Leonor Antunes a seam, a surface, a hinge, or a knot
Fondation Beyeler
Et une curiosité dans l’expositionOr & Gloire
un Christ à tête de femme Croix d’Herriman (archevêque de Cologne) et de sa soeur Ida (abbesse de Werden). La tête du Christ est un réemploi d’un camée romain
(époque julio-claudienne) en lapis-lazuli, peut-être l’impératrice Livia
Jusqu’au 24 OCTOBRE 2019, Dans le cadre du parcours invité d’honneur de la FIAC 2019, le Palais d’Iéna – Conseil économique, social et environnemental (CESE) invite Giuseppe Penone au coeur de la vaste salle hypostyle et de ses majestueuses colonnades de plus de sept mètres de hauteur.
Pour sa première exposition à Paris depuis 2013, organisée en collaboration avec la Galerie Marian Goodman, l’artiste choisit de présenter l’oeuvre monumentale Matrice di linfa (Matrice de sève) ainsi que de deux sculptures dévoilées ici pour la première fois. Pour Matrice di linfa, vidéo l’artiste est intervenu sur l’histoire d’un arbre en creusant dans le bois le volume équivalent à quatre-vingts années de croissance. Un écho fort à l’engagement environnemental du CESE et à la célébration du quatre-vingtième anniversaire du chefd’oeuvre architectural d’Auguste Perret.
Giuseppe Penonevidéo considère Matrice di linfa comme une forme de nature animale, évoquant un livre ouvert, « un long autel sacrificiel » ou encore « un bateau long et fin qui sillonne l’espace poussé par la force des branches». Cette sculpture exceptionnelle en deux parties de près de vingt mètres chacune, créée à partir d’un conifère centenaire de la vallée des Merveilles dans les Alpes françaises, résulte d’une multiplicité de gestes du sculpteur. Après avoir coupé le sapin en deux dans le sens de la longueur, Giuseppe Penone a creusé dans le bois en suivant ses anneaux de croissance afin d’extraire une part précise de sa mémoire.
Dans la cavité centrale, il a ensuite fait couler une résine végétale rouge rappelant la sève de l’arbre, avant de placer des éléments en terre cuite portant l’empreinte de son propre corps. Les branches du sapin, qui saison après saison contribuèrent à sa croissance, servent à présent de support au tronc renversé qui repose sur un vaste tapis de cuir.
OEuvre emblématique de Giuseppe Penone, Matrice di linfa témoigne du contact entre l’artiste et l’arbre, elle représente une sorte de « matrice» qui condense la pensée de sa pratique sculpturale. Elle avait été présentée pour la première fois au sein de la cour vitrée du Palais des études de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il y a dix ans.
Au Palais d’Iéna, Matrice di linfa est pour la première fois accompagnée de deux sculptures de la série Pensieri di foglie (2014 -2017). Placées au centre de la salle hypostyle de part et d’autre des colonnes, à proximité de l’espace où se rejoignent les deux parties de l’arbre et où peut circuler le visiteur, les branches et feuilles en bronze associées à des pierres naturellement sculptées par une rivière apparaissent comme des silhouettes anthropomorphes. Tout comme Matrice di linfa, les oeuvres Pensieri di foglie révèlent la mémoire de la matière qui échappe habituellement à notre perception et illustrent l’interdépendance de l’homme et de la nature.
Le travail de Giuseppe Penone s’inscrit tout entier en lien étroit avec la nature, dès la fin des années 1970 et ses premières réalisations, il y puise toute son inspiration. Depuis, ses gestes simples, interventions et explorations formelles sur des matériaux naturels (bois, bronze, marbre, pierre, épines d’acacia, feuilles …) s’associent le plus souvent à des formes, fragments ou empreintes évoquant le corps humain afin de relier l’homme à la nature. « Ce qui m’intéresse, dit l’artiste, c’est quand le travail de l’homme commence à devenir nature ». Un petit film conçu spécialement pour l’exposition et projeté tous les jours dans l’hémicycle du Palais d’Iéna, documente le processus créatif de plusieurs oeuvres de l’artiste, dont Matrice di linfa.
Giuseppe Penone est né en 1947 à Garessio dans le Piémont en Italie. Il étudie la sculpture à l’Accademia di Belle Arti à Turin avant que son travail ne soit remarqué par Germano Celant et associé au mouvement de l’Arte Povera. En tant que sculpteur, il est lauréat du prestigieux Praemium Imperiale (2014). En 2007, il représente l’Italie à la 52e biennale de Venise. Le Musée national d’art moderne-Centre Pompidou lui consacre une rétrospective majeure en 2004. Giuseppe Penone vit et travaille à Turin.
Invité par Catherine Pégard, présidente du Château de Versailles en2013, Il avait acheté des arbres après la tempête de 99 à Versailles, dont un cèdre. L’exposition, en entrée libre, est ouverte tous les jours du mardi 15 au jeudi 24 octobre de 11h à 18h. Un petit cahier d’exposition ainsi qu’un livre d’artiste numéroté et signé (publié à 35 exemplaires) accompagnent l’exposition. En parallèle à la Galerie Marian Goodman, 79 rue du Temple, Paris 3e, une sélection de dessins et une sculpture Pensieri di foglie en lien avec l’exposition, seront présentées du 15 au 24 octobre.
