Jusqu’ au 22 juillet 2019au Grand Palais Galeries nationales entrée Square Jean Perrin
commissariat : Alexia Fabre, conservatrice en chef, directrice du Mac Val, musée d’art contemporain du Val de Marne et Philippe Malgouyres, conservateur en chef, Département des objets d’art du musée du Louvre. scénographie : Agence bGc studio: Giovanna Comana / Iva Berthon Gajsak
Abraham Janssens (Anvers, 1575 – Anvers, 1632) L’Inconstance vers 1617
La célébration du cinquantenaire des premiers pas de l’homme sur la Lune nous offre l’occasion de célébrer la longue relation des hommes avec cet astre familier, à travers des d’oeuvres d’art qui ont incarné les multiples formes de cette relation. Cette exposition articulée en cinq parties propose au visiteur de se confronter aux créations artistiques de l’Antiquité à nos jours, de l’Europe et d’ailleurs, inspirées par la Lune.
Sylvie Fleury First Spaceship On Venus 2018
De la lune à la Terre, du voyage réel au voyage imaginaire L’exposition débute par le voyage réel, en juillet 1969. Elle propose ensuite de remonter le temps, à travers les voyages rêvés par la littérature et les arts vers la Lune. Depuis l’Antiquité, l’idée de se rendre dans la lune par les moyens les plus fous déchaina l’inventivité et l’imagination la plus débridée. Avec l’expédition d’Apollo 11, le voyage, devenu réalité, inaugure le début d’une nouvelle ère. Pourtant, l’imagination n’y perd pas ses droits, bien au contraire : à la fantaisie s’ajoute de grandes interrogations sur l’humanité, la place des femmes, le nationalisme, l’inégalité du développement économique.
presse
images
La Lune observée La première tentative de dessiner la Lune est de Thomas Harriot en 1609. A partir de Galilée, des instruments de plus en plus précis ont permis d’en explorer la surface : la Lune est observée. Les premières cartes de la planète sont dessinées au milieu du XVIIe siècle. A la fin de ce siècle, Cassini réalise une carte plus précise que les précédentes qui restera une référence jusqu’à l’apparition de la photographie. La présentation de la réplique de la lunette de Galilée, des premiers dessins et cartes, puis de photographies illustreront l’évolution d’un regard de prise de connaissance, à la recherche d’une vérité objective dont ne sont jamais absente le rêve et la contemplation esthétique.
d’après l’original copie de la lunette de Galilée
Les trois visages de la Lune Le parcours articule en trois sections l’évocation des trois visages de la Lune ou de ses trois humeurs : caressante, changeante ou inquiétante. Le premier visage est bénéfique et caressant ; c’est la Lune qui protège et qui inspire. Sous sa protection, l’homme rêve, aime, dort, prie ou médite. Ainsi, dans le célèbre tableau de Girodet, Endymion endormi, Diane visite sous la forme d’un rayon lumineux le sommeil du beau jeune homme, et le caresse de sa lumière.
Anne Louis Girodet Endymion. Effet de lune, dit aussi Le Sommeil d’Endymion 1791
Le second visage est celui de la Lune changeante, versatile, dont les mutations scandent le temps des hommes et organisent leurs calendriers. Les croyances populaires en font l’origine de l’humeur des femmes, qualifiée de « lunatique ». Ses rythmes deviennent phénomènes optiques inspirant de nombreux artistes du XXe siècle. Enfin, le troisième visage est celui de l’astre des ténèbres, de la mélancolie ou de la folie : la Lune noire ou démoniaque, source de fantasmes et de peurs.
Paul Delaroche (Paris, 1797 – Paris, 1856) La Jeune Martyre 1855
La Lune est une personne La quatrième partie de l’exposition montre que, depuis l’antiquité, cet astre lointain est une divinité proche, de forme humaine, tantôt homme, tantôt femme, ayant souvent différents aspects liés à ceux, changeants, de la Lune. Si en Egypte, en Mésopotamie ou dans l’hindouisme moderne la Lune est déifiée sous une forme masculine (Thot, Nefertoum, Sîn, Chandra), l’antiquité classique la fait femme : Artémis, Diane, Séléné, Hécate. Dans le christianisme, la Vierge, qui reflète la lumière mais ne la produit pas, va être aussi associée à la Lune.
