Raoul Dufy est plaisir


 Rien qu’une écriture, soit, mais quelle science d’écrire !

« Tout dessin de Raoul Dufy est en quelque sorte sa signature et ce qu’on est convenu d’appeler signature inimitable. (…) Car rien ne tombe de plus haut ni ne forme des entrelacs plus rapides qu’un fil de miel si ce n’est l’arabesque dont notre duffy-les-pecheurs-de-ste-adresse.1229297108.jpgpeintre couvre sa feuille. D’un bout à l’autre elle tombe de lui vertigineusement. Et n’allez pas croire qu’il n’a qu’à se pencher et à tendre la main pour que l’arabesque s’écoule. Il la médite et la projette avec la science infaillible de la dentellière et de l’araignée. « 

JEAN COCTEAU

 

 

 

L’ exposition rassemble 120 peintures, 90 oeuvres graphiques (dessins, gravures, livres illustrés), 25 céramiques, 30 tissus et quelques vêtements.

 

Le Musée d’Art Moderne de la vIlle de Paris présente une importante rétrospective de l’oeuvre de Raoul DuFy

La trajectoire artistique de Dufy, qui accompagne les avant-gardes parisiennes du début du siècle, en fait un peintre très original. Très tôt, ses recherches mettent l’accent sur la couleur/lumière, sur son goût pour l’arabesque ainsi que sur de nouveaux procédés (procédé Maroger) et la redécouverte de certaines techniques (la xylographie). L’exposition met particulièrement en évidence ses remarquables séries (bords de mer, rues pavoisées, ateliers, cargos noirs, etc.) qui définissent un processus de création original. L’accent est mis aussi sur les rapports de son oeuvre décorative avec sa peinture.
Cette rétrospective se propose de renouveler notre regard sur une oeuvre qui a beaucoup séduit ses contemporains, mais qui reste dans l’esprit du public d’aujourd’hui, aussi synonyme de virtuosité, de couleur et d’une certaine « légèreté » :
L’écrivain américain Gertrude Stein, en 1946, dans un texte consacré à Dufy, s’exclame : « Raoul Dufy est plaisir », rappelant ainsi que l’oeuvre de Dufy, dans les années les plus sombres, conservait son pouvoir de séduction par la couleur et sa capacité à exprimer la joie de vivre.
Le parcours de l’exposition s’articule chronologiquement : Tout d’abord, ses années fauves (1906-1907) engagent magistralement sa carrière et entament le principe des tableaux en série, une série de la plage de Ste Adresse omniprésente.

Vers 1908- 1912, Dufy s’intéresse intensément à Cézanne, telle dans la grande baigneuse de 1911, dufy-la-grande-baigneuse.1229294403.jpgau maillot bleue, à la peau noire et rose, un visage qui renvoie au masque  des demoiselles d’Avignon de Picasso, ou à Gauguin, ou à des personnages de la fée électricité, au jeu de couleurs changeantes, aux couleurs superposées, aux hachures au-dessus de le front ceint d’un bandeau rouge, assise sur une serviette blanche, quelques maisons cylindriques blanches mettent celle-ci en valeur. Il réduit sa gamme chromatique, et géométrise les formes, jusqu’à la mise en place d’un style personnel qui procède de son aventure décorative commencé en 1909-1910, se prolongeant pendant toute l’entre-deux-guerres avec des thèmes privilégiés (le paysage, la fenêtre ouverte).

Une autre palette de son talent inconnu de moi jusqu’alors, nous me montre comme un  talentueux créateur de tissus pour Paul Poiret et Bianchini-Férier, ainsi qu’un brillant décorateur de céramique grâce à sa collaboration avec le céramiste Artigas. Enfin les vingt-cinq dernières années de sa vie (1938-1953) sont placées sous le signe de la vitesse, de la couleur et de la lumière. Les séries, variations inlassables sur des thèmes qui lui sont chers (cargos, hommages aux musiciens, ateliers), lui permettent de renouveler une fois encore sa technique picturale.

