Gina Folly au Kunsthaus Baselland

Pour le projet annuel du Kunsthaus Baselland 2019,
l’artiste Gina Folly (* 1983, Zurich), établie entre
Bâle et Paris, a créé une nouvelle œuvre de plus de
huit mètres, située sur la façade, à l’avant du Kunsthaus,
au cœur de l’espace urbain.

Pendant de nombreuses années, Gina Folly s’est largement
concentrée sur le support photographique, qu’elle
a développé et complété par de nouvelles formes
et possibilités de présentation.
Les plantes, les animaux
ou même les choses du quotidien et les situations avec
lesquelles elle réfléchit et analyse avec précision
son environnement immédiat peuvent jouer un rôle
essentiel dans son travail d’installation.
L’homme dans son environnement créé par lui
– entre naturel et artificialité, dans la création
constante de chaque concept de vie – sont d’autres
sujets qui intéressent l’artiste.
Les événements et phénomènes politiques, économiques,
culturels, sociaux, ainsi que les questions écologiques,
avec lesquelles elle reflète et analyse précisément son
environnement immédiat, peuvent jouer un rôle essentiel
dans son travail d’installation.

Pour le projet annuel 2019 Mode, Sexe et Mort – Science –
Sports, jardins et consommations, c’est une immense
bibliothèque composée de ses livres et auteurs préférés,
qu’elle a classé selon des critères très particuliers,
en apposant des étiquettes trouvées dans une brocante (?)
Il restera présent dans l’espace public pendant les 12 prochains
mois, 24 heures par jour, permettant, changeant, irritant et
s’inscrivant dans un vaste espace extérieur.

Dienstag – Sonntag

11–17 Uhr

Roots Canal avec Cyprien Gaillard

Au Musée Tinguely de Bâle
Que ce soit avec ses films, photographies ou sculptures,
Cyprien Gaillard
(né en 1980, Paris) évoque la perpétuelle destruction,
préservation ou reconstruction des villes. Les oeuvres présentées
jusqu’au 5 mai 2019 dans l’exposition «Roots Canal» traduisent
l’incessante transformation du paysage urbain et celle,

conjointe, de la nature et des hommes. Au bord du basculement,
les oeuvres de l’artiste évoquent l’imminence, ou l’avènement,
d’une métamorphose. Elles interceptent le moment de la chute,
ou restent suspendues dans l’instabilité d’un devenir. Dressée au
coeur du Musée Tinguely et présentée pour la première fois
en Europe, une série de têtes d’excavatrices incarne précisément
ce moment de suspension. Métaphore de la voracité
des hommes, ces outils caractéristiques des grands chantiers
se muséifient ici pour devenir les fossiles d’un temps futur.
En contre-point, un vol d’oiseaux exotiques au-dessus
d’une ville européenne en mutation, des polaroïds en voie
d’effacement et une immersion hallucinatoire dans une nuit
citadine emplie de souvenirs.De ces fragments disparates, voire antagonistes, l’artiste
recompose un univers où le macrocosme et le
microcosme, l’outil et son objet, la ville et ses habitants,
la machine et la nature, cohabitent dans un équilibre aussi
parfait que fragile.
Destruction, préservation, reconstruction :
le travail de Cyprien Gaillard met en scène notre rapport
ambigu à la ruine, à la disparition.
En grand voyageur, il sillonne le monde, en collecte des échantillons
et utilise ces artefacts pour raconter l’inéluctable et
incessante métamorphose du paysage urbain et celle, conjointe,
de la nature et des hommes.
Dans le cadre de l’exposition « Cyprien Gaillard. Roots Canal »
le Musée Tinguely présente une série de têtes d’excavatrices.
Ces outils caractéristiques des grands chantiers sont
disposés dans l’espace en deux rangées qui se font face, dressés tels
des soldats. Présentés à l’arrêt et dans un contexte muséal, ces outils
silencieux se font statues.
Avec la patine accumulée au fil de leur vie mécanique, leurs couleurs
délavées et leurs marques d’oxydation, ces machines devenues
statues évoquent des monuments archéologiques
surgis des profondeurs de la terre. Sous leurs airs archaïques,
ces lourds éléments métalliques, issus de la révolution industrielle,
sont pourtant profondément contemporains.

Ils incarnent la promesse du changement, celle de nouvelles
constructions, celle d’une urbanité sans cesse réinventée.
Les Diggers de Cyprien Gaillard nous font ainsi voyager dans
un va-et-vient entre préhistoire et temps présent.
Les barres d’onyx et de calcite qui les parent reflètent encore ce
saut temporel : entre les roches translucides et extrêmement
fragiles, et l’outil massif qui aura servi à les excaver,
il y a non seulement jusqu’à cinq tonnes d’écart, mais aussi
quelques millions d’années.

Avec cette pièce, et comme dans toute son oeuvre,
Cyprien Gaillard souligne que les notions de construction et
de destruction ne sont pas en opposition: elles s’inscrivent
toutes deux dans un mouvement, celui du temps.
Pour bâtir de nouveaux édifices, il est nécessaire
d’entériner la disparition de ce qui a auparavant existé,
que ce soit un paysage, un monument ou un no man’s land.
La construction ne peut être envisagée que par la
destruction d’un état précédent.

