Catégorie : France

Le 15 août : de l’Assomption de la Vierge à Napoléon

               L’Assomption de la Vierge, Charles Le Brun, XVIIe siècle

Comme chaque année, le 15 août, jour férié partagé par tous les Français, sonne le cœur de l’été. Pour célébrer ce jour de fête, certaines communes organisent souvent à cette date des festivités populaires : bals ou feux d’artifice.

Mais, savez-vous quel événement particulier est commémoré le 15 août et pourquoi cette date est particulièrement célébrée en France ?

Le 15 août est avant tout une fête chrétienne (sauf chez les protestants) qui célèbre l’Assomption de la Vierge Marie, corps et âme, vers le paradis.

Cette fête ne doit pas être confondue avec l’Ascension qui rappelle la montée au ciel de Jésus-Christ, célébrée 40 jours après Pâques.

La différence sémantique s’explique par la racine latine de ces deux termes : ascension vient du verbe ascendere (monter, s’élever) qui indique donc une action volontaire, tandis que le mot assomption vient du verbe assumere (assumer, enlever), qui indique que cette élévation vers le ciel est une volonté divine.

L’Église et la fête de l’Assomption

Tympan de la Dormition de la Vierge, portail sud de la Cathédrale de Strasbourg – vers 1200

Cette Assomption n’est pas mentionnée dans les textes des premiers temps de l’Église. Cependant, cette fête mariale trouve son origine dès les premiers siècles, dans les Églises orientales, où elle porte le nom de Dormition de la Vierge. Les orthodoxes croient ainsi que Marie s’est comme « endormie », sans aucune peur, dans la mort.

D’abord célébrée mi-janvier, la montée au ciel de Marie est finalement commémorée le 15 août, selon le souhait de l’empereur romain d’Orient, Maurice (582-602).

C’est le pape Théodore (642-649), originaire de Constantinople, qui importe, en Occident, cette fête en l’honneur de la mère du Christ. Elle est finalement imposée à tous les chrétiens par le concile de Mayence en 813.

Il faut cependant attendre 1950 pour que le pape Pie XII proclame le dogme de l’Assomption de la Vierge Marie. Il réaffirme ainsi que « Marie, l’Immaculée Mère de Dieu toujours Vierge, à la fin du cours de sa vie terrestre, a été élevée en âme et en corps à la gloire céleste ».

Fêter l’Assomption durant le règne de
Louis XIII

L’Assomption de la Vierge par Nicolas Poussin, 1649-1650, conservée au musée du Louvre

Si pendant tout le Moyen Âge, l’Assomption est vue comme une fête religieuse banale parmi les nombreuses qui rythment le calendrier annuel du royaume, cela change sous le règne de Louis XIII.

En 1637, plus de vingt ans après son mariage avec Anne d’Autriche, le roi n’a toujours pas d’héritier. Il fait alors le vœu auprès de la Sainte Vierge de lui consacrer son royaume s’il obtient enfin un fils. La reine donne naissance à Louis-Dieudonné, futur Louis XIV, le 5 septembre 1638.

Pour remercier la Mère de Dieu de l’avoir exaucé, Louis XIII demande à tous ses sujets d’organiser, tous les 15 août, des processions en l’honneur de la Vierge. Le jour devient chômé pour faciliter l’organisation de ces célébrations. L’Assomption entre alors pleinement dans l’histoire de France.

Une fête nationale sous les Empires

Portrait de Napoléon Ier, Empereur, par François Gérard, conservé à Fontainebleau

Le calendrier républicain, instauré pendant la Révolution française, supprime de nombreuses fêtes catholiques comme l’Assomption.

Cela change avec Napoléon Bonaparte, Premier Consul, qui signe un concordat avec le pape en 1801. Cet accord autorise, notamment, le retour des grandes célébrations catholiques.

En 1806, Napoléon Ier, devenu empereur, réinstaure en France le calendrier grégorien. À cette occasion, il exhume un saint ayant vécu au IVe siècle, dont le nom Neapolis, serait l’antique forme de Napoléon.

Normalement fêté le 2 mai, l’empereur ordonne de le faire célébrer le 15 août, qui est également le jour de son anniversaire.

Cette date est ainsi érigée en fête religieuse, fête nationale et fête impériale.

Abandonnée pendant la Restauration et la Monarchie de Juillet, cette fête impériale redevient uniquement l’Assomption. Le 15 août est à nouveau adopté comme fête nationale par Napoléon III et célébrée durant tout le Second Empire.

Gravure figurant la fête du 15 août 1867 sur le Trocadéro

Pourquoi le 15 août est-il un jour férié ?

Avec l’avènement de la République, qui reconnaît toujours la Vierge Marie comme sainte patronne principale de la France, le 15 août retrouve sa vocation uniquement religieuse. Il reste férié pour permettre aux catholiques de célébrer cette fête majeure.

Aujourd’hui, cette fête donne toujours lieu à de grands rassemblements pour les croyants de l’église catholique. C’est le cas notamment à Lourdes, où le pèlerinage national français rassemble chaque année près de 10 000 pèlerins.

Pour les Français n’appartenant pas au culte catholique, ce jour férié est l’occasion de prendre un peu de repos, de prolonger les vacances d’une journée ou de participer à l’une des nombreuses fêtes organisées partout dans le pays.

Lire et voir ici une autre façon de voir l’Assomption

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RON MUECK

Three Dogs 2023 Ron Mueck

Jusqu'au 5 novembre 2023, la Fondation Cartier pour l’art contemporain invite le sculpteur australien Ron Mueck à exposer un ensemble d’oeuvres jamais montrées en France aux côtés d’oeuvres emblématiques de sa carrière.
Commissaire d’exposition : Hervé Chandès
Commissaire associé : Charlie Clarke
Chargée du projet d’exposition : Aby Gaye
Présentation

Né en 1958 à Melbourne et vivant au Royaume-Uni depuis 1986, Ron Mueck développe une oeuvre qui touche à l’universel et renouvelle profondément
la sculpture figurative contemporaine. Il crée des oeuvres aux dimensions surprenantes et empreintes d’une inquiétante étrangeté. De nombreux mois,
et parfois plusieurs années, lui sont nécessaires pour créer chacune de ses sculptures. Ron Mueck a réalisé en un peu plus de 25 ans un corpus de quarante-huit oeuvres, dont les dernières sont achevées au printemps 2023 pour l’ouverture de l’exposition.

L’exploration d’un nouveau processus de création

                                                    Mass 2017

Par son échelle et sa facture, l’installation monumentale Mass marque un nouveau jalon dans la carrière de Ron Mueck. Cette oeuvre commandée par
la National Gallery of Victoria (Melbourne, Australie) en 2017, est la plus grande qu’il ait jamais réalisée.
Composée de cent gigantesques crânes humains, Mass est reconfigurée par l’artiste en fonction de l’espace pour chaque présentation. Elle offre une expérience physique et psychique fascinante qui nous amène à contempler les notions fondamentales de l’existence humaine. Son titre donne à lui seul une idée de la polysémie de l’oeuvre. Le mot anglais « mass », signifiant à la fois un amas, un tas, une foule mais aussi une messe, est une source d’interprétations propres à chaque visiteur. L’iconographie du crâne, elle-même, est ambigüe. Si l’histoire de l’art l’associe à la brièveté de la vie humaine, elle est aussi omniprésente dans la culture populaire.

Pour l’artiste, « le crâne humain est un objet complexe, une icône puissante, graphique, que l’on identifie immédiatement. Familier et étrange à la fois, il rebute autant qu’il intrigue. Il est impossible à ignorer, accaparant inconsciemment notre attention ».

Les crânes se présentent comme un groupe, une somme d’individus qui s’impose au visiteur. En cela, Mass se distingue des précédentes oeuvres de Ron Mueck qui avait, jusqu’alors, toujours représenté l’être humain dans son individualité.

Également exposé pour la première fois en France, Dead Weight (2021), un crâne en fonte de près de deux tonnes, contraste avec ses oeuvres
habituellement naturalistes. Les traces du moulage de cette sculpture demeurent, l’artiste ayant volontairement laissé les marques de sa fabrication et la nature brute du matériau parler d’elles-mêmes.

Le film

Ce nouveau procédé lui permet également de raconter de nouvelles histoires, de traiter des sujets différents, tels que des personnages en groupes et même en action. En les libérant d’une abondance de détails réalistes, Ron Mueck traduit d’une manière plus directe la dynamique qui les anime.
Un court film réalisé par le photographe français Gautier Deblonde dans l’atelier de l’artiste documente la création de ses deux oeuvres les plus récentes et est diffusé sur les plateformes digitales de la Fondation Cartier.

Trois oeuvres emblématiques des années 2000

Pour Baby (2000), minuscule sculpture d’un petit garçon qui vient de naître, Ron Mueck a pris pour modèle une image trouvée dans un manuel de médecine
montrant un bébé tenu en l’air par les pieds quelques minutes seulement après l’accouchement. Aux antipodes de l’installation Mass, évocation du corps post-mortem, cette minutieuse représentation des premiers instants
de la vie attire tout aussi intensément l’attention.
En inversant l’image originale et en accrochant la sculpture au mur à la manière d’un crucifix, l’artiste présente tout d’abord son oeuvre telle une icône
religieuse. Mais en l’observant de plus près, le visiteur est transpercé par le regard presque insolent du bébé.

