Jusqu’au 31 octobre 2020 Au Musée Tomi Ungerer– Centre international de l’Illustration, à Strasbourg
« Par rapport à mes œuvres littéraires, mes dessins ne sont pas un travail annexe, mais des champs de bataille, faits de traits et de couleurs » écrivait en 1978 l’auteur suisse Friedrich Dürrenmatt (1921-1990). Pourtant, même si ses pièces de théâtre comme Les Fous de Dieu (1947), La Visite de la Vieille Dame (1955) et Les Physiciens (1962) ont été traduites en plus d’une quarantaine de langues, son œuvre graphique reste aujourd’hui largement méconnue. C’est pourquoi le Musée Tomi Ungerer-Centre international de l’Illustration propose de faire découvrir pour la première fois en France près de 100 dessins originaux de l’auteur, grâce aux prêts généreusement consentis par le Centre Dürrenmatt Neuchâtel et les collections privées suisses Liechti et Bloch.
Mythologie et bible
Inspirés par Goya et et Bosch l’univers dessiné de Friedrich Dürrenmatt et peuplé entre autres de figures issues de la bible et de la mythologie. Il aime représenter des scènes terrifiantes comme celles de l’Apocalypse et des figures monstrueuses comme le Minotaure. Dans son répertoire iconographique une place est réservée aux Anges, ces intermédiaires entre le divin et l’humain, qu’il traite de manière humoristique et même satirique.
Tomi Ungerer, Babylone
Tomi Ungerer et Friedrich Dürrenmatt partageaient le même regard critique sur la société de leur époque. L’auteur suisse écrivit même une préface pour Babylon, un recueil de dessins satiriques de Tomi Ungerer publié en 1979 chez leur éditeur commun, Diogenes Verlag à Zurich. Il qualifie ceux-ci de hyéroglyphes de la terreur. Tomi Ungerer illustre dans un style graphique qui évoque les lithographies de Daumier, les grands maux de notre société moderne, de la déshumanisation et de la surconsommation.
Satire sociale et politique
Il s’est montré un juge féroce de notre temps dans ses œuvres graphiques et littéraires. Tracés au stylo à bille ou à l’encre ses dessins sont mordants et spontanés. Il a illustré des sujets très divers allant des critiques littéraires à l’église, la dictature, la bombe atomique. Sa critique politique atteint un sommet dans Die Heimat im Plakat. Ein Buch für Schweizer Kinder (la patrie dans l’affiche, un livre pour les enfants suisses) où il se livre à une attaque violente de son propre pays.
Le Monde, un théâtre
L’œuvre graphique et picturale de FD « dessinateur dramaturgique » est intimement liée à son œuvre littéraire. S’il illustre rarement ses propres créations, en revanche, il donne à ses dessins une dimension tragique. Le collage qu’il expérimente en parallèle sur le plan littéraire avec le montage
(Portrait d’une planète) est l’une des techniques qui y contribue. Ce n’est qu’à la fin des années soixante qu’il l’utilise avec des documents découpés associés à la gouache.
Les livres pour enfants
Mais cet ogre était aussi capable de tendresse comme en témoigne le livre, haut en couleurs et plein de fantaisie, qu’il avait dessiné dans les années 1950 pour ses trois enfants.
Un livre pour les enfants suisse est un recueil de dessins satiriques réalisés par FD, suite à l’épidémie de typhus qui a contaminé en 1963 la célèbre station de Zermatt et que les autorités ont voulu dissimuler. L’artiste a choisi d’intituler le dessin qui montre un cadavre pendu par un cor de chasse qui est suspendu à un crochet de boucher, « Auf Hor steht Todesstrafe », littéralement « sur le cor est inscrit peine de mort » Il se livre à un jeu de mot à partir de « Horn » qui signifie cor de chasse. Le mot apparait aussi dans le nom de la montagne qui domine Zermatt, « Matterhorn » (le Cervin) et qui pourrait être déformé en « Marterhorn » (pic de la torture). Dürrenmatt joue ainsi sur les anti-thèses (santé-maladie, paradis-enfer) qui reflètent toute l’ambiguité de la situation de l’époque
Commissariat : Thérèse Willer, conservatrice en chef du Musée Tomi Ungerer et avec le conseil scientifique de Peter André Bloch, professeur émérite à l’Université de Haute-Alsace
INFORMATIONS PRATIQUES Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’Illustration 2, avenue de la Marseillaise, Strasbourg Ouvert tous les jours de 10h à 18h – sauf le mardi Tél. +33 (0)3 68 98 50 00
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Le Petit Palais à Paris est très heureux de présenter dans ses murs la Collection Prat, certainement l’un des plus remarquables ensembles au monde de dessins français allant du XVIIe jusqu’au début du XXe siècle. Initiée dans les années 1970 par Louis-Antoine et Véronique Prat, elle est la première collection privée à avoir fait l’objet d’une présentation au Louvre en 1995. Vingt cinq ans après, le Petit Palais entend témoigner de la vitalité de la collection qui s’est enrichie ces dernières années de pièces majeures montrées ici pour la première fois.
Les 184 feuilles présentées comptent parmi les dessins les plus importants de Callot, Poussin, Le Brun, Watteau, Prud’hon, Ingres, Delacroix, Redon, Cézanne ou Toulouse-Lautrec…
Prud’hon, Psyché enlevée par les Zéphyrs, XIXe siècle. Pierre noire, réhauts de blanc sur papier bleu, 33 x 17 cm, Collection Prat
Un panorama du dessin français de 1580 à 1900
La Collection Prat se concentre sur l’école française avant 1900, et constitue un survol particulièrement représentatif de trois siècles de création, de Callot à Seurat.
L’exposition propose donc de suivre ce fil chronologique tout en offrant quelques incursions thématiques. Le parcours s’ouvre sur une série de dessins du XVIIe siècle qui témoignent de l’influence de l’Italie chez les artistes français comme François Stella à la fin des années 1580 dont le dessin présenté ici est le plus ancien de la collection. Le Lorrain, Jacques Callot, Poussin bien sûr, ainsi que Vouet traverseront aussi les Alpes et l’influence de ce séjour s’exprime dans les feuilles réunies ici. La section suivante présente plusieurs dessins préparatoires aux décors de Versailles par Le Brun, Coypel ou La Fosse. Les deux amateurs ont toujours privilégié dans leurs choix des œuvres très significatives du point de vue de l’histoire de l’art, et certains de leurs plus fameux dessins sont liés à la genèse d’œuvres séminales de la peinture française.