Dans la même salle, les images de Sober City (2015-2018)
prolongent encore cette réflexion.
En contrepoint visuel aux têtes d’excavatrices, des photographies
Polaroïds apparaissent à intervalles irréguliers sur les murs
adjacents. Les images de taille modeste offrent un arrière plan
citadin aux têtes d’excavatrices. Résultats d’une double exposition,
les Polaroïds présentent des vues de New York altérées.
Ces vues se superposent à une première image,

celle d’un fragment d’améthyste du Musée américain d’histoire
naturelle de New York. Suite à l’imbrication des deux motifs et
au traitement d’exposition double, l’image apparaît
diffractée, comme sous le prisme d’une neige argentée.
Edifice, bus, sculpture ou arbres, les éléments urbains sont à peine
reconnaissables. Ils semblent se cristalliser peu à peu, à la
manière du conte de science-fiction de
J. G. Ballard, The Crystal World, où la nature et les
hommes se transforment progressivement en cristaux sous
l’effet d’un mystérieux phénomène. Par l’emploi du Polaroïd,
support fragile, éphémère et voué à l’effacement, et le
choix des motifs, les Sober Cities reflètent l’idée de métamorphose
continue de la ville. Cette ville qui, entre préservation du patrimoine
bâti et nouvelles constructions – notamment
grâce aux excavatrices –, n’échappe pas à la notion d’entropie,
ce désordre de la matière, cette inéluctable détérioration.
Une idée chère à Cyprien Gaillard dont les oeuvres traitent
précisément de ce lent basculement d’un état à un autre et de la
tension – physique, esthétique, sociale ou politique – entre
renouveau et dégradation.

Le parcours continue avec KOE (2015), une projection grand format
sur toute la largeur de la salle suivante. La caméra suit le vol répété
d’oiseaux exotiques au-dessus des plus célèbres
rues marchandes de Dusseldorf. Les volatiles, originaires d’Asie,
filent le long des magasins prestigieux, entre les architectures
modernes et le chantier constant qu’est le centre-ville. Le
vert de leur plumage trace ses lignes anachroniques au coeur
du monde hyper-esthétisé de la cité du futur, celle des enseignes de luxe,
des bâtiments éthérés, du shopping omniprésent. Cet oiseau, la perruche
à collier, échappé de sa cage domestique, a trouvé dans
certaines villes européennes un abri de choix. Son aspect séduisant
pourrait faire oublier qu’il s’agit d’une espèce invasive mettant en
danger les écosystèmes autochtones.

Nightlife (2015) entraîne le.la visiteur.se dans une transe
hypnotique. Plongé en apnée dans une nuit citadine aux couleurs
saturées, on suit une succession de scènes sans lien apparent.
La vidéo s’articule sous la forme d’une mosaïque d’éléments
disparates où l’on croise Le Penseur d’Auguste Rodin devant
le musée d’art de Cleveland, le ballet halluciné de

genévriers – une autre espèce invasive – à Los Angeles,
le stade olympique de Berlin illuminé de feux d’artifices extravagants
avant de se retrouver à nouveau à Cleveland, sous
les branches d’un arbre particulier puisqu’offert par les nazis
au champion olympique Jesse Owens en 1936. Les images, sculptées
par la technologie 3D et magnifiées par le travail de
lumière, proposent l’expérience déroutante et enivrante d’une
perception exaltée.
L’immersion visuelle et sensorielle est encore renforcée par
la bande son de l’oeuvre – un sample réalisé par l’artiste des refrains
de deux morceaux du musicien rocksteady Alton Ellis.
Ici, comme dans toute l’exposition, Cyprien Gaillard imbrique
des fragments hétérogènes, voire antagonistes, pour recomposer
un récit où l’anecdote se mêle à la grande histoire, et où
la ville, la nature et l’homme cohabitent dans un espace-temps
non-linéaire.
Commissaire de l’exposition
« Cyprien Gaillard. Roots Canal » : Séverine Fromaigeat
Evènements
Horaires : mardi – dimanche, 11h-18h
Accès
Gare centrale de Bâle CFF
/ Gare SNCF :
tram no. 2 jusqu‘au « Wettsteinplatz »,
puis bus no. 31 ou 38 jusqu’à « Tinguely Museum ».
Gare allemande (Bad. Bahnhof) : bus no. 36.
Autoroute: sortie « Basel Wettstein/ Ost ».
Parking à coté du musée ou au Badischer Bahnhof.

Clément Cogitore

Clément Cogitore (site) (* 1983, Colmar), le
Kunsthaus Baselland
présente la première exposition
personnelle en Suisse, de l’actuel lauréat
du Prix Marcel Duchamp 2018.
Exposition en deux temps.

Dans son travail, qui prend de l’ampleur au fil des ans,
le cinéaste et photographe français discute en détail
de la question du rôle des images issues de la publicité,
du divertissement, des réseaux sociaux ou même des rituels,
des secrets et des mondes illusoires, qui jouent un rôle actif
dans la construction des modes de vie.
Clément Cogitore, nous accueille avec une photographie
minimaliste,
(Photographie, C-print contrecollé sur aluminium, 110×60 cm
Courtesy de l’artiste, de la galerie Eva Hober (FR)
et de la galerie Reinhard Hauff (DE))
une fenêtre (romane ?) qui préfigure sa curiosité et son
esprit ouvert porté sur l’observation du monde,
son goût pour l’iconographie religieuse, le théâtre, le baroque.
Conteur, poète, manipulateur, cet ancien pensionnaire de la
Villa Médicis, aime confronter et mélanger le passé et le présent.


Puis avec Élégies, 2014 (vidéo)
(Vidéo HDCAM – couleur – 6 min
Courtesy de l’artiste, de la galerie Eva Hober (FR)
et de la galerie Reinhard Hauff (DE))
nous sommes plongés dans une ambiance étrange, signe
des temps, les téléphones ont remplacés les briquets.
Des centaines de petits écrans lumineux flottent au-dessus
d’une marée humaine : le public d’un concert (secret)
photographie à l’aide de téléphones portables une scène hors-champ.
Comme les sous-titres d’un chant absent, ou de la voix intérieure
d’un narrateur invisible, des vers des
Elégies de Duino” de R.M Rilke rythment ce gigantesque
élan collectif aux airs de liturgie numérique.
Puis dans un court film couleur qui tourne en boucle de 45 secondes
Sans titre
(Courtesy de l’artiste, de la galerie Eva Hober (FR) et de la galerie
Reinhard Hauff (DE))
Le matériel de départ pour cette vidéo est un plan d’archive
de la grotte Lascaux réalisé dans les années 1980.
Ce court film montre des fresques aujourd’hui disparues ou
gravement dégradées par les champignons. Ces images sont
ensuite projetées dans une petite serre contenant une centaine
de papillons de différentes tailles avec un écran disposé au fond.
Les ailes des papillons se déploient dans la lumière du faisceau
de projection, pour accrocher l’image film au rythme de leur
battement, saisi par la pellicule. Dans cet étrange bestiaire ou
cohabitent traces et images de prédateurs millénaires et insectes
éphéméroptères, plusieurs temporalités s’entrechoquent.
extrait du texte de
Léa Bismuth, Critique d’art et commissaire d’exposition
Digital Désert