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Au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS) jusqu’au 12 janvier 2020 Commissariat : Hannelore Fischer, directrice du Kollwitz Museum Köln et Alexandra von dem Knesebeck, historienne de l’art et spécialiste de Käthe Kollwitz, auteure du catalogue raisonné des gravures. Käthe Kollwitz « Je veux agir dans ce temps » 1867 Königsberg (aujourd’hui Kaliningrad) – 1945 Moritzburg
Témoin des crises politiques et sociales de son temps et auteure d’une oeuvre engagée, Käthe Kollwitz est ici montrée comme une artiste complète (graveuse, dessinatrice et sculptrice) dont le réalisme expressif influencera son époque et au-delà. Se présentant elle-même comme une artiste engagée, Käthe Kollwitz aura retenu comme sujets de prédilection les grands drames qui traversent son époque, n’hésitant pas à inclure des éléments personnels dans son art. Reconnue et estimée de son vivant en son pays et considérée comme un modèle pour nombre de jeunes artistes, Käthe Kollwitz sera menacée par l’arrivée d’Hitler au pouvoir, mais ne renoncera pas à poursuivre son oeuvre malgré l’interdiction d’exposer et les menaces qui pèsent sur elle. Cofondatrice de l’ « Organisation des femmes artistes », elle fut aussi la première femme à être admise comme membre de l’Académie et à placer la figure féminine, y compris dans la réalité la plus sombre de sa condition, au coeur d’une oeuvre expressionniste atypique, sans doute plus proche du roman réaliste que du paysage artistique de son temps. Käthe Kollwitz est considérée comme une artiste de premier plan en Allemagne où deux musées lui sont consacrés à Berlin et à Cologne. Le site Internet du musée en langue française, présente le Käthe Kollwitz Museum à Cologne et son artiste éponyme.
Parcours Conçu de façon chronologique, le parcours de l’exposition met en présence parmi les oeuvres les plus emblématiques de Käthe Kollwitz, dessins, gravures et sculptures, mêlant la collection du Käthe Kollwitz Museum Köln, celle du MAMCS (dont une grande partie des oeuvres a rejoint le fonds du musée grâce à la générosité des AMAMCS) ainsi que plusieurs oeuvres issues de collections privées.
Bien que présente dans de nombreuses collections publiques internationales et reconnue mondialement, Käthe Kollwitz n’a été encore que peu montrée dans les institutions françaises. Le MAMCS est actuellement la seule collection publique française à conserver des témoignages de son oeuvre réunissant un ensemble d’une trentaine de pièces, certaines d’entre elles ayant été acquises du vivant de l’artiste. Cette vaste rétrospective (600 m2 environ, 167 oeuvres) vient porter à la connaissance du public une oeuvre qui passe de l’autobiographie à l’universel en traitant de thèmes tels que l’amour maternel, les conflits sociaux, la Grande Guerre, la mort ou le deuil.
OEuvres de jeunesse La Marguerite du Faust de Goethe lui inspire une représentation de la misère qui guette les jeunes célibataires enceintes.
Réunissant ses cycles gravés les plus connus (Une Révolte des Tisserands, La Guerre des Paysans), des dessins et des oeuvres graphiques ainsi que de nombreux autoportraits, l’exposition met en lumière le trait expressif, parfois poignant, si particulier de Käthe Kollwitz. Elle permet non seulement de donner à voir l’ampleur de son oeuvre graphique maîtrisé de façon magistrale mais aussi de positionner le MAMCS comme le lieu de référence en France pour sa connaissance.
Une Révolte des tisserands (Ein Weberaustand) En 1897, Käthe Kollwitz s’est inspirée de la pièce de théâtre éponyme écrite par Gerhard Hauptmann en 1893 qui relate les émeutes liées à la famine de 1844 en Silésie, tout en adaptant le récit à son époque, en témoignent les vêtements portés par les personnages. L’artiste synthétise l’événement en six estampes saisissantes. La Misère avec la mère pleurant son enfant, La Mort ravissant une mère à sa famille, La Conspiration annonçant la révolte, La Marche (Weberzug) vers la maison de l’exploiteur, L’Émeute puis La Fin (Ende) représentant la dramatique répression.
Révolte des tisserands
La Sécession berlinoise et Paris Elle devient rapidement la principale association d’artistes allemands, Käthe Hollwitz devient le cinquième membre féminin. Cette appartenance lui ouvre de nombreuses portes, et notamment la possibilité d’exposer en Allemagne et à l’étranger. A Paris, Chez le célèbre galeriste Ambroise Vollard, elle fait l’acquisition d’un pastel du jeune Picasso. En 1904, Käthe Kollwitz étudie la sculpture à l’Académie Julian et jette ainsi les bases de sa future oeuvre sculptée. La Carmagnole, une gravure réalisée en 1901, est directement inspirée du roman de Charles Dickens. Cette gravure devient sa « carte de visite »
La Guerre des paysans et la critique sociale Second cycle consacré également au thème de l’insurrection. La Guerre des paysans fait référence aux soulèvements qui interviennent en Allemagne entre 1524 et 1526. Dans ce cycle, rien ne semble linéaire, le destin tournoie, de la soumission à la mort en passant par l’insurrection, du champ de labour au champ de bataille, de la terre à la terre. À travers des motifs saisissants, Kollwitz met, encore une fois, sa technique au service de son art et de son propos.
Käthe Kollwitz La Guerre des paysans
Nus, amants, enfants et mort On connaît une centaine de dessins de nus de Käthe Kollwitz. Certains remontent à sa période de formation. Il s’agit surtout d’études préparatoires pour des sculptures. La statue Ensemble amoureux (Liesbesgruppe) est plus connue. Elle lie Eros, le dieu de l’amour, à Thanatos, le dieu de la mort. La sculpture rappelle une série d’oeuvres graphiques qui représentent tantôt une mère avec son enfant mort sur les genoux, tantôt la mort personnifiée tenant une jeune fille.