L’exposition aborde ensuite le style Rocaille avec Watteau et Boucher. Poursuivant cette évocation du XVIIIe siècle, Natoire et Greuze évoquent tour à tour le dessin sur le motif, ainsi que les débuts du réalisme et la recherche de vérité psychologique dans le portrait, sans oublier la fantaisie d’un Fragonard.
Un bel ensemble de projets sculptés ou architecturaux, de Bouchardon, Challe, Petitot, Desprez ou Hubert Robert manifestent de la prégnance encore du séjour romain en plein siècle des Lumières.
Odilon Redon, Tête suspendue par une chaîne, 1881, Fusain sur papier beige, 45 x 37 cm, Collection Prat.
Viennent ensuite des illustrations fortes du retour à l’Antique comme en témoignent plusieurs œuvres de Jacques-Louis David dont un dessin préparatoire pour La Douleur d’Andromaque. À la même époque, d’autres artistes comme Boilly ou Prud’hon élaborent un style tout à fait personnel. Ce début du XIXe est marqué par des tensions entre l’affirmation du style néo-classique et l’émergence du romantisme.
Eugène Delacroix, Cheval ruant, vers 1825,
Aquarelle, gouache, 15,1 x 13 cm, Collection Prat.
Les feuilles de Gros, Géricault, et trois beaux ensembles de Ingres, de Delacroix et de Chassériau offrent un florilège des tendances esthétiques qui agitent cette période si riche. L’exposition aborde ensuite les académismes et les réalismes d’après 1850 avec les dessins de Corot, Courbet, Millet, Daumier ou encore Carpeaux, Gustave Doré et Puvis de Chavanne.
Seurat, La femme accoudée à un parapet, XIXe siècle. Crayon Conté, 24,1 x 16 cm, Collection Prat
Une sélection remarquable de dessins d’écrivains enrichit de façon originale ce panorama avec de magnifiques lavis et encres de Victor Hugo et de Baudelaire complétés par des œuvres symbolistes de Redon et de Gustave Moreau d’inspiration littéraire.
Le parcours se termine en ouvrant vers la modernité avec des feuilles de Manet, Degas et Rodin. Les expérimentations de Seurat et de Cézanne achèvent magistralement la présentation de cette collection construite et réfléchi avec le plus grand soin par deux amateurs engagés et passionnés.
COMMISSARIAT GÉNÉRAL : Pierre Rosenberg, président-directeur honoraire du musée du Louvre Christophe Leribault, directeur du Petit Palais
Catalogue, éditions Paris Musées, 328 pages, 49,90 euros.
Eugène
Petit Palais Avenue Winston Churchill 75008 Paris
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Nocturne le vendredi jusqu’à 21h
INFORMATIONS www.petitpalais.paris.fr
Marie Freudenreich née à Colmar en 1975 sculpteuse, barbouilleuse.
C’est une rencontre virtuelle, Covid-19 oblige
Parcours – Ecole Nationale des Beaux-Arts de Nancy (1995 à 1998), D.N.A.P. – Art Student’s League of New York (1998 à 2003), Certificate of Completion in Fine Arts Sculpture – atelier à Motocodepuis 2013
photo Robert Cahen
Un monde qui tient avec du scotch. Comme si l’image que nous percevons comme la « réalité » n’était qu’un décor de carton, prêt à s’envoler au premier coup de vent. Une illusion d’optique qui cache à peine, comme une jupe trop courte, le vide qui nous entoure : le cosmos immense et noir, l’éternité de mort qui encadre nos vies. La fragilité de tout ce que nous connaissons. Quand deux couleurs sont juxtaposées, elles sont vraiment bord à bord. Il n’y a pas de chevauchement, aucune marge de sécurité. Si on les écartait d’un demi-millimètre, on découvrirait l’abîme caché derrière. C’est un peu cela, mes peintures. Marie Freudenreich Comment définirais-tu ta peinture ? Peindre, c’est un peu comme apprendre la mécanique. Démonter la réalité (ou l’illusion) étaler les pièces devant soi, essayer en se grattant la tête de comprendre comment ça s’articule. Ensuite remonter tout ça. La plupart du temps on se trompe, on abîme une pièce ou on la remonte à l’envers. Je tente de faire de chouettes erreurs. Après tout c’est la panne qui révèle le mécanisme.
Quand travailles-tu ? Plutôt en fin d’après-midi, le soir, la nuit, je n’ai pas d’horaire défini.
A quel endroit, maison, atelier ? Je travaille à Motoco, dans mon atelier, avant ça je travaillais chez moi. J’ai réessayé pendant le confinement de travailler chez moi, sans y parvenir.
photo Robert Cahen
Un rite pour te mettre au travail ? J’ai souvent besoin de plusieurs heures pour me vider la tête, épuiser en quelque sorte la partie de moi qui s’éparpille en tracas divers, faire baisser le niveau de tension nerveuse avant de pouvoir démarrer. C’est probablement pour ça que je commence souvent ma journée de travail à l’heure où d’autres la finissent. Mais pas de rituel précis
Quelle est ta technique ? Récemment, huile sur contreplaqué, huile sur carton et tempera à l’oeuf sur papier. Sculpture sur bois aussi et installation. pendant ma formation, j’ai fait beaucoup de sculpture sur pierre et de la gravure (eau forte)
Huile sur bois
L’ambiance, musique, silence, intérieur, extérieur ? En intérieur avec de la musique, sans perturbations. J’ai besoin de me sentir seule au monde, comme au fond d’une grotte, et plongée dans la musique, pouvoir chanter en travaillant
Qui sont tes maîtres ? Fra Angelico, Joseph Albers, Jacob Laurence, Mark Rothko Zut il n’y a que des mecs Louise Bourgeois, Agnès Martin, Frida Kahlo
Quelles sont tes références littéraires ? « Interaction of Color » Josef Albers J’ai aussi un gros faible pour l’écriture des dramaturges américains, Eugene O’Neill : « Long days’s journey into night » Tennessee Williams : » A street car named Desire » Ce qui me touche, c’est leur art de dissimuler le drame qui sous-tend la pièce et fait craquer les coutures des personnages entre les lignes des dialogues les plus triviaux. Rien de ce qui est important n’est jamais énoncé, et pourtant tout se dessine, petit à petit, dans les fissures du récit. J’aime tellement l’écriture de ces pièces, que je n’éprouve pas le besoin de les voir mises en scène, les lire me bouleverse.