Courtesy de l’artiste et de la galerie Eva Hober.
Pour cette série, l’artiste nous propose une nature morte,
déposée en plein-air. Les différentes photographies nous
rapprochent plus ou moins des éléments photographiés.
On y découvre alors le dépôt au sol d’uniformes militaires,
dans un environnement désert. Inspiré du motif militaire
de camouflage américain « digital desert », Clément Cogitore
confond la matière des uniformes et celui du paysage.
Puis, ils se distinguent finalement par l’agrandissement du
grand format, capable de confondre la matière du paysage
et des vêtements dans une surface indéterminée constituée
des pixels.
Il interroge ainsi les questions de la visibilité
et de camouflage grâce à une représentation d’un conflit
moderne et non une image documentaire.
Le motif des uniformes militaires permet aux soldats
de ne pas être repérés par les drones.

GHOST_HORSEMAN_OF_THE_APOCALYPSE_IN_CAIRO
_EGYPT, 2017
Il s’agit d’une photographie de foule réunie sur la Place Tahrir,
lors de la révolution égyptienne qui symbolise à elle seule cette
capacité que possède le cerveau humain à créer ses propres récits
et narrations. Cette image, capture d’écran tirée d’une vidéo d’une
chaîne d’informations a circulé sur la toile pendant plusieurs jours
car certains internautes y avaient vu en son centre une figure
trouble, un halo lumineux prenant la forme d’un homme sur
un cheval et devenu soudainement sur les réseaux sociaux le
quatrième cavalier de l’Apocalypse.
La cause est simple et technique : là où certains ont détecté
rapidement un « facteur de flare », illusion optique produite
par une diffusion de la lumière à l’intérieur d’un objectif de
caméra, d’autres ont laissé courir leur imagination, teintée
du plus grand mysticisme.
extrait de Léa Chauvel-Lévy, Critique d’art
Cette image est à l’origine d’une tapisserie confectionnée
par les Tapisseries d’Aubusson, livrée cet été.
Les Indes Galantes

Cette vidéo est une confrontation de plusieurs univers dont
la symbiose offre un univers intemporel. Il s’agit de l’adaptation
d’une partie du ballet Les indes galantes de Jean-Philippe Rameau,
avec le concours de danseurs de Krump et de trois chorégraphes :
Bintou Dembele, Grichka et Brahim Rachiki.
Le Krump émerge aux Etats-Unis à la suite des émeutes raciales
de 1992. Les mouvements du Krump sont des éléments inspirés
des arrestations policières ; pacifique, le Krump est, pour ses créateurs,
un don de Dieu. Déposé sur cette musique baroque, le ballet captive
et envoute le regard.
La première séquence de l’exposition donne un aperçu de son
travail des dernières années avec différentes œuvres,
tandis que dans la seconde partie, à partir de la mi-mai,
sa nouvelle œuvre The Evil Eye, pour laquelle il a reçu
le prix Marcel Duchamp en 2018, fera pour la première fois
l’objet d’une présentation institutionnelle.

Après des études à l’Ecole supérieure des arts décoratifs
de Strasbourg, et au Fresnoy – Studio national des arts
contemporains, Cogitore développe une pratique à mi-chemin
entre art contemporain et cinéma. Mêlant films, vidéos,
installations et photographies son travail questionne les modalités
de cohabitation des hommes avec leurs images.
Il y est le plus souvent question de rituels, de mémoire collective,
de figuration du sacré ainsi que d’une certaine idée de la perméabilité
des mondes.
Clément Cogitore a été récompensé en 2011 par le
Grand prix du Salon de Montrouge, puis nommé pour
l’année 2012 pensionnaire de l’Académie
de France à Rome-Villa Médicis. Ses films ont été sélectionnés
et récompensés dans de nombreux festivals internationaux
(Cannes, Locarno, Telluride, Los Angeles, San Sebastian…).
Son travail a également été exposé et projeté dans de nombreux
musées et centre d’arts (Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou
– Paris, ICA Londres, Museum of fine arts – Boston, MoMA New-York…).
En 2015 son premier long-métrage « Ni le ciel, Ni la terre »
a été récompensé par le Prix de la Fondation Gan, au Festival de
Cannes – Semaine de la critique, salué par la critique et nominé
pour le César du meilleur premier film. La même année il reçoit
le Prix BAL pour la jeune création. L’année 2016, il reçoit le
Prix Science Po pour l’art contemporain et le 18° Prix de la
Fondation d’Entreprise Ricard pour l’art contemporain.
En 2018, le Prix Marcel Duchamp lui est décerné par
l’ADIAF (Association pour la Diffusion Internationale de
l’Art Français).
Pour célébrer son 350ème anniversaire, l’Opéra National de
Paris a confié à Clément Cogitore la mise en scène
de l’intégralité de l’opéra-ballet Les Indes galantes
de Jean-Baptiste Rameau. La première représentation
aura lieu en septembre 2019.
Sur une invitation de José-Manuel Gonçalvès, Clément Cogitore
devient artiste associé au 104 pour l’année 2018-2019.
Le travail de Clément Cogitore est présent dans de nombreuses
collections publiques : Centre Georges Pompidou, Musée national
d’art moderne, Fonds national d’art contemporain, Fonds
d’art contemporain de la Ville de Paris, FRAC Alsace, FRAC
Aquitaine, FRAC Auvergne, MAC VAL, Musée d’art moderne
et contemporain de Strasbourg, Daimler Art collection et
de nombreuses collections privées.
Né en 1983 à Colmar, Clément Cogitore vit et travaille entre
Paris et Strasbourg.
Représenté par la Galerie Eva Hober (Paris) et la
Galerie Reinhard Hauff (Stuttgart)