Käthe KollwitzLiesbesgruppe
Käthe Kollwitz , mère et enfant
Première Guerre mondiale et pacifisme Peter, le fils cadet de Käthe Kollwitz, engagé volontaire, est tué en Belgique au début de la Grande Guerre. Sa mort marque une rupture profonde dans la vie et l’oeuvre de l’artiste. En 1918, deux semaines avant la signature de l’Armistice, elle s’élève avec courage contre l’appel du poète Richard Dehmel à une dernière mobilisation de la jeunesse. Sa réponse ouverte est publiée dans deux journaux, l’un journal social-démocrate et l’autre libéral. Elle conclut sa lettre par cette citation de Goethe tirée des Années d’apprentissage de Wilhelm Meister :
« Les graines de semence ne doivent pas être moulues ! »
La République de Weimar Elle est la première femme admise à l’académie prussienne des arts et se voit en même temps décerner le titre de professeure. Elle s’engage à plusieurs reprises en faveur du pacifisme, notamment avec sa plus célèbre affiche « Plus jamais la guerre » (« Nie wieder Krieg »). Elle milite pour ne plus enseigner la guerre aux enfants, l’une de ses priorités, et soutient ainsi la Ligue internationale des Mères et des Éducatrices pour la Paix fondée en France en 1928.
National-socialisme Après la prise de pouvoir des nationaux-socialistes, Käthe Kollwitz et son mari, comme en 1932, soutiennent un appel urgent à l’union des partis de gauche pour les dernières élections libres du 5 mars 1933. Elle est contrainte de démissionner de l’Académie prussienne des arts. Käthe Kollwitz n’a plus le droit d’exposer en Allemagne. Le trépas survient de différentes manières, ravissement brutal, mort soudaine et surprenante, solitaire, mais aussi rédemptrice et espérée, comme dans le dernier feuillet Appel de la mort, sur lequel l’artiste s’est elle-même représentée.
Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS) 1 place Hans-Jean-Arp, Strasbourg Tél. : +33 (0)3 68 98 50 00 Horaires : tous les jours – sauf le lundi – de 10h00 à 18h00
Joseph Mallord William Turner, Ein Festtag in Zürich, Aquarell und
Gouache über Bleistift auf Papier, mit Auskratzung, aufgezogen, 29 x 47.8
cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung
Judith Albert Träumender See, 2017 ; Installation vidéo, 12’30’’, couleur, sans son
A la Kunsthalle de Mulhouse jusqu’au 10 novembre 2019 Judith Albert (CH), Dana Claxton (CA), Nik Forrest (CA), Katrin Freisager (CH), Capucine Vandebrouck (FR) une proposition de Chantal Molleur (CH), Aaron Pollard (Ca) et Sandrine Wymann (FR),
Capucine Vandebrouck, Katrin Freisager
LaKunsthalle Mulhouse présente en partenariat avec White Frame, Bâle et OBORO, Montréal « Où sommes-nous« , l’exposition explore les thèmes de l’invisible, du passage et de la mémoire. Où sommes-nous, une affirmation, un état, et non une interrogation. L’absence intentionnelle du point d’interrogation, désigne ainsi comme point de départ à la fois l’endroit que nous occupons physiquement dans l’espace d’exposition et les croisements plus abstraits que nous percevons entre cet espace, les dispositifs de présentation et les propositions artistiques. Elle englobe 22 oeuvres présentées à travers une scénographie offrant une multitude d’approches pour explorer des questions fondamentales associées au cadre, à la narration, à l’image fixe et animée. Où sommes-nous trouve à Mulhouse sa deuxième variation.
Capucine Vandebrouck
Capucine Vandebrouck, née à Tourcoing , vit et travaille à Strasbourg, travaille à partir de matériaux fragiles, premiers. Ils fondent, s’évaporent, se consument. Ils nous renvoient à la fugacité des situations et affichent avec beaucoup de poésie la complexité des choses. Ses oeuvres ne s’installent pas entre deux certitudes, elles intègrent le doute et composent avec l’éphémère. Placée devant le mur de telle sorte à projeter l’image qui lui fait face, la loupe, à la manière d’une caméra obscura renverse le paysage et donne à voir le monde à l’envers.
En cela, elles s’affranchissent aussi du point d’interrogation préférant jouer délibérément de leur nature insaisissable et des espaces qu’elles occupent. Les photographies de Katrin Freisager, zurichoise, sont denses et enveloppantes. Katrin Freisager, née à Zurich, vit et travaille à Zurich et Bâle, présente pour cette exposition un papier peint mural de 3 mètres sur 3. (photo 1) Cette image a été mise en scène par l’artiste dans la nature en forêt. La construction sculpturale composée de bas de nylon et de branches s’intègre dans son environnement naturel et devient par l’intermédiaire de la photographie un élément en soi. L’intervention de l’artiste mêle Land Art et photographie.
Dans sa série Liquid Landscape, Katrin Freisager crée des paysages imaginaires et archaïques. Les photographies sont très énigmatiques. Par un processus qui lui est propre, l’artiste mélange à une grande quantité d’eau, encres, pigments, huiles et autres substances. L’objectif pour elle est de développer des images qui se rapprochent le plus possible de son imaginaire bien que n’ayant pas le contrôle de tout le processus. Ses expériences se déroulent en studio photo et sont entièrement mises en scène. En créant des gros plans sur les pigments et des amalgames obtenus, l’artiste saisit des nuances et des détails étonnants. Comme un alchimiste, Katrin Freisager crée pour nous des paysages qui semblent échapper à toute référence précise, tout en ayant la capacité d’évoquer des lieux et des situations, qui n’ont jamais existé.
Nik Forest, née à Edinburgh et basée à Montréal, travaille à l’aide de différents médiums dont la vidéo, le son, le dessin et l’installation. Ses vidéos expérimentales ont été deiffusées dans des nombreux festivals, galeries et musées en Amérique du Nord et en Europe. Ses oeuvres figurent dans des collections du Musée des Beaux-Arts du Canada, du Conseil des arts de Saskatchewan et de l’Université Concordia. Sa pratique explore et défie la normativité, se tournant souvent vers des stratégies plus abstraites, des procédés analogiques et des silences, par lesquels de simples gestes qui pourraient passer inaperçus acquièrent une réelle signification.