Que devient ton travail pendant le confinement, est-il une source de création et de recherches plastiques ? Le confinement n’a pas eu d’effet bénéfique sur ma créativité. J’avais un projet « spécial confinement » mais ça n’a pas du tout marché.
Que cherches-tu à exprimer dans ton travail, qui ne serait pas possible avec des mots ? Que dire .. Tout sauf le titre ? Les mots capables de dire, sans doute, les mêmes choses qu’une oeuvre d’art plastique sont les mots des poètes. Pourtant malgré l’immense respect que j’ai pour la poésie, je ne suis pas sûre qu’elle ait vocation à supplanter toutes les autres formes d’expression, et surtout, je ne comprends pas en quoi ce serait un progrès. Je ne ressens pas cette supposée supériorité du verbe. L’idéal pour moi, serait qu’une oeuvre permette de transporter une idée, une émotion, une interrogation, une intuition, une image mentale ou peu importe sous forme graphique (ou volumique), directement du cerveau de l’artiste à celui du regardeur, via ses yeux, sans passer par le laminoir ou la moulinette de la verbalisation, pire encore, de la rationalisation.
Comment définirais-tu ton travail ? C’est une espèce de chemin que j’emprunte sans connaître et sans vouloir connaître ma destination. Ce n’est que quand une étape (comme l’application d’une couleur) est achevée que je décide de la suivante, comme un marcheur qui déciderait à chaque croisement de la direction à emprunter. J’ai répondu un peu à côté de la question, parce que je ne sais pas définir mon travail. Mais il semble que si je savais le définir, je serais incapable de le poursuivre. Sa définition serait comme son rapport d’autopsie.
Peins-tu des autoportraits ? On dit que chaque oeuvre est un portrait de son auteur. Des autoportraits de ma tête, ça m’est arrivé, mais très peu, mais quand je peins une table ou un bol, c’est aussi une sorte d’autoportrait. Cela dit, j’aime bien les autoportraits des autres, surtout quand ils révèlent un trouble, comme ceux de Schoenberg. J’aime aussi ceux, nombreux, où on sent de la méfiance, quand l’artiste se regarde d’un air de dire : « toi mon coco, je te connais trop bien pour te faire confiance »
Motoco ? Depuis ? J’ai eu la chance in extremis de pouvoir intégrer Motoco dès le démarrage, en 2013. Mischa Schaub m’avait attribué le tout dernier espace disponible à l’époque.
A modifié ta manière de travailler de vivre ? J’ai mis longtemps à arriver à vraiment travailler à Motoco, à y retrouver le degré de concentration dont j’ai besoin, et qui peut aujourd’hui encore être facilement compromis, par l’absence de séparation phonique entre les ateliers, la chaleur étouffante en été, le froid en hiver.
photo Robert Cahen
Motoco est-il un apport pour toi ? Motoco m’a apporté énormément en terme de vie sociale, et même d’existence sociale. Pouvoir échanger avec les autres artistes du lieu est infiniment précieux. Ma présence à Motoco m’a aussi permis de rencontrer un public, qui ignorait mon existence et mon travail jusque là.
Pour terminer, peut-on revenir sur l’exposition au forum de St Louis en 2012 A ce moment là, je pensais que c’était un appel, solitaire, tu voulais convier les gens à ta table, muette, tu t’exprimais par ton travail. La table exposée à Saint-Louis, je crois qu’elle date de 2005. Je l’ai mise en œuvre 5 fois à ce jour. C’est une idée qui m’est venue comme ça, toute faite et qui ne m’a plus lâchée, même si je ne la comprenais pas. Elle a longtemps été sans titre. Tout ce que je savais en dire est que c’était une pièce importante pour moi, d’où son titre transitoire « wie ich tisch ». Elle a maintenant je crois son titre définitif: « Tableau ».
Expositions – CORK Gallery, Lincoln Center New York, 2002 (Nessa Cohen memorial Grant winners show) – CORK Gallery, Lincoln Center New York, 2004 (idem) – « Liquid Memories » (exposition personnelle), 2006, association culturelle : à table !, Boulogne-sur-Mer conjointement à cette exposition, publication d’ un livret de dessins intitulé : « my life is as empty as a room full of boxes » – « (é)mouvantes couleurs (vidéo)»en duo avec Robert Cahen, 2012, forum de l’ Hôtel de ville de Saint-Louis – « archéologies mentales » en duo avec Eric Smolinski, hiver 2013-2014, « Mulhouse Jeune Art Contemporain » – REGIONALE 14 : « Noli Me Tangere » (group show), E-WERK Freiburg « à la croisée des chemins potentiels » (group show), FABRIK culture, Hégenheim – Janvier 2017 : « ÉDEN », galerie Jean-François Kaiser, Strasbourg – Février-Mars 2018 : « Et, toujours, ils tiennent le monde / Désirer un coin de soi-même inconnu « , LE GRANIT et la Cantine d’art contemporain, Belfort – Régionale 20, « les chemins du rêve » Fabrikculture Hégenheim 2019/20
crédit photos : Robert cahen 1,2,3,8 Marie Freudenreich 6,7 Elisabeth Itti 4,5,8 + 1 vidéo
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Hans Hartung : « Je déguste la nature et la vie comme chacun, ça n’a rien à faire avec ma position picturale »
À l’occasion de sa réouverture après une année de travaux de rénovation, le Musée d’Art Moderne de Paris présente Hans Hartung, La fabrique du geste. L’exposition se termine le 1er mars 2020. La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu’il mérite. L’exposition porte un nouveau regard sur l’ensemble de l’œuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l’histoire de l’art. Hans Hartung fut un précurseur de l’une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l’abstraction. Acteur d’un siècle de peinture, qu’il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent l’entraver – de la montée du fascisme dans son pays d’origine l’Allemagne à la précarité de l’après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales – jamais, il ne cessera de peindre. Le parcours de la rétrospective comprend une sélection resserrée d’environ trois cent œuvres, provenant de collections publiques et particulières françaises et internationales et pour une grande part de la Fondation Hartung-Bergman.
