James Ensor, les masques intrigués.

James Ensor, les masques intrigués.
Du Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers et des collections suisses
Commissaire : Nina Zimmer
Jusqu’au 25 mai 2014 au Kunstmuseum Basel

James Ensor Die Intrige, 1890 Öl auf Leinwand, 90 x 150 cm Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Die Intrige, 1890 Öl auf Leinwand, 90 x 150 cm
Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

« Je n’ai pas d’enfants, mais la lumière est ma fille, complètement et sans partage »

Des masques, fantômes, crânes, squelettes et autres figures macabres qui se juxtaposent en de bizarres arrangements : l’oeuvre de l’artiste belge James Ensor (1860 –1949) est grotesque, ironique, parfois agressive et provocateur, mais toujours portée par un humour profond.
L’intrigue, 1890, peut émaner autant du Carnaval d’Ostende, que représenter les passions qui agitent la vie des hommes, une réflexion philosophique dans les Masques se disputant un pendu. Sa technique brutale, son utilisation des couleurs qui s’opposent sans harmonie, donnent beaucoup de relief, à son expression presque surréaliste, ses écriteaux allusifs, nous placent devant devant le débat entre les bons et les mauvais, entre la vie et la mort. Des artistes comme Alfred Kubin, Paul Klee et les expressionnistes allemands Emil Nolde et Ernst Ludwig Kirchner se sont inspirés au début du XXème siècle de sa force créatrice et de son déni radical de l’idéal de beauté propre à l’histoire de l’art occidental.
James Ensor Der Fall der rebellischen Engel, 1889 Öl auf Leinwand, 108 x 132 cm Königliches Museum für Schöne Künste, Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Der Fall der rebellischen Engel, 1889 Öl auf Leinwand, 108 x 132 cm
Königliches Museum für Schöne Künste, Antwerpen
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

Une rétrospective au Musée d’Orsay et au Museum of Modern Art à New York en 2009 a rendu définitivement ses travaux célèbres au niveau international.
Ensor à ses débuts s’est adonné au pleinairisme et fut un compagnon de route du réalisme européen et du naturalisme. Dans un deuxième temps, il a développé une variante spécifiquement belge du symbolisme. Dans sa phase de création la plus connue, le grotesque devient la caractéristique principale de son art. C’est un précurseur le l’expressionnisme. James Ensor est né à Ostende en 1860. Ce milieu original exerce une influence déterminante et durable sur le peintre, comme il le reconnaît plus tard :
 » Mon enfance a été peuplée de rêves merveilleux et la fréquentation de la boutique de la grand’mère toute irisée de reflets de coquilles et des somptuosités des dentelles, d’étranges bêtes empaillées et des armes terribles de sauvages m’épouvantaient […] certes le milieu exceptionnel a développé mes facultés artistiques ».
Dès les premières manifestations de sa vocation, le jeune homme peut sans doute compter sur le soutien de son père, un homme intellectuel et sensible Il réalise son premier tableau important à l’âge de 19 ans.
James Ensor Badewagen, Nachmittag des 29. Juli 1876 Öl auf Karton, 18 x 23 cm Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Badewagen, Nachmittag des 29. Juli 1876 Öl auf Karton, 18 x 23 cm Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

En quête de modernité, formé à l’Académie de Bruxelles, à laquelle il s’inscrit en 1877, Ensor en rejette rapidement l’enseignement et préfère revenir travailler dans sa ville d’Ostende dès 1880. A l’exception de quelques voyages à Londres, au Pays-Bas ou à Paris, et de nombreux passages à Bruxelles, il y demeure jusqu’à la fin de ses jours. Après son séjour dans la capitale belge, il se met à élaborer son univers personnel, explorant son environnement dans de nombreuses peintures et dessins.
Au cours des dix années de vie du groupe des XX, Ensor précise son propos plastique, réalisant notamment la série de dessins les auréoles du Christ ou les sensibilités de la lumière, lançant son cycle exceptionnel de gravures et découvrant ensuite, à travers les thèmes du masque et du squelette, la manière de répondre, dans le cadre du symbolisme ambiant mais de manière toute personnelle, à ses angoisses et à sa vision du monde. Ensor réalise des paysages, des natures mortes, des portraits ainsi que des scènes de genre mettant en scène sa soeur, sa mère, sa tante.
James Ensor Die Austernesserin (Im Land der Farben), 1882 Öl auf Leinwand, 207 × 105 cm Königliches Museum für Schöne Künste, Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Die Austernesserin (Im Land der Farben), 1882 Öl auf Leinwand, 207 × 105 cm Königliches Museum für Schöne Künste, Antwerpen
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