Judith Albert est née à Sarnen (CH), vit et travaille à Zurich. Elle a vécu deux ans à Paris et étudié les Beaux-Arts au Collège d’Art et de Design de Zurich. Depuis 1997, elle expose régulièrement en Europe et à travers le monde. Sa pratique englobe plusieurs formes d’expression incluant le langage, l’intervention artistique, la vidéo, la photographie et la performance. Depuis 2006, elle crée des oeuvres dans l’espace public en collaboration avec Gery Hofer.
Cette installation vidéo à 2 canaux traite du mot, du langage et leurs diverses possibilités d’interprétation. Elle éclaire avec délicatesse et une grande liberté de composition les thèmes de la résolution, de la transition, du changement, du chaos et de l’imagination. L’installation déploie un large éventail de questions sur le début de notre histoire et le pouvoir de la narration.
Dans une courte séquence onirique, une tache imprévisible se transforme à l’horizon en un nuage sombre. Elle finit par absorber son propre créateur et l’éloigner ainsi du précipice.
Artiste pluridisciplinaire, née à Yorkton (USA), vit à travaille à Vancouver Dana Claxton travaille dans le domaine du cinéma, de la vidéo, de la performance et de la photographie.
Ses oeuvres ont été récompensées maintes fois et ont été présentées et collectionnées à travers le monde. Dana est professeure associée au Département d’histoire de l’art, d’art visuel et de théorie de l’Université de la Colombie-Britannique. Dans son travail, elle s’intéresse à la beauté, à l’esprit et aux politiques socioculturelles autochtones. La Première Nation de Wood Mountain Lakota est sa réserve familiale.
Cette vidéo rend hommage à Johnny Cash tout en le critiquant. Elle a réintroduit une voix Lakota dans l’histoire de Wounded Knee telle qu’elle est racontée dans la chanson populaire Big Foot, enregistrée en 1972 dans l’album America, qui commémore 200 ans de l’histoire des États-Unis.
Rendez-vous autour de l’exposition :
ATELIER « BRODER LA MACHINE Du mercredi 25 septembre au dimanche 6 octobre Rendez-vous au TILVIST Coff’tea shop 23, rue de la Moselle – Mulhouse Renseignements et horaires sur kunsthallemulhouse.com Entrée libre RENDEZ-VOUS FAMILLE Dimanche 29 septembre → 15:00 – 17:00 Visite/atelier pour les enfants à partir de 6 ans et leurs parents Gratuit, sur inscription VISITES GUIDÉES Dimanche 29 septembre → 16:00 Dimanche 27 octobre → 16:00 Entrée libre KunstapÉro Jeudi 3 octobre → 18:30 Jeudi 7 novembre → 18:30 En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain et la Fédération Culturelle des Vins de France Sur réservation, 5€ / personne KUNSTDÎNER Jeudi 10 octobre → 19:00 – 23:00 En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain et la Fédération Culturelle des Vins de France et ÉPICES Sur réservation, participation de 50€ / personne
AuCentre Pompidou jusqu’au 20 janvier 2020 commissaire de l’exposition : Didier Ottinger, Directeur adjoint du Musée national d’art moderne Scénographe : Laurence Fontaine
Francis Bacon, Selfportrait (1971) Huile sur toile 35,5 × 30,5 cm Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Donation Louise et Michel Leiris, 1984
Il était très discret. Il estimait que la peinture était un lieu de mystère et que chacun pouvait y apporter sa part de soi, que ce n’était donc pas à lui de livrer quoi que ce soit. (Franck Maubert)
« Comment imaginer la vie sans la littérature ? Sans les livres ? C’est une source fabuleuse, un puits pour l’imaginaire » Francis Bacon
L’exposition « Bacon en toutes lettres » du Centre Pompidou s’attache aux oeuvres réalisées par Bacon (1909 – 1992), le maître irlandais, peintre de la tragédie et de la condition humaine, durant les deux dernières décennies de son oeuvre. L’exposition explore de façon inédite l’influence de la littérature sur la peinture de Francis Bacon. Elle comporte soixante tableaux (incluant 12 triptyques, ainsi qu’une série de portraits et d’autoportraits), issus des plus importantes collections privées et publiques. De 1971 à 1992, (date du décès du peintre), la peinture est stylistiquement marquée par sa simplification, par son intensification. Ses couleurs acquièrent une profondeur nouvelle, il use d’un registre chromatique inédit, de jaune, de rose, d’orange saturé. Des corps ramassés, recroquevillés, qui se tordent sur eux-mêmes, se pâment, s’abîment dans des excès de volupté, des convulsions de la chair. Peintre du « cri plutôt que de l’horreur », répétant à l’envi que « l’odeur du sang humain lui souriait »
In Memory of George Dyer, 1971 Huile et letraset sur toile, triptyque, 198 x 147.50 cm Fondation Beyeler – Beyeler Museum, Bâle
L’année 1971 est pour Bacon une date charnière. L’exposition présentée au Grand Palais le consacre internationalement. La mort tragique de son compagnon, quelques jours avant le vernissage, ouvre une période marquée par une culpabilité qui prend la forme symbolique et mythologique des Erinyes (les Furies) appelées à proliférer dans sa peinture. Les trois triptyques dit « noirs » peints en souvenir de son ami défunt ( In Memory of George Dyer, 1971, Triptych–August 1972 et Triptych, May–June 1973, tous présents dans l’exposition), commémorent cette disparition.
Axée en partie sur les liens entre le peintre et la littérature, l’exposition se place aux antipodes de toute narration ou de toute conception illustrative de la peinture. Des penseurs comme Georges Bataille ou Nietzsche, des écrivains comme Michel Leiris (auteur notamment d’une monographie sur le peintre, Francis Bacon : Face et profil) sont ainsi lus par de grandes voix dans les six « chambres d’écoute » qui jalonnent le parcours muséographique.