Puvis de Chavannes
Une expérience partagée de la beauté La dernière partie de l’exposition montre la Lune comme source d’inspiration, proche et mystérieuse, qui dévoile la Nature sous une lumière réfléchie, étrange, intime, mélancolique, et toujours contemplative, propice à un renouvellement du thème du paysage. Elle est une expérience à part entière de la beauté. Une ultime promenade méditative sous le regard de la Lune.
Leonid Tishkov Private Moon 2003-2017
L’exposition se clôt sur L’endymion endormi de Canova, moment paisible de contemplation.
L’endymion endormi de Canova
Réunion des musées nationaux – Grand Palais
254-256 rue de Bercy
75 577 Paris cedex 12
ouverture : du jeudi au lundi de 10h à 20h ; mercredi de 10h à 22h ; fermeture hebdomadaire le mardi; fermé le 1er mai et dimanche 14 juillet
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C’est à la Filature de Mulhouse jusqu’au 10 mai Il nous offre une oeuvre globale, associant projet
photographique et performance scénique. Chorégraphe, danseur, mais aussi plasticien
et photographe, Josef Nadj, apparait comme sorti du
cadre du tableau de Magritte, le Baiser. (les amants)
Mnemosyne copyright Blandine Soulage Josef Nadj livre une brève performance d’une rare
densité : chaque mouvement, chaque action, chaque instant
résonne avec son parcours, personnel et artistique, transfiguré
dans une épure empruntée à Beckett.Tel un mime, sa silhouette
massive s’anime en quelques mouvements de tai-chi. Josef Nadj a conçu une exposition photographique
foisonnante. Chacun des clichés accrochés aux abords
de la boîte raconte une histoire, où une grenouille
tient la vedette. Elle est à appréhender comme un spectacle
suspendu. Chaque image recèle une mémoire en soi, connue
de l’artiste seul : s’y côtoient des objets trouvés retenus pour
leur puissance suggestive, des références patrimoniales
qui ne cessent de l’inspirer et toutes sortes de souvenirs.
Ces clichés suggèrent, parallèlement à la brièveté de la
performance, un rapport au temps qui s’étire sur plusieurs
années, de la recherche des formes à la composition
des images, du choix de la technique à la prise
de vue effective.
Hommage personnel et transversal à l’Atlas
demeuré inachevé de l’historien d’art allemand Aby Warburg, Mnémosyne s’apparente à
une oeuvre d’art totale, à la fois installation,
performance et exposition, dont il reste pour
chacun une image, ultime, qui interroge à la
fois notre regard et notre mémoire :
qu’avons-nous vu ?
extrait du texte de Marylène Malbert d’après un entretien avec Josef Nadj club sandwich
jeu. 2 mai 12h30
visite guidée + pique-nique
inscription 03 89 36 28 28 apéro photo ven. 10 mai 19h15
visite guidée + apéritif
inscription 03 89 36 28 28
Plusieurs mois durant, la photographe Françoise Saur photo Emmanuelle Walter Françoise Saur (site) a mené des ateliers de prises
de vue sur la thématique de l’environnement
culinaire et quotidien d’Épices, avec des élèves
de le SEGPA du Collège Kennedy, des mamans
du Centre maternel l’Ermitage, des jeunes de la
Plateforme d’accroche des « perdus de vue »
de Sémaphore MSA et des parents du quartier.
Elle a invité tous ces participants à dépasser
les apparences, ouvrir les yeux et regarder le
monde autour d’eux. Françoise Saur et les équipes, photo Emmanuelle Walter
Avec des ingrédients, des ustensiles et même du
linge de cuisine, ils ont dû composer des images
en étant attentif au cadrage, à la couleur et à la
lumière, les mettre en rapport avec celles des autres…
À l’issue de ces séances, 8 photographies
ont été sélectionnées afin d’être exposées
de façon pérenne dans le jardin de
l’association Épices (site).