Cet hommage fait suite à l’acquisition du musée en 2017 d’un ensemble de quatre œuvres de l’artiste. L’exposition donne à voir la grande diversité des supports, la richesse des innovations techniques et la panoplie d’outils utilisés durant six décennies de production. Hans Hartung, qui place l’expérimentation au cœur de son travail, incarne aussi une modernité sans compromis, à la dimension conceptuelle.
Les essais sur la couleur et le format érigés en méthode rigoureuse d’atelier, le cadrage, la photographie, l’agrandissement, la répétition, et plus surprenant encore, la reproduction à l’identique de nombre de ses œuvres, sont autant de recherches menées sur l’original et l’authentique, qui résonnent aujourd’hui dans toute leur contemporanéité. Hans Hartung a ouvert la voie à certains de ses congénères, à l’instar de Pierre Soulages qui a toujours admis cette filiation.
L’exposition est construite comme une succession de séquences chronologiques sous la forme de quatre sections principales. Composée non seulement de peintures, elle comprend également des photographies, témoignant de cette pratique qui a accompagné l’ensemble de sa recherche artistique. Des ensembles d’œuvres graphiques, des éditions limitées illustrées, des expérimentations sur céramique, ainsi qu’une sélection de galets peints complètent la présentation et retracent son itinéraire singulier. Afin de mettre en relief le parcours d’Hans Hartung, en même temps que son rapport à l’histoire de son temps, cette exposition propose des documents d’archives, livres, correspondances, carnets, esquisses, journal de jeunesse, catalogues, cartons d’invitations, affiches, photographies, films documentaires, etc. Figure incontournable de l’abstraction au XXe siècle, Hans Hartung ne se laisse pas pour autant circonscrire dans ce rôle de précurseur historique, car sa vision d’un art tourné vers l’avenir, vers le progrès humain et technologique, vient nous questionner aujourd’hui encore. Le parcours met en tension et en dialogue ces deux aspects complémentaires qui constituent le fil rouge de cette exposition.
Un catalogue comprenant une quinzaine d’essais et une anthologie de textes est publié aux Éditions Paris Musées. podcast France culture
Informations pratiques Musée d’Art Moderne de Paris 11 Avenue du Président Wilson 75116 Paris Tél. 01 53 67 40 00 www.mam.paris.fr Ouvert du mardi au dimanche De 10h à 18h Nocturne le jeudi jusqu’à 22h
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Wim Wenders devant Cape Cod Morning, 1950, Edward Hopper
Jusqu’au 26 juillet2020 commissaire Dr Ulf Küster
« Ce que j’ai cherché à faire, c’est peindre la lumière du soleil sur le mur d’une maison. » Edward Hopper en conversation avec Lloyd Goodrich, avril 1946 Vidéo du confinement avec Yves Guignard
Edward Hopper Cobb’s Barns and Distant Houses, 1930–1933
La #Fondation Beyeler présente dans son exposition de printemps 2020 un ensemble d’œuvres d’#Edward Hopper (1882-1967), l’un des principaux peintres américains du XXème siècle. Ses références sont Manet, Degas, Rembrandt, Watteau, Courbet. Il trouve que l’Amérique est insensible à l’art. Les peintures de Hopper sont l’expression du regard singulier que l’artiste porte sur la vie moderne. Il commença sa carrière comme illustrateur, par nécessité. Son premier succès à l’âge de 41 ans est le Bateau Jaune en 1924. Son épouse Joe, fut son principal modèle.
Edward Hopper Lighthouse Hill, 1927
Aujourd’hui, il est surtout connu pour ses peintures à l’huile, qui témoignent de son intérêt pour l’impact de la couleur et de sa virtuosité dans la représentation de l’ombre et de la lumière. Le thème central de l’exposition est fourni par ses images iconiques des immenses paysages naturels et urbains de l’Amérique. L’exposition réunit des aquarelles et des huiles des années 1910 aux années 1960, offrant ainsi un large et passionnant panorama des multiples facettes de la peinture hoppérienne.
Jo dessinant à Good Harbor Beach
Bien qu’Edward Hopper ait longtemps travaillé principalement en tant qu’illustrateur, il est aujourd’hui connu surtout pour ses peintures à l’huile, qui témoignent de son intérêt profond pour la couleur et de sa virtuosité dans la représentation de l’ombre et de la lumière. Les toiles de Hopper sont l’expression de son regard unique sur la vie moderne: stations-service, maisons, bars, phares et bateaux, mais aussi vues intérieures de logements, d’hôtels et de cinémas. Les rares figures humaines qui apparaissent dans ses œuvres semblent souvent porter leur regard au-delà de la surface de la toile, comme si ce qui se «passait» dans l’image n’était pas accessible au spectateur: des événements invisibles semblent se produire en dehors du tableau.
Hopper Premier bras du White River
L’exposition de la Fondation Beyeler met l’accent sur les représentations iconiques de Hopper des étendues infinies des paysages naturels et urbains de l’Amérique, c’est comme si le temps ralentissait avec lui. Il s’agit là d’un aspect rarement placé au centre des expositions consacrées à Edward Hopper, mais pourtant clé pour comprendre son œuvre et sa réception. Le langage formel de Hopper s’est développé indépendamment des tendances populaires de son temps.
Edward Hopper, 5 A.M. 1937
Son mode de représentation caractéristique, lui, a fortement influencé des peintres contemporains majeurs comme Peter Doig et a entretenu une relation quasi symbiotique avec le cinéma: les toiles de Hopper ont inspiré des films majeurs comme La Mort aux trousses d’Alfred Hitchcock (1959), Paris, Texas de Wim Wenders (1984) ou encore Danse avec les loups de Kevin Costner (1990).
Edward Hopper Portrait of Orleans, 1950
A l’occasion de l’exposition, cadeau supplémentaire, Wim Wenders présente un film consacré aux paysages d’Edward Hopper. Il a su retracer les ambiances, retrouver les lieux, il nous plonge parfaitement, dans cette magie, mais aussi dans ce sentiment de solitude et presque d’angoisse, que Hopper traduit dans ses toiles.
Edward Hopper La côte Lee
L’exposition de la Fondation Beyeler montre aussi de sublimes aquarelles et des huiles sur toile des années 1910 aux années 1960, proposant ainsi un aperçu ample et passionnant de la richesse de la peinture d’Edward Hopper.
Un petit cahier à l’attention des enfants a été édité pour l’occasion.
Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler: tous les jours de 10h00 à 18h00, le mercredi jusqu’à 20h00 / Pendant la durée d’Art Basel: 8 – 16 juin 2019, 9h00–19h00 Passmusées Depuis la gare SBB tram n° 2 direction Eglisee, descendre à Messeplatz, puis tram n° 6 arrêt Fondation Beyeler. Conférence de Didier Ottinger le 1 avril « Les fantômes de Hopper »
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Jusqu’au 22 juin 2020 commissaire : Frédérique Goerig-Hergott, conservatrice en chef, collections d’art moderne et contemporain au Musée Unterlinden
Conçue comme une rencontre entre art et science, l’exposition De mains et d’yeux est née d’une collaboration entre leMusée Unterlinden et le programme scientifique « Création, cognition, société » de l’Université Paris Sciences et Lettres, développée dans le cadre de la #restauration du Retable d’Issenheim entreprise depuis 2018.
L’équipe de chercheurs étudie la manière dont le regard des visiteurs est guidé par les formes, les couleurs et la lumière des panneaux peints de Grünewald et dans quelle mesure ce regard est modifié par les changements résultant de sa restauration. Pour enregistrer les mouvements des yeux et donc l’attention visuelle, les chercheurs utilisent un ensemble de techniques dites eye tracking (oculométrie en français) et un outil, l’eye tracker (oculomètre). Celui-ci enregistre les mouvements des yeux capturés par des caméras et envoie ces informations à un logiciel qui en extrait avec une grande précision les tracés. Il permet ainsi de connaître la manière dont nous regardons un tableau et de repérer les éléments qui accrochent le plus fortement le regard.
Dans ce contexte, l’exposition du travail de Michel Paysant constitue l’indispensable pendant artistique à cette démarche scientifique. Son titre, De mains et d’yeux, est à prendre à la lettre, les dessins ayant été dessinés par les yeux de l’artiste grâce à cet outil, l’oculomètre. Les mouvements des yeux de l’artiste, tel un crayon, tracent les lignes et les formes des œuvres. L’enregistrement de son regard porté sur les panneaux du Retable d’Issenheim et sur la tapisserie Guernica, ou plus précisément la transcription des lignes des déplacements et des points de fixation de ses yeux face à l’œuvre, donne naissance à une nouvelle interprétation de l’œuvre originale.
1er lieu de l’exposition : la tribune, 1er étage du Cloître L’atelier de [M] DENKRAUM
Inspirée librement du Retable d’Issenheim, de la vie de Grünewald et de l’inventaire après décès de ses biens établit en octobre 1528, cette installation propose une version contemporaine de l’atelier du Maître. L’installation évoque l’univers de l’atelier, l’envers fictionnel et théâtralisé de sa peinture, les coulisses de sa pensée. La définition du lieu Lieu de création et de vie, l’installation rappelle autant un cabinet de dessin qu’une cellule de moine, une chambre de dispensaire ou un jardin de méditation. Au sein de la tribune de la chapelle, l’aménagement de l’installation en fait un endroit où l’on peut s’immerger, se ressourcer, être à l’écoute. Halte, étape ou simple respiration dans la visite du musée, il fournit au visiteur un havre de paix, un lieu d’accueil et d’hospitalité à l’image de la mémoire des lieux. L’évocation, l’atmosphère Exposée en regard du Retable d’Issenheim, l’installation crée une atmosphère étrange de tourment et de quiétude, de feu et de froid, de sang et de larmes, d’interrogations et d’espoir. Le lieu imaginé par l’artiste est un espace « en suspens » qui ouvre sur l’infini des interprétations.
Redonner à voir Les objets créés, qu’ils soient liés au dessin, au songe, à la rêverie, au corps, à la botanique et à l’art du jardinage, sont mis en espace afin de permettre aux visiteurs de se recueillir et de leur fournir un point de vue différent, intérieur et sensible, sur le chef-d’œuvre de Grünewald.
Œuvres exposées dans la tribune Le grand dessin (Das große Bild) Impression numérique sur papier Hahne Mühle Ce dessin monumental est extrait des Carnets des Regards de Michel Paysant. La ligne est générée par le mouvement des yeux enregistré sur un détail du Retable d’Issenheim : les mains de la Vierge dans le panneau de la Crucifixion.
L’atelier [M] Le jardin des larmes de verre en goutte de rosée (Der Garten der Glass Tränen)
Produite au Centre International d’art verrier (CIAV) de Meisenthal, cette œuvre est constituée de deux séries : – 189 mains en verre réalisées au chalumeau reproduisant, en langage des signes, un court extrait des notes de Michel Paysant sur le Retable d’Issenheim :
« Ici tout n’est que dialogues de mains et d’yeux Passants Comme il est profond de laisser une trace sur le sable et sur l’eau De remuer ciel et terre Comme en un souffle Ligne d’erre et de larmes Pour dire l’indicible Dessiner l’invisible » – 28 mains, interprétation des mains dans les panneaux de Grünewald.
La maison-inventaire Un « inventaire » (Das Inventar) de divers objets « réversibles » : outils et accessoires d’artiste-botaniste inspirés librement de l’inventaire après décès de Grünewald. À la fois fictionnels et fonctionnels, ces objets évoquent tous l’art de peindre et l’art de cultiver son jardin.
2e lieu de l’exposition : la galerie
Michel Paysant Voir la guerre les yeux retournés (Guernica revisited) Michel Paysant a réalisé des dessins en eye tracking sur une autre œuvre majeure de la collection du musée : la tapisserie Guernica réalisée par Jacqueline de la Baume-Dürrbach en 1976 d’après le chef-d’œuvre de Picasso. Tout comme l’étude sur Grünewald, il s’agit ici d’une copie du regard, une production immatérielle qui a pour but de « redonner à voir » et de questionner l’art par la science.
À la différence des dessins créés à partir du Retable d’Issenheim, il s’agit ici d’un regard qui crée à partir de deux autres : celui porté par Jacqueline de la BaumeDürrbach sur l’œuvre de Picasso et celui de l’œuvre originale gardée en mémoire par Michel Paysant. Pourtant ces deux modèles, celui de la tapisserie et celui de la mémoire, ne se combattent pas, mais se fondent l’un dans l’autre. En témoigne le fait que l’œil dessine en une ligne continue, comme en un souffle.