Sacrément foisonnant Dufy., c’est exercé à tous les médiums, aquarelles gouache, fusain, crayon, xylographie, illustration des grands auteurs, comme le poète assassiné d’Appolinaire ou les Madrigaux de Mallarmé, rien ne lui est étranger, la décoration, les tissus, il passe aux grands formats, aux fenêtres de Matisse, à la couleur de Bonnard, comme nombre d’entre eux, il a peint le peintre et son modèle.
C’est un enchantement pour les yeux entre matière et lumière.

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François Morellet raison et dérision

Au Musée Würth, Estein jusqu’au 3 février 2009

Depuis les années 1950, François Morellet élabore un art géométrique, systématique généré par des systèmes de combinaisons de formes : superposition, fragmentation, juxtaposition, interférence. Dès les années 60, s’inspirant de Sophie Trauber-Arp et de Jean Arp, il introduit le hasard dans ses systèmes, en tant que facteur perturbateur. Il rejoint le groupe G.R.A.V. (groupe de recherche d’art visuel) dont il est l’un des créateurs et qui a fait sensation avec ses installations interactives.( « Labyrinthe »).
Hasard, absurdité, ambivalence, humour, parodie, jeux de mots, voilà l’univers de François Morellet, où il se meut avec délectation. Ce jeune homme de 82 ans, derrière la rigueur de la géométrie, parodie, assemble, force néon, bandes adhésives noires, peinture, bois, miroir et toile. Morellet procède comme Duchamp, ne s’intéressant pas à l’œuvre mais au geste par lequel il exprime sa propre dérision.

« J ‘aime bien Duchamp quand il fait n’importe quoi, en montrant bien que c’était n’importe quoi. J’aime bien cette distance qu’il a mise entre lui et ce qu’il a fait, laissant les spectateurs libres de déballer leurs propres et géniaux piques-niques »

Il reste malgré tout fidèle à l’art géométrique et systématique. Ses oeuvres ne véhiculent pas d’emblée leur ambiguité, elle n’est dévoilée qu’après l’assimilation d’informations données par FM, le titre, le contexte. 40 oeuvres créées entre 1960 et 2008 de sa propre collection, ainsi que celles issues de la collection Würth et des prêts d’autres collectionneurs constituent cette exposition.
Ces œuvres portent des titres aux noms évocateurs, comme : Relâche, Débandade, Lamentable, Strip-teasing etc… Des œuvres de dix autres artistes mettent en perspective son travail géométrique : Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Sophie Trauber-Arp, Jean Arp, Paul Klee, Robert Filliou, Bertrand Lavier et JM Armleder. Ces dernières associent de la même manière art concret et humour, légèreté et intelligence humouristique, et parfois des jeux de mots. Moi dont les mathématiques et la géométrie, ne sont pas les matières de prédilection, en suivant François Morellet dans sa visite, j’ai été séduite, par son art, sa frivolité, ses calembours, sa désinvolture et son auto-dérision et j’entrais de plein pied dans son apparent délire. Sa charmante épouse le seconde de manière discrète et attentive. Les vidéos ci-dessous retracent le parcours de l’exposition commenté avec verve par l’artiste.
Répartition aléatoire carrés noirs et blancs

µ piquant


Cavalièrement
Thomas Baumann double trames
Progression d’une croix
photos et vidéos de l’auteur

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Emil Nolde

nolde-soleil-et-tropique.1228777039.jpgL’expressionnisme allemand, dont Emil Nolde (1867-1956),est l’un des représentants majeurs de ce courant,  bénéficie d’une belle rétrospective aux galeries nationales du grand palais. C’est un ensemble exceptionnel de 90 peintures et une cinquantaine d’aquarelles, gravures et dessins qui est présenté, sans la grosse foule qui se presse du côté Picasso. C’une occasion unique de voir rassemblés des tableaux provenant du monde entier et illustrant la totalité de l’œuvre.