La mangeuse d’huîtres, oeuvre majeure de la période, conjugue magistralement ces divers genres picturaux. On y voit sa soeur Mitche absorbée par un repas d’huîtres. Une profusion de fleurs, d’assiettes et de linge de table se déploie devant elle, La mangeuse d’huîtres. Paris 2009.
Ensor n’a cessé de se représenter. Jeune, fringant, plein d’espoir et de fougue, triste mais somptueux parfois, ainsi apparaît-il dans ses premiers tableaux. Bientôt cependant il laisse exploser sa rancoeur en soumettant son image à de multiples métamorphoses. Il est un hanneton, il se déclare fou, il se « squelettise »…
James Ensor Der Schmerzensmann, 1891 Öl auf Holz, 21,9 x 16 cm Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Der Schmerzensmann, 1891 Öl auf Holz, 21,9 x 16 cm Königliches Museum für Schöne Künste Antwerpen
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

Il s’identifie au Christ puis à un pauvre hareng saur. Il se caricature, se ridiculise. L’ensemble paraît distiller la quintessence des peintures de Bosch, Bruegel et Goya, amalgamé avec une technique d’une agressivité chromatique particulière, un violent empâtement et une grande rudesse des formes. Le procédé consistant à traduire certains détails, comme la main du personnage tenant un enfant, en teintes obscures, mises en valeur, par des touches lumineuses, appliquées ultérieurement, rappelle les « peintures noires » de Goya.
James Ensor Die schlechten Ärzte, 1895 Kupferradierung Platte: 17,8 x 25,2 cm, Blatt: 27,7 x 36,3 cm Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett, erworben 1928, Inv. 1928.283 © 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich
James Ensor
Die schlechten Ärzte, 1895
Kupferradierung
Platte: 17,8 x 25,2 cm, Blatt: 27,7 x 36,3 cm
Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett,
erworben 1928, Inv. 1928.283
© 2014, Lukas-Art in Flanders vzw, Foto Hugo
Maertens und d/arch / ProLitteris, Zürich

En 1933, il est proclamé « Prince des peintres »; il mourra couvert d’honneurs, mais ceux-ci semblent lui avoir échu trop tard. Le musée royal des Beaux-Arts d’Anvers possède la plus grande et la plus importante collection au monde d’oeuvres d’Ensor. La fermeture prolongée du musée pour des travaux d’assainissement offre l’opportunité d’accueillir l’ensemble de cette collection formidable, complétée par une sélection de dessins montrés parfois pour la première fois, ainsi qu’un ensemble de peintures en provenance de collections suisses et des gravures issues du cabinet des estampes du Kunstmuseum Basel.
photos courtoisie du Kunstmuseum Basel

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La Punta Della Dogana et le Palazzo Grassi

Mon coup de cœur va à la Punta della Dogana.

La Pointe de la Dogana est une pensée de pierre, qui fait éprouver à qui la contemple, d’où qu’elle soit regardée, la certitude qu’il existe pour chacun une juste place en ce monde, qu’il est possible de découvrir sa place, et que ce jour-là la vie deviendra aussi simple, évidente et sereine que l’est son triangle.  (extrait du catalogue)


 