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Jusqu’au 21 avril 2019 à la Fondation François Schneider à Wattwiller Ils sont marcheurs dans l’immensité montagneuse, consignent
la nature en sculpture, plongent dans les océans, résident avec
les populations réfugiées. Ils sont encore dessinateur d’algorithme,
photographe ethnologue, peintre de la désolation ou plasticien
de la fragilité. La cuvée 2017 du concours Talents Contemporains est composée de 8 lauréats, Edouard Decam, Cristina Escobar, Sara Ferrer, Claire Malrieux, Camille Michel, Maël Nozahic, Benjamin Rossi et le collectif Sandra & Ricardo. Initié en 2011 dans une démarche philanthropique, le concours Talents Contemporains soutient la création contemporaine et des artistes de tous horizons géographique, générationnel et aux pratiques diverses. Sur le thème de l’eau, envisagé de maintes façons, les artistes explorent les problématiques pouvant être environnementales, sociétales, plastiques, philosophiques, anthropologiques et une quantité infinie de sujets. 6 à 8 lauréats sont récompensés chaque année.
Peu à peu une collection originale s’est dessinée, rassemblant vidéo, installation pérenne, peinture, dessin, sculpture, photographies, art numérique. Elle présente des moutons embarqués, des poissons sculptés, des larmes de cristal, des océans de mots.
Si les artistes peuvent nous accompagner dans des voyages
infinis, inviter à l’introspection ou la dénonciation ils sont
souvent préoccupés, et le questionnement sur la notion de trace pourrait bien être
le trait d’union entre chacun des lauréats de la 7ème édition.
Arpenteur infatigable dans les extrémités des Pyrénées,
Edouard Decam enregistre les architectures que
l’homme laisse sur son passage, notamment des barrages à la
structure fascinante. Cristina Escobar raconte la trajectoire d’hommes et de femmes
réfugiés en Italie, ils tracent sur une carte de la Méditerranée
leur voyage. Elle matérialise le chemin de chacun avec 40 objets
de marbre, leurs « trophées ».
Au moyen d’une installation minimaliste, Sara Ferrer dénonce
les conséquences de la pêche de masse et la surconsommation.
Les excès provoqués par la modernité et l’industrialisation
questionnent également Camille Michel. Ses photographies
documentent les métamorphoses du Groënland et le quotidien des
populations d’Uummannaq au nord-ouest du territoire. (vue à la Filature de Mulhouse)
Avec Waterscape oeuvre générative, Claire Malrieux
fouille la notion d’anthropocène, l’impact de l’homme sur notre
écosystème. Benjamin Rossi remonte encore plus loin dans l’histoire de
l’humanité, son terrain d’étude est l’actuelle forêt de Fontainebleau
autrefois occupée par la mer Stampienne. L’artiste en tire une
empreinte dont le négatif en verre soufflé évoque cette période.
Le collectif Sandra & Ricardo inspiré par le passage de l’eau
dans la vallée de Coa au Portugal, réputée pour ses gravures
rupestres paléolithiques, crée un bassin de milliers de sac emplis
d’eau, métaphore de la naissance de la civilisation.
Le loup qui se reflète dans une mare chez Maël Nozahic est quant
à lui le seul vestige vivant d’un monde figé.
Chacune des oeuvres exposées porte la trace ambivalente de l’homme,
et son action sur notre environnement, dans une forme de désespoir
lyrique. La sélection des artistes est le reflet d’une interrogation
plus globale sur les désastres écologiques omniprésents.