 Formé à la sculpture ornementale, Nolde vient tard à la peinture, comme Matisse. Formé à Munich et à Paris en 1900, il snolde-montagne-enchantee.1228776527.jpge singularise très vite par une peinture farouche, qui a retenu la leçon de Van Gogh. Les jeunes artistes de Die Brücke lui demandent son soutien : il est de tous les combats pour imposer un art nouveau, jusqu’à son exclusion de la Sécession de Munich en 1909. Partagé entre son enracinement dans la terre du Schleswig, à la frontière du Danemark, et sa fascination pour la métropole, Berlin, entre son goût pour la solitude et le spectacle de la vie sociale, ce fils de paysan à la fois rude et doux, construit une œuvre unique qui suscite bien des incompréhensions. En 1937, mis à l’index par le régime Nazi, il est la « vedette » de l’exposition d’art dit « dégénéré » et frappé d’interdiction de peindre. La reconnaissance internationale ne tarde pas après guerre, et Nolde est consacré de son vivant comme l’un des artistes les plus importants de notre temps.

 L’œuvre de Nolde est remarquable par d’extraordinaires accords colorés, un trait sans concession, et une verve narrative inégalée. L’être humain est au centre de ses préoccupations, magistralement restitué dans les doubles portraits, les maternités, les autoportraits, les couples. Les paysages, la montagne enchantée, avec ses têtes de géants, les natures-mortes sont autant de songes colorés, où la contemplation de la vie ordinaire, de la nature, est transfigurée par l’audace de la palette.crucifixion-nolde.1228776659.jpg

 Les sujets religieux bouleversent toutes les tentatives faites dans ce domaine à l’époque moderne, il peint dans une sorte de transe, il introduit une sorte de tension érotique, il souligne l’aspect naturelle et subjective de la religion. La vie du Christ en 9 panneaux, à l’image d’un retable du moyen âge, le chef d’œuvre de la peinture religieuse du 20 ° siècle,

 la nuit sacrée, Joseph au second plan, Marie mère domine la toile supplantant l’aspect religieux, Jésus parmi les docteurs, les Rois mages, le Christ et Judas, se distingue par une masse de couleurs, aux formes plus floues, plus esquissées, un style plus schématisé, le Christ coiffé d’une étrange bonnet bleu est au centre, Judas l’embrasse sur les lèvres et le trahi ainsi aux pharisiens. Ce panneau a retenu particulièrement mon attention.

La crucifixion,  un étonnant perizonium rouge, femmes aux tombeau, l’ascension, l’incrédulité de Thomas.

 La mise au tombeau, met en scène l’ensevelissement du  corps du Christ enlacé par  Marie Madeleine, Joseph d’Arimathie soutenant les jambes du Christ, Nicodème le visage déformé par la douleur, il serre le poignet du mort, le visage de la vierge est caché, des tons de bleu argenté et  d’ocre jaune, un cadrage en gros plan créent une forte émotion du spectateur, cette toile est inscrite chez Nolde parmi celles qu’il  ne souhaite pas vendre, qu’il dit être le plus beau tableau qui lui a été donné de peindre.

Tour à tour grinçant ou serein, Nolde peint à la fois le théâtre social et l’humanité tout entière. Sa palette, son couteau montre l’influence de Van Gogh, par l’autoportrait en blanc avec un chapeau comme celui de van Gogh, la série de tournesols, le ciel étoilé, mais aussi les couleurs violentes et l’exotisme  de Gauguin, dans les aquarelles de Papouasie sur le papier spécial japon. Tous les médiums sont utilisés par Nolde, eaux fortes, aquarelles, huiles, fusain, gravure sur cuivre, sur bois.nolde-enfant-et-grand-oiseau.1228776906.jpg

Gustav Shiefler, un passionné d’art, mécène, dont le portrait par Nolde est dans l’exposition a été très important pour la connaissance de l’œuvre de Nolde. Un autre portrait de Schmidt Rottluff qui se trouvait dans le sillage du couple Ada et Emil Nolde, mais aussi l’enfant aux  cheveux rouge et le grand oiseau sombre, sur un fond de bleu intense, les couchers de soleil, le printemps dans la chambre, aussi impressionniste, qu’expressionniste montrant son épouse Ada. Une exposition d’une peinture de caractère, puissante, riche en couleurs.

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Picasso et les maîtres

«L’art n’est pas chaste, l’art ne devrait pas être mis en contact avec les ignorants, l’art est dangereux » Picasso.