Opening night 13.03.20
Concert – Performance musicale « Guernica » par Nocto
En réponse au film de l’artiste Michel Paysant, Guernica, Nocto propose une pièce ambiante faite de lignes et d’improvisations. Horaire 20h Entrée libre Lieu Piscine – Entrée par le bâtiment des Bains Cette performance musicale est aussi proposée 26/04 à 15h – Tarif : Accès libre pour les visiteurs du musée
Discussion avec un médiateur autour des dessins de Guernica de Michel Paysant
Horaires de 19h à 22h Entrée libre Lieu salle d’exposition, Ackerhof – Entrée par le bâtiment des Bains
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Léonard de Vinci, jusqu’au 24 février 2020 la vidéo du Louvre Le Louvre, hall Napoléon RÉSERVATION OBLIGATOIRE : Forte de cette recommandation, mon billet était pris. Dès le 11 novembre 2019, je me présente devant la pyramide du Louvre, où l’affluence est à son comble. Pas encore de grève et ce n’est pas le jour des gilets jaunes. Un peu déconcertée, je m’avance prudemment, à la recherche du panneau des coupe fil, un gardien vient vers moi, et me conduit droit vers le tapis bleu (de France) qui me mène directement à l’intérieur du musée, il est midi, ma visite commence à 13 h 30. J’ai le temps de déjeuner dans un des restaurants du musée. Puis vers 13 h je me présente à l’entrée de l’exposition. J’y suis dans le saint des saints. Impressionnante, la statue de bronze de 2,30 m de hauteur projette son ombre encore plus gigantesque sur le mur à l’entrée.
Le Christ et saint Thomas, ou l’incrédulité de saint Thomas, réalisé entre 1467 et 1483 par Andrea del Verrocchio, artiste renommé dans la Florence du XVe siècle, non seulement marque le point de départ du parcours de l’exposition du Louvre, mais symbolise aussi le cheminement artistique de Léonard de Vinci (1452-1519), le plus célèbre des élèves de Verrocchio. Puis je me précipite vers les draperies d’un splendeur inouïe. La foule est dense.
Des œuvres magiques Dès cette première salle, les dessins d’études du jeune artiste et ses belles détrempes (de la peinture sur lin, d’une délicatesse extraordinaire) montrent une virtuosité incroyable pour restituer non seulement le mouvement et le volume du drapé, mais déjà la réalité du corps humain censé être derrière l’étoffe.
L’exposition du Louvre retrace le processus de création du « génie universel », en réunissant, autour de neuf de ses peintures, une petite centaine de dessins rarement vus (L’Homme de Vitruve), des œuvres de ses élèves et de ses contemporains, ainsi qu’une série de « réflectographies », images scientifiques permettant de révéler le dessin sous les couches de peinture et les différentes étapes du geste de l’artiste.
Quelques surprises ravivent mon enthousiasme : Un dessin à la pointe de plomb, repris à la plume et à l’encre brune, représentant Bernardo Baroncelli dans un croquis macabre de Léonard de Vinci à Florence en 1479, montrant le corps de Bernardo Baroncelli pendu, en lien avec le meurtre de Giuliano de Medici, dans la conspiration Pazzi. Avec une intégrité impartiale, Leonardo a enregistré dans un miroir, en écrivant les couleurs des robes que portait Baroncelli à sa mort.
Une tête de femme échevelée, La Scapiliata le cartel dit terre d’ombre, sur bois, une pure merveille.
À l’occasion des 500 ans de la mort de Léonard de Vinci en France, le musée du Louvre conçoit et organise une grande rétrospective consacrée à l’ensemble de sa carrière de peintre. L’exposition entend montrer combien Léonard a placé la peinture au-dessus de toute activité et la manière dont son enquête sur le monde – il l’appelait « science de la peinture », fut l’instrument d’un art, dont l’ambition n’était autre que de donner la vie à ses tableaux. Autour de sa propre collection de 5 tableaux, la plus importante au monde – la Joconde reste toutefois exposée dans la salle des États – et de ses 22 dessins, le Louvre rassemble près de cent quarante œuvres, soit plus de 160 (peintures, dessins, manuscrits, sculptures, objets d’art) issues des plus prestigieuses institutions européennes et américaines : la Royal Collection, le British Museum, la National Gallery de Londres, la Pinacothèque vaticane, la Bibliothèque Ambrosienne de Milan, la Galleria Nazionale de Parme, le musée de l’Ermitage de SaintPétersbourg, les Gallerie dell’Accademia de Venise, le Metropolitan Museum de New York, l’Institut de France … L’occasion unique d’admirer 11 tableaux de l’artiste (sur moins de 20 qui lui sont attribués par les spécialistes) à côté d’une sélection de ses plus beaux dessins et de ses principaux manuscrits scientifiques. La célébrité extraordinaire de cet infatigable curieux, perçu très tôt comme l’incarnation du génie et du savoir universels, l’aura presque surréaliste de la Joconde et la littérature considérable qui s’est accumulée de son époque à nos jours offrent une image confuse et fragmentaire du rapport de Léonard à la peinture. Aboutissement de plus de dix années d’un travail ayant vu, notamment, l’examen scientifique renouvelé des tableaux du Louvre et la restauration de trois d’entre eux (la Sainte Anne, la Belle Ferronnière et le Saint Jean Baptiste), permettant de mieux comprendre sa pratique artistique et sa technique picturale, l’exposition s’efforce également de clarifier la biographie de Léonard sur la base d’une reprise de l’ensemble de la documentation historique. Elle rompt avec l’approche canonique de la vie du maître florentin selon six périodes chronologiques rythmées par ses déplacements géographiques, en faveur de quelques clés qui en ouvrent l’univers. Émerge ainsi le portrait d’un homme et d’un artiste d’une extraordinaire liberté. A l’issue de l’exposition, une expérience en réalité virtuelle, réalisée avec HTC Vive, permettra d’approcher la Joconde comme jamais. Commissaires de l’exposition : Vincent Delieuvin, conservateur en chef du Patrimoine, département des Peintures, et Louis Frank, conservateur en chef du Patrimoine, département des Arts graphiques, musée du Louvre.
La visite est éprouvante, car chacun examine les nombreux et magnifiques dessins de façon très précise, puis les portraits, chacun y va de sa photo personnelle, vérifie si elle est bien prise, au besoin en reprend une nouvelle rendant la circulation difficile, en plus de cela , il n’y a pas de siège prévu pour le repos.