Le Grand Jury International de la 7ème édition était composé de :
Jean-Noël Jeanneney – Président du Jury ;
Daniel Lelong – Galerie Lelong (Paris & New York) ;
Rosa Maria Malet – Directrice de la Fondation Joan Miró (Barcelone) ;
Ernest Pignon-Ernest, Artiste plasticien,
dessinateur, photographe ; Fabrizio Plessi – Artiste représentant
l’Italie à la 42ème Biennale de Venise en
1986 ; Roland Wetzel – Directeur du Musée Tinguely (Bâle, Suisse). Entrée et tarifs
Exposition du 9 février au 21 avril 2019
Le centre d’art contemporain est ouvert :
Mars – Septembre : du mercredi au dimanche de 11h à 18h
Octobre – Février : du mercredi au dimanche de 11h à 17h
Visites guidées pour les groupes sur demande Fondation François Schneider 27 rue de la Première Armée 68700 Wattwiller – France
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Jusqu’au 26 août 2019
Sur les trois derniers niveaux et la terrasse de la Fondation Louis Vuittonest présentée une nouvelle sélection de 70 oeuvres de sa collection (réalisées par 23 artistes internationaux),
des années 1960 à nos jours. La peinture en est le thème.
Elle est abordée dans toute sa diversité : figurative ou abstraite,
expressive ou distanciée. Des oeuvres en volume sont mises
en regard. Des salles consacrées à Joan Mitchell, Alex Katz,
Gerhard Richter, Ettore Spalletti, Yayoi Kusama, Jesús Rafael Soto
alternent avec des ensembles thématiques, autour de l’abstraction,
de l’espace et de la couleur. Cet accrochage montre de quelle
manière la peinture ne cesse de se réinventer et d’enfreindre
ses propres règles, puisant dans les techniques de reproduction
actuelles.
Depuis son inauguration en 2014, la Fondation présente
régulièrement un choix d’oeuvres de la Collection.
Les premiers accrochages étaient conçus autour des lignes
sensibles retenues pour la collection :
Contemplation, Expressionnisme, Popisme et Musique/Son
(2014-2016). Alex Katz
Des ensembles ont par la suite été montrés dans le cadre
de manifestations spécifiques, dédiées à la Chine (2016)
et à l’Afrique (2017). Enfin, la collection a été abordée
selon un axe thématique, interrogeant la place de
l’Homme au sein du monde vivant dans l’exposition « Au diapason du monde » (2018). Infinity Mirror Room (Phalli’s Field) 1965/2013
est un des tous premiers environnements de Yayoi Kusama. Immergé dans ce paysage psychédélique
de formes organiques dont il devient un élément,
le spectateur est dans un univers hypnotique, peinture dans
l’espace qui s’étire à l’infini par le jeu de miroirs.
Il vous faut grimper aux étages pour
Jesús Rafael Soto (1923-2005) Pénétrable BBL bleu, 1999
Par la répétition de formes et de couleurs, Soto crée un
environnement optique qui augmente la sensation
vibratoire et dynamique.
A travers la présentation de ces deux expositions simultanées,
La Fondation Louis Vuitton réaffirme ainsi,
une nouvelle fois, sa volonté d’ancrer son engagement
pour la création actuelle dans une perspective historique.
Un audioguide gratuit sur votre smartphone peut vous
accompagner durant la visite.
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Robert Cahen, artiste, poète aux semelles de vent, expose
pour un mois à la Galerie La pierre large,
(sorte de caverne de Platon Jean Louis Hess) 25 rue des Veaux à Strasbourg
des vidéos de la période 1973-1983
Jusqu’au20 avril 2019 du mercredi au samedi de 16h à 19h.
son site ici
Robert Cahen, vidéaste international, parle
de ses vidéos : L’invitation au voyage
L’invitation au voyage repose sur l’association
d’images souvenir : sur un plan technique, cela se
traduit par des photos en fondus enchaînés de paysages
solarisés (Truqueur Universel du Service de la Recherche de
l’ORTF) et une scène filmée au ralenti
(caméra grande vitesse 200 images secondes). « Je considère aujourd’hui L’invitation au voyage comme le travail d’un jeune auteur. Un jeune auteur qui découvre un nouveau langage auquel il applique sa propre poétique. J’ai mis toutes les choses gui m’ont ému. J’ai choisi des photos, celles des gens que j’aime, d’un voyage en Italie très important pour moi, je les ai colorisées à l’aide d’un truqueur. J’ai mis une partie de mon existence, de mon histoire et j’ai essayé d’en faire quelque chose, mon premier essai. »
(Robert Cahen, L’image dans l’espace.