A t‘il vraiment prononcé cette phrase ?

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Il considère que son art était une conquête quotidienne de l’inconnu, il n’établit aucune hiérarchie entre les styles et les siècles, il a analysé, modifiant, s’appropriant  thèmes et personnages, les œuvres des grands maîtres du passé.

 L’exposition  s’articule autour du panthéon artistique de Picasso dans 10 salles avec 210 œuvres exposées.

Les autoportraits, les modèles, les couleurs, les natures mortes, les nus, la confrontation avec l’antiquité et les maîtres classiques,

les comparaisons sont loin d’être toutes pertinentes. Et lorsqu’elles fonctionnent, on se dit que beaucoup d’autres auraient pu être proposées :

En tant qu’alsacienne j’aurais aimé voir sa crucifixtion d’après  le retable de Matthias Grünewald, en étant bien consciente que, comme pour les Ménines il n’est pas question de déplacer, l’œuvre phare d’un musée, que cela techniquement est impossible. Il est bien plus facile d’envoyer La Joconde à Dubaï.

 

« Il n’y a ni passé ni futur en art, si un art ne peut pas vivre au présent, il n’a aucun intérêt. » les cartels citent Picasso comme il se doit dans chaque salle.

La première avec les portraits est remarquable,  Rembrandt las, Gauguin exotique, Yo Picasso éclatant de jeunesse maîtrisant déjà son art.

 La salle des vanités, natures mortes et bodegones (nouveau mot à mettre dans mon jargon culturel et que je replace avec délectation ici …)
L’intrusion de la dimension sacrée dans la représentation des objets du quotidien peut être entendu comme les paroles de Ste Thérèse d’Avila  « Dieu circule dans les casseroles »

Chardin l’a prise à son compte, puis Cézanne, deux artistes que Picasso a beaucoup observés. Les natures mortes sont ici  merveilleusement présentées, c’est un vrai ravissement de voir les pommes de Cézanne et la composition de JBS Chardin, Zurbaran  zurbaran.1228690156.jpg aussi avec sa petite toile sublime : une tasse sur un plateau en argent, une fleur sur un guéridon.Dans le thème des natures mortes, il y a l’œuvre dominante de Picasso, joyeuse «  le chat et le homard » chat-et-homard-picasso.1230466158.jpg
 Pour les Ménines il y a une excellente déclinaison de la préparation de l’œuvre, de son approche, avec un émouvant portrait en pied de l’Infante, qui fait penser au portrait de  Maya, par sa fraîcheur . Curieusement, devant les Ménines de Picasso,picasso-le-menines.1228688602.jpg il n’y a pas
grand monde, le cartel annonçant le guide audio se trouve ailleurs, aussi le public, considère que c’est une oeuvre sans intérêt. 
Je vais y retourner mercredi pour m’attarder sur les œuvres que je n’ai pas pu approcher et approfondir. 
 J’ai revu avec beaucoup de plaisir des toiles de maîtres espagnols admirées au Prado, compatriotes de Picasso  Les variations picasiennes sur le « Déjeuner sur l’herbe » de Manet à Orsay, sont très convaincantes et plaisantes, tantôt il y rajoute des personnages, tantôt il en soustrait, mais surtout il souligne la verdeur, d’un personnage, se représentant à la place du modèle masculin.

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Venizke

Rencontre au sommet, à La Filature de Mulhouse, via un projet décoiffant, de deux stars de la jeune scène flamande : la metteur en scène, auteur et actrice, Lies Pauwels, également complice de Josse de Pauw, et le danseur, performer, metteur en scène et chorégraphe, Ben Benaouisse. Leurs routes s’étaient régulièrement croisées, notamment dans Mère et Enfant de Alain Platel et Arne Sierens où ils s’étaient donné la réplique.

Aujourd’hui, ils ont décidé de monter un spectacle ensemble, estimant que le moment était velara-barsacq.1228530454.jpgnu de conjuguer leurs visions, langages théâtraux et approches aussi différents soient-ils, ainsi que les passions et fascinations qu’ils partagent.