Tomi Ungerer

Adieu l’Artiste vidéo

AFP / PATRICK HERTZOG

La mort ne faisait pas peur à Tomi Ungerer.
« La mort est un incident comme les autres.
Je la vois comme un contrôleur des douanes :
on doit passer devant elle sans savoir ce qui nous attend
de l’autre côté. Qui sait, ce sera peut-être
un énorme arc-en-ciel !
C’est quand même formidable de ne pas savoir
où on va, non ? »,
confiait-il au Monde à la fin de 2016, à l’occasion d’une exposition
célébrant ses 85 ans, organisée au musée qui porte son nom,
à Strasbourg. AFP / PATRICK HERTZOG
L’illustrateur, peintre et caricaturiste français, auteur d’albums
célèbres pour enfants et d’ouvrages érotiques, était âgé de 87 ans.
Il est décédé samedi 9 février 2019 à Cork (Irlande).
France Culture vidéo

Le jeune PICASSO – Périodes bleue et rose

C’est l’exposition de l’ANNEE 2019 de la Fondation Beyeler
jusqu’au 5 mai 2019
en préambule,
• Il s’agit du projet d’exposition le plus coûteux, complexe et
ambitieux de l’histoire de la Fondation Beyeler.
• L’exposition a nécessité environ 4 années de préparatifs.
• Environ 75 tableaux et sculptures, pour la plupart rarement prêtés,
sont répartis sur 10 salles, et avec 1622 m2, il s’agit à ce jour de
la plus grande exposition de la Fondation Beyeler en termes
de superficie.

• Le catalogue (une merveille) de l’exposition, qui compte 304 pages
et 17 articles de fond, est la publication la plus volumineuse
réalisée par le musée. – en allemand ou en anglais …..
Les trésors artistiques des périodes bleue et rose ont une valeur
d’assurance d’environ 4 milliards de francs suisses.
• Les prêts proviennent d’au total 41 prêteurs, dont 28 musées
et des collections privées.

60 collaborateurs supplémentaires ont été recrutés afin
de permettre aux visiteurs de découvrir l’exposition dans
le calme et de pouvoir assurer la sécurité des oeuvres.

Claude Picasso et Sam Keller devant l’Acrobate et le Jeune Arlequin 1905

« J’ai voulu être peintre et je suis devenu Picasso. »
Pablo Picasso
Dans ce qui sera à ce jour sa plus prestigieuse exposition,
la Fondation Beyeler se consacre au jeune Pablo Picasso et à
ses peintures et sculptures des périodes dites bleue et rose
de 1901 à 1906.
Ce sera la toute première fois en Europe
que sera donné à voir un éventail d’une telle densité et d’une
telle qualité des chefs-d’oeuvre de cette période importante,
parmi des jalons marquants de la trajectoire de Picasso en marche
vers son statut d’artiste le plus célèbre du 20ème siècle.
Les oeuvres de cette période sont parmi les plus belles et les
plus émouvantes de l’art moderne et font partie des oeuvres
d’art les plus précieuses et inestimables.
Il est fort probable qu’elles ne seront plus amenées à se retrouver
ainsi réunies en un lieu unique.

Agé d’à peine 20 ans, Picasso (1881–1973) entre en quête
de nouveaux thèmes picturaux et formes d’expression, qu’il
mène dans la foulée à leur plein accomplissement. Les styles
et les univers picturaux se succèdent à un rythme effréné
– une « révolution » artistique chasse l’autre.
L’exposition se concentre sur les périodes bleue et rose et
donc sur six années de création du jeune Picasso,
qui joueront un rôle central pour son oeuvre. Elle ouvre par
ailleurs la perspective à la naissance historique du cubisme
vers 1907, qui émerge des phases de création précédentes.

L’exposition opère ainsi la jonction avec la collection
de la
Fondation Beyeler, dont l’oeuvre la plus ancienne
de Picasso,
une étude importante pour les
Demoiselles d’Avignon,
  date précisément de cette année.
Pïcasso La Soupe

L’exposition, articulée de manière chronologique, présente
les débuts de la trajectoire de Picasso en prenant pour point
de référence l’image humaine. Reprenant encore et encore
son élan, l’artiste qui vit alors entre Paris et Barcelone gravite
autour de la figure humaine. Dans la phase qui débute en 1901,
dominée par la couleur bleu, il porte son regard sur la misère
et les abîmes psychiques des personnes en marge de la société.
Vers 1905, dorénavant établi à Paris, sa période dite rose
élève au rang de digne motif pictural les espoirs et les désirs
des artistes de cirque – jongleurs, acrobates et arlequins.

En quête d’une nouvelle authenticité artistique, vers le milieu
de l’année 1906 Picasso passe plusieurs semaines dans le village
de Gósol dans les Pyrénées espagnoles, où il crée de nombreux
tableaux et sculptures qui unissent des idéaux corporels
classiques et archaïques. La déformation et le morcellement
toujours plus poussés de la figure, tels qu’ils apparaissent
dans les représentations « primitivistes » en particulier de nus
féminins créés à son retour à Paris, annoncent finalement le
langage pictural cubiste, qui se déploie à partir de 1907.
Dans les oeuvres bouleversantes et envoûtantes des périodes
bleue et rose réalisées en Espagne et en France, le jeune peintre
émergent qu’est alors Picasso crée des oeuvres d’une signification
universelle. Des thèmes existentiels et universels tels la vie,
l’amour, la sexualité, le destin et la mort s’incarnent dans
des jeunes femmes et des jeunes hommes d’une beauté délicate
comme dans des enfants et des vieillards marqués par la vie
qui portent en eux des sensations telles le bonheur et la joie
mais aussi la solitude et la mélancolie.
Depuis la gare SBB tram n° 2 direction Eglisee,
puis descendre à la Messe Platz
Tram n° 6 direction Grenze, arrêt Fondation Beyeler
Evènements à trouver Ici sous Fondation Beyeler
Ouvert 365 jours par an
Lundi – dimanche 10h – 18h, mercredi 10h – 20h

La conférence en français le 13 février 2019  à 18 h 30
ticket à acheter sur le site de la Fondation ici

Laurent Le Bon parle de l’exposition
« Picasso. Bleu et rose », présentée l’année dernière au
Musée d’Orsay à Paris et se tenant maintenant sous une
forme remaniée à la Fondation Beyeler.