Entretien avec Robert Cahen, Nicolas Thely, 01/09/1998) Trompe l’oeil
Dans le film « Amarcord » de F.Fellini, un paquebot
surgit de la nuit et des brouillards de l’eau,
apparaît comme un monstre mystérieux,
passe comme un rêve. « Je souhaitais réaliser un film vidéo sur cette idée de « passage » irréel et de surprise spectaculaire qu’il contient. » (Robert Cahen)
Prix Spécial au Festival Vidéo de Tokyo 1980.
Horizontales couleurs
France, 1979, 14′, vidéo, muet
Production, sujet, réalisation : Robert Cahen
Exploration des possibilités du Spectron. L’entr’aperçu
Musique : Robert Cahen
L’idée d’entr’aperçu détermine le sens de ce film.
Des scènes cachées, à peine révélées, se succèdent
comme des apparitions vivantes et signifiantes,
agissant sur le désir de voir, de savoir ce qui est donné
comme « entr’aperçu » et pouvant être vu.
Construit comme un court métrage dans un parti pris
d’une succession de plans rapides, « l’entr’aperçu » rend
compte de l’entretien mystérieux de deux personnages
« masqués » dans un monde où un rideau reste à déchirer. Prix spécial du Jury au Festival Vidéo de Tokyo 1981 Artmatic
Bande-son : Robert Cahen
Réalisé avec les appareils de l’Ecole Polytechnique,
Paris Premier
En retenant l’empreinte de certains mouvements
comme ceux des pages d’un livre ou de la main de l’artiste,
une caméra – la première en France construite au
Lactamme-École Polytechnique – numérise l’image
toutes les 3 ou 5 secondes et la colorise, permettant
des effets de glissements de matières et de couleurs
qui happent le regard. Cette numérisation des images
dès 1980 constitue une prouesse technologique.
Prix « Arts et Informatique », Paris, 1980 Juste le temps
Parenthèse d’un moment de voyage où des paysages
transformés deviennent des acteurs à part entière
d’une histoire qui, en filigrane, raconte la possible
rencontre entre deux êtres. Les limites entre !e paysage
extérieur et l’intérieur, entre le sommeil et l’état de veille,
entre les bruits et le silence, et même entre les personnages
s’atténuent au point de s’effacer. La notion de passage,
si bien illustrée par le voyage en train, imprègne l’histoire
toute entière.
(Sandra Lischi, ll respiro dei Tempo, ETS, 1995) Premier Prix au Festival de San Sebastian, et à celui de Grenoble, 1983,
Juste le temps fait partie des collections
du Museum of Modern Art de New York,
du Künsthalle de Zurich, du Musée d’Art Contemporain
d’Amsterdam, du « Medialogo» de la Provincia di Milano.
Présenté à « Documenta », Kassel, 1987
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Jusqu’au 17 avril 2019
La Filature, la scène nationale de Mulhouse, présente
dans sa galeriela scène photographique contemporaine du Cambodge. Cette exposition proposée par la directrice
de la galerie, Emmanuelle Walter, est orchestrée de main
de maître par Christian Caujolle qui a créé le festival
Photo Phnom Penh en 2008. En 2008, Christian Caujolle crée le festival
Photo Phnom Penh. Chaque année, il expose des photographes
cambodgiens et occidentaux. Il tient aux croisements des regards
et aux échanges entre les continents. Il connaît parfaitement la scène
artistique cambodgienne : avec la danse et le cinéma, la photographie
est un des domaines les plus dynamiques. Christian Caujolle est un passeur, il a une longue histoire avec
la Filature et le Cambodge où il a enseigné la photographie.
En 1996, à ses débuts il y en avait 2, ajourd’hui il présente
une sélection de 5 photographes. Il a créé le Festival de la photographie de Phnom Penh, il y a 10 ans.
Christian Caujolle : personne ne peut vivre de la photo, dans ce pays, mais à chaque voyage, je sélectionne des dossiers et mets un point d’honneur à présenter un photographe dont ce sera la première exposition.
Il y a 40 ans au Cambodge
Le 17 avril 1975, les soldats khmers rouges entrent dans Phnom Penh et, en trois jours, vident la ville
alors habitée par un million et demi de personnes.