Man in a boat (2002)

Man in a boat (2002) représente une scène particulièrement mystérieuse. Un homme dont les bras cachent la nudité est assis à la proue d’une longue barque et se penche en avant, le regard interrogatif ou scrutateur. Comme souvent chez
Ron Mueck, ce personnage semble « se retirer ou dériver dans des états intérieurs qui nous sont à peu près inaccessibles », selon les mots du critique d’art Justin Paton.

Man in a boat 2002

A Girl (2006),

Avec A Girl (2006), le visiteur se retrouve face à un gigantesque nouveau-né, qui porte son premier regard sur le monde. Maculé de traces de sang, le cordon
ombilical toujours présent, son corps est encore marqué par l’expérience de l’accouchement. L’artiste joue sur une impressionnante distorsion d’échelle pour évoquer à la fois le miracle et l’épreuve de la naissance, instant
oublié et pourtant fondamental pour chacun d’entre nous.

Girl 2006

Les oeuvres de Ron Mueck, à la fois profondément mystérieuses et réalistes à l’extrême, font surgir le rêve dans le réel et nous invitent à nous confronter à notre rapport au corps et à l’existence.

Three Dogs 2023

L’exposition dévoile également une spectaculaire sculpture représentant un groupe de chiens menaçants, créée spécialement pour l’occasion, dont Ron Mueck nourrissait déjà le projet lorsqu’il préparait son exposition monographique à la Fondation Cartier en 2013.

La forme et le mouvement

Mass marque également un tournant dans la carrière de Ron Mueck, l’expression de son ouverture à de nouvelles manières de sculpter. Depuis la création de celle-ci, l’artiste s’éloigne de sa pratique antérieure qui
s’attachait à reproduire sur ses sculptures le grain de la peau, l’implantation des cheveux, les détails des vêtements, agençant les matériaux pour obtenir
un effet de réel saisissant. En se focalisant désormais sur la forme, la composition et le mouvement, Ron Mueck souhaite amener le visiteur au plus près de ses intentions et de l’essence de son travail.

Informations Pratiques
Mimetisme

Fondation Cartier pour l’art contemporain
261 boulevard Raspail
75014 Paris

Se rendre à la Fondation Cartier

Horaires d’ouverture

Tous les jours de 11h à 20h, sauf le lundi.
Nocturne le mardi, jusqu’à 22h.
La fermeture des salles débute à 19h45 (21h45 les mardis).

Contact

Tél. +33 1 42 18 56 50

moc.reitrac.noitadnof@noitavreser.ofni

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Rétrospective de l’oeuvre de Norman Foster

Viaduc de Millau 1993-2004 photo Daniel Jamme Eiffage

Au Centre Pompidou de Paris jusqu'au 7 août 2027
commissaire de l’exposition : Frédéric Migayrou
podcast du commissaire qui vous accompagne durant l'exposition
Livret d'aide à la visite de l'exposition
Présentation

                                                  Norman Foster

Frédéric Migayrou, commissaire nous présente cette figure majeure qui a marqué l’histoire de l’architecture mondiale, par son approche systémique et globale de la nature et de la technologie. Des extraits d’un entretien réalisé avec Norman Foster nous éclairent sur la pensée de cet architecte visionnaire et sur plusieurs projets emblématiques.
L’exposition « Norman Foster » au Centre Pompidou, sur 2200 mètres carrés, est la plus grande exposition consacrée à un architecte vivant. Elle présente son travail, son oeuvre, déroulée sur près d’une soixantaine d’années, au travers 130 projets qui touchent différentes thématiques. La scénographie est entièrement conçue par cet architecte et permet, à partir d’un cabinet de dessin, de découvrir l’ensemble de son oeuvre.

Le cabinet de dessins

L’exposition de Norman Foster commence par un grand cabinet de dessins où l’on mélange à la fois des carnets de croquis et les dessins historiques qui, depuis les années 1960, ont accompagné son oeuvre.

À la tête d’une agence de 1 500 personnes, le dessin aura, toute sa vie, été un
élément de communication, de médiation pour présenter ses projets et  de son oeuvre.

Nature et urbanité

Dès les années 1960, Norman Foster se préoccupe de la question environnementale, de l’intégration de ses bâtiments dans des contextes naturels ou urbains. La question écologique est centrale. Elle est conçue comme écologie positive, c’est-à-dire entre l’industrie, la technologie et la nature. Nombre de ses projets sont absolument innovants tout au long de sa carrière.
L’Apple Park est l’accomplissement de l’idée d’intégration des constructions dans les domaines naturels. C’est un grand bâtiment circulaire qui s’étend sur un parc de 71 hectares et qui accueille près de 12 000 employés. Les toits sont entièrement couverts de panneaux photovoltaïques qui assurent une autonomie en énergie alors que des auvents filtrent la lumière naturelle.


Les frontières entre intérieur et extérieur sont totalement brouillées. On est plongé dans la nature et l’ensemble constitue un manifeste de l’intégration paysagère des constructions architecturales.

Enveloppes et structures

Norman Foster a toujours été fasciné par la technologie – les avions et les
automobiles notamment – et pour lui l’objet architectural correspond à une espèce de structure.

Il la définit au travers de la notion de « skin and bones », la peau et les os, c’est-à-dire la structure antérieure qui permet de construire une enveloppe. Tous ses bâtiments sont conçus de cette manière.
La Hong Kong et Shanghai Bank est le premier grand concours gagné par Norman Foster. Il révolutionne complètement la typologie des grandes tours. Cette construction de 179 mètres est évidée de l’intérieur et permet, au travers un grand hall, de distribuer l’ensemble des espaces de bureaux.
La construction est élaborée selon trois tours parallèles, articulées autour d’un grand exosquelette, à savoir une structure reléguée à l’extérieur qui soutient l’ensemble du bâtiment. Pour la première fois, la climatisation est assurée par une pompe qui permet de prendre de l’eau dans le bassin du port.
C’est le premier manifeste qui révolutionne la notion de tours de grande hauteur, tours qui vont accompagner les grands projets de Norman Foster tout au long de sa vie.

Vous regardez ce bâtiment qui célèbre ses services et vous pouvez voir de l’extérieur les éléments qui chauffent et refroidissent ce bâtiment et la structure. Si vous regardez le Sainsbury Centre de cette époque, vous aviez la structure et tous les services sont intégrés dans celle-ci.
Elle est conçue pour la performance environnementale ainsi que pour la performance structurelle, mais également l’apparence et le bâtiment qui respire, qui devient ainsi un bâtiment sain.

Norman Foster

La ville verticale


Toutes les tours de Norman Foster sont construites comme des morceaux de ville. Les étages sont assemblés par groupes, séparés par des grands espaces collectifs. Cette idée amène à une compréhension de ville verticale, sachant que toute la base des bâtiments est ouverte sur la cité et accessible par le public.

La tour St. Mary Axe est un bâtiment emblématique de la ville de Londres qui est
surnommé « le cornichon » pour sa forme profilée qui correspond au fuselage d’avion.

C’est le premier bâtiment écologique construit dans la ville.

Il fait suite aux recherches du Commerzbank de Francfort ou du Climatroffice conçu avec Richard Buckminster Fuller. Sa structure en exosquelette permet de libérer totalement les espaces, et d’ouvrir à la lumière alors que l’ensemble de la construction est entièrement soumis à une ventilation naturelle.

Par exemple, la structure serait conçue non seulement pour soutenir le bâtiment, mais aussi pour contenir des vides et pour que vous puissiez distribuer les services du bâtiment à travers ces vides. C’est le contraire d’une façon traditionnelle de penser, où vous pensez la structure et ensuite vous vous suspendez en-dessous. Cela ne fonctionne pas. Donc cela produit quelque chose qui est plus performant, qui a plus de joie.
Norman Foster

Histoire et tradition

Bien que son architecture soit de très haute technologie, considérée comme high-tech, Norman Foster a toujours porté une attention très particulière au contexte historique, à l’histoire, aux bâtiments et aussi aux technologies. Son architecture réactive ces contextes, leur redonne vie et met en valeur des matériaux et des techniques souvent oubliés.


Avec le Carré d’Art de Nîmes, Norman Foster s’attaque pour la première fois à un centre historique en relation avec la Maison carrée, un temple romain du 1er siècle.
L’architecte décide de dégager l’ensemble de l’espace central autour de ce bâtiment pour en faire un morceau de ville.
La nouvelle médiathèque, à l’image de celle du Centre Pompidou, s’incarne comme un pendant du bâtiment historique et revivifie ainsi le coeur historique de la ville.
De la même manière, le British Museum, construit par Robert Smirke au 19ème siècle, ainsi que la grande rotonde, la salle de lecture construite par son frère, est recouvert d’un gigantesque toit de 6 000 mètres carrés qui rassemble l’ensemble des bâtiments.
À l’image du Crystal Palace de Robert Paxton, ce treillis de triangles transparents qui pèse près de 800 tonnes, donne une unité à ce complexe, et l’intègre dans la ville, mariant de façon très élégante, l’ancien et le moderne.

