Catégorie : Arts plastiques

Martin Boyce est un artiste écossais qui réalise sculptures et installations.
L’exposition au Museum für Gegenwartskunst (musée d’art contemporain)

présente des oeuvres sculpturales et des installations telles que Do Words Have Voices, une installation composée de plusieurs éléments pour laquelle Boyce a reçu le prestigieux prix Turner en 2011. Des photographies, collages et oeuvres matérielles résultant de 14 années de production artistique complèteront cette exposition individuelle, la deuxième du genre consacrée à cet artiste en Suisse (la première eut lieu en 2007 au Centre d’Art Contemporain Genève) et la plus importante de tous les temps.

Né en 1967 à Hamilton dans le South Lanarkshire (Royaume-Uni), Martin Boyce a étudié dans les années 90 à la Glasgow School of Art ainsi qu’au California Institute for the Arts (CalArts) à Los Angeles.
L’exposition présente des pièces majeures de son oeuvre, telles que Do Words Have Voices, ainsi que le nouvel arrangement d’un ensemble de travaux qu’il a présenté lors de la Biennale de Venise en 2009 avec le titre No Reflections.

Les premiers travaux de Boyce sont marqués par une multitude de références, parmi lesquelles figurent les grands noms du design moderne : Charles et Ray Eames, Mies van der Rohe ou Jean Prouvé. Boyce démantèle par exemple des chaises d’Arne Jacobsen et réalise des mobiles à l’aide des morceaux, il détourne aussi des systèmes d’étagères modulaires en créant des sculptures à partir de ceux-ci.
Certaines de ses oeuvres sont aussi influencées par la réception du cinéma américain. Ainsi, chez Boyce, le générique de North by Northwest d’Hitchcock
(en français La Mort aux trousses) devient le point de départ pour l’élaboration de tapisseries, textes muraux et cendriers, et on peut même le retrouver dans les diagonales du quadrillage incliné d’une poubelle conçue par l’artiste.

Boyce détourne aussi des références littéraires et de la culture pop.
Certains titres de ses travaux peuvent dériver de groupes musicaux
comme New Order et Joy Division ou être empruntés à des romans
de Virginia Woolf et Michael Ondaatje.
Une pochette de disque conçue par Peter Saville, la teinte d’une campagne
publicitaire de Gucci ou la retransmission télévisée du procès d’O.J. Simpson lui fournissent des signes visuels qu’il s’approprie librement.
Il s’agit de formes largement déterminées par les idéaux éthiques et économiques d’une culture en particulier, mais aussi de formes liées aux expériences biographiques de l’artiste. Les travaux issus de cette phase illustrent la manière dont les nostalgies individuelles sont entremêlées aux surfaces et aux traumatismes des espaces sociaux et des idéaux.
A partir de 2005, Boyce réduit de manière radicale son système de référence. Au coeur de son travail figure désormais une trame formelle qui dérive de la conception cubiste et géométrique de Joël et Jan Martel.

En 1925, ces frères jumeaux français avaient construit quatre arbres en béton pour un jardin de l’architecte d’avant-garde Robert Mallet-Stevens. En procédant à l’étude méticuleuse de ces sculptures, Boyce a isolé leur principe formel et l’a traduit en un motif. Sur la base de ce motif, l’artiste élabore un vocabulaire formel dont l’ensemble des motifs renvoie aux éléments d’espaces intérieurs et extérieurs construits.
Comme le montre l’exposition, Boyce procède fréquemment à des regroupements d’éléments sculpturaux individuels sous forme d’installations qui évoquent des lieux concrets, tels que des parcs publics ou des terrains de jeux, mais qui demeurent cependant imaginaires et oniriques – comme s’il s’agissait de traces de quelque chose qui a désormais disparu. C’est le cas par exemple de l’eau, certes imperceptible dans l’installation, mais dont la présence imaginaire est évoquée dans l’oeuvre Evaporated Pools à travers les feuilles d’arbres mortes qui résultent d’un processus d’évaporation.

Il en est même avec le vent qui semble avoir répandu les feuilles sur le sol et qui les balaie. La série photographique A Partial Eclipse présente des prises de vue d’espaces intérieurs et extérieurs réalisées par Boyce à divers endroits, souvent lors de voyages. Elles aussi témoignent du fait que l’artiste considère la forme et l’environnement construit comme une sorte d’empreinte parcourue à différents degrés par l’élaboré et l’imprévu.
Les espaces de Boyce constituent des fantasmagories caractérisées par une combinaison unique – déjà présente dans les arbres des frères Martel – entre représentation poétique de la nature et esthétique industrielle.