Francis Bacon, portrait of Michel Leiris
Michel Leiris occupe une place à part. Traducteur de la version française de ses entretiens avec David Sylvester, l’auteur de L’Âge d’homme devient le préfacier de ses expositions parisiennes. L’écrivain et le peintre se rencontrent à Londres, en 1965. Leiris adresse à Bacon la réédition récente de son Miroir de la tauromachie (publié en 1938) dans lequel il développe un parallèle entre l’art du poète et celui du matador. Une année après sa lecture de l’ouvrage, Bacon peint son premier taureau. Outre la poétique, Bacon transpose plastiquement chez Leiris, comme chez T.S. Eliot la forme fragmentaire de leurs œuvres, leur esthétique du « collage », qu’il rend parfois explicite, introduisant dans ses compositions des pages de journaux.
En outre, on retrouve dans les toiles de Bacon cet attrait pour la littérature sous des formes diverses et détournées, comme l’Orestie, qui donne son titre à certaines œuvres, mais aussi le corps comme viande, image si chère à Bacon, en écho à un texte de Georges Bataille sur l’abattoir ; le poème de T.S. Eliot, La terre vaine (The Waste Land), titre d’une des toiles, ou encore la réflexion nietzschéenne sur la tragédie, un motif obsessionnel chez le peintre.
Capter le mouvement de la vie est ce dont ont été capables les images modernes qui fascinaient Bacon. Ce que s’employaient à faire les images « chronophotographiques » de Muybridge, ce qu’accomplissait le cinéma. Le « vitalisme » dont Bacon s’applique à doter ses images était bien conforme à l’esthétique que lui inspirait la philosophie de Nietzsche. Pour être totalement accordée aux thèses de La Naissance de la tragédie, cette exaltation de la vie se devait de s’ouvrir à son négatif, à la puissance délétère de la mort. D’où les malentendus, la fixation d’une critique sensationnaliste sur la dimension morbide d’un art qui dit ne considérer la mort qu’à proportion de sa passion pour la vie. « Plus on est obsédé par la vie, plus on est obsédé par la mort », confie Bacon à l’un de ses interviewers.
Parmi les toiles de grand format qui ne sont cependant pas prises dans un triptyque, ce sera Study for the Human Body –Bacon ne cherchait pas des titres originaux et étranges –, de 1991
.Study for the Human Body
Il y a aussi des tableaux presque paysagers : une rue avec une voiture qui s’échappe et ce tableau incroyable qui s’intitule Jet of Water [Jet d’eau], 1979, la toile est presque vierge à peine une toute petite zone peinte, un robinet qui laisse échapper de l’eau, un tourbillon à la manière dont les corps à certains moments chez Bacon vont se liquéfier et quitter le cadre.
Eau coulant d’un robinet. Bacon l’a réalisée deux ans plus tôt. « C’est sans doute un de mes plus beaux tableaux. […] parce que je le trouve ‹ immaculé › […] c’est une invention où j’ai eu le sentiment pendant un moment que ma peinture fonctionnait. » d’après le commissaire Didier Ottinger
Jet of Water [Jet d’eau], 1979, Huile et caractères transfert sur toile 198 × 147,5 cm Collection particulière
« C’est un double personnage, il est insaisissable, irrationnel, comme sa peinture. Je n’avais accès qu’à une face de Bacon, même s’il m’entraînait dans sa nuit, presque pour parfaire sa légende…« (Franck Maubert)
Bacon donne une forme visuelle à l’angoisse et cette forme, comme l’angoisse elle-même, revient régulièrement. Bacon est magistral, la puissance de ses tableaux est presque obsédante. Son art n’est en rien « illustratif ». Les textes auxquels il se réfère lui inspirent des images, déconnectées de tous récits.
Dernier tryptique, des monstres qui hurlent dans Trois étudesde figure au pied d’une crucifixion, premier et décisif triptyque de Bacon de 1944, dont la seconde version, de 1988, est au bout de l’exposition, en un final terrible.
Second Version of Triptych 1944 [Seconde version du triptyque de 1944], 1988 Huile et peinture aérosol sur toile Chaque panneau : 198 × 147,5 cm Tate Gallery, Londres Presented by the artist, 1991
Un film sur la vie de Bacon conclue l’exposition
Les podcasts du Centre Pompidou Cette aide à la visite est proposée pour l’exposition « Bacon en toutes lettres » et permet de se laisser guider parmi les sources d’inspiration littéraires de l’univers de Francis Bacon très peu de cartels.
De Reynolds à Turner – Chefs-d’oeuvre de la Tate Britain Jusqu’au 16 février 2020 au Musée du Luxembourg 19, rue Vaugirard, 75006 Paris commissariat : Martin Myrone, conservateur en chef, Tate Britain Cécile Maisonneuve, conseiller scientifique, Réunion des musées nationaux -Grand Palais scénographie : Jean-Paul Camargo – Saluc
Ce sont 68 oeuvres exposées, presque à touche touche. Les années 1760, au début du règne de George III, ont marqué un tournant pour l’art britannique, avec l’ascension triomphante de Joshua Reynolds (1723-1792) et de Thomas Gainsborough (1727-1788), ainsi que la fondation de la Royal Academy of Arts dont Reynolds fut le premier président. Reconnus comme les maîtres du portrait, Reynolds et Gainsborough ont rivalisé pour élever le genre à des niveaux d’innovation visuelle et intellectuelle inédits. Ils ont su faire honneur aux grands maîtres, tout en faisant preuve d’une grande perspicacité psychologique et d’une maîtrise de la peinture sans cesse réinventée.