Hors des sentiers battus du théâtre, ils explorent les ressources d’une forme basée sur la créativité dans laquelle les acteurs sont totalement impliqués. Dans leurs œuvres antérieures, la musique occupait déjà une place de premier plan et créait une ambiance en donnant plus de couleur émotionnelle à l’interprétation. Dans la présente pièce qu’ils orchestrent ensemble, les rôles sont inversés. La musique, qui résulte d’une étude approfondie des canons musicaux au fil des siècles, sert de détonateur et c’est sur elle que les interprètes – six acteurs et danseurs d’exception – sont appelés à improviser, faisant émerger une proposition collective cinglante, drôle et roborative.

Provoquants, la cigarette omniprésente, le spectacle commence avec Dutronc, se poursuit avec Dalida et bien d’autres, en playback, pour finir avec Aimy Winehouse,  à nous  d’identifier les personnages et les situations. Des scènes touchantes d’entretien téléphonique avec la mère, on passe au délire en robe longue avec collier de perles qui sert au suicide, et à l’euthanasie de celle qui se dit condamnée …. au dialogue hard de soirée gore, du délire extrème, avec des danses endiablées, tantôt individuelles, puis collectives.venizke.1228530626.jpg

Tentant d’être plus forts que Jan Fabre, plus corrosifs, ils sont tantôt, choquants, irritants, se moquent du public (pas la peine de répondre aux questions posées), mais surtout performants, l’obésité de Ben arpentant la scène sans se départir, la pièce ne laisse pas le public indifférent.

Lara Barsacq, Benny Claessens, Sylvia Camarda, Ans Van den Eede, Ilse de Koe, donnent le meilleur d’eux-même pendant 2 heures de spectacle total.

 

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Daniel Firman

La Grande Couronne
Oeuvre majeure de l’exposition de Daniel Firman à ARTE, La grande couronne a été spécialement créée en 2008 pour les Ateliers de Rennes / Biennale d’art contemporain, où elle a été présentée au Couvent des Jacobins, lieu des fiançailles historiques d’Anne de Bretagne et de Charles VIII en 1491.
Daniel Firman évoque ainsi l’alliance du Duché de Bretagne et du Royaume de France, un événement majeur dont les conséquences économiques et politiques ont davantage marqué l’histoire collective que l’intimité des deux souverains.
Monumentale chorégraphie de personnages, La grande couronne évoque ainsi un développement collectif et se compose de cinq fois trois personnages en résine, disposés en trois strates. Comme toujours chez Daniel Firman, la figure est traitée sur un mode réaliste.
Chacun dans une posture différente, arc-boutés les uns sur les autres dans un surprenant équilibre, les personnages apparaissent masqués et portent des vêtements blancs contemporains, renvoyant aussi bien à l’achromie du mariage qu’à une considération sociale actuelle sur les nouveaux territoires apparus au cours de l’urbanisation récente.
Daniel Firman pense ainsi chacune de ses sculptures comme un
« environnement-système » faisant dialoguer les idées et les formes. Il envisage le corps humain comme l’interface de l’individu avec le monde, comme le vecteur de la présence et de l’action de l’individu dans un univers à la fois banal et en transformation. Daniel Firman est né en 1966 à Bron, France. Après des études aux Beaux-arts de Saint-Etienne et d’Angoulême, il s’intéresse de près à la sculpture conventionnelle. A partir de 1998, il se tourne vers un langage formel unique en son genre. Ses oeuvres font régulièrement l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger. Daniel Firman vit et travaille aujourd’hui à Paris
L’intérêt de Daniel Firman pour la physique et l’énergie des corps, pour le mouvement et son rapport à l’espace se traduit par un travail de sculpture au centre duquel la figure revient de manière récurrente. Envisagée à chaque fois comme un « personnage », prise dans un élan chorégraphique et narratif, la figure est traitée sur un mode réaliste qui incite le spectateur autant à se projeter dans l’oeuvre qu’à s’en tenir à distance. Chargés d’objets quotidiens, entravés par leurs vêtements, simplement arrêtés ou encore en équilibre dans l’espace, ces personnages grandeur nature traduisent des situations physiques et morales parfois déroutantes et excessives, à même de transformer la perception d’un lieu. Alliant hasard et conception, corps et esprit, suspens du temps et mouvement, ses oeuvres sont conçues à partir de techniques et de processus divers : performance, moulage, photographie, image électronique, construction ou encore recyclage…