Si vous voulez regarder loin devant vous, vous regardez d’abord loin en arrière.
Vous pouvez voir dans cette approche l’empreinte de l’histoire dans des projets comme celui du British Museum. Vous remontez dans le temps et vous constatez que le coeur de ce bâtiment d’origine était une cour qui avait été perdue au fil du temps, sans rien de précieux entre la bibliothèque centrale d’origine et les façades de la cour.
Norman Foster

Sites et planification

Norman Foster est architecte, mais c’est aussi un grand urbaniste. Il s’est attaché à la reconstruction de grands plans urbains pour de nombreuses métropoles. Il s’attache aux flux, aux lieux et aux espaces publics, afin de redonner une identité à nombre de cités.
En 2011, la Communauté urbaine de Marseille veut restructurer le Vieux-Port et
demande au paysagiste Michel Desvigne ce réaménagement. Il s’associe à
Norman Foster, qui va recomposer l’ensemble des voiries et proposer, face au port, la construction d’une grande ombrière.
Cette énorme surface de 46 mètres par 22 fait effet de miroir et rassemble le public. Au final, le bâtiment actualise la conscience de l’espace public pour toutes les personnes présentes dans la cité.

L’infrastructure des espaces publics est vraiment le ciment qui lie les bâtiments individuels. Cette infrastructure détermine l’ADN d’une ville, l’identité de la ville, les identités séparées de New York, Marseille ou Londres.
Si je prends la transformation de Trafalgar Square par exemple, la fermeture d’un côté transforme non seulement cet espace, mais toute la zone, tout le quartier de la ville.
Vous pouvez quantifier après coup les avantages : moins d’accidents, c’est plus sûr, c’est plus agréable, la qualité de l’air est meilleure, c’est plus silencieux.
En outre, vous pouvez utiliser la conception anticipative, la syntaxe spatiale. Vous pouvez simuler les mouvements des piétons et explorer cela avant que la décision ne soit prise.
Norman Foster

Réseaux et mobilités

                                                       Reichstag
Norman Foster est un architecte et un ingénieur qui s’est toujours attaché à la notion de mobilité, de déplacements, de la liaison entre les territoires. Il a construit de très nombreux aéroports, des gares, des terminaux portuaires et des véhicules. Cette notion de communication, de liens entre les différentes localités, les villes et les pays l’ont amené à être un architecte de dimension planétaire.

Le viaduc de Millau

Le viaduc de Millau est un magnifique ouvrage d’art. Il s’agit d’un pont haubané qui relie les rives du Tarn et qui est conçu avec l’ingénieur Michel Virlogeux. Il participe au désenclavement de toute la région en créant un lien entre Paris et la Méditerranée.
Le pont est conçu autour de sept piles de béton d’une hauteur de 75 à 245 mètres, soit presque la hauteur de la tour Eiffel. Il est surmonté de pylônes et de haubans qui sont tendus en éventail et peints en blanc. Le viaduc trace une ligne très élégante sur l’ensemble du paysage et reconfigure tout le territoire.

Viaduc de Millau

Ces réseaux sont physiques. Il y a les réseaux invisibles dans le ciel, mais à un moment, ils se résument tous à la physicalité d’un élément construit. Dans ce monde numérique, avec ces réseaux invisibles qui nous connectent numériquement, il est extrêmement tentant d’entrer dans une architecture qui est une expérience numérique et de s’appuyer sur l’orientation par les chiffres, par les lettres de l’alphabet.
Je vois que le défi est d’en faire une expérience analogique, plutôt qu’une ère numérique. Donc, qu’il s’agisse d’un aéroport ou d’un système de métro, l’architecture devrait mener.
Norman Foster

Perspectives futures

Norman Foster a toujours été considéré comme un architecte extrêmement prospectif, envisageant le futur de nos sociétés avec des projets attachés au développement durable, à l’environnement.
Il développe avec sa fondation des projets en Afrique et en Inde mais aussi en
imaginant le développement de technologies qui permettraient des projets
extraterrestres visionnaires sur la Lune ou sur Mars.
Avec Lunar Habitat, Norman Foster s’attaque à l’idée de la construction d’un habitat sur la Lune, en coopération avec l’Agence spatiale européenne.
Foster imagine des systèmes d’habitation extrêmement simples, bien qu’étant
technologiquement extrêmement complexes. Il conçoit des gonflables qui seraient recouverts de régolithes grâce à des impressions 3D, le régolithe étant ce matériau que l’on trouve sur la Lune. On retrouve à la fois l’idée d’un habitat vernaculaire à l’image des architectures de terre en Afrique, et puis ces constructions de hautes technologies qui permettraient de développer l’idée d’une implantation lunaire.

Je suggèrerais une approche holistique pour atteindre un équilibre dans la nature.
L’énergie doit être au coeur même de cette question, parce qu’elle concerne tous les aspects du réchauffement climatique, de la pollution.
La quête d’une énergie propre n’est pas seulement pour anticiper la croissance démographique, mais également ce qu’elle implique. Si nous regardons statistiquement la forme d’énergie qui peut laisser la plus petite empreinte sur la planète, pas de pollution et le record absolu le plus sûr par-dessus tout, c’est le nucléaire et les nouvelles générations de nucléaires qui ont la promesse d’autonomie que je trouve très excitante.
Norman Foster

                                      Terrasse d’observation du Château Lacoste

Informations Pratiques

Centre Pompidou
www.centrepompidou.fr
www.centrepompidou.fr/fr/visite/accessibilite
Application Centre Pompidou accessibilité
www.centrepompidou.fr/fr/visite/accessibilite/appli-centre-pompidou-accessibilite
Livrets d’aide à la visite
www.centrepompidou.fr/fr/visite/accessibilite/livrets-daide-en-falc

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Sommaire du mois de juillet 2023

La villa des Roches Brunes à Dinard

30 juillet 2023 : Art is Magic Jeremy Deller
28 juillet 2023 : « FOREVER SIXTIES » Au Couvent des Jacobins de Rennes
27 juillet 2023 : Attention ARNAQUE
24 juillet 2023 : Irving Penn, Portraits d’artistes à la Villa Les Roches Brunes, Dinard
23 juillet 2023 : « Traînard : collectionneur, amateur et curieux »
22 juillet 2023 : A la rencontre de Vincent Gicquel via François Pinault
19 juillet 2023 : Week-end Membership Bretagne
10 juillet 2023 : Abdelkader Benchamma – Géologie des déluges
03 juillet 2023 : David Zuccolo
01 juillet 2023 : Charmion von Wiegand

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Art is Magic Jeremy Deller

Jeremy Deller, Valerie’s Snack Bar, 2009. Installation at Cornerhouse,
Manchester International Festival, with banners by Ed Hall

Le Musée des beaux-arts de Rennes livre un large panorama d’oeuvres montrant la démarche artistique de Jeremy Deller depuis les années 2000
Une rétrospective jusqu'au 17 sept. 23
Les commissaires:
Étienne Bernard, directeur du Frac Bretagne
Jean-Roch Bouiller, docteur en histoire de l’art contemporain et conservateur en chef, directeur du Musée des beaux-arts de Rennes


Valerie’s Snack Bar

Le patio du Musée accueille l’installation Valerie’s Snack Bar. Celle-ci est issue d’une performance réalisée en 2009 : Jeremy Deller était convié à créer une oeuvre publique à l’occasion du festival de Manchester. Il choisit
d’impulser une parade, conçue comme une célébration de la vie populaire qui anime les rues.
Clou de la procession, la réplique à taille réelle d’un snack bar du
« Bury Market », dans la périphérie de Manchester, était tirée par un camion. L’installation rassemble les éléments de ce défilé festif et forme donc une sorte
d’archive rappelant cette performance.

Performance, vidéo et installation.

Le Musée des beaux-arts livre un large panorama d’oeuvres montrant
la démarche artistique de Jeremy Deller depuis les années 2000,
avec des dispositifs qui combinent performance, vidéo et installation.
La plupart des oeuvres, créées collectivement avec la population
des lieux où l’artiste est amené à intervenir, soulignent la dimension
politique du travail de Jeremy Deller.

La performance

Jeremy Deller développe depuis les années 1990 une pratique qui évolue effrontément entre art conceptuel, performance, installation et vidéo. Il affirme préférer
« working with people rather than things »

: travailler avec les gens plutôt qu’avec les choses.
Plutôt que de créer des objets d’art, il cherche avant tout à produire des
rencontres, des événements, en faisant se croiser des horizons différents.
Son terrain de jeu est avant tout la Grande-Bretagne, même s’il a aussi réalisé des projets aux États-Unis et en Allemagne en particulier. Son travail
part d’une attention portée à l’histoire sociale, à l’actualité politique, à la culture populaire et à la musique.

Il sabote le statut de l’artiste créateur, et il associe au cours de son processus créatif toutes sortes de personnes – ouvrières
et ouvriers, praticiennes et patriciens amateurs, inventrices et inventeurs extravagants, enfants, fans de rock n’roll ou de pop music… Avec humour, il réaffirme à chaque expérience son immense capacité d’émerveillement pour les contre-cultures, l’inventivité anonyme et la force insurrectionnelle du peuple.

Le Skulptur Projekte

En 2007, l’artiste a été convié à un festival allemand, le Skulptur Projekte, ayant lieu tous les 10 ans. Pour l’édition suivante, il a contacté environ 50 associations de jardins partagés de la ville et leur a demandé de tenir un journal intime
pendant une décennie. Pour cela, Jeremy Deller a laissé à disposition de chaque association de grands livres, semblables à des bibles. Les habitants devaient les remplir en documentant la vie des jardins : les récoltes, la météo, ce qui les
touchaient personnellement ou collectivement, l’actualité, etc. Chacun des 28 livres réalisés porte le nom de l’association qui l’a complété et devient son autoportrait. Les visiteurs du festival de 2007 se sont vu offrir des graines d’un arbre : le Davidia Involucrata. Cet arbre a la particularité de fleurir environ 10 ans après avoir été planté.