L’exposition bénéficie du soutien du Fonds für künstlerische Aktivitäten im Museum für Gegenwartskunst der Emanuel Hoffmann-Stiftung und der Christoph Merian Stiftung.
Il permet également aux visiteurs de bénéficier d’une entrée gratuite au Museum für Gegenwartskunst jusqu’à la fin de l’année.
Ce fonds, qui apporte régulièrement son soutien au programme d’expositions du Museum für Gegenwartskunst depuis plus de vingt ans, souhaite, à travers ce geste généreux, convier la population de Bâle et de sa région à venir découvrir le musée en bordure du Rhin durant l’année de fermeture du Kunstmuseum.
L’exposition est également soutenue par la Stanley Thomas Johnson Stiftung, la Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung et la Stiftung für das Kunstmuseum
Commissaire : Søren Grammel
Publication
A l’occasion de l’Art Bâle (à partir du 18 juin 2015) paraît une publication gratuite issue de la série Manual. Celle-ci sera à disposition des visiteurs au Museum für Gegenwartskunst. Cette publication pourra être également téléchargée au format PDF sur le site du musée.

Grâce à une collaboration fructueuse avec le Museum der Kulturen Basel, les oeuvres des maîtres anciens de la Öffentliche Kunstsammlung Basel restent accessibles durant la fermeture du bâtiment principal du Kunstmuseum Basel.

Du 11 avril 2015 au 28 février 2016, celles-ci sont réunies au Museum der Kulturen Basel – Musée des cultures, place de la cathédrale, et présentées dans le cadre de l’exposition Holbein. Cranach. Grünewald – Chefs-d’oeuvre du Kunstmuseum Basel.
L’exposition se tient dans la grande salle ouverte sur deux niveaux, ce qui
permet également aux visiteurs de découvrir la collection du musée hôte.
Au sein de la Öffentliche Kunstsammlung Basel, les oeuvres de la Renaissance du nord des Alpes constituent le coeur du fonds des maîtres anciens.
Elles comptent parmi les premières pièces de l’histoire de la collection et figurent parmi les joyaux de l’histoire de l’art conservés au Kunstmuseum Basel.

La collection d’art du Kunstmuseum est la plus ancienne collection publique du monde : son noyau est le Cabinet Amerbach, avec ses trésors incomparables de l’art suisse et
allemand du début du XVIe s. Acquis par la municipalité  en 1662, ce cabinet fut confié au fonds universitaire. Grâce à son origine, le Musée des Beaux Arts de Bâle possède
le plus nombre d’oeuvres de Hans Holbein le jeune.
Le fils de l’éditeur et jurisconsulte baloîs, Bonifacius Amerbach était amicalement attaché à Holbein le jeune et qu’Erasme de Rotterdam était leur ami commun,
c’est ainsi qu’on peut contempler leurs portraits peints
par leur ami commun.

Le bâtiment principal du musée qui abrite en temps normal ces chefs d’oeuvre est fermé depuis début février 2015 jusqu’à mi-avril 2016 en raison de travaux de rénovation. Grâce à une collaboration fructueuse avec le Museum der Kulturen Basel, ces oeuvres pourront être admirées des visiteurs du 11 avril 2015 au 28 février 2016 au Museum der Kulturen Basel dans le cadre de l’exposition intitulée Holbein. Cranach. Grünewald – Chefs-d’oeuvre du Kunstmuseum Basel. D’autres se trouvent au musée d’art contemporain de Bâle, Gegenwarthkunst « de Cézanne à Richter ».
C’est l’occasion idéale de contempler sans être noyer sous la masse ou de succomber au syndrome de Stendhal, tous ces chefs d’oeuvre à hauteur
des yeux.

 

 

Si le nom du Kunstmuseum Basel est aujourd’hui connu aux quatre coins du monde, cela s’explique notamment par la présence du fonds d’oeuvres d’Hans Holbein le Jeune le plus riche au monde. La plupart de ces pièces n’ont jamais quitté la ville, car c’est ici, à Bâle, que le génie d’Holbein s’est pleinement épanoui durant deux décennies, avant le départ de l’artiste pour la cour d’Angleterre. Il y a un portrait poignant que Holbein a peint, de son épouse Elsbeth avec ses deux enfants, poignant si l’on sait qu’il ne les reverra plus, après son départ de Bâle.