Michel Pastoureau : le jaune

Le jaune : tous les attributs de l’infamie !

Par propos recueillis par Dominique Simonnet et ,
publié le 02/08/2004 à 00:00 dans L’Express Styles

Le jaune a t’il un bel avenir devant lui ?

Faut-il débuter par la fin de l’article ?
Cela nous permet de nous plonger dans le livre des couleurs
de Michel Pastoureau (vidéo), érudit et historien des couleurs
et qui se défend d’être historien de l’histoire de l’art.

Vincent van Gogh, Le Moissonneur

Le jaune est assurément la couleur la moins aimée, celle que
l’on n’ose pas trop montrer et qui, parfois, fait honte.
Qu’a-t-elle donc fait de si terrible pour mériter une telle
réputation?

Elle n’a pas toujours eu une mauvaise image. Dans l’Antiquité,
on appréciait plutôt le jaune. Les Romaines, par exemple, ne
dédaignaient pas de porter des vêtements de cette couleur lors
des cérémonies et des mariages. Dans les cultures non européennes
– en Asie, en Amérique du Sud – le jaune a toujours été valorisé:
en Chine, il fut longtemps la couleur réservée à l’empereur,
Empereur Chu Yuam-Chang

et il occupe toujours une place importante dans la vie quotidienne
asiatique, associé au pouvoir, à la richesse, à la sagesse.
Mais, c’est vrai, en Occident, le jaune est la couleur que l’on
apprécie le moins: dans l’ordre des préférences, il est cité en
dernier rang (après le bleu, le vert, le rouge, le blanc et le noir).
Diane villa pompéenne

Sait-on d’où vient cette désaffection?
Il faut remonter pour cela au Moyen Age. La principale raison
de ce désamour est due à la concurrence déloyale de l’or: au fil
des temps, c’est en effet la couleur dorée qui a absorbé les symboles
positifs du jaune, tout ce qui évoque le soleil, la lumière, la chaleur,
et par extension la vie, l’énergie, la joie, la puissance.
L’or est vu comme la couleur qui luit, brille, éclaire, réchauffe.
Le jaune, lui, dépossédé de sa part positive, est devenu une
couleur éteinte, mate, triste, celle qui rappelle l’automne, le déclin,
la maladie? Mais, pis, il s’est vu transformé en symbole de la
trahison, de la tromperie, du mensonge? Contrairement aux
autres couleurs de base, qui ont toutes un double symbolisme,
le jaune est la seule à n’en avoir gardé que l’aspect négatif.
Georges de la Tour, détail du Tricheur à l’as de carreau

Comment ce caractère négatif s’est-il manifesté?
On le voit très bien dans l’imagerie médiévale, où les personnages
dévalorisés sont souvent affublés de vêtements jaunes.
Dans les romans, les chevaliers félons, comme Ganelon, sont
décrits habillés de jaune. Regardez les tableaux qui, en Angleterre,
en Allemagne, puis dans toute l’Europe occidentale, représentent
Judas.
enluminure

Au fil des temps, cette figure cumule les attributs infamants:
on le dépeint d’abord avec les cheveux roux, puis, à partir
du XIIe siècle, on le représente avec une robe jaune et, pour
parachever le tout, on le fait gaucher! Pourtant, aucun texte
évangélique ne nous décrit la couleur de ses cheveux ni celle
de sa robe.
Baiser de Judas, Giotto

Il s’agit là d’une pure construction de la culture médiévale.
Des textes de cette époque le disent d’ailleurs clairement:
le jaune est la couleur des traîtres! L’un d’eux relate comment
on a peint en jaune la maison d’un faux-monnayeur et comment
il a été condamné à revêtir des habits jaunes pour être conduit au
bûcher. Cette idée de l’infamie a traversé les siècles.
Au XIXe, les maris trompés étaient encore caricaturés en costume
jaune ou affublés d’une cravate jaune.
On comprend bien comment la symbolique du déclin a pu lui
être associée. Mais pourquoi le mensonge?
Eh bien, nous n’en savons rien! Dans l’histoire complexe des
couleurs que nous racontons ici, nous voyons bien que les codes
et les préjugés qui leur sont attachés ont une origine assez
logique: l’univers du sang et du feu pour le rouge, celui du destin
pour le vert, en raison de l’instabilité de la couleur elle-même…
Mais, pour le jaune, nous n’avons pas d’explication! Ni dans les
éléments qu’il évoque spontanément (le soleil), ni dans la fabrication
de la couleur elle-même. On obtient le jaune avec des végétaux telle
la gaude, une sorte de réséda qui est aussi stable en teinture qu’en
peinture, et les jaunes fabriqués à base de sulfures tel l’orpiment
ou de safran en peinture ont les mêmes qualités: la teinture jaune
tient bien, elle ne trahit pas son artisan, la matière ne trompe pas
comme le vert le fait, elle résiste bien?
Faudrait-il alors chercher du côté du soufre, qui évoque
évidemment le diable?