Le palefrenier ensorcelé (Musée de l’Œuvre Notre-Dame à Strasbourg)
Jusqu’au 8 mars 2020 au Musée Notre Dame de Strasbourg avec Frank Muller, historien de l’art. Le 500e anniversaire de la naissance de Hans Baldung Grien a passé presque inaperçu en Alsace. Un article méritoire de Jean Dentinger, dans « Réalités alsaciennes», daté du 24 mai 1985, porte le surtitre symptomatique : la commémoration oubliée
Hans Baldung Grien a fondu d’un doigt léger des influences multiples venues des quatre coins de l’horizon. Son rayonnement fut considérable non seulement en Alsace, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe, même en Italie. Il n’a pas créé d’école proprement dite: les circonstances ne s’y prêtaient guère, pas plus que sa manière raffinée et ésotérique. « Il jouissoit de beaucoup de célébrité » note Hermann dans ses Notices de 1819. Et sur une peinture de 1515, on le qualifie même d’« Appelle des temps modernes ». Sa fortune critique fut néanmoins variable selon les époques. Certains mouvements récents, comme l’expressionnisme nordique, l’ont revendiqué comme précurseur. Aujourd’hui, on a tendance à voir en lui l’un des plus grands peintres de la Renaissance allemande, le pair de Cranach et de Holbein, et indiscutablement la personnalité la plus marquante après la disparition de Dürer et de Grünewald en 1528.
Aucun document précis ne nous renseigne sur la date de naissance de Hans Baldung Grien. Mais grâce à un autoportrait à l’âge de 49 ans, publié le 27 juillet 1534, nous savons qu’il était né entre le 28 juillet 1484 et le 27 juillet 1485. Lorsqu’il mourut à Strasbourg en septembre 1545, il était donc âgé de 60 ou de 61 ans. Le lieu de naissance a donné lieu à de longues controverses. Hans Baldung Grien lui-même, dans l’inscription au revers de son œuvre principale, le maître-autel de la cathédrale de Fribourg-en-Brisgau (1516), nous dit sans ambiguïté : « Joannes. Baldung. Cognomine Grien. Gamundianus. Deo. Et. Virtute. Auspicibus Faciebat » (« Hans Baldung dit Grien, de Gmünd, a fait cette œuvre grâce à Dieu et à ses capacités »). « Gamundianus » peut cependant dire ou « de Gmünd » ou « originaire de Gmünd » ou encore, en sollicitant un peu la tournure, « dont la famille est originaire de Gmünd ». L’origine gmündoise des Baldung (il s’agit de Schwäbisch Gmünd dans le Bade-Wurtemberg) est hors de doute, elle est attestée par de nombreux documents. Les armoiries à la licorne des Baldung (voir la gravure du Palefrenier ensorcelé) sont d’ailleurs proches de celles de Gmünd. En 1492 cependant, un Hans Baldung se trouve à Strasbourg comme conseiller juridique de l’évêque. Il ne s’agit pas du père de notre artiste, comme on l’affirme souvent, mais de l’oncle. D’autre part, le frère du peintre, Caspar Baldung, recteur de l’Université de Fribourg-enBrisgau, succède en 1524 à Sébastien Brant comme avocat de la ville de Strasbourg. Or le chroniqueur strasbourgeois Sébald Büheler (1529-1595), peintre lui-même, formé par Nicolas Kremer, élève de Hans Baldung Grien, et qui avait recueilli en 1553, l’héritage artistique du maître, soutient que celui-ci était né à Weyersheim au nord de Strasbourg. Notons que cette localité était la propriété de l’évêché et que l’oncle de Hans Baldung Grien a pu y posséder une résidence. L’hypothèse d’une enfance, voire d’une jeunesse alsacienne de l’artiste n’est pas à écarter, d’autant plus que certains auteurs ont cru déceler l’influence initiale de Martin Schongauer. Mais le rayonnement du maître de Colmar avait largement dépassé les frontières de l’Alsace.En définitive, tout dépend de la date que l’on assigne au premier autoportrait, un dessin d’une rare acuité psychologique et d’un raffinement artistique incontestable (Kunstmuseum Bâle). En effet, ce portrait d’adolescent imberbe, très nettement influencé par les maîtres souabes, comme Bernhard Strigel installé à Memmingen, est placé par certains auteurs comme Gert von der Osten au tout début de la production de Hans Baldung Grien (vers 1500). Par rapport à l’autoportrait peint de 1507 (retable de Saint-Sébastien, Musée de Nuremberg), la différence d’âge est très nette sans que l’on puisse préciser le nombre d’années. Il n’en reste pas moins vrai que le dessin semble antérieur à l’entrée de Hans BaldungGrien dans l’atelier de Dürer en 1503. Un autre problème est soulevé par le surnom de Grien qui est utilisé même dans les documents officiels comme la procuration de 1516 : « Ich Hans Baldung genant Grien moler Bekenn, das ich in der besten form… ». On sait que Dürer l’appelait « Grünhanss ». La prédilection pour la couleur verte souvent avancée comme explication n’est pas évidente au vu de ses peintures conservées. Seul son autoportrait du retable de Saint-Sébastien, déjà cité, frappe par le costume vert clair. Il y a certainement un rapport plus étroit avec la feuille de vigne dont il signait au début certaines de ses œuvres. On a également pensé plus récemment à « der Grüne », c’est-à-dire le diable sous l’apparence d’un chasseur. Cela confirmerait le côté démoniaque de l’artiste. À ce sujet, on a d’ailleur attiré l’attention sur la gravure d’Adam et d’Ève, datée de 1519, où Ève ne foule nullement le serpent, mais le monogramme du graveur. Enfin, dernière pièce à verser au dossier, Caspar Baldung, son propre frère, l’avocat déjà cité, portait également le surnom de Grien.
Cabinet des estampes et gravures de Karlsruhe
Chez Dürer à Nuremberg (1503-1508) Les dessins qui suivent l’autoportrait révèlent le contact avec Dürer, mais ce type d’influence est quasi général à l’époque et ne donne aucune indication sur le lieu d’étude. L’Apocalypse de Dürer (1498) avait été publiée dès 1502 à Strasbourg. En revanche trois dessins datés de 1503 prouvent que Hans Baldung Grien vient d’entrer dans l’atelier du grand maître : Aristote et Phillis, le Lansquenet et la Mort, une Vierge à l’Enfant. D’emblée, Hans Baldung Grien traite des thèmes typiques qu’il reprendra tout au long de sa vie c’est-à-dire l’antiquité, le macabre et le religieux. Sa première peinture connue, le Cavalier, la Femme et la Mort (Musée du Louvre, Paris), de tendance moralisante (il s’agit d’une femme adultère), est encore antérieure à la période nurembergeoise. Dans l’atelier de Dürer, il peint d’abord deux volets de retable avec sainte Catherine et sainte Barbe (Schwabach en Bavière).