Le trésor pictural qu’il a laissé derrière lui a aiguisé le goût des Bâlois pour l’art du Moyen Âge tardif et de la Renaissance : nombreux sont ceux qui constituèrent alors de remarquables collections.
La sélection d’oeuvres présentée au Museum der Kulturen offre l’occasion de mettre l’accent sur le résultat de cette activité de collection. Le retable du Miroir du Salut, la Porte Dorée et le Saint Christophe de Konrad Witz exécutés dans la première moitié du XVe siècle constituent les premières pièces de ce florilège de tableaux de maîtres anciens parmi les plus précieux.

Les oeuvres du père d’Holbein, Hans Holbein l’Ancien, portraitiste et peintre de retables, nous mènent jusqu’au seuil de l’époque moderne que nous franchissons magistralement avec les oeuvres du fils : parmi les onze Holbeins, les panneaux du maître d’école, le Christ mort au tombeau et le portrait de la famille occupent une place de choix. La Crucifixion de Matthias Grünewald, les tableaux sacrés et profanes d’Hans Baldung Grien, ainsi que le Jugement de Pâris et le Portrait capsulaire de Martin Luther et de son épouse par Lucas Cranach l’Ancien entrent dans la ronde des chefs-d’oeuvre.

Le rôle joué par les artistes suisses dans l’essor de la Renaissance est illustré par les oeuvres du Bernois Niklaus Manuel, dit Deutsch, et de Tobias Stimmer, grand voyageur natif de Schaffhouse. Ses portraits grandeur nature d’un porteur de bannière zurichois et de son épouse témoignent de façon saisissante de l’apogée de la bourgeoisie au XVIe siècle.

La salle d’exposition du Museum der Kulturen Basel, ouverte sur deux niveaux, permet une vue synoptique de l’ensemble des tableaux. Il est également possible, à partir du même point, de découvrir les collections de l’institution hôte. Un cycle d’événements programmés en soirée permet d’instaurer un dialogue entre les tableaux des maîtres anciens présentés dans l’exposition et une sélection d’objets issus de la collection ethnographique. Un duo, à chaque fois différent, formé de commissaires d’exposition des deux musées propose d’explorer des questions sociales, politiques et religieuses. Cela permet de souligner des différences culturelles mais aussi des points communs.
Le premier événement autour de la thématique
« Les vêtements font les gens : mode, représentation et matérialité du pouvoir »
aura lieu mercredi 24 juin 2015 de 18h30 à 19h30.
 Bodo Brinkmann, est le commissaire de l’exposition.
Cet événement est public, l’entrée est gratuite.

Le 4 mai 2015, Eva Aeppli est décédée. Elle avait eu 90 ans deux jours plus tôt.
L’artiste, née en 1925 à Zofingue (AG), (Suisse) avait commencé sa carrière dans les années 1950. Elle avait été, durant dix ans, la première épouse de Jean Tinguely. Elle est décédée lundi à Honfleur, en France.
L’artiste entama son parcours au début des années 1950, alors qu’elle vivait à Bâle, et poursuivit à Paris à partir de 1952, où elle partagea avec son mari, Jean Tinguely, un atelier dans l’impasse Ronsin.

Elle avait commencé sa carrière dans les années 1950 par des dessins au fusain. Ses thèmes favoris tournaient déjà autour de l’homme désespéré.
Des formats plus imposants ont suivi avec des danses des morts, des squelettes, des crânes, des têtes ou des mains. Vinrent ensuite les fameuses figures grandeur nature en étoffe: des personnages isolés ou en groupe comme «La Table», «Groupe 48» ou «Hommage à Amnesty International».

Son oeuvre tardive est dominée par des têtes en étoffe et bronze disposées cycliquement. Eva Aeppli les appelait groupes de «planètes», «faiblesses humaines» et «signes astrologiques».
Elle réalisa des dessins et des petites poupées marionnettes, puis, dès 1960, des tableaux ainsi que des personnages en tissu grandeur nature et des groupes de figurines. Son dernier cycle d’oeuvres comprend des têtes en bronze et des moulages de têtes en tissu dans des séries comme les Planètes, les Faiblesses humaines ou les Signes du Zodiaque.
Séparée de Jean Tinguely depuis 1960, elle garda toute sa vie avec lui un contact amical et, en 1990, ils réalisèrent pour la première fois des sculptures en commun.