Ici, les livres sont exposés dans une bibliothèque. Spécialement pour cette exposition, Jeremy Deller a réalisé une installation vidéo composée
de vidéos et de photographies prises dans les jardins de Münster. Ces vidéos accompagnent les livres et plongent les visiteurs au coeur des jardins partagés. Pour en profiter encore plus, des fauteuils se trouvent au centre de la pièce.
Chacun peut s’y asseoir, écouter, regarder.

Les luttes ouvrières

Dans les années 1980, la Grande-Bretagne connaît une période économique difficile.
Margaret Thatcher, Première Ministre de 1979 à 1990, met en place différentes lois ayant pour but de diminuer les dépenses de l’État. Certaines de celles-ci impactent directement les mineurs britanniques dont une partie se met en grève.
Le 18 juin 1984, une manifestation a lieu à la cokerie2 d’Orgreave, en grève depuis le mois de mars. Elle est sévèrement réprimée par la police. Des journalistes sont sur place et les images sont diffusées dans les journaux télévisés du lendemain matin. Certaines chaînes d’informations présentent un point de vue qui ne correspond pas à la réalité des faits. La BBC est très rapidement accusée d’avoir coupé au montage des scènes de violences policières pour ne montrer que les actes violents commis du côté des
manifestants.


Jeremy Deller a 18 ans quand il voit ces images, il est très marqué par ce qu’il voit. Quand le projet d’en faire une reconstitution émerge dans son esprit, il se souvient d’images violentes et établit un parallèle entre la manifestation et «une bataille médiévale».


L’artiste a souhaité exhumer ce fait historique afin de lui donner un traitement plus digne. En plus d’un manque d’objectivité dans les médias, les ouvriers grévistes n’ont jamais obtenu gain de cause à leurs revendications après plus d’une année de grève.
Jeremy Deller décide alors d’organiser une performance sous la forme d’une reconstitution historique. Il voit dans cette performance une reconstitution de scène de crime qui montre ce qu’il s’est réellement passé.


Pendant deux années de travail de recherche, l’artiste fait appel à un millier de participants composés de troupes de reconstitutions, d’anciens mineurs et d’anciens policiers, pour leur faire jouer, ou rejouer, cet événement.

Biographie

Jeremy Deller naît à Londres en 1966.
Dans les années 1980, il étudie l’histoire de l’art à l’Institut Courtauld (Londres) puis à l’Université de Sussex.
En 1986, il rencontre Andy Warhol à Londres puis le retrouve à la Factory à New York.
En 2004, il reçoit le prestigieux Prix Turner pour Memory Bucket, une vidéo documentaire sur la ville natale de George Bush au Texas.
En 2007, il est invité en vue de l’édition 2017 du festival décennal d’art contemporain Skulptur Projekte à Münster, en Allemagne. Il lance un projet participatif au long cours avec les associations et les habitantes et habitants de la ville, qui s’échelonne sur dix ans.
Il réalise une exposition personnelle au Palais de Tokyo, à Paris, en 2008. Intitulée « D’une révolution à l’autre », cette exposition comportait notamment l’ensemble Folk Archive qui explore la culture populaire britannique.
En 2012, sa première rétrospective, intitulée « Joy in People », est montrée à Bruxelles (WIELS Centre d’art contemporain), puis à Philadelphie (Institute
of Contemporary Art) et à St Louis (Contemporary
Art Museum).
Il représente la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 2013, où il investit le pavillon britannique avec l’exposition « English Magic ».
En 2016, il organise à New York la performance Iggy Pop Life class.
En 2021-2023, l’exposition « Warning Graphic Content » rassemblant ses affiches et oeuvres imprimées, est montrée à Glasgow (galerie The Modern Institute), Paris (galerie Art Concept), Genève (Musée d’art moderne
et contemporain), Barnsley (The Civic), Vienne (Franz Joseph Kay), Copenhague (Kunsthal Charlottenborg).

Offre de médiation
Visite en autonomie
Du mardi au dimanche de 10h à 18h.
Sur réservation pour les groupes.

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« FOREVER SIXTIES » Au Couvent des Jacobins de Rennes

jusqu’au 10 septembre 2023
Commissariat de l’exposition :
Emma Lavigne, directrice générale de la Collection Pinault, et 
Tristan Bera, chargé de recherche
L’exposition "Forever Sixties" est conçue en résonance avec l'exposition "Art is Magic", rétrospective consacrée à l’œuvre de l’artiste anglais Jeremy Deller au musée des Beaux-arts de Rennes, à la Criée et au Frac Bretagne, dans le cadre d’Exporama, rendez-vous de l’art contemporain porté par la Ville et la Métropole de Rennes.

Après « Debout ! » (2018) et « Au-delà de la couleur » (2021) au Couvent des Jacobins, la Collection Pinault, la Ville de Rennes et Rennes Métropole renouvellent leur collaboration à l’occasion d’une exposition inédite d’œuvres de la collection réunie depuis cinquante ans par François Pinault.

À travers plus de 80 œuvres emblématiques, dont certaines n’ont encore jamais été exposées par la Collection Pinault, « Forever Sixties » offre un éclairage sur un moment décisif de l’histoire de l’art contemporain, la révolution visuelle des années 1960, et son héritage rémanent dans la création des décennies suivantes. De quoi les Sixties sont-elles le nom ? Libération, répression, appropriation ? Sous influence anglo-américaine, cette décennie se caractérise par un boom démographique et économique sans précédent, l’émergence de la société de consommation et le début de la conquête spatiale. Marquées par les conflits idéologiques, la Guerre froide et les guerres de décolonisation, l’apogée violente du mouvement des droits civiques et la libération sexuelle, les Swinging Sixties — années répressives comme intitulées par Richard Hamilton qui joue des mots « swinging » (basculant, oscillant, dansant) et « swinging » (drastique, sévère) — sont aussi un champ de tensions opposant conservatisme et démocratisation, culture dominante et contre-cultures alternatives, conformisme mercantiliste et rêves d’évasion.

Richard Hamilton, Release, 1972, Pinault Collection Copyright obligatoire : © R. Hamilton, All Rights Reserved, Adagp, 2023


Pop Art et Nouveau Réalisme, en rupture avec l’abstraction

Produit et symptôme de l’époque, résolument engagé du côté du présent, le Pop Art aux États-Unis et en Europe affole le regard en redéfinissant, entre 1956 et 1968, les canons d’une modernité à bout de souffle et en insufflant un esprit critique et rebelle qui continue de posséder l’art contemporain. En rupture avec l’Abstraction des années 1950, le Pop, ainsi que le Nouveau Réalisme en France, renverse les hiérarchies et fait entrer, comme par collage, dans le domaine des arts et de la pensée, les enjeux et les objets du quotidien, la société du spectacle et la publicité, la réalité des luttes politiques, féministes et raciales et l’actualité des mass-médias qui transforme alors le monde occidental en un village global.

Martial Raysse, Bien sûr le petit bateau, 1963, Pinault Collection Copyright obligatoire : © Adagp, Paris, 2023

Avec les œuvres de

 Richard Avedon, d’Evelyne Axell, de John Baldessari, de Teresa Burga, Robert Colescott, Llyn Foulkes, Gilbert & George, Robert Gober, Richard Hamilton, David Hammons, Duane Hanson, Alain Jacquet, Edward Kienholz, Kiki Kogelnik, Barbara Kruger, Christian Marclay, Tim Noble & Sue Webster, Raymond Pettibon, Michelangelo Pistoletto, Richard Prince, Martial Raysse, Martha Rosler, Ed Ruscha, Niki de Saint Phalle, Sturtevant, Jerzy Ryszard «Jurry» Zielinski…


Et une playlist sélectionnée par Etienne Daho

Avec un choix de pochettes de disques historiques et une playlist de près de cent titres emblématiques des années 1960 conçue spécialement par Etienne Daho à l’occasion de l’exposition.