Joshua Reynolds L’Honorable Miss Monckton 1777-1778 Huile sur toile 240 × 147,3 cm Légué par Sir Edward Stern en 1933 Londres, Tate, N04694
L’exposition L’Âge d’or de la peinture anglaise s’ouvre par la confrontation des deux peintres, à travers des portraits en pied et des études intimistes, à la ressemblance frappante, de notables, de membres de la famille royale ou de personnalités. Les ambitions intellectuelles et références historiques de Reynolds contrastent alors avec l’instantanéité et l’aisance picturale de Gainsborough. À eux deux, ils ont redéfini l’art britannique et ont hissé la nouvelle génération vers de nouveaux sommets. Leur influence durable est ensuite explorée à travers une sélection de portraits majeurs réalisés par leurs concurrents directs ou par leurs disciples, attirés pour la plupart par la nouvelle Royal Academy, notamment John Hopper, William Beechey et Thomas Lawrence. Soutenue par le roi, mais aussi et surtout par les acteurs du commerce et de l’industrie, la peinture britannique s’épanouissait dans une diversité de styles, qui fut alors perçue par les contemporains comme le signe d’un âge d’or artistique.
Joshua Reynolds Master Crewe, en Henry VIII George Romney Mr et Mrs William Lindow Joshua Reynolds Miss Crewe
Sont ensuite abordés des thèmes alors en vogue comme celui de la lignée, de la famille et du foyer dans les portraits et la peinture de genre. L’époque a vu naître un nouveau regard sur l’enfance, caractérisé par des accents intimes et une apologie de la décontraction. Les représentations de la famille et de l’innocence enfantine illustrent alors une nouvelle compréhension de la nature et de l’émotion. La section suivante développe ce thème en s’intéressant aux peintures représentant la vie de tous les jours, en particulier la vie rurale.
George Stubbs Un Hunter gris avec un palefrenier et un lévrier à Creswell Crags Vers 1762-1764 Huile sur toile
D’importants travaux de Gainsborough (dans son rôle préféré de peintre paysagiste), de George Stubbs et de George Morland montrent la nouvelle attention portée au pittoresque, alors que l’extraordinaire portrait de Reynolds, The Archers (Les Archers), met le concept de nature sauvage au service d’une nouvelle image héroïque de la classe dirigeante britannique.
Reynolds, The Archers (Les Archers)
Une section plus resserrée illustre ensuite la présence de la Grande-Bretagne en Inde et dans les Antilles, rappelant que le progrès artistique et culturel du pays était, essentiellement, fondé sur l’exploitation politique et commerciale de territoires outre-mer. Une sélection d’oeuvres sur papier montre parallèlement l’essor formidable en Angleterre d’une autre forme d’expression picturale : l’aquarelle, qui permet à de nombreux d’artistes de se faire remarquer, tout en répondant au besoin d’une nouvelle société d’amateurs.
Alexander Cozens (1717-1786) Une tache : composition de paysage Vers 1770-1780 Aquarelle et mine de plomb sur papier
Reynolds, en tant que Président de la Royal Academy, définit de nouvelles ambitions pour l’art britannique, centrées sur la peinture d’histoire, seul genre permettant à un artiste de s’accomplir pleinement, même s’il constatait lui-même que les mécènes étaient rarement enclins à soutenir ce genre si noble. Les portraits, les paysages et les scènes de la vie quotidienne prospéraient en revanche, et la variété même de l’art britannique dans ces domaines semblait relever d’un génie propre au pays, affranchi des règles et des conventions. La peinture d’histoire se développa toutefois en Grande Bretagne et subit au cours de cette période une transformation radicale.
Henry Fuseli Le Rêve du berger, inspiré du « Paradis perdu » de Milton 1786 Huile sur toile
La dernière partie de l’exposition montre comment les artistes britanniques ont fait évoluer la figuration narrative pour l’emmener vers le sublime. Les travaux d’Henri Fuseli, de John Martin et de P.J. De Loutherbourg, ainsi que l’oeuvre de J.M.W. Turner,(exposition à Lucerne) ont ouvert la voie à une nouvelle conception de l’art comme support de l’imaginaire.
Joseph Mallord William Turner La Tamise près de Walton Bridge 1805 Huile sur placage d’acajou
Longs cartels explicatifs, contrairement à la sobriété de l’exposition Bacon au centre Pompidou, où les textes accompagnant les oeuvres sont lus dans des petites salles par des artistes. (billet en cours)
Musée du Luxembourg 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
horaires d’ouverture: tous les jours de 10h30 à 19h, nocturne jusqu’à 22h le lundi.
accès : M° St Sulpice ou Mabillon Rer B Luxembourg Bus : 58 ; 84 ; 89 ; arrêt Musée du Luxembourg / Sénat
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King Kong « L’Affaire Makropoulos » (2007) de Malgorzata Szczęśniak Ouvrant de manière spectaculaire l’exposition Opéra Monde, un immense King Kong se déploie dans le Forum. Cette sculpture conçue par la créatrice polonaise Malgorzata Szczęśniak pour la mise en scène de L’Affaire Makropoulos (de Leoš Janáček par Krzysztof Warlikowski) est la plus imposante jamais réalisée par les ateliers de l’Opéra national de Paris. Cette œuvre monumentale vous plonge dans l’univers hors limite de l’opéra et de son dialogue avec le cinéma. Par ailleurs architecte scénographe de l’exposition Opéra Monde, Malgorzata Szczęśniak transforme la Galerie 3 en une déambulation labyrinthique à travers les coulisses d’un décor d’opéra.
Jusqu’au 23 SEPTEMBRE 2019 au MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE DIJON Entrée gratuite pour tous Commissaires de l’exposition FRANCK GAUTHEROT, directeur du Consortium Museum de Dijon DAVID LIOT, directeur des musées de Dijon
YAN PEI-MING
Composée d’une trentaine d’oeuvres, cette exposition se déploie dans l’ensemble du musée et met en lumière un peintre contemporain majeur. Tel un journal intime l’exposition explore les vicissitudes de l’artiste face à la brutalité du monde. Elle rend hommage à sa mère et à ses amis récemment disparus. L’Homme qui pleure met en lumière la vision très personnelle d’un homme meurtri par la violence de la vie et qui continue à se battre.