Il est possible que la mauvaise réputation du soufre,
qui provoque parfois des troubles mentaux et qui passe pour
diabolique, ait joué, mais cela est insuffisant? Le jaune est une
couleur qui glisse entre les doigts de l’historien. L’iconographie,
les textes qui édictent les règlements vestimentaires religieux et
somptuaires, les livres des teinturiers – en bref, tous les documents
dont nous disposons – sont curieusement peu bavards à son sujet.
Dans les manuels de recettes pour fabriquer les couleurs datant de
la fin du Moyen Age, le chapitre consacré au jaune est toujours
le moins épais et il se trouve relégué à la fin du livre.
Nous ne pouvons que constater que, vers le milieu de la période
médiévale, partout en Occident, le jaune devient la couleur des
menteurs, des trompeurs, des tricheurs, mais aussi la couleur
de l’ostracisme, que l’on plaque sur ceux que l’on veut condamner
ou exclure, comme les juifs.
Déjà, en cette fin de Moyen Age, on invente l’étoile jaune?
Oui. C’est Judas qui transmet sa couleur symbolique à l’ensemble
des communautés juives, d’abord dans les images, puis dans la
société réelle: à partir du XIIIe siècle, les conciles se prononcent
contre le mariage entre chrétiens et juifs et demandent à ce que
ces derniers portent un signe distinctif.
Au début, celui-ci est
une rouelle, ou bien une figure comme les tables de la Loi,
ou encore une étoile qui évoque l’Orient. Tous ces signes s’inscrivent
dans la gamme des jaunes et des rouges. Plus tard, en instituant
le port de l’étoile jaune pour les juifs, les nazis ne feront que puiser
dans l’éventail des symboles médiévaux, une marque d’autant
plus forte que cette couleur se distinguait particulièrement
sur les vêtements des années 1930, majoritairement gris, noirs,
bruns ou bleu foncé.
Quand le jaune devient le symbole, négatif, de la félonie ?
C’est précisément le moment où la société médiévale se crispe
et où le christianisme n’a plus d’ennemis à l’extérieur. Les croisades
ayant échoué, on se cherche plutôt des ennemis à l’intérieur,
et on acquiert une mentalité d’assiégé. En découle une extraordinaire
intolérance envers les non-chrétiens qui vivent en terre chrétienne,
comme les juifs, et envers les déviants, tels les hérétiques,
les cathares, les sorciers. On crée pour eux des codes et des
vêtements d’infamie. Cet esprit d’exclusion ne va pas s’apaiser
avec la Réforme chez les protestants: en terre huguenote,
on manifeste le même rejet des juifs et des hérétiques.
La Renaissance ne va rien changer au statut du jaune?
Non. On le voit bien dans la peinture. Alors que le jaune était
bien présent dans les fresques pariétales (avec les ocres) et les
oeuvres grecques et romaines, il régresse dans la palette des
peintres occidentaux des XVIe et XVIIe siècles, malgré l’apparition
de nouveaux pigments comme le jaune de Naples, qu’utilisent
les peintres hollandais du XVIIe (notons cependant que, sur
les peintures murales, certains jaunes ont pu pâlir et s’estomper
au fil du temps).
Pieter de Hooch, La Mère

Même constat avec les vitraux: ceux du début
du XIIe comportent du jaune, puis la dominante change et
devient bleu et rouge. Le jaune n’est presque plus utilisé que
pour indiquer les traîtres et les félons. Cette dépréciation va
perdurer jusqu’aux impressionnistes.
On songe évidemment aux champs de blé et aux tournesols
de Van Gogh
et aux tableaux des fauves, puis aux jaunes
excessifs
de l’art abstrait.

Dans les années 1860-1880, il se produit un changement de palette
chez les peintres, qui passent de la peinture en atelier à la peinture
en extérieur, et un autre changement quand on passe de l’art
figuratif au semi-figuratif, puis à la peinture abstraite: celle-ci utilise
moins la polychromie, elle use moins des nuances. C’est aussi
le moment où, l’art se donne une caution scientifique et affirme
qu’il y a trois couleurs primaires: le bleu, le rouge et notre jaune
qui, contrairement au vert, se voit donc brusquement valorisé.
Il est possible que le développement de l’électricité ait également
contribué à cette première réhabilitation.
Une fois encore, ce changement de statut du jaune se produit
à une période clef, la fin du XIXe siècle, qui est aussi celle
des bouleversements de la vie privée et des moeurs.
Oui. Les couleurs reflètent en fait les mutations sociales,
idéologiques et religieuses, mais elles restent aussi prisonnières
des mutations techniques et scientifiques. Cela entraîne des goûts
nouveaux et, forcément, des regards symboliques différents.

Et puis il y a le maillot jaune du Tour de France. Lui aussi,
il redonne un coup de jeune au jaune.

Au départ, il s’agissait d’une opération publicitaire lancée en
1919 par le journal L’Auto, l’ancêtre de L’Equipe, qui était imprimé
sur un papier jaunâtre. La couleur est restée celle du leader.
L’expression «maillot jaune» s’est étendue à d’autres domaines
sportifs et à d’autres langues: en Italie, on l’emploie pour désigner
un champion, alors que le premier du Tour d’Italie porte un maillot
rose! L’art et le sport ont donc contribué à réinsérer le jaune
dans une certaine modernité.
Mais pas dans la vie quotidienne, ni dans les goûts des
Occidentaux. Le jaune infamant est toujours là, dans
notre vocabulaire en tout cas: on dit qu’un briseur de
grève est un «jaune». On dit aussi «rire jaune».