L’oeuvre d’Eva Aeppli est d’une grande profondeur, elle traite de la mort, de la fugacité, et incite à la réflexion. Elle relève d’une rare singularité, fait fi de tous les courants et influences qu’elle a pourtant connus de près par les nombreux artistes avec lesquel(le)s elle était liée.
Daniel Spoerri, un ami proche, écrivait en 1985 à son sujet :
« Eva Aeppli est l’artiste la plus rigoureuse et la plus droite que j’ai jamais connue. Guidée uniquement par sa propre boussole, elle n’a pas hésité à commencer à peindre en 1960, dans un milieu ou (plus) personne ne peignait. Elle n’avait, et n’a toujours pas d’autre choix que d’être elle-même. Dans son combat à la vie à la mort, c’est elle qui a gagné ; et son oeuvre, notamment depuis qu’elle fait couler en métal ses figurines en tissu, a acquis une spécificité qui est aujourd’hui unique en sculpture.
Ces têtes semblent dissociées de tout, comme venues d’un autre monde, elles n’ont rien à avoir avec ce que nous sommes, elles sont les messagères du cosmos.
Mais ça lui est complètement égal ; elle n’a que faire de l’agitation artistique, du public et des mondanités. Dans sa sphère privée, qu’elle défend avec virulence presque, elle vit reculée, en compagnie des étoiles, des fleurs, de quelques animaux et de rares individus.
Elle est ma meilleure amie, et la plus ancienne. »

C’est d’ailleurs dans l’entrepôt artistique de Daniel Spoerri, à Hadersdorf/Au, que s’est tenue en 2010 la dernière grande exposition des oeuvres d’Eva Aeppli.

Le Musée Tinguely lui avait consacré une rétrospective en 2006 – qui portait surtout sur les Livres de vie –, et en 2008, à l’occasion de la donation par son frère Christoph Aeppli, ce sont toutes les têtes en bronze de l’artiste qui y furent présentées. La correspondance y était exposée, on pouvait notamment voir une lettre adressée à Niki de St Phalle, annotée par cette dernière où elle écrivait (il y a longtemps qu’Eva ne m’a fait de reproches) !!!
photos courtoisie musée Tinguely sauf la 1ere

Le Musée Frieder Burdade Baden Baden consacre une grande rétrospective composée de plus de 100 oeuvres réalisées entre 1949 et ce jour,
à l’artiste autrichien Arnulf Rainer
qui vient de fêter son 85e anniversaire. L’exposition, organisée en coopération avec l’Albertina de Vienne, met une nouvelle fois en lumière toute la diversité et l’importance de l’oeuvre d’un artiste comptant parmi les figures centrales autant qu’uniques de l’histoire de l’art. Arnulf Rainer (né en 1929 à Baden  Lès Vienne) a dès le départ fait partie des plus grands noms de la Collection Frieder Burda.

 

Si vous êtes déprimé ce n’est pas cette exposition qui va vous remonter le moral.
Tout est conjugué avec la couleur noire, la souffrance, la douleur.
C’est l’occasion de se replonger dans le livre de l’ historien médiéviste
Michel Pastoureau  « Noir : Histoire d’une couleur, 2008« .
Rien à voir avec les Outrenoirs  abstraits de Soulages, ni avec la profondeur d’un Rothko, ici tout est cash presque trash. Il donne l’impression d’avoir vécu la passion
du Christ, les toiles montrant des croix, sont saisissantes de tragédie, tantôt avec un membre, une tête, une jambe, un coeur saignant de douleur. Rien d’étonnant lorsque l’on se penche sur sa biographie, jeunesse sous mescaline, existence de bohème.

L’exposition a été conçue en étroite collaboration avec l’artiste par Helmut Friedel, directeur du Musée Frieder Burda, et grand connaisseur de l’oeuvre,
et elle a déjà été montrée à l’Albertina de Vienne où elle a rencontré un grand succès.
« Nous sommes très heureux, après son passage réussi à l’Albertina, de pouvoir montrer maintenant l’exposition dans le cadre remarquable du Musée de Baden-Baden, et de la confronter à un public extérieur après cette manifestation à domicile. Les 85 ans de Rainer constituent une occasion idéale de rendre hommage à cet éminent artiste de notre temps. »

 
L’éventail des travaux exposés, dont certains remontent au début des années 50, s‘étend de ses premières oeuvres, les « créations centrales », « surpeintures » et crucifixions – aux masques mortuaires réalisés après 1976 et aux « peintures voilées » postérieures à 1995, en passant par les autoreprésentations des Face Farces à partir de 1969, les Body Poses et leurs remaniements.