Benoni (1677) a construit un bâtiment destiné au travail, au commerce, à la circulation des marchandises et de l’argent. Au contraire ces symboles vénitiens du pouvoir, de la fête et de la foi, ses murs demeurent presque exempts d’ornementation superflues, de statues, d’allégories. La fortune sculptée par Bernardo Falconi a aussi le sens de la « tempête »
Grâce à François Pinault et son architecte Tadao Ando, (2008) elle est un trait d’union plein de charme entre passé et futur. Tout en respectant la structure du bâtiment il a créé, au sein du bâtiment un endroit remarquable pour les expositions d’art contemporain.
La lumière naturelle, secondée par un système  ingénieux permet un éclairage judicieux des œuvres.
Par les fenêtres, on peut avoir des points de vue remarquables sur la place San Marco, ou sur les îles.
La sobriété du lieu, permet une mise en valeur formidable des œuvres exposées. Même si pour beaucoup d’entre elles, je les ai  croisées comme les frères Chapman, Ty Twombly, Maurizio Cattelan, Sigman Polke, Cindy Sherman, Fischli et Weiss, Paul McCarthy et Jeff Koons et j’en oublie à Art Basel, ou ailleurs, j’ai pris un plaisir infini à visiter autant la Dogana que le Palazzo Grassi.
Les photos y sont interdites, mais en cliquant sur les liens, vous aurez un large aperçu des oeuvres exposées.
Je vous renvoie au texte et aux vidéos (un mélange de biennale et de Dogana) qui parlent d’elles-mêmes.

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La petite fille au ruban bleu

Suite à la projection sur France 5, je remonte mon article de 2009, sur le portrait d’Irène Cahen d’Anvers peint par Renoir en 1880.

J’ai été émue, mais aussi très admirative, de ce portrait croisé à la fondation Bürhle à Zurich. J’ai tenté par mes lectures d’en remonter l’histoire.

Voici ce qu’en disait Henri Michaux :

« Dans le visage de la jeune fille est inscrite la civilisation où elle naquit. Elle s’y juge, satisfaite ou non, avec ses caractères propres. Le pays s’y juge encore plus, et si l’eau y est saine, légère, convenablement minéralisée, ce qu’y valent la lumière, le manger, le mode de vie, le système social…Le visage des filles, c’est l’étoffe de la race même, plus que le visage des garçons…Le visage est leur oeuvre d’art, leur inconsciente et pourtant fidèle traduction d’un monde…visages mystérieux portés par la marée des ancêtres… visage de la jeune fille à qui on n’a pas encore volé son ciel… visage musical qu’une lampe intérieure compose plus que ses traits et dont le visage de madone serait l’heureux aboutissement »