Première période strasbourgeoise (1509-1512) 1508 est une année de transition sans œuvre datée. Hans Baldung Grien quitte Nuremberg et s’installe à Strasbourg où il acquiert le droit de bourgeoisie (1509). Dès 1510, il porte le titre de maître. Il a épousé entre-temps Marguerite Herlin, la sœur de Christian H., mathématicien, connu pour sa participation à la conception de l’Horloge Astronomique de 1547.
La production artistique reprend avec deux portraits peints de 1509 : le Jeune homme à la bague (New Brunswick) et le Jeune homme au chapelet (Hampton Court). La même année, il a peut-être peint les volets des grandes orgues de la cathédrale de Strasbourg (aujourd’hui détruits). La Sainte Parenté entourée de la famille margraviale de Bade (Staatliche Kunsthalle Karlsruhe) montre que l’artiste a su nouer des relations avec l’aristocratie (vers 1510). Le tableautin célèbre, les trois Âges de la Vie et la Mort (Kunsthistorisches Museum Wien), rappelle la fragilité des choses d’ici-bas. La femme âgée repousse la Mort au sablier qui s’approche de la jeune femme se regardant dans un miroir, symbole de la vanité (vers 1510). D’un autel de la Vierge, daté de 1510, et fait probablement pour Strasbourg, subsiste notamment une touchante Nativité (encore proche de Dürer) (Kunstmuseum Basel). Un autre autel peint en 1511 pour une église d’Alsace a été relégué dans une sacristie et finalement dépareillé : un panneau avec la sainte Parenté et saint Jean-Baptiste se trouve à Washington (National Gallery of Art), un autre avec saint Jean l’Évangéliste à Patmos a trouvé refuge à Cologne (Wallraf- Richartz-Museum). Dans cette œuvre se manifeste une maîtrise incontestable qui se retrouve dans la Messe de Saint Grégoire (Cleveland, Museum of Art) exécutée pour les Chevaliers de Saint-Jean à Strasbourg (1511). La Sainte Famille sous un arbre existe en deux versions presque identiques (1512) : la première se voit à Vienne (Akademie der bildenden Künste), l’autre, plus sobre, plus mûre, à Nuremberg. Toutes deux révèlent l’influence de Cranach et d’Altdorfer. L’année 1512, qui marque la fin du premier séjour strasbourgeois de Hans Baldung Grien, est particulièrement féconde : les commandes affluent de toute part. Il faut au moins mentionner la Crucifixion de Berlin-Dahlem, la Crucifixion avec l‘Incrédulité de saint Thomas de Bâle(Öffentliche Kunstsammlung), la Sainte Trinité de Londres (National Gallery), la Sainte Parenté de Bâle et le Jeune homme aux roses d’Indianapolis (collection particulière).
Le palefrenier ensorcelé (Musée de l’Œuvre Notre-Dame à Strasbourg) Gravure sur bois. Dimensions : H. 0,28 m – L. 0,18 m. Datation : vers 1544, signature : HB. en entête Ce bois gravé aussi célèbre qu’énigmatique est généralement placé à la fin de l’existence de Hans Baldung Grien. Il est parfois considéré comme le testament artistique et spirituel de l’artiste dont le cheminement vers le pessimisme est indéniable. Iconographe raffiné, retors dit Jean Wirth, Hans Baldung Grien ne laisse rien au hasard, et chaque détail a sa signification souvent multiple, qu’il s’agit de retrouver ou de découvrir. Le palefrenier vient de s’écrouler comme foudroyé. Il se présente à nous dans cette perspective raccourcie dramatique propre à la Renaissance. La fourche à foin et la brosse à étriller se sont échappées de ses mains. Le cheval à l’arrière se retourne comme intrigué. Il soulève la queue en signe d’attente. À droite en haut, sans être vue, une hideuse sorcière jette la torche de l’incendie. La gravure est doublement signée : d’une part par le monogramme HB (le G habituel a disparu), et d’autre part par l’écusson à la licorne de la famille Baldung. Le thème des sorcières n’a cessé de hanter l’imagination de Hans Baldung Grien. Sans recourir à la psychanalyse du feu, on peut retenir l’une des nombreuses et contradictoires interprétations de la scène,
c’est-à-dire que le Mal qui jadis faisait partie du dessein de Dieu ou qui lui était soumis a fini par l’emporter dans un monde qui a perdu son unicité. « Gottverlassen und entgottlicht » note très justement A. Rüstow. La thèse émise récemment, selon laquelle la gravure s’inspirerait d’un récit populaire, apporte de nouveaux éléments sur le plan anecdotique : un chevalier pillard déguisé en palefrenier se cache dans un couvent et est tué par un cheval sauvage envoyé par le démon. Dans quelle mesure Hans Baldung Grien s’est-il identifié à ce chevalier pillard ? Peut-on penser que la religion n’est qu’un refuge transitoire qui ne fait que repousser l’échéance finale, la chute dans les flammes et le néant ? C’est un artiste total, que ce soit en gravure, en scupture, en peinture ou en architecture.
La lapidation de saint Étienne, un tableau redécouvert. Avec Cécile Dupeux, conservatrice du musée
ACCÈS ET SERVICES
Le 08 février 2020
Maison de l’Œuvre de Notre-Dame 3 place du Château – 67000 Strasbourg
Tram A ou D – arrêt Langstross-Grand’Rue
Tram B, C ou F – arrêt Broglie
BALDUNG GRIEN, ENTRE CHRISTIANISME ET PAGANISME CONFÉRENCE Le 30 janvier 2020 Auditorium des Musées 1 place Hans Jean Arp – 67000 Strasbourg
PORTRAITS GRAVÉS ATELIER Le 02 février 2020 Musée de l’Œuvre Notre-Dame 3 place du Château – 67000 Strasbourg
ART ET RÉFORME À STRASBOURG VISITE Le 18 janvier 2020 Musée de l’Œuvre Notre-Dame 3 place du Château – 67000 Strasbourg
DESCRIPTION Présentation à deux voix, Frank Muller, historien de l’art, et Jérôme Cottin, théologien.
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