En dehors de quelques fonctionnaires et dignitaires du
régime, la capitale devient une cité fantôme jusqu’à ce
que les troupes vietnamiennes en prennent le contrôle
le 17 janvier 1979. Ils trouvent une ville dégradée, sans
électricité, aux rues défoncées dans lesquelles ont poussé
des arbres, des immeubles dévastés.
Tous les photographes de cette exposition sont issus de cette « histoire »-là. Mak Rémissa a cinq ans au moment où les Khmers rouges
entrent dans Phnom Penh. Il est aujourd’hui le plus connu
de photographes cambodgiens. Il est le seul témoin de la
période des années 70, il a été interné dans un camp
d’enfants, tout petit. Cette période de sa vie dont il n’a jamais
parlé, et dont il ne parle pas, a donné lieu a un travail,
touchant et émouvant, de composition.
Il a créé des petites scènes de silhouettes de papier découpé,
qui sont des reconstitutions de scènes dont il avait vaguement
le souvenir, lors de l’invasion de la ville de Phnom Penh
par les vietnamiens, les gens qui fuyaient dans les rues, qui
sortaient des hôpitaux avec des perfusions.
De façon étrange, il fait brûler des noix de coco, sur la terre,
dans le jardin de sa mère, créant une fumée, qui enveloppe
les silhouettes, composant une atmosphère insolite dans
ses photographies.
Il est représenté par la Galerie Lee à Paris. Philong Sovan ré-éclaire avec le phare de sa petite
moto les personnages et les scènes qu’il découvre la nuit
dans les rues cambodgiennes. Il est né en 1986 à 70 km
de Phnom Penh, dans une famille très modeste.
Comme la plupart de ses camarades, il exerce de petits
métiers pour payer ses études.
Il est représenté par la Galerie Lee à Paris. Sophal Neak est née en 1989 dans un village de la
province du Takeo, dans une modeste famille de
riziculteurs. On ne voit pas les visages de ceux qu’elle
photographie, elle les fait poser en cachant leurs visages
derrière l’objet de leur travail ou de leur commerce.
Elle dit que l’homme n’est rien d’autre que l’activité
qu’il exerce, qu’il ne pourra s’extraire de sa condition,
de son milieu. Elle est représentée par la galerie Les Douches à Paris. Ti tit est né à Battambang en 1991. Il est adepte des
réseaux sociaux comme toute la jeunesse cambodgienne,
et tient un blog. Il poste des images avec lesquelles il joue.
Il est à la fois engagé, ironique, tord le vrai et le faux.
Il n’hésite pas à évoquer avec sa photographie des sujets
tabous au Cambodge comme la sexualité.
Il se prend lui même comme modèle, écrit sur son corps,
questionne la jeunesse et son identité.
Sokchanlina Lim est né en 1991. Il vit et travaille à
Phnom Penh. Dans la série présente à Mulhouse,
il installe dans la nature une grande plaque de tôle.
Deux formes de beauté s’affrontent : celle de la nature libre
et mouvante et celle du métal façonné par l’homme.
Il parle peut-être des obstacles posés par l’homme qui ne
peut plus circuler librement dans un monde entravé par
les problèmes migratoires, climatiques et économiques.
Les photographies sont présentées en grand format et
en vidéo.
« 40 ans après. La photographie au Cambodge aujourd’hui »
l’exposition sera présentée du 30 juin au 25 août 2019 à la Galerie La Salle des Machines, à la Friche la Belle de Mai à Marseille. Brigitte Patient, Chroniqueuse à France Inter était
présente au point presse à Mulhouse, vous pouvez écouter
sous ce lien Regardez, voir lepodcast du compte rendu.
Exposition à voir absolument horaires d’ouverture de la Galerie
(entrée libre)
du mardi au samedi 11h-18h30 +
dimanche 14h-18h + les soirs de spectacles La Filature, Scène nationale – Mulhouse
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Elle est à appréhender comme un spectacle
Sophal Neak est née en 1989 dans un village de la