Play liste écouter

Informations pratiques
  • « Forever Sixties, l’esprit des années 1960 dans la Collection Pinault », du 10 juin au 10 septembre 2023 au Couvent des Jacobins, 20 Place Sainte-Anne à Rennes.
  • Horaires : du mardi au dimanche, de 10h à 19h (fermeture des portes à 18h), nocturne chaque mercredi jusque 22h (fermeture des portes à 21h). Fermé le lundi.
  • Tarifs : Billet couplé donnant l’accès à l’exposition « Forever sixties » (Couvent des Jacobins) et à l’exposition « Art is Magic » (Musée des beaux-arts, la Criée, Frac Bretagne). Plein tarif : 12 €, tarif réduit : 7 €. Gratuit pour les jeunes de moins de 26 ans. Le billet donne aussi droit à des réductions sur d’autres expositions d’art cet été à Paris, Landerneau et Dinard. Voir les avantages du billet couplé.
  • Infos et billetterie sur www.exposition-pinault-rennes.com

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Irving Penn, Portraits d’artistes à la Villa Les Roches Brunes, Dinard

Photographies de la Collection Pinault
Pinault Collection et la Ville de Dinard renouvellent leur collaboration pour la présentation d’une exposition intitulée
«Irving Penn. Portraits d’artistes. Photographies de la Collection Pinault.»
Commissariat:
Matthieu Humery, conseiller pour la photographie auprès de la Collection Pinault
Lola Regard, chargée de recherche.
A Villa Les Roches Brunes Dinard - jusqu'au 1 octobre 2023

« J’ai toujours été fasciné par l’appareil photographique.
Je le reconnais pour l’instrument qu’il est, à la fois Stradivarius et scalpel »
Irving Penn

L’exposition

Après une première exposition au Palais des Arts, « Qui a peur des artistes ? », en 2009, dévoilant une sélection d’oeuvres de la Collection Pinault, c’est avec enthousiasme que François Pinault a de nouveau accepté la proposition de la Ville de Dinard, de présenter une sélection de photographies, à la Villa Les Roches Brunes, une vaste demeure Belle Époque, au coeur de la ville. Cette exposition s’inscrit dans le programme hors les murs de la Collection Pinault, qui présente au même moment une importante exposition à Rennes, au Couvent des Jacobins, « Forever Sixties, l’esprit des années 1960 dans la Collection Pinault ».
Au Grand  Palais en 2007

Les portraits de Penn comme des miroirs de l’âme…

Artiste parmi les artistes, Irving Penn, d’abord formé à la peinture, employa la même méthode pour construire ses natures mortes que pour décrire les profondeurs de l’être de ses modèles. Aucune fioriture, aucun décor dans le studio du photographe : un ancien drap de théâtre, un tabouret
ou tout au plus un fauteuil recouvert d’un lourd tissu décati, voilà tout ce
qu’Irving Penn met à disposition des personnalités qu’il photographie. Hors
de l’atelier et hors scène, les artistes apparaissent dépourvus de leurs outils,
instruments, entourages ou apparats.

Les corners portraits

                                                             Marcel Duchamp
C’est grâce à cet exercice de dépouillement, presque minimaliste, que le photographe saisit ses sujets. Naissent alors des portraits inédits, profonds, existentiels. L’ascèse du décor et la concision graphique d’Irving Penn permettent à la psychologie de chaque modèle d’affleurer avec délicatesse. L’influence qu’il exercera sur l’art photographique est déterminant. Simplicité, lumière, construction, distance : une formule magique que l’artiste invente pour révéler les êtres et les choses sur papier glacé.

                                                                    Photo Vogue

Traversant les soixante années qui constituent la carrière
d’Irving Penn, l’exposition est une galerie des visages de ceux et celles qui ont
incarné une grande partie de la création du siècle dernier : peintres, chorégraphes, musiciens, architectes, cinéastes et écrivains s’exposent et dialoguent aux murs de la mythique villa du bord de mer, comme sur une ligne du temps.                                                     photo d’avant la loi Evin ?

La biographie d’Irving Penn

Irving Penn (1917-2009), reconnu comme l’un des maîtres de
la photographie au 20e siècle, est admiré pour ses images de mode iconiques
et pour ses remarquables portraits d’artistes, d’écrivains et de célébrités qui
ont marqué le panorama culturel de son temps. Irving Penn est avant tout un
photographe de studio. Ses photographies, dont le fond est constitué d’un
simple papier, d’une toile ou d’un mur nu, créent un environnement insulaire
et formel. Le sujet est toujours extrait de son contexte et l’intensité qu’il acquiert force l’attention.


Formé tout d’abord à la peinture, Penn poursuit des études d’arts appliqués avant d’être embauché en 1943 comme assistant d’Alexander Liberman, directeur artistique de Vogue à New York, qui deviendra par la suite
son mentor et ami. La même année, il fait ses débuts au magazine comme
photographe et s’impose comme l’un des professionnels les plus novateurs
dans ce domaine. Le succès commercial de Penn n’a pas inhibé ses expériences

artistiques. En 1949-1950, il se lance dans une série de nus remarquables pour
leur extrême abstraction. Il assume le plein contrôle de toutes les étapes du
tirage pour les photographies qu’il réalise à titre personnel. En s’impliquant
dans la production même de ses oeuvres, il explore les procédés d’impression,
parmi lesquels le tirage au platine. Pratiquée au début du 20e siècle, cette
technique permet de créer une image aux variations tonales virtuellement
illimitées. Les riches possibilités esthétiques de ce procédé amènent Penn à
retravailler certaines de ses oeuvres plus anciennes, originellement développées aux sels d’argent. Le fait de reprendre constamment ses images constituent un élément fondamental de l’oeuvre de l’artiste.

Informations importantes

Exposition « Irving Penn. Portraits d’artistes.
Photographies de la Collection Pinault »
Villa Les Roches Brunes — 1, allée des Douaniers 35800 Dinard
Du 11 juin au 1er octobre 2023
Exposition ouverte tous les jours, sauf le lundi
De 11 h à 19 h
Tarif plein : 6 € / Tarif réduit : 4 €
Tout l’été, la Collection Pinault s’expose à Paris,
Rennes et Dinard : gardez votre premier billet acheté pour
l’une de ces trois expositions et bénéficiez du tarif réduit
pour visiter les deux autres !
— « Avant l’orage » à la Bourse de Commerce — Pinault Collection (Paris)
jusqu’au 11 septembre 2023
— « Irving Penn. Portraits d’artistes. Photographies de la Collection Pinault »
à la Villa Les Roches Brunes (Dinard), du 11 juin au 1er octobre 2023
— « Forever Sixties, l’esprit des années 1960 dans la Collection Pinault » au
Couvent des Jacobins (Rennes), du 10 juin au 10 septembre 2023

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A la rencontre de Vincent Gicquel via François Pinault

Le dernier cri de Jesus « mon père pourquoi m’avez-vous abandonné ? »

Ce titre peut être inversé à tous moments.
Né en 1974 en Normandie, Vincent Gicquel passe son enfance à construire des cabanes et, quand il pleut, à reproduire dans l’atelier de son père les tableaux des pères de la modernité (Van Gogh, Monet ou Picasso…).

                                          Photo Internet
Il développe alors un attachement très profond pour la peinture à l’huile et un peu plus tard pour la philosophie tragique. Lecteur de Schopenhauer à qui la philosophie n’a rien rapporté mais beaucoup épargné, Vincent Gicquel choisit de devenir peintre car dit-il.

                « j’avais trop d’humour pour être tueur en série. »

L’église de Trévérien

Depuis juillet 2022, un chemin de croix contemporain orne les murs de l’église de Trévérien (Ille-et-Vilaine). Une œuvre commandée par le plus célèbre enfant de la commune, l’homme d’affaires milliardaire et propriétaire du Stade rennais, François Pinault.
L’église, modeste, construite au début des années 1870, réclamait un bon coup de frais. L’an dernier, François Pinault – qui gâte aussi régulièrement les enfants de Trévérien avec des coups de pouce pour des voyages, des invitations dans les musées, des dons de matériel informatique – a accepté de financer la restauration.
– On a fait une liste des travaux à faire en se disant qu’il allait choisir, raconte le maire, Vincent Melcion. Il a dit oui à tout. Et même à un peu plus, avec ce qui est venu se greffer après.

                                                Photo Internet

Une œuvre « en souvenir de sa mère »

À l’intérieur du bâtiment religieux, le tableau du XIXe siècle du retable sud, représentant le Christ Sauveur, a été restauré. L’ensemble de l’électricité a été mis en conformité. Les lustres et tous les bancs de l’église ont été remis à neuf, récupérant leur teinte d’origine. Sans compter des travaux de maçonnerie et de peinture, la réfection de l’escalier du clocher, et le calvaire, devant l’édifice, qui a été complètement refait.
« Il ne restait plus que le socle, et en mauvais état, poursuit le maire. La commune de Meillac nous a trouvé un beau christ qui n’a jamais servi. Il a fallu trouver le bois pour faire la croix. Maintenant, le calvaire a belle allure​.

Mais le clou de cette restauration, c’est le Chemin de Croix, sur proposition de François Pinault, « en souvenir de sa mère », ​explique Vincent Melcion.

 « Par sa modestie, l’église est le plus bel écrin, pour l’émouvant et splendide Chemin de Croix »
elisabeth

François Pinault, le mécène de Trévérien

« C’est ici que j’ai tout appris »
    François Pinault

François Pinault retrouve l’école de son enfance à Trévérien
En toute simplicité, le grand patron François Pinault a dévoilé la plaque de l’école qui porte désormais son nom. Une initiative portée par la municipalité. Il était entouré de son épouse, ses fils, Dominique et François-Henri, Salma Hayek, l’épouse de celui-ci, et ses petits enfants. Un moment très émouvant pour le milliardaire.

« C’est dans ce genre de moment que l’on se rend compte que le temps passe vite. »
À bientôt 86 ans, il les fêtera le 21 août, François Pinault a connu un sacré voyage dans le passé, jeudi 2 juin 2022, au cœur de l’école primaire de Trévérien (Ille-et-Vilaine) qu’il a fréquentée de 1941 à 1947.
« J’y suis rentré à 5 ans alors que je parlais le patois que l’on n’appelait pas encore le gallo. C’est ici, grâce à deux instituteurs, M. et Mme Cadiou à qui je tiens à rendre hommage, que j’ai tout appris. À parler français, à lire, à écrire et à compter. »

 Ces écoliers sont choyés grâce à la générosité de François Pinault

​Coup de pouce pour des voyages, invitations dans les musées, don de matériel informatique… Les écoliers de Trévérien sont gâtés par François Pinault. Ancien élève de l’école, l’homme d’affaires se soucie régulièrement des besoins de l’établissement pour assurer une bonne éducation des enfants.
L’école de Trévérien est sûrement l’une des mieux équipées du département. Elle peut compter, sans même le demander, sur la générosité de son bienfaiteur, François Pinault. Né aux Champs-Géraux (Côtes-d’Armor), l’homme d’affaires a grandi et a suivi sa scolarité dans la petite commune de Trévérien.