YAN PEI-MINGSeptember 11th 2001 (2011)
Entre drames intimes et planétaires Dans la première salle, l’oeuvre September 11th 2001 (2011) campe les Twin Towers comme deux personnages en péril. Artiste à genoux (2012) accueille le visiteur. Yan Pei-Ming se recueille, tête baissée, demande le pardon du monde qui s’écroule, le pardon de ses proches.
Yan Pei-Ming,Fukushima, 11 mars 2011 (2011)
Yan Pei-Ming Le chien qui crie
Dans la seconde salle, les chiens hurlent de toute la puissance de leur mâchoire devant Fukushima, 11 mars 2011 (2011). Face à l’explosion de la centrale, résumée par Yan Pei-Ming au moment d’après, il ne reste que le panache énorme d’une fumée de tous les dangers radioactifs. Dans la troisième salle, les oiseaux noirs tournoient ou se posent autour de portraits de femmes voilées sous les yeux ouverts mais morts de l’Oncle aveugle (2019). Ils interrogent l’enfermement, sociétal ou physique, la liberté d’action et de mouvement.
Yan Pei-Ming
Invisible Women
Yan Pei-Ming
La dernière salle annonce l’effroi devant le tragique. Le Selfportrait at Four Ages (2006) fabrique un temps en quatre saisons : la jeunesse, l’âge adulte, le gisant mort et la vanité (le crâne) tandis que ses fleurs noires portent les messages des vivants aux morts.
Yan Pei-Ming
Fabian Stech,
Xavier Douroux
À travers Fabian Stech, portrait d’un ami (11/2015) et Xavier Douroux, portrait d’un ami (2019), Yan Pei-Ming rend hommage à ses amis décédés qui ont tant compté dans sa vie. Fabian Stech (1964-2015), fauché au Bataclan, le 13 novembre 2015 et Xavier Douroux (1956-2017), un des fondateurs et directeurs du Consortium, vaincu par la maladie, à l’aube de la soixantaine. Dans un entretien en 2005, Yan Pei-Ming, apaisé, confirme à Fabian Stech que le thème de la mort traversera toujours son oeuvre et ajoute : Plus j’avance, plus je me sens libre, plus j’ai envie d’exprimer un sentiment général d’humanité » Cette année, au coeur d’un musée rénové des Lumières, le peintre exprime sa liberté, son humanisme et sa générosité. Témoin engagé d’un monde qui vacille, l’Homme qui pleure garde intacte son énergie plastique et sa « folie créatrice ». Lueurs d’espoirs, ses morts le sont assurément.
Yan Pei-Ming
« L’aquarelle à l’eau des larmes », une salle spécifique Dans l’espace d’exposition temporaire, les Pleurants, suite d’aquarelles d’après les 82 pleurants des cénotaphes des ducs de Bourgogne s’adjoignent une peinture et une autre série d’aquarelles : Ma mère (2018), cinq feuilles d’aquarelles qui réitèrent dans l’encre lavée l’image de sa défunte mère. Dans la même salle une série d’autoportraits et les funérailles du Pape.vidéo
Yan Pei-Ming
Un peintre contemporain au musée des Beaux-Arts Dans la salle des Tombeaux le triptyque Ma mère – Souffrance • Espoir • Effroi (2018), portraits de la mère de l’artiste au tournant fatal de sa vie, se dévoile avec à ses pieds les cénotaphes des ducs entourés des Pleurants.
Yan Pei-Ming, Ma mère – Souffrance • Espoir • Effroi (2018)
Loin des mouvements artistiques des années 80, autour de l’art conceptuel et de l’installation, Yan Pei-Ming défend la peinture avec énergie et, au fil de sa carrière, va revisiter la peinture européenne du XVIIe siècle à nos jours. Il n’hésite pas à l’interpréter par un jeu infini de détournements, une écriture plastique spontanée et un sens de la polysémie
Yan Pei-Ming d’après Goya (Tres de Mayo)
Sans oublier,Game of Power, avec le portrait des dictateurs actuels.
Au sein du parcours permanent La Vocation de saint Matthieu ; Le Martyre de saint Matthieu, d’après Caravage (2015) et L’Exécution, après Goya (2012) confirment ce dialogue entre art contemporain et peinture d’histoire.
Palais des États et des ducs de Bourgogne Place de la Sainte-Chapelle – DIJON dmp@ville-dijon.fr Tél. : (+33) 3 80 74 52 09 / musees.dijon.fr Entrée gratuite pour tous Les horaires d’ouverture de l’exposition sont ceux du musée des Beaux-Arts Ouvert tous les jours sauf le mardi, du 17 mai au 31 mai : de 9h30 à 18h du 1er juin au 23 septembre : de 10h à 18h30 Navette Divia City gratuite depuis l’arrêt Foch Gare SNCF (Boulevard de Sévigné en dessous de la Gare) qui vous dépose à l’arrêt théâtre, juste à côté du musée
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Jusqu’au 30 septembre 2019, le Centre Pompidou-Metz présente une exposition monographique consacrée à Lee Ufan (vidéo)
Ma première rencontre avec les oeuvres de Lee Ufan date de 2004, présentées à la Fondation Fernet Branca, grâce à Jean-Michel Wilmotte, architecte de renommée internationale et grand connaisseur de la culture coréenne, qui a réussi la rénovation et transformation des anciennes usines, en centre d’art contemporain. Dans l’intimité du lieu, elles dégageaient une sérénité contagieuse. A Versailles, c’est « l’Eloge du peu » qui tient toutes ses promesses »
« Je suis hostile à l’industrialisation illimitée, au consumérisme de masse résultant d’un productivisme effréné. Je suis opposé à ce que les hommes veuillent former le monde selon l’image qu’ils s’en font. Par conséquent, si contradictoire que cela puisse paraître, je crée dans le but de ne pas créer. » (Lee Ufan, Tension précaire, op.cit., p.197)
Le parcours a été conçu par l’artiste et le commissaire de l’exposition comme un cheminement d’expérience en expérience, à la manière d’une initiation à un nouveau langage, en dehors des codes et des références traditionnelles de l’art contemporain. À chaque « station » du chemin, une sélection d’œuvres révèle un concept, une façon d’envisager l’art. Certaines salles sont aussi la déclinaison de ce concept à partir d’un matériau en particulier.
