contexte comme des « objets trouvés » – disposés et assemblés par l’artiste sans perdre pour autant leur singularité.
SARKIS ayant la conviction profonde que les objets ont une existence propre – avec, pour chacun, une histoire singulière de douleur et de souffrance –, il s’est rapproché de la notion de « trésor de souffrance de l’humanité », forgée par l’historien de l’art allemand Aby Warburg. SARKIS interprète ainsi l’histoire humaine à la fois comme un trésor et un fardeau collectif, qu’il relie à ses propres souvenirs et au parcours de sa vie.
conséquente et passe à l’étape suivante : les arbres se dressent dans l’espace comme des êtres vivants isolés, en même temps menacés par le rouge qui apparaît comme du feu. Les espaces naturels idylliques et romantiques ont désormais disparu, l’anthropocène s’est installé et fait des victimes dans le présent et dans l’avenir. Un avenir où le sort de la nature et de l’homme n’est pas encore décidé. Devant les surfaces blanches et les formes géométriques claires du bâtiment du musée de Richard Meier, sa peinture se détache d’autant plus efficacement et permet aux visiteurs de l’exposition de vivre une