Ailleurs, il semble manier, l’autodérision avec virtuosité, contraste incroyable avec les crucifixions.
On pourra en outre voir des travaux réalisés tout récemment. Parallèlement aux pièces exposées comptant parmi les nombreuses oeuvres de l’artiste abritées par la Collection Frieder Burda, l’exposition comprend des tableaux ayant été mis à disposition par des musées internationaux ou prêtés par des particuliers.
L’exposition s’articule autour de divers groupes d’oeuvres à chacun desquels Rainer a travaillé obsessionnellement, et permet de saisir, également dans le cadre de la présentation au Musée Frieder Burda, le parallélisme entre les diverses stratégies artistiques adoptées dans son oeuvre.
Les célèbres surpeintures (Übermalungen), qui poursuivent en un processus pictural permanent la dissolution du tableau d’origine, prennent bien souvent le propre Moi pour sujet et se transforment alors en un acte relevant de la performativité. Ce travail autocentré systématique sur son propre visage ou son propre corps ne trouve toutefois pas ses racines dans le narcissisme. Bien au contraire : l’existence artistique devient le seul moyen de légitimer l’art à l’ère de sa fin. Ces tableaux deviennent ainsi l’expression d’une certaine absence de parole :
« pour Rainer, il n’y a plus rien à communiquer si ce n’est le rappel de sa propre existence », comme le dit Helmut Friedel.

La croix demeure un motif récurrent dans l’oeuvre de Rainer. L’artiste se réfère d’une part au symbolisme chrétien, y voit par ailleurs « un système central d’orientation de l’être humain, des coordonnées fondamentales
décisives », poursuit le commissaire d’exposition Helmut Friedel,
« sans lesquelles aucun ordre au monde ne semblerait possible ».
Les masques, et en particulier les masques mortuaires, tout comme les références aux faces grimaçantes de Franz Xaver Messerschmidt, mettent une nouvelle fois en avant une affinité latente, dans les univers picturaux de Rainer, avec les thèmes de la douleur et de la mort.
Débutant avec la représentation réalisée très tôt du « Rainer mourant » en 1949, et enchâssés dans le contexte viennois, les moments de vécu existentiel et psychologique – sinon psychotique – et leur fort potentiel créatif jouent constamment un rôle important.
« Dès le début, Rainer a été lié à l’image de la mort, la mort apparaît dans son oeuvre comme une forme ultime de la folie. L’exploration des frontières du psychique est une ligne qui traverse l’ensemble de son oeuvre » (Helmut Friedel).

Il consacre une série à van Gogh souffrant, douloureux, fou, les yeux exorbités.
Fasciné par la mort, Rainer a crée les séries de Hiroshima, des dessins sur des photographies de la ville détruite. On a le sentiment que toute la souffrance du monde
le concerne.
Rainer est resté sans jamais faillir systématiquement fidèle à sa position solitaire dans le monde de l’art international des dernières décennies. Comme le montre le catalogue détaillé, les confrontations avec des mouvements artistiques parallèles tels que l’Art informel, Zero ou même l’Actionnisme viennois ont régulièrement eu lieu, mais l’oeuvre de Rainer ne peut être comparé à aucun autre.
Peu d’autres que lui ont, dès le début, développé des manières de procéder aussi radicales dans le cadre d’une recherche sans compromis de moyens d’expression.
Aux côtés de Gerhard Richter, Sigmar Polke et Georg Baselitz, Maria Lassnig
(dont il fait la connaissance en 1947)
et Bruce Nauman ou Yves Klein, il compte ainsi parmi les artistes majeurs
de l’après-guerre jouissant d’un renom international
depuis les années soixante.
Arnulf Rainer vit et travaille en Autriche, en Allemagne et à Ténériffe.
Museum Frieder Burda ·
Lichtentaler Allee 8b ·
76530 Baden-Baden
Telefon +49 (0)7221 39898-0 ·
www.museum-frieder-burda.de
passmusées acceptés
audio-guides
images et catalogue courtoisie du musée Frieder Burda

La peinture, qu’elle vienne de Pline ou de Platon, est fille de l’ombre. Elle dit ce que l’ombre lui dicte, elle montre ce qui de l’ombre se laisse capturer. Véronique Arnold nous  le démontre par un autre médium, la broderie, qu’elle déploie avec élégance, finesse,  intelligence, un art maîtrisé à travers les salles du musée des
Beaux Arts de Mulhouse, tout en se (nous) posant les questions essentielles.
jusqu’au 31 mai

Véronique Arnold est une artiste mulhousienne qui conçoit des installations de tissus sur lesquels elle brode des textes, des images, en les reliant à des objets anciens et à des lectures. L’artiste suisse Edmondo Woerner s’associe à cette exposition en présentant des installations.