Le portrait de Mademoiselle Irène Cahen d’Anvers, peint par Renoir en 1880, aujourd’hui unanimement reconnu comme un pur chef-d’œuvre. Traduisant avec délicatesse la rêverie mélancolique d’une jeune fille, ses grands yeux ingénus, sa chevelure rousse déployée sur le dos et ses mains sagement posées sur les genoux – « peu d’œuvres ont réussi comme celle-ci à capter tout ce qui nous demeure inaccessible du monde intérieur d’un enfant », écrit à son propos Pierre Assouline –, ce tableau n’eut pourtant pas une vie facile. Dès sa conception, l’œuvre déplaît fortement à la famille Cahen d’Anvers, et plus encore à la jeune Irène, qui déteste ce portrait d’elle-même et le détestera toute sa vie. Le chef-d’œuvre, comble d’infamie, sera relégué dans un placard, avant d’être recueilli, en 1910, par la propre fille d’Irène, Béatrice, offert par sa grand’mère la Comtesse Cahen d’Anvers.
Renoir et les Cahen d’Anvers se séparèrent dans de mauvaises conditions. Mécontents du travail de l’artiste, ils firent accrocher ces 2 tableaux (le pendant étant les 2 sœurs Elisabeth et Alice – Rose et Bleu) dans les communs de leur hôtel. On ne pouvait être plus méprisant, il mirent du retard à régler Renoir, d’autant plus qu’aucun prix n’avait été fixé par avance. Finalement avec mauvaise grâce, ils lui firent remettre 1 500 francs (1880). C’était plus qu’il n’avait jamais touché, mais nettement moins que ce qui se pratiquait ailleurs. D’autant plus que les Cahen d’Anvers étaient parmi les commanditaires présentés les plus riches.
Fort déçu de tant de pingrerie Renoir en eut des accès de mauvaise humeur antisémite que seule put tempérer la présence du portrait d’Irène dans une expositionà la galerie Durand-Ruel deux ans après.
Pour la petite fille au ruban bleu ce fut le début d’une presque légende.
Irène Cahen d’Anvers se laissa épouser par le comte Moïse de Camondo, à 19 ans le 15 octobre 1891. Elle se sépara du comte Moïse de Camondo, se convertit au catholicisme pour épouser celui qui avait entraîné les chevaux des écuries des Camondo, le comte Charles Sampieri.
C’est ainsi que la toile retourna dans la famille Cahen d’Anvers.
Trois décennies plus tard, la guerre s’abat sur les Cahen d’Anvers et les nazis raflent familles et tableaux. Le portrait de Mademoiselle Irène Cahen d’Anvers, dont la valeur, entre-temps, est devenue inestimable, (tombe entre les mains de Goering, qui le cède à un certain Georg Bührle), riche industriel suisse d’origine allemande, pourvoyeur d’armes lourdes pour la Wermacht et gros acheteur de tableaux volés. Léon Reinach époux de Béatrice de Camondo tente en vain de récupérer le tableau.
Mais à la Libération, Irène Cahen d’Anvers, ex-de Camondo et désormais comtesse de Sampieri, découvre dans l’exposition
« Chefs-d’œuvre des collections françaises retrouvés en Allemagne » une liste d’objets d’art pillés, la trace de son Renoir, et entreprend de le récupérer. La spoliation est manifeste, pour un tableau aussi connu et maintes fois exposé, et dont les légitimes propriétaires, Béatrice et Léon Reinach, ont disparu dans les camps. Aussi Irène héritière de sa fille, récupère-t-elle son tableau, mais c’est pour s’apercevoir qu’il lui déplaît toujours autant..
L’ex-épouse de Moise de Camondo, Irène devenue catholique et comtesse de Sampieri, divorcée du compte Sampieri, échappa aux nazis. Elle récupéra la fortune des Camondo par l’héritage Reinach après la guerre, et la dilapida.
Pauvre Renoir ! Rarement œuvre fut plus haïe par son modèle ! En 1949, elle le met en vente dans une galerie parisienne. Un amateur, aussitôt, s’en porte acquéreur. C’est… Georg Bürhle. Le portrait reprend le chemin de la Suisse, en toute légalité cette fois, et c’est ainsi qu’il se trouve aujourd’hui à Zurich, à la Fondation Bührle.
Dans le film que je viens de voir sur France 5, la cession par Goering à Bührle semble moins sûre.

D’après les dernières informations connues, il semblerait que c’est Irène Cahen d’Anvers qui aurait mis elle-même son  portrait en vente. Ce serait à  cette occasion que Monsieur Emil Bührle s’en est porté acquéreur. Il aurait aussi rendu les oeuvres spoliées à leurs propriétaires ou héritiers.

Kunsthaus, la Collection Emil Bührle

En 2021, à l’occasion de l’ouverture de l’extension du Kunsthaus, la Collection Emil Bührle, collection privée de renommée internationale, entrera au Kunsthaus. Le projet prévoit de placer les 166 tableaux et 25 sculptures de cette collection près de la section consacrée à l’art moderne afin d’offrir au public une continuité temporelle dans la présentation, dans un espace d’environ 1000 m2 spécialement conçu pour elles. Le regroupement des collections du Kunsthaus et de la Fondation Bührle dans un seul espace donnera naissance au plus important pôle européen de peinture impressionniste française après Paris.

Pour Zurich et la Société zurichoise des beaux-arts, la participation active d’Emil Bührle aux destinées du Kunsthaus a toujours été précieuse. Des dons comme les monumentaux tableaux de nymphéas de Claude Monet ou la Porte de l’Enfer d’Auguste Rodin sont désormais des incontournables de la collection. En finançant l’aile destinée aux expositions, Emil Georg Bührle a permis dans les années 1950 la naissance d’une plateforme dédiée à des événements originaux, où aujourd’hui encore, le public entre directement en contact avec l’art. Le travail de médiation culturelle auquel cette spectaculaire collection privée donnera lieu abordera bien sûr l’histoire de l’art, mais envisagera également la problématique des recherches de provenance, en replaçant les activités de l’entrepreneur et collectionneur Emil Georg Bührle (1890-1956) dans le contexte de l’histoire suisse.

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