L’expression française «jaune» pour désigner un traître remonte
au XVe siècle, et elle reprend la symbolique médiévale. Quant au
«rire jaune», il est lié au safran, réputé provoquer une sorte de folie
qui déclenche un rire incontrôlable.
Les mots ont une vie très
longue, qu’on ne peut éliminer. Qu’on le veuille ou non, le jaune
reste la couleur de la maladie: on a encore le «teint jaune», surtout
en France, où l’on connaît bien les maladies du foie. Pour un
spécialiste des sociétés anciennes, tout signe est motivé.
Au Moyen Age, on pensait qu’un mot désignant un être ou
une chose avait à voir avec la nature de cet être ou de cette chose.
L’arbitraire était impensable dans la culture médiévale.
Les mots sont-ils des constructions purement intellectuelles ou
correspondent-ils toujours à des réalités plus tangibles?
On en débat depuis Platon et Aristote!
Yellow Pigment

Notre jaune ne s’est donc pas complètement débarrassé de
ses oripeaux. On s’en méfie toujours un peu, non?
Il est peu abondant dans notre vie quotidienne: dans les
appartements, on s’autorise parfois quelques touches de jaune
pour égayer, mais avec modération. Nous l’admettons dans nos
cuisines et nos salles de bains, lieux où l’on se permet quelques
écarts chromatiques, mais on est revenu de la folie des années 1970,
où on le mettait à toutes les sauces, l’associant même à des marrons
et à du vert pomme. Les voitures jaunes, par exemple, restent rares.
A l’exception de celles de La Poste?
C’est récent. Depuis le XVIIe siècle, la Poste, qui dépendait de la
même administration que les Eaux et Forêts, était associée
au vert. Le changement a eu lieu quand j’étais adolescent,
avec les premières voitures Citroën à carrosserie jaune,
probablement par imitation des PTT suisses, qui avaient adopté
le jaune. On a tout simplement eu le souci de mieux distinguer
ce service et, comme le rouge était déjà pris par les pompiers?
On voit ainsi que le jaune fait parfois fonction de demi-rouge:
c’est le carton jaune du football. Autre constat: le doré n’est plus
vraiment son rival, beaucoup d’Européens du Nord lui ayant tourné
le dos.
Pour quelles raisons?
Peut-être est-ce un reliquat de la haine des moralistes protestants
envers les fastes et les bijoux. Depuis le XXe siècle, la couleur
or est devenue vulgaire. Les bijoutiers savent que la majorité
des clients préfèrent l’or blanc et l’argenté plutôt que le doré.
Et, dans les salles de bains, les robinets dorés, qui furent un temps
à la mode, ne le sont plus. Le vrai rival du jaune, aujourd’hui,
c’est l’orangé, qui symbolise la joie, la vitalité, la vitamine C.
L’énergie du soleil se voit mieux représentée par le jus d’orange
que par le jus de citron (le jaune a aussi un caractère acide).
Seuls les enfants le plébiscitent: dans leurs dessins, il y a souvent
un soleil bien jaune et des fenêtres éclairées en jaune.
Mais ils se détachent de ce symbolisme en grandissant.
A partir d’un certain âge, chacun prend en compte plus ou moins
inconsciemment le regard des autres, et adopte les codes et
mythologies en vigueur. Ainsi les goûts des adultes sont-ils non
plus spontanés, mais biaisés par le jeu social et imprégnés par
les traditions culturelles.
Va-t-on vers une vraie réhabilitation du jaune?
C’est le cas dans le sport: importé comme le vert par les clubs
de football d’Amérique du Sud, le jaune s’insinue dans les maillots
et les emblèmes. Si revalorisation du jaune il y a, elle passera d’abord
par les femmes, et par les vêtements de loisir (à l’égard desquels
on s’autorise davantage de liberté).
Tram de Mulhouse sous les arches de Buren photo Ramon Ciuret

Si j’étais styliste, je m’engouffrerais dans cette voie? Je pense que,
si des changements s’opèrent dans nos habitudes des couleurs,
qui se jouent sur la longue durée, ce sera dans les nuances de jaune.
Etant tombée très bas, et ayant commencé à se relever doucement,
cette couleur-là ne peut que se redresser.
Le jaune a un bel avenir devant lui.
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Pieter Bruegel l'Ancien

Se termine le 13 janvier 2019
À l’occasion du 450e anniversaire du décès de
Pieter Brueghel l’Ancien, le
Kunsthistorisches Museum Vienne
organise la première grande exposition monographique
au monde sur l’œuvre de cet artiste d’exception.
De son vivant déjà, Pieter Bruegel l’Ancien était un artiste très
convoité et ses œuvres se vendaient à des prix jamais atteints pour
l’époque. Pour célébrer le 450e anniversaire de sa mort,
le Kunsthistorisches Museum Vienne consacre une exposition
particulière au peintre flamand le plus influent du XVIe siècle.
C’est la première grande exposition monographique au monde
de son œuvre. Il ne reste actuellement qu’ un peu plus de
40 peintures et 60 dessins du maître. Avec ses 12 tableaux,
le Kunsthistorisches Museum Vienne possède la plus
grande collection de Bruegel au monde.
Le fait que les Habsbourg surent apprécier dès le XVIe siècle
l’extraordinaire qualité et l’originalité de l’univers pictural
de Bruegel y est pour quelque chose – ils se sont par la suite
efforcés d’acquérir de prestigieuses œuvres de l’artiste.

Brueghel les jeux d’enfants

Prêts sensationnels
Forte de quelque 90 œuvres, l’exposition à Vienne donne
pour la première fois un aperçu de l’ensemble de l’œuvre
de Pieter Brueghel l’Ancien : avec presque 30 peintures
(soit les trois-quarts de son œuvre) et la moitié des dessins
et croquis restants, l’exposition offre une occasion unique
de plonger dans l’univers complexe de l’artiste, de comprendre
son évolution stylistique, son processus de création et ses
méthodes de travail, et de découvrir l’esprit de son œuvre
et son don unique pour peindre une histoire.
La Grande tour de Babel Brueghel

Parmi les pièces phares à admirer dans cette exposition,
on trouve Le Triomphe de la Mort, prêté par le Prado de
Madrid, et La petite Tour de Babel, arrivant du Musée Boijmans
Van Beuningen de Rotterdam. La plupart de ces fragiles
tableaux en bois n’avaient jusqu’alors jamais été prêtés
pour une exposition.
Brueghel le combat de carnaval