vidéo 1 de l’auteur

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La première fois à la Kunsthalle

fonderie-kunsthalle-mulhouse.1228144985.jpg Un an après le démarrage de la Fonderie, le nouveau centre d’art contemporain de Mulhouse ouvre enfin ses portes au second étage du bâtiment. « La Kunsthalle » accueille, en guise de « première fois », la 9e édition de Regionale, une exposition éclatée sur 14 sites différents en Suisse, en Allemagne et en France.

« Il y a un moment où il faut passer à l’acte », souligne Jean-Luc Gerhardt qui depuis six ans, porte le projet d’ouverture d’un centre d’art contemporain à Mulhouse. Il est co-commissaire, avec David Cascaro, directeur de l’école d’art Le Quai, de la toute première exposition présentée dans « La Kunsthalle » de Mulhouse. Ils ont appelé symboliquement cette expo La première fois.
Concrètement, l’événement Regionale 9 est un concours ouvert aux artistes des trois pays organisateurs, l’initiative appartenant aux Bâlois . La manifestation se décline sur 14 sites différents, la plupart étant en Suisse. Pour cette 9e édition, le jury composé des responsables des 14 lieux d’exposition a fait une sélection d’œuvres parmi 650 propositions.

21 œuvres in situ

Jean-Luc Gerhart et David Cascaro ont choisi ensemble les 21 œuvres présentées dans l’espace lumineux de 600 m2 du centre d’art, qui occupe toute la partie gauche du second étage de la Fonderie.
« Ici, c’est un changement de cap, souligne Jean-Luc Gerhardt, on découvre le lieu en même temps que les artistes, un lieu chargé d’une mémoire collective dans lequel on fabrique du futur… D’où l’idée maîtresse de l’exposition de la transformation, du passage rituel du temps, du transit, du voyage… »
Les deux commissaires ont invité les artistes à se rendre sur place pour prendre la mesure — au sens propre comme au figuré ! — des lieux. Certains ont « adapté » leur œuvre (c’est le cas notamment de Wolfgang Rempfer dont le bateau épave n’entrait pas…), d’autres ont créé une œuvre spécialement pour l’expo. Catrin Lüthi, par exemple, a fabriqué son Poste de surveillance parfaitement opérationnel, situé à l’entrée de la salle. Il a fallu trouver une disposition adéquate permettant à ces travaux d’une grande diversité de cohabiter.
Au centre, l’installation emblématique de Laurent Bechtel intitulée Non lieu, le drapeau rouge révolutionnaire « maintenu en équilibre par les éléments ayant servi à sa construction ». Coincé par un pot de peinture rouge, un marteau, un paquet de laurent-bechtel.1231209044.JPGclous et une chute de tissu blanc…
Parmi les autres œuvres exposées, il y a la collection d’objets familiers de Tom Senn (221108) disposés dans un espace limité puis photographiés à différents moments de la journée. L’artiste a ensuite recouvert d’une peinture blanche l’ensemble de l’installation et y projette ses images, jouant aussi de la lumière changeante du lieu pour faire vivre la scène.
David Heitz, lui, met un point d’honneur à créer des œuvres uniquement avec des matériaux récupérés à proximité. Jeux de miroirs, de vides et de pleins, de reflets sur la tôle brillante qui offrent à chaque instant et selon l’endroit où on se place, une autre lecture.
Il y a aussi « la Tora » Buenos Aires fabriquée par Kathrin Schulthess et Daniel Spehr, une multitude de photographies prises dans la capitale argentine qui se succèdent sur un rouleau de 75 mètres de long.
Suzanne Schär et Peter Spillmann convient le visiteur à assister à la construction d’une maison délimitée par de simples lattes de bois et à l’inventaire de tous les objets domestiques qui sont méthodiquement rangés dans l’espace à l’intérieur du cube, jusqu’à la télévision qui retransmet en direct l’opération…
Sur un panneau central, un travail monumental au crayon de Kathrin Kunz, sorte de magma en ébullition, en fermentation… Toujours l’idée de la transformation.