Un voyage à Venise et une visite à Guernesey

Ce n’est pas la première fois que les enfants de Trévérien bénéficient de la générosité de l’homme d’affaires. « Dès qu’il le peut, il les associe à des actions d’éducation et des actions culturelles. » De cette façon, les écoliers ont été invités en 2019 à Hauteville House, la maison de Victor Hugo à Guernesey, complètement restaurée grâce au mécénat de Pinault Collection. En 2017, cinquante élèves avaient bénéficié d’un coup de pouce pour finaliser un voyage à Venise, où ils avaient été invités dans les deux musées de la collection Pinault. Plus récemment, ils ont également visité l’exposition Debout, de la collection Pinault au couvent des Jacobins, à Rennes.

Une BD de la Passion du Christ ?

Un Chemin de Croix, c’est un peu une bande dessinée retraçant les différents moments de la Passion du Christ. Il est décliné en quatorze stations, de la condamnation de Jésus à son dernier souffle.

« Les chemins de croix sont apparus au début du dix-neuvième siècle, ​explique Roger Blot, 77 ans, responsable diocésain du patrimoine religieux et spécialiste de l’art sacré. Jusque-là, la Passion était racontée dans les verrières, derrière l’autel, comme dans les églises voisines des Iffs ou bien de La Baussaine. »

L’église de Trévérien avait d’ailleurs déjà un chemin de croix, constitué de petites croix carrées en laiton, dont on voit encore la trace sur les murs de la nef. « Le nouveau est sans doute le quatrième ici », estime le père Roger Blot.

Qu’a-t-elle donc de si particulier, cette œuvre ? L’auteur, le peintre Vincent Gicquel, 48 ans, a été choisi par François Pinault. En 2018, plusieurs de ses tableaux ont été présentés dans l’exposition Debout, qui présentait des œuvres de la collection Pinault au Couvent des Jacobins à Rennes. L’artiste revendique des influences aussi différents que Michel-Ange, Picasso pour la couleur, Hergé pour le dessin…

« L’œuvre de Vincent Gicquel interroge toujours de façon puissante le destin de l’homme et sa place dans le monde, explique la brochure de présentation. C’est la raison pour laquelle François Pinault s’est adressé à lui. »

Les quatorze stations sont toutes du même format, comme dans la grande majorité des chemins de croix. Ici, ce sont des peintures d’environ 80 cm par 60, sobrement disposées dans un cadre de bois clair. Ils ont été installés plus bas que le précédent, sous la corniche, à hauteur de regard. Là aussi, ça a été mûrement réfléchi.« 

« François Pinault nous a fait un beau cadeau »

La couleur dominante est le bleu vert. Un seul tranche, dans le fond de l’église, la station VI. Tout en rouge, où le visage du Christ apparaît sur le linge que lui a passé sur le visage, Sainte Véronique. Un autre portrait retient l’attention, celui de la Mère de Jésus (numéro IV), où on lit l’horreur, la détresse et la fatigue. Sans oublier le dernier tableau : « Une expiration qui n’a pas fini d’être une inspiration, commente Roger Blot. François Pinault, c’est un humaniste, il nous a fait un beau cadeau. Pour le peintre, c’est un événement dans sa vie. C’est une œuvre d’art qui interroge, qui fait parler.

Si prêtres et élus restent très discrets sur le montant des travaux, ils espèrent que ce Chemin de Croix attirera des visiteurs. Mais, pour le moment, l’église n’est ouverte que le dimanche. Le maire a son idée : 

« On a prévu que les visiteurs viennent chercher les clés à la mairie, aux heures d’ouverture (tous les matins sauf le mercredi et le jeudi après-midi). »

Roger Blot, lui, rêve que les portes des églises soient toujours ouvertes. C’est la volonté du diocèse comme du Département. Une église toujours fermée est moins respectée qu’une église ouverte.​Et à Trévérien, ce trésor est désormais pour tous.

NB : pour notre groupe l’accès n’a pas posé de problème

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Week-end Membership Bretagne

Photo Claude Romanet, Villa les Roches Brunes à Dinard
Groupe de 22 membres
Accompagnatrices: Thiphaine et Sarah
Rennes et Dinard du 14 au 16 juillet 2023
Cet été, la Collection Pinault s'installe en Bretagne. À l'occasion des expositions Forever Sixties au Couvent des Jacobins à Rennes et , nous vous proposons une fin d'été bretonne.
3 expositions, 2 visites guidées de villes, 1 chemin de croix... le week-end s'annonce bien rempli !

« En Bretagne le soleil luit plusieurs fois par jour »
le guide Gérard

14 juillet – jour 1

Lever à 5 h, je termine ma valise, préparée la veille, optimiste je retire ma veste
contre la pluie, me fiant aux prévisions météorologiques.
Robert Z me dépose à la gare où un attroupement dans le hall attend l’affichage du TGV direction  gare de Lyon à Paris. Ma valise est lourde, l’ascenseur est arrêté pour raison économique. Dès l’annonce du n° de quai c’est la course pour rejoindre sa place. Bien installée j’essaie de combler mes heures de sommeil.
Soudain je me réveille, le TGV est arrêté, « Animaux divagant sur la voie » annonce le chef de bord, puis au bout d’un certain moment le TGV repart doucement,
« un quart d’heure de retard » annonce le chef de bord. Je m’inquiète un peu, car j’ai 50 minutes entre la gare de Lyon et la gare Montparnasse, pourvu que je trouve rapidement un taxi.
Je trouve rapidement un taxi, il n’y a pas trop de circulation pour cause de jour férié, je suis rapidement à la gare Montparnasse.
Je cherche mon départ sur l’affichage, horreur je ne le vois pas, puis au bout d’un moment je me rends compte que c’est le TGV pour Quimper dont le 1er arrêt est Rennes. Je monte dans le train, parcours rapide.
Arrivée à Rennes, je hèle un taxi, pour me déposer à mon hôtel. Le chauffeur
n’est pas très heureux car l’hôtel se trouve à 800 m. Je lui dis que je ne peux pas marcher avec une valise trop lourde, que j’ai un genou à ménager : tarif 14 juillet.

Attente à l’hôtel, j’ai 10 mn, d’avance.  Puis je prends possession de ma chambre Lilas. Je m’empresse de prendre une douche car je suis levée depuis ce matin 5 h et je ne me sens + très fraîche. 1er Gag je m’arrose avec la douche pour une fois que j’étais presque coiffée Grrrrr. Je sèche mes cheveux.  Puis une envie pressente. Horreur il n’y a pas de papier. Je téléphone à l’hôtel.
La patronne vient me dépanner et m’explique le fonctionnement de la douche : il faut tirer et pointer en même temps !

                                                               Chambre 102

Accueil Hôtel

Chambre 102, située au-dessus d’un patio, à 2 lits alors que j’avais demandé spécialement un grand lit. J’ai le sommeil agité, aussi il me faut de la place pour ne pas tomber du lit (chose vécue, à l’origine de mes problèmes de déplacement)
Lorsque je veux quitter la chambre, je n’arrive pas à fermer à clé, rebelote, j’appelle la réception, 20 mn d’attente au téléphone. La patronne m’envoie une aide, qui ne connait pas vraiment le système emberlificoté de la porte :
il faut tirer la poignée vers le haut et tourner la clé en même temps !
Moralité : Au Garden Hôtel  il faut tirer et pointer en même temps !

                                                      Art Basel 2022

En gros, j’ai beaucoup aimé le week-end, pour la bonne organisation, la communication par Watsapp et par téléphone, l’amabilité des organisatrices,
les participants très sympathiques, les visites proposées.
Parfois je ne me rendais pas compte qu’il y avait un message Watsapp, aussi  je n’y répondais pas.
Vendredi, la découverte de Rennes entre gouttes d’eau, bourrasques et soleil, fut un vrai plaisir. 

Un voyage dans le temps
Du gothique flamboyant de la Chapelle Saint-Yves, en passant par les rues pavées bordées de maisons à pans de bois colorés, plusieurs époques rythment votre déambulation. Nous traversons les Portes Mordelaises et leur châtelet à deux tours, typique du patrimoine défensif, avant de rejoindre l’Hôtel de Ville, sa place et celle du Parlement de Bretagne, datant de l’époque de Gabriel,
architecte du roi Louis XV. Un saut dans le temps qui vous emmènera dans de remarquables hôtels particuliers édifiés, à l’époque, pour ces
« messieurs du Parlement ».
20h : Diner au restaurant La Fabrique dans le centre de Rennes

                               Le Parlement de Bretagne

La soirée à  la Fabrique St Georges fut décevante. D’une part le lieu était trop bruyant, l’on ne pouvait échanger qu’avec ses voisins de gauche ou de droite, d’autre part, le menu  unique, ne correspondait pas à ce qui avait été proposé, l’eau plate pas bonne, (chauvine :  vive l’eau de Mulhouse) par contre le cidre brut était ok, le poisson un peu sec, je n’ai pas apprécié le dessert – cheese-cake -, mais le café. Heureusement j’ai pu converser avec un charmant voisin F.X. B.
qui se reconnaitra, s’il me lit.