Bruegel, un homme des Flandres
Bruegel naquit aux environs de 1525 quelque part en
Brabant. Son lieu de naissance reste incertain mais nous
savons qu’il se forma à Anvers, alors l’une des plus grandes
villes d’Europe. Au faîte de sa prospérité et de son rayonnement
culturel, la puissante cité fait partie du Cercle de Bourgogne
institué par Charles Quint, souverain des Pays-Bas.
L’oeuvre de Peter Bruegel l’Ancien s’inscrit dans le contexte
politique et religieux des Flandres qui oppose alors dans
une guerre féroce les réformés aux catholiques et l’aristocratie
locale à Philippe II.
Brueghel le massacre des Innocents

L’œuvre de Pieter Bruegel l’Ancien, qui révolutionna la
peinture de paysage et de genre, continue de susciter quantité
d’interprétations, aussi diverses que controversées. Aujourd’hui
encore, la richesse de son univers et son regard acéré sur
l’humanité exercent une fascination particulière sur le public.
Les débuts de la carrière de Bruegel comme dessinateur et
ses innovations dans le domaine de la peinture de paysage
sont également abordés dans le cadre de l’exposition.
Une autre partie de l’exposition est consacrée à ses œuvres
religieuses, comportant une multitude de chefs-d’œuvre comme
Le Triomphe de la Mort et Dulle Griet, restaurées spécialement
pour l’exposition.

ps : Michel Pastoureau dans son livre « l’étoffe du diable »
parle du Portement de Croix (1563) de Bruegel. Il cite
l’exemple du paysan anonyme placé presque au centre
de la composition, comportant plus de 500 personnages,
marchant d’un pas pressé, couvert d’un bonnet et vêtu
 d’une robe à rayures obliques blanches et rouges […]
Or je ne vois qu’un homme en pantalon à rayures
rouges et blanches.
Brueghel la Crucifixion

Je serai ravie si vous aviez cette photo à me montrer.
Podcast France culture l’Art et la Matière

Sommaire du mois de novembre 2018

Paris – 24 novembre 2018 16 h 50vue depuis le centre Pompidou

02 novembre 2018 : Fondation Fernet Branca carte blanche à François-Marie Deyrolle
10 novembre 2018 : Baie des Trépassés – Isola Rossa au Séchoir
13 novembre 2018 : À l’épreuve de l’eau à la Fondation François Schneider
19 novembre 2018 : ST-ART 2018, la plus européenne des foires d’art en région
22 novembre 2018 : DIE BRÜCKE 1905-1914 au musée Frieder Burda

DIE BRÜCKE 1905-1914 au musée Frieder Burda

Jusqu’au 24 mars 2019 au musée Frieder Burda de
Baden Baden
Le Musée Frieder Burda
présente l’une des expositions
les plus complètes jamais consacrées au groupe
« Die Brücke »
au cours des dix dernières années.

De nombreuses oeuvres phares du Brücke-Museum de Berlin
y côtoient des prêts prestigieux provenant du monde entier.
Les œuvres très colorées de l’expressionnisme allemand
sont un élément primordial de la Collection Frieder Burda.
Il importait donc, après l’exposition consacrée au
Blauer Reiter en 2009, de montrer à Baden-Baden le
deuxième groupe influent de ce courant artistique également,
Die Brücke.
L’exposition réunissant quelque 120 œuvres, dont 50 tableaux
prestigieux
, permet de donner un aperçu de l’œuvre de
Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel,
Karl Schmidt-Rottluff, 
Max Pechstein et Emil Nolde.
Fondé en 1905 à Dresde, Die Brücke marque le passage à
l’art moderne en Allemagne. L’orientation stylistique, en rupture
avec la peinture traditionnelle et avec tout critère académique, fut
rapidement appelée « expressionnisme ». Outre ses solutions
artistiques innovantes, l’expressionnisme incarnait aussi une
nouvelle attitude face à la vie.

Karl Schmidt-Rottluff

Forme et couleur furent subordonnées à l’expression pure.
La nature visible est certes présente dans les tableaux du Brücke,
mais elle y sert de vecteur à des sensations intérieures et fait
apparaître des forces émanant de l’âme et de l’esprit.
Max Pechstein

Ce n’est pas une reproduction des choses qui voit le jour, mais
le signe d’une représentation intérieure. La réalité visible est
déformée et transformée pour être réduite à l’essentiel.
La couleur elle-aussi est soumise à un processus d’abstraction.
Appliquée largement et sans retenue, elle s’affranchit de la teinte
naturelle de l’objet peint et devient autonome.
Emil Nolde

L’expressionnisme du Brücke ne se limita cependant pas à la
peinture, et le dessin, l’aquarelle et la gravure furent tout aussi
décisifs pour développer ce nouveau style.
L’exposition met l’accent sur les années situées entre la création
du groupe en 1905 et 1914, l’année ayant suivi la dissolution
du groupe et la fin de la période classique de l’expressionisme
liée à la Première guerre mondiale. Dix ans après, elle constitue
maintenant la première présentation de grande ampleur
consacrée au Brücke.
Erich Heckel

Le Musée Frieder Burda-Baden montre, aux côtés de nombreux
prêts du Brücke-Museum de Berlin, des travaux faisant partie
de sa propre collection ou provenant de plusieurs autres musées
allemands et internationaux
. Il convient de souligner également
la présence d’œuvres issues de collections privées dont certaines
n’ont pas été montrées en public depuis de nombreuses années.
Ernst Ludwig Kirchner, Marcella

Le commissariat de l’exposition est assuré par Magdalena M. Moeller,
pendant de longues années directrice du Brücke-Museum Berlin,
et spécialiste des débuts de l’art moderne, en particulier de
l’expressionnisme allemand.
Ernst Ludwig Kirchner

Museum Frieder Burda
• Lichtentaler Allee 8b • 76530 Baden-Baden
Telefon +49 (0)7221 39898-0
• www.museum-frieder-burda.de
Depuis la gare de Baden Baden ;
Bus n° 201 et 216 arrêt Musées ou Augustaplazt

Les cartels sont aussi en français