Détournement

Il y a aussi les photos de presse détournées, décontextualisées et réinterprétées de Dominique Koch, Serie Nine Minutes After, les valises de Venera Schönhoffer Packen I-II ou une proposition de lecture du journal, poétique et frémissante, d’Akiro Hellgardt…
Dans le hall d’entrée de La Kunsthalle, l’installation de Patrick Leppert, invitation à s’asseoir en se tournant le dos…
La première fois est visible jusqu’au 18 janvier inclus au 2e étage de la Fonderie.


En 2009, ce sera un commissaire invité, l’Italien Lorenzo Benedetti, qui proposera trois rendez-vous dans l’année,  dont le tout premier aura lieu le vendredi 12 mars 2009
La Kunsthalle accueillera également une exposition des diplômés du Quai et Regionale 10.

l’exposition est ouverte jusqu’au 18 janvier 2009
photo 2 et photos et vidéo de l’auteur

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Sommaire novembre 2008

  1. 02 novembre 2008 : Rome la ville éternelle  
    03 novembre 2008 : Le Caravage- la course à l’abyme
    12 novembre 2008 : Tranche de Quai

    15 novembre 2008 : Marguerite

    17 novembre 2008 : Lula et Sailor

    20 novembre 2008 : Julien Galeote Inside, out

    22 novembre 2008 : Musée haut, suivi de bas une histoire capillotractée
    23 novembre 2008 : La harpe romantique
    26 novembre 2008  : Noir c’est noir

    30 novembre 2008 : Robert Doisneau – Alsace été 1945

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Robert Doisneau – Alsace, été 1945

Plus de 150 photographies qui dormaient dans l’atelier de Montrouge où résidait Robert Doisneau sont présentés dans notre région, soit à Strasbourg dans la salle d’exposition de la Maison de la Région, soit à Mulhouse, dans la Galerie de la Filature.
 Elles sont présentées jusqu’au 11 janvier 2009.
   Francine Deroudille et Anette Doisneau, filles de l’artiste, ont montré les archives mystérieuses qui dormaient depuis plus de 50 ans à l’atelier de leur père. Une cinquante de planches de contact accompagnées de petites feuilles de légendes, rangées dans un classeur métallique, environ 200 tirages vintages classés dans une boîte d’archives, un commentaire noté sur un petit carnet : commande de Braun en 1945, sans suite.
 doisneau-voyage-en-alsace.1228004060.jpgVladimir Vazak, grand reporter sur Arte, président du club de presse de Strasbourg , contacté par les deux oeurs, après avoir pris connaissance de ce trésor (sans suite), a raconté l’Alsace aux deux soeurs au lendemain de la guerre, les blessures, les secrets, les cicatrices encore aujourd’hui sensibles. La suite superbe s’est concrétisée par un ouvrage dont les auteurs sont Vladimir Vazak et Anka Wessang : Robert Doisneau – Alsace, été 1945, édité chez Flammarion.
On découvre un artiste à la palette d’écriture tout à fait étonnante, qui montre une réelle sensibilité aux paysages, à l’architecture, une attention particulière aux enfants, femmes, hommes croisés au cours de son périple alsacien. Robert Doisneau traverse les villages, attentif aux scènes de la vie quotidienne, réalisant des photos remarquables, avec des clair-obscur digne d’un Caravage, des ombres portées, des clins d’oeil, un tendresse portée à ses inconnus modèles d’un instant. Je n’avais jamais vraiment regardé ses photos, les amoureux de l’hôtel de ville, me paraissaient trop cliché, mais là je suis conquise, quel regard ! quel oeil !francine-doisneau-photo.1228681441.jpg                                                        
J’ai choisi quelques photos, à l’attention de ma famille et de certains amis d’enfance. Les p Continuer la lecture de « Robert Doisneau – Alsace, été 1945 »