                                        ambiance la Fabrique

Samedi 15 juillet : une journée entre les beaux-arts et la Collection Pinault – Jour 2

9h30 — 10h : Petit déjeuner au Couvent des Jacobins
10h — 11h15 : Visite guidée de l’exposition de la Collection Pinault
« Forever Sixties »
Déjeuner libre
15h — 16h30 : Visite guidée de la collection permanente du Musée des beaux-arts
Rendez-vous avec l’art. Véronèse, Rubens, Picasso… les plus grands artistes vous font de l’oeil, osez plonger votre regard dans leurs oeuvres. Depuis 1794, le fonds d’oeuvres du Musée des beaux-arts de Rennes n’a cessé de s’étoffer, offrant un panorama de l’histoire de l’art depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours. Rencontrez Léonard de Vinci, Botticelli et Rembrandt et laissez-vous
surprendre par l’impressionnisme de Gustave Caillebotte,
« La Chasse au tigre » de Ruben et Le nouveau-né » de Georges de la Tour.

Puis déambulation libre dans l’exposition temporaire « Art is Magic » au musée des beaux-arts.
Il s’agit de la première rétrospective en France de l’artiste britannique Jeremy Deller, lauréat du Turner Prize en 2004 et représentant de son pays à la Biennale internationale d’art contemporain de Venise en 2013. Cette exposition entre en résonance avec l’exposition « Forever Sixties » de la Collection Pinault, au Couvent des Jacobins à Rennes, qui explore l’esprit des années 60 entre
libération et répression.
Diner libre

                                       Le Couvent des Jacobins à Rennes

Samedi, petit déjeuner charmant au Couvent de Jacobins, où nous avons pu laisser en attente le cadeau, un totebag Bretagne contenant des publicités pour les exposition à venir, un plan de Rennes, un paquet de délicieuses galettes bretonnes (? ou O.T.)


Puis la conférencière  a introduit l’exposition  
Forever Sixties, fort bien. Hélas debout pendant une 1/2 h, chose qui ruinait mon espoir de bonne santé pour la suite. En effet j’avais été infiltrée au genou 15 jours avant, je devais ménager mon genou. Je n’ai pas suivi le groupe, mais je me suis régalée, en prenant des photos et en lisant les cartels et en admirant l’architecture du lieu.


                                 Musée des Beaux Arts de Rennes

Le musée des BA est très intéressant avec quelques chefs d’oeuvre. La 2e partie au musée des Beaux Art, avec Jérémy Deyller m’a moins intéressée. J’ai parcouru les 2 expositions à mon rythme.

Dimanche 16 juillet : excursion à Dinard –
jour 3

Dimanche 16 juillet : excursion à Dinard
7h50 : Départ en car de la Place des Lices. Accompagnement par un guide de l’Office de Tourisme.
8h15 : Arrivée à Trévérien pour la découverte du chemin de croix de Vincent Gicquel offert par François Pinault, une oeuvre présente dans l’église de Trévérien depuis juillet 2022.
 Collection Pinault « Irving Penn. Portraits d’artistes »


Collation offerte par la ville de Dinard (cidre et gâteau breton)
12h30 : Déjeuner au restaurant l’Écluse
14h30 — 16h30 : Visite guidée de Dinard (circuit en bord de mer)
Dinard inspire les artistes et les nombreuses galeries d’art implantées dans la ville peuvent en témoigner.
La Promenade du Clair de Lune est l’une des balades préférées des Dinardais. Bien exposée et protégée des vents, elle invite à la flânerie et à la détente le long des jardins dont les notes vives, colorées, et les parfums lui donnent un charme particulier.
Quai de la Perle, vous découvrirez avec étonnement une très belle végétation méditerranéenne, et notamment une palmeraie, créée dans les années 1930.
16h30 : Retour vers Rennes
17h45 : Arrivée à Rennes, Place des Lices

Dinard
Dimanche, le bus confortable nous a transporté vers l’église de Trévérien. La simplicité de cette église est un écrin pour le magnifique, émouvant, chemin de croix de Vincent Gicquel.
Ensuite la promenade de Dinard était sportive, la récompense au bout dans la Villa des Roches Brunes avec une très belle exposition d‘Irving Penn, une présentatrice compétente et charmante.
Le déjeuner à l‘Ecluse était un menu fixe que j’ai apprécié. Puis je n’ai pu suivre le groupe à la découverte de Dinard, ma jambe me faisait trop mal. Le guide Gérard, malgré sa proposition de me faire marcher devant le groupe ! accélère le pas, parle trop fort dans le bus, et ne parle qu’aux premiers rangs, alors que le long de la plage et ailleurs on ne peut pas marcher à 10 de front !
Je remercie le bus, le chauffeur et les organisatrices, qui sont venus me chercher à l’office du tourisme de Dinard. J’avais fait commander un taxi à l’accueil du Casino de Dinard, il n’y en avait pas de disponible, aussi j’étais montée dans un bus de liaison pour la Plage du Prieuré, (le chauffeur du bus ne connaissait pas l’endroit, mais les passagers oui) Je suis descendue du bus après l’appel des organisatrices, le chauffeur m’a suivie pour me rendre le billet de transport) 
Puis nous avons vogué le coeur content vers Rennes, arrêt à la gare pour celles qui prenaient le train du retour.
NB : je suis partie le lendemain après midi à 16 h pour Paris et ensuite pour Mulhouse en TGV.

Lundi 17 juillet
J’ai quitté mon hôtel en leur confiant ma valise et mon sac à dos, pour aller déjeuner. Retour à l’hôtel à 15 h pour commander un taxi et récupérer mes affaires.
Réponse de la personne à l’accueil : les taxis sont débordés, vous pouvez y aller à pied, la gare n’est pas loin,
moi : je suis une personne âgée de presque 82 ans, et ma valise est très lourde, précisez le, au taxi.
Réponse : vous auriez dû le dire ce matin.
Aussi, je suis sortie de l’hôtel pour arrêter une voiture classique.
Une dame a accepté de me conduire à la gare. Elle a chargé la valise, puis je suis allée vers la droite pour m’asseoir en tant que passager. Comme il y avait du soleil, je n’ai pas vu le trottoir resté dans l’ombre, et je suis tombée de tout mon poids (!) à cheval entre le trottoir et la voiture. Mon Apple Watch a fait son job et a appelé les secours, la police est arrivée rapidement, j’étais toujours parterre, assommée par le choc.Les policiers m’ont demandée s’ils devaient appeler les pompiers. J’ai demandé qu’ils me « ramassent » et qu’ils m’installent dans la voiture de la dame serviable, car j’avais des trains à prendre. La dame ne m’avait pas vu tomber et se demandait où j’étais passée !
Après le changement de gare à Paris, grâce à un taxi j’ai pu regagner à temps le TGV pour Mulhouse, arrivée à 21 h 55 précises (SNCF).
Pour les visites des musées je ferai un billet spécial

Dinard. La Villa Greystones de François Pinault classée monument historique
en bas l’arbre de Penone

Remarques

– Les textes en légère couleur bleu sont la copie du programme proposé par la Bourse de François Pinault aux membres
– les photos sont de mon Sony ou de mon Iphone sauf la une qui est de Claude
– Il y a des jours où je mangeais une crêpe au petit déjeuner, au déjeuner 2 et une fourrée à la pomme de terre, saucisse et oeuf sur le plat, au dîner
– Je ferai des billets pour les visites des musées
– si vous êtes sur FaceBoock je vous propose de m’y rejoindre
– j’ai un coquard à l’oeil droit, des bleus à la main, au poignet, le long de la jambe
et surtout une côte (celle d’Adam ?) qui me fait souffrir

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Abdelkader Benchamma – Géologie des déluges

GÉOLOGIE DES DÉLUGES, série de 5 dessins, encre sur papier marouflé sur toile, dimensions variables, 2023

La Fondation François Schneider invite Abdelkader Benchamma à s’emparer
des 1200m2 du centre d’art à Wattwiller. L’artiste propose une exposition conçue spécialement pour le lieu, guidée par le thème de l’eau cher à la Fondation. Autour du déluge, Abdelkader Benchamma interroge ce mythe universel, la psyché collective qui lui est rattachée et y conçoit un territoire morcelé.
Exposition du 13 mai au 24 septembre 2023
Commissaire : Marie Terrieux
L’exposition

« Lorsque je dessine, le blanc est pensé comme une matière à part entière. Elle devient tangible grâce à l’utilisation du noir »
Abdelkader Benchamma

LIGNES DE RIVAGE, création in situ, 2023

A la fois vestiges de mondes disparus & engloutis, monticules mystérieux, sommets qui affleurent à la surface d’un univers souterrain, cette installation composée de dessins sur panneaux et d’un grand dessin mural transforme la salle principale de la Fondation en un puissant paysage poétique, où
autant de lignes de rivages potentiels – ces marques d’un déluge réel ou rêvé – ont laissé leurs traces. Cette fois il a introduit la couleur dans ses dessins, elles y chantent comme des notes de musique ou encore comme des points de lumière, comme sur les toiles de Vermeer.