Lee UfanRelatum
Jean-Marie Gallais, commissaire de l’exposition, explique : « Ce n’est pas une rétrospective au sens classique du terme, il s’agit plutôt d’une traversée de l’œuvre dans sa quête de redéfinition de l’art. Nous n’avons pas cherché à montrer « tout » Lee Ufan, ni à suivre un parcours chronologique, mais plutôt à montrer comment l’artiste a élaboré des concepts et des principes. On retrouve dans l’exposition la plupart des typologies d’œuvres et de matériaux déployés par Lee Ufan, mais aussi des moments de transition, des pièces charnières qui dévoilent comment une réflexion mène à une autre. Le lien entre une idée, une pensée et une forme ou une expérience, est particulièrement rendu sensible. Ce choix d’œuvres a été fait en concertation et en dialogue constant avec l’artiste, qui a veillé à un équilibre entre peintures, sculptures et installations, œuvres anciennes et récentes. »
Lee Ufan, Relatum
La notion de doute, fondamentale pour Lee Ufan, lui permet d’interroger le principe même de la peinture et de la sculpture, et de dépasser la question de l’ego de l’artiste. Les œuvres présentées au Centre Pompidou-Metz révèlent aussi cet aspect du travail, répondant à la volonté d’atteindre le « non-peint », le « non-sculpté », comme le dit Lee Ufan, afin de créer une relation la plus pure possible entre l’intérieur et l’extérieur de l’œuvre, entre l’énergie et l’immobilité, suggérant différentes façons d’ « habiter le temps. »
Lee Ufan naît en 1936 au sud de la Corée, dans une famille imprégnée d’une morale stricte aux idéaux confucéens. « Lorsque j’essaie de vivre en tant que Coréen, ma vie créatrice s’appauvrit et, si je tente de vivre en tant qu’artiste, je m’éloigne des Coréens » (Lee Ufan, Tension précaire) Face à ce dilemme, il cherchera à trouver un équilibre en prenant à rebours la pratique artistique, afin d’atteindre un langage universel non auto-référencé, un « au-delà » de l’art, une pratique de l’humilité où l’artiste disparaît derrière son œuvre.
Le départ de Lee Ufan pour le Japon, après sa première année à l’université, est une étape importante dans la construction de son identité. Il rejoint son oncle et va y apprendre le japonais et suivre des cours de philosophie contemporaine à partir de 1957. Lee Ufan cherche alors refuge dans la pratique artistique, mêlée à une lecture phénoménologique de l’existence inspirée de ses lectures de philosophes occidentaux, notamment de l’analyse de la perception par Maurice Merleau-Ponty, mais aussi les écrits d’Heidegger ou Foucault.
Traditionnellement, la perception est définie comme l’activité de l’esprit par laquelle un sujet prend conscience d’objets et de propriétés présents dans son environnement, sur le fondement d’informations délivrées par les sens.
La phénoménologie est en effet fondatrice dans la naissance du mouvement Mono-ha au Japon en 1968, dont Lee Ufan est l’un des principaux théoriciens et représentants. Cette « Ecole des choses » sonde les relations qui naissent de la rencontre entre des éléments naturels et industriels, sur lesquels les artistes n’interviennent presque pas, dans des installations éphémères au vocabulaire ascétique. Mono-ha établit des connexions entre l’art et la philosophie, dans un esprit anticonsumériste. On trouve dans le travail de Lee Ufan, jusqu’aux œuvres les plus récentes, ce parti pris d’économiser le geste pour critiquer l’hyper productivité et la saturation des images de la société et du monde de l’art contemporains.
Lee Ufan développe ensuite sa pensée au fil des expositions, faisant évoluer ses gestes d’une série à l’autre, glissant toujours aussi allègrement entre la peinture, la sculpture ou l’installation. L’exposition du Centre Pompidou-Metz dresse un portrait par les œuvres de cet artiste qui s’efforce à travers ses créations, de considérer l’art comme un moyen d’appréhender notre rapport au monde. L’œuvre de Lee Ufan est une invitation à ralentir, à quitter le monde du déferlement des images et de la représentation, pour se recentrer sur la perception. Un chemin de méditation qui peut autant partir d’un détail insignifiant comme de l’infini : « Ce n’est pas l’univers qui est infini, c’est l’infini qui est l’univers. » rappelle l’artiste.
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Dans la cavité centrale, il a ensuite fait couler une résine végétale rouge rappelant la sève de l’arbre, avant de placer des éléments en terre cuite portant l’empreinte de son propre corps. Les branches du sapin, qui saison après saison contribuèrent à sa croissance, servent à présent de support au tronc renversé qui repose sur un vaste tapis de cuir.
OEuvre emblématique de Giuseppe Penone, Matrice di linfa témoigne du contact entre l’artiste et l’arbre, elle représente une sorte de « matrice »
« Les graines de semence ne doivent pas être moulues ! »
L’appel de la mort
En cela, elles s’affranchissent aussi du point d’interrogation préférant
Dans sa série Liquid Landscape, Katrin Freisager crée des paysages
Cette installation vidéo à 2 canaux traite du mot, du langage et leurs
Dans une courte séquence onirique, une tache imprévisible se
Ses oeuvres ont été récompensées maintes fois et ont été présentées et collectionnées à travers le monde. 
Cette vidéo rend hommage à Johnny Cash tout en le critiquant. Elle
Study for the Human Body
Thomas Gainsborough, Gainsborough Dupont (détail), vers 1770-1775,
Joshua Reynolds
Henry Fuseli Le Rêve du berger, inspiré du « Paradis perdu » de Milton