Le mythe de Dibutade comme concept de l’exposition
« …En utilisant lui aussi la terre, le potier Butadès de Sicyone inventa le premier l’art de modeler des portraits en argile ; cela se passait à Corinthe et ce fut grâce à sa fille, qui était amoureuse d’un jeune homme ; comme il partait pour l’étranger, elle entoura avec des lignes l’ombre de son visage projeté sur un mur par la lumière d’une lanterne ; sur ces lignes son père appliqua de l’argile et fit un relief et, l’ayant fait sécher, il le mit à durcir au feu avec le reste de ses poteries. Cette oeuvre, dit-on, fut conservée au Nymphaeum jusqu’à l’époque du sac de Corinthe par Mumius… ». Texte de Pline dans « Histoire Naturelle »
Comme Butadès, Véronique Arnold met en évidence les traces de ce qui disparait. Ses oeuvres (robe brodée, toiles brodées, dessins…) font écho à des objets anciens qui, au-delà de leur matérialité, peuvent être considérés comme traces de ce qui n’est plus.
L’ombre de Darwin, Emilie Dickinson et Humboldt
L’artiste propose des installations intégrant des objets provenant du Musée Historique (armoire, machine à écrire…), de l’Ecole de Chimie (minéraux), du Musée Unterlinden à Colmar et de la Mairie de Sausheim (épées), du Musée d’Histoire Naturelle de Colmar (coraux), de VIA APIA (herbiers) mis en relation avec des grands noms de la science et de la littérature : Darwin, Emily Dickinson, Humboldt…
« Certains objets ont le pouvoir de susciter des pensées, des rêves, des songes, et par là des oeuvres… L’art comme un essai de retrouver en songes ce qui a disparu, ce qui ne cesse de disparaître à chaque instant… » Véronique Arnold
Une exposition entre rêve et réalité
Ce travail de création, totalement inédit puisqu’il n’a jamais été présenté auparavant, est aussi un travail de minutie qui a nécessité jusqu’à 5000 m de fils (fournis pour beaucoup par DMC). Des oeuvres qui dégagent une vraie poésie. Les objets anciens et les personnalités qui ont inspiré l’artiste retrouvent une seconde vie dans ce songe où les objets et les pensées dialoguent. Une exposition pleine de sensibilité dans laquelle le visiteur pourra se laisser bercer par des émotions littéraires, scientifiques et artistiques.
Cette exposition s’inscrit dans le cadre de 2015, année suisse à Mulhouse.
De nombreux partenaires s’y sont associés : la Galerie Buchmann CH-Agra/Lugano, l’Ecole Nationale Supérieure de Chimie de Mulhouse/UHA, le Service Universitaire de l’Action Culturelle de l’Université de Haute Alsace, le Ballet de l’Opéra National du Rhin, avec le soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Alsace.
 L’exposition
Dans cette exposition, le visiteur est invité à s’immerger dans 7 ambiances oniriques dans lesquelles planent les fantômes de Darwin, Humboldt et Dickinson. Le titre même des salles entraine le public dans un univers poétique. L’artiste souhaite que le visiteur se laisse porter par ses rêves mais s’est également attachée à le guider et c’est pour cela qu’elle offre pour toutes ces ambiances féériques un guide de lecture au sein de chaque salle.
Les fiches de salle proposées par l’artiste :
Salle Dibutade : « Dessins d’ombre »
La salle Dibutade est au coeur de l’exposition « Dessins d’ombre ».
Les oeuvres présentées sont en lien avec le mythe de Dibutade. (voir ci-dessus)
Dans cette salle flottent des corps d’homme imprimés puis brodés sur du tissu.
Et un visage lumineux, un profil, imprimé puis brodé.

Salle Humboldt : « Le monde des phénomènes »
Alexander von Humboldt (1769-1859) était un naturaliste, géographe, géologue
et explorateur éclairé.
Il a exploré de nouveaux territoires avec passion et sans relâche.
Il n’a eu de cesse de découvrir et d’écrire le résultat de ses recherches.
Il écrivait d’une manière admirable.
Il a été l’un des premiers à dénoncer l’esclavage pendant ses voyages.
Il a été accompagné dans ses voyages par son fidèle compagnon Aimé Bonpland.
Il a envoyé de merveilleux herbiers en Europe, dont quelques-uns sont encore visibles…notamment au Museum d’Histoire Naturelle de Paris.
J’ai souhaité mettre en relation une armoire de Museum d’Histoire Naturelle contenant des pierres d’Amérique du Sud avec le dernier ouvrage rédigé par Humboldt, Cosmos.
L’oeuvre brodée est un témoignage de cet ouvrage sur organdi blanc. Elle est le fantôme-fantasme de l’incroyable aventure humaine qu’a osée Humboldt.
Au sol, des herbiers en hommage à son travail de naturaliste.
A la recherche de la pensée subtile de cet homme disparu mais dont la passion et le courage me hantent… VA

Salle Darwin : « De la branche au corail »
« Je compris bientôt que la sélection constituait la clé de voûte de la réussite humaine en matière de production d’espèces utiles, tant animales que végétales…
La solution, à ce que je crois, est la suivante : la descendance modifiée de toutes les formes dominantes et croissantes, tend à s’adapter au fur et à mesure à des situations nombreuses et diversifiées toujours possibles dans l’économie de la nature ».
Charles Darwin (1809-1882)

Salle Emily Dickinson
L’installation dans la cage d’escalier est un hommage à la poétesse américaine Emily Dickinson.
Elle est en lien avec l’une des salles de l’exposition dédiée à elle.
Les deux robes sont présentes sans le corps de celle qui a été.
Ce sont des robes-traces.
Les fils tissent une toile dense. Il faut soutenir la poésie. Il faut créer un espace rassurant pour la poésie de cette femme.
Ne pas oublier les mots sublimes qu’elle a écrits.

Salle des constellations : « Il faudrait écrire le ciel »
L’image des étoiles nous apparaît alors qu’elles ont disparu depuis longtemps.
Il faudrait écrire les étoiles et le ciel et tout l’univers : il faudrait écrire ce qui disparaît depuis toujours…
Je ne cesse d’interroger le ciel : que peut-on y lire sur notre origine ? V.A.
 

Salle des épées : « Les épées emportées dans la tombe sont
enveloppées de fil »
« Les populations du début de l’âge du fer, regroupées sous le terme de « culture de Hallstatt », ne constituent pas une entité politique, ethnique ou linguistique homogène, mais forment un réseau de petites communautés qui font acte de similitudes quant aux formes d’habitat, à la culture matérielle et aux coutumes funéraires. Précisément, dans ce domaine, la rupture avec les pratiques funéraires plutôt égalitaires de l’âge du bronze, est marquée par le retour à l’inhumation et l’édification de tumuli dotés d’offrandes somptueuses. Les longues épées en fer accompagnant les défunts en témoignent ; elles attestent la nouvelle maitrise technologique en matière de métallurgie. Trois exemplaires ont été découverts dans le Haut-Rhin qui, à l’instar des situles et autres cruches en bronze, éléments de parure et de toilette, armement, mobilier et éléments de char, étaient emballés», Fabienne Médard, archéologue spécialiste des textiles anciens.
Les traces textiles que l’on peut observer sur les trois épées du 1er âge du fer en Alsace sont extrêmement émouvantes.
En les voyant, j’ai été émerveillée que ces traces aient subsisté.
Et que non seulement les corps étaient souvent entourés de fines bandes de tissus (au-dessus des vêtements des défunts), mais aussi les objets.
Cela change le statut de l’objet dans la tombe. L’objet revêt une grande importance.
J’ai eu envie de créer des bandelettes évoquant la taille supposée des bandes de tissus entourant ces objets (environ 1 cm de large sur plus de 10 mètres).
A côté de chaque épée, une bandelette brodée d’un texte de l’archéologue ayant découvert l’épée.
Il reste des traces-fantôme étonnantes des mondes disparus. VA
Véronique Arnold
Née en 1973 à Strasbourg, Véronique Arnold a étudié la littérature française et allemande. Elle vit et travaille à Mulhouse et en Suisse (Ticino).
Edmondo Woerner
Artiste performer né en 1956, Edmondo Woerner vit et travaille à Suino, Tessin (Suisse). Il a réalisé des performances avec Bernie Schürch (ex fondateur des Mummenschanz) et avec Véronique Arnold à Beromünster, Samedan, Mulhouse et dans le Tessin.

Les rendez-vous
8 rendez-vous : des rencontres, des conférences et des spectacles
Jeudi 16 avril à 18h30
Les pratiques d’emballage dans le rituel funéraire
au premier âge du Fer en Alsace
Conférence de Fabienne MEDARD, docteur en archéologie, spécialiste des textiles anciens. Avec Muriel Roth-Zenner, docteur en archéologie, Jean-Jacques Wolf, ancien archéologue départemental et Suzanne Plouin, conservatrice au Musée d’Unterlinden (sous réserve).
Danse
Dimanche 26 avril à 15h et 16h
Dibutade
Emmanuel Eggermont,
de la Compagnie L’anthracite

Conférence
Lundi 11 mai à 18h30
Darwin (1809-1882):
Sa vie, son oeuvre scientifique, ses héritiers et les
controverses historiques et actuelles
Avec Jean-Luc Bubendorff, maître de conférences à l’UHA
Conférence proposée par le Service Universitaire de l
’Action Culturelle de l’Université de Haute-Alsace.
Conférence
Jeudi 21 mai à 18h30
Avec la traductrice Claire Malroux
et la participation de la costumière Carole Birling
Emily Dickinson et la beauté des formes
Paroles d’artiste
Rencontre
Dimanche 24 mai à 15h
Véronique Arnold et Edmondo Woerner
vous proposent un temps de rencontre
autour de leurs oeuvres.
Conférence
La pseudo Dibutade et l’invention de la peinture
Jeudi 28 mai à 18h30
Avec Françoise Frontisi-Ducroux, helléniste et
mythologue, sous-directeur de laboratoire au Collège de
France.
Traces de son amant qui s’en va
Spectacle
Samedi 30 mai à 18h30
Spectacle proposé par le Service
Universitaire de l’Action Culturelle
de l’Université de Haute-Alsace.
Olivier Gabrys / chorégraphe et danseur
Jennifer K. Dick / écrivain
Performance de danse et de textes
Les thématiques et les pratiques plastiques de Véronique Arnold sont explorées et développées dans cette performance collaborative, créée in situ pendant l’exposition au Musée des Beaux-Arts de Mulhouse.
4, place Guillaume Tell – 03 89 33 78 11
Ouvert tous les jours sauf mardis et jours fériés
de 13 h à 18 h 30
Entrée gratuite
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La reconstitution de l’œuvre de Jose de Ribera (Játiva (Espagne),
1591-Naples, 1652) est une histoire à rebondissements.
Véritable chamboulement des études caravagesques,

l’article de Gianni Papi en 2002 rendait au jeune espagnol l’essentiel de l’œuvre de celui que, Roberto Longhi avait nommé le Maître du Jugement de Salomon, artiste actif à Rome entre 1615 et 1625 environ, crédité d’une vingtaine de peintures et que l’on pensait français, voire nordique.
Avant son installation à Naples où il eut beaucoup de succès, Jose de Ribera
« lo Spagnoletto » résida donc à Rome où son contemporain, le biographe italien
Giulio Mancini, le cite parmi les artistes de valeur qui se sont ralliés au style de
Caravage   tout en notifiant qu’il aurait eu une vie de bohème agitée.
« Arrivé à Rome, il se mit à travailler à la journée avec ceux qui ont une boutique et vendent des tableaux, il était de mœurs peu honorables, toujours des filles au nombre de trois, sans chemise, laides, un seul lit à même le sol, où tout le monde s’entassait pour dormir, un seul plat pour la salade, le bouillon et tout le reste, une seule cruche, pas de verre, ni de serviette et la nappe du dimanche servait de support à dessins pour toute la semaine »
Consideration de la pictura, Giulio Cesare Mancini 1620.

À Rome, Ribera peignit vite : son oeuvre complète est d’environ trois cents tableaux, plus de soixante peintures connues en sept ans à Rome, le reste en trente-sept ans pour celle napolitaine.
Les oeuvres exposées Strasbourg sont de la main d’un tout jeune artiste
– dix-huit ans quand il peint son premier apostolado,
vingt-cinq ans quand il quitte Rome
Qu’est-ce qu’un Apostolado ?
Le Christ eut douze compagnons appelés apôtres.
Ces disciples eurent pour mission d’évangéliser les nations.
Ils sont caractérisés par un attribut et se nomment :
André, Barthélemy, Jacques le Majeur, Jacques le