KOMETENBUCH, série de dessins, encre sur papier marouflé sur toile, 26 x 18 cm, 2023

Le titre de la série fait référence à un ouvrage du 16e siècle (1587),
« Kometenbuch » (Le livre des Comètes)
compilant des illustrations sur l’origine des comètes. En ce temps, les comètes étaient étaient perçues comme destructrice de monde et de mauvais augure mais également comme merveilleuses, annonciatrices de prodiges et de miracles. A. Benchamma relie ces croyances médiévales aux dernières découvertes en astrophysique : il est fort probable que l’eau, et par conséquent la vie sur terre, proviendrait des météorites et des comètes. L’artiste reprend l’idée de ces petits formats manuscrits du « Kometenbuch », comme
des enluminures extraordinaires et inquiétantes. C’est à travers une collection personnelle d’archives et d’images d’époque multiple que l’artiste nourrit une partie de son oeuvre et des inspirations.

GÉOLOGIE DES DÉLUGES, série de 5 dessins, encre sur papier marouflé sur toile, dimensions variables, 2023

A la fois vestiges de mondes disparus & engloutis, monticules mystérieux, sommets qui affleurent à la surface d’un univers souterrain, cette installation composée de dessins sur panneaux et d’un grand dessin
mural transforme la salle principale de la Fondation en un puissant paysage poétique, où autant de lignes de rivages potentiels – ces marques d’un déluge réel ou rêvé – ont laissé leurs traces.

LA RETRAITE DES EAUX, série de 8 lithographies, lithographie rehaussée à la main et encre marouflé sur toile, 105 x 75 cm, 2023

Les récits se répètent et se transforment, mais une strate primordiale reste toujours visible, à l’image de cette nouvelle série – créée pour l’exposition en collaboration avec l’atelier Michael Woolworth, imprimeur et éditeur, spécialisé en lithographie sur pierre – : un motif, un mythe du déluge réapparait lithographie après lithographie, puis l’artiste ré-intervient sur chaque épreuve. Viennent alors se superposer d’autres récits qui prennent la forme d’un tumulte graphique. Certaines fois le dessin d’origine n’est plus décelable
: il a fusionné et donné naissance à une nouvelle histoire. C’est dans cette répétition que les mythes et les images s’étoffent.

GROTTE CELESTE, ensemble de films d’animation 2023, en co-production avec …

Dans la continuité de « Random », récit dessiné (publié en 2014), l’artiste continue d’explorer les transformations de la matière dans un voyage science fictionnel où il aborde les thèmes du temps, de la vie extraterrestre dans une odyssée autant physique que symbolique. Ici les grottes respirent, elles sont
faites d’une eau sombre, alchimique. Une autre planète est peuplée de créatures-geysers mystérieuses.
Toujours la matière palpite et vibre, et les innombrables étoiles semblent dessiner une inquiétante voûte plutôt qu’un espace infini…

RANDOM, série de planches originales, encre sur papier, 30 x 42, 2014

Les dessins présentés ici sont les planches originales de « Random » Ce livre hybride à l’édition très soignée, à la sérigraphie d’une extrême finesse, avec sa couverture toilée évoquant les encyclopédies d’antan, est un ovni. Entre la bande dessinée, le storyboard, l’expérimentation graphique, il navigue entre
l’infiniment petit et l’infiniment grand, le gazeux et le tellurique, le géométrique et l’organique, et plonge le lecteur dans les remous de la matière. Une matière incertaine, en constante transformation, qui est
la force motrice, implacable et irrésistible, de la narration. Car c’est bien une histoire que nous raconte Abdelkader Benchamma, même s’il s’affranchit des codes, des genres, des cases, et repousse les limites des pages : cadrages extraterrestres, effets d’échelle, zooms et dézooms abyssaux… La fin du monde
comme événement fractal, se reproduisant indéfiniment à différentes échelles.

« Parcourir les oeuvres d’Abdelkader Benchamma, c’est voyager à la vitesse de la lumière vers des univers jusque-là inconnus pour découvrir, en réalité, ce que l’on n’avait pas osé percevoir du réel »
Abdelkader Benchamma – Rayon Fossile

La commissaire

Entre le ciel et la terre se trouve l’eau. Ou plutôt l’eau est dans les cieux, sous et sur la terre. L’eau depuis toujours nourrit les mythes fondateurs des différentes civilisations et grandes religions.
Entre science et croyance, la Géologie des déluges est une étrange quête, qui traque à travers le monde des lignes de rivage hypothétiques. Ces traces qu’aurait laissé l’eau au cours des siècles apparaissent tels des témoins
possibles de catastrophes − montées des eaux qui surgiraient des profondeurs comme dans cet énigmatique extrait du Coran
« et nous fîmes jaillir la terre en sources » − ou au contraire de par les cieux :
« en ce jour-là se fendirent toutes les sources de l’immense abîme d’eau et les écluses des cieux s’ouvrirent ».
Dans les textes sacrés iraniens zoroastiens, les récits indiens ou chinois, le mythe diluvien se répète, en alternant une vision punitive à l’avènement d’une nouvelle ère. Le déluge est à la fois une épopée géologique mais aussi
humaine. Il n’y aurait pas eu un, mais plusieurs déluges.
Abdelkader Benchamma, fasciné par cette hypothèse d’un inconscient collectif habité par des mythes communs, retrouve ici l’écho de ses recherches.
Il tente de sonder la psyché collective, construite autour de cette idée d’une catastrophe aquatique, que l’on retrouve autant en Asie, en Mésopotamie, en Inde qu’en Amérique du Sud.
Depuis une vingtaine d’années, l’artiste fouille les origines de l’univers dans ses composantes morphologiques et symboliques. Il formalise cet intérêt pour les strates du monde en inscrivant signes et reliefs sur les surfaces
variées. Abdelkader Benchamma insuffle à ses ensembles, vibrations et rythmes. Des formes minérales, végétales, cosmiques se déversent puissamment dans les espaces, prennent la forme de mondes instables, chahutant le spectateur. Le centre d’art devient un territoire morcelé qui serait autant géologique que mythologique. Une caverne aux jaillissements ténébreux et un atlas aquatique nous guident vers une plaine karstique, elle s’érige
aux abords de planètes asséchées, des queues de comètes bombardent le territoire d’une eau extra-terrestre. Un monde tellurique se profile, l’eau et le minéral cohabitent.
De ces eaux qui inondent le monde et laissent des impacts visibles, des sillons sur les roches, Abdelkader Benchamma en révèle ses propres images.
 Marie Terrieux

Biographie

Diplômé des Beaux-Arts de Montpellier et de l’Ecole des Beaux-Arts à Paris en 2003, Abdelkader Benchamma travaille entre Paris et Montpellier. Lauréat du Prix Drawing Now en 2015, il a été invité la même année par le Drawing Center de New York à inaugurer leur programme de dessin mural avec Representation of Dark Matter (2015-2016). Ces dernières années, il a bénéficié de nombreuses expositions personnelles, à la Collection Lambert à Avignon en 2022, au MRAC de Sérignan en 2020, au Centquatre et au Collège des Bernardins à Paris en 2018, au BlueProject Foundation de Barcelone en 2016 et au FRAC Auvergne en 2015. Il a participé à de nombreuses expositions collectives : Syncopation au
POLA Museum of Art à Hakone au Japon, à l’Eldorado Lille 3000 en 2019, Melancholia à la Fondation Boghossian de Bruxelles en 2018, Tamawuj à la Biennale de Sharjah en 2017, On aime l’art…! , Collection agnes b. à la Fondation Yvon Lambert d’Avignon cette même année, The Future of a Promise, 54e Biennale de Venise en 2011, Told, Untold, Retold au MATHAF, Arab Museum
of Modern Art à Doha (Qatar) en 2010.

                  Abdelkader Benchamma – Rayon fossile à la Collection Lambert – Salle 5

En 2023, son travail fait l’objet d’expositions personnelles à la Fondation François Schneider (Watwiller), au Het Noordbrabants Museum (HNBM) aux Pays-Bas et au Power Plant de Toronto au Canada. Enfin, il participe à
l’exposition collective Immortelle au MO.CO, Montpellier Contemporain.
© Toma Dutter

Informations pratiques

Fondation François Schneider
27 rue de la première armée
68700 Wattwiller (Haut Rhin)
info@fondationfrancoisschneider.org
03 89 82 10 10
fondationfrancoisschneider.org

PROGRAMMATION CULTURELLE

Nuit des musées | Samedi 13 mai à 18h
Visites guidées & performance d’Anna Byskov « Flotsam&Jetsam »
Rendez-vous aux jardins | 2, 3, 4 juin
Visites guidées, ateliers mosaïque & musique
Du déluge à la tempête – parcours croisé avec la FEW | samedi 17 juin à 18h30
Visites guidées, performance de Morgane Baffier « Conférence sur la crise » & projection de Julius von Bismarck « Irma to come in earnsest »
Concert Météo Campagne | vendredi 28 juillet à 19h
Déluge d’étoiles | samedi 12 août à 20h
Visites guidées, observation de la voûte céleste, concert de harpe et danse par les Aéronotes, tirage astral
Journées européennes du patrimoine | 16 & 17 septembre
VISITES GUIDÉES
Visite guidée avec Abdelkader Benchamma | Samedi 13 mai à 14h30
Visites du premier dimanche du mois |
Tous les premiers dimanches du mois à 11h et 14h30 (4 juin, 2 juillet, 6
août, 3 septembre)
Visites éclair | 1er et 3e mercredi de chaque mois de 13h à 13h30

Si vous êtes abonné au Pass-musées vous pouvez visionner la conférence sous ce lien (patience cela débute au bout de 5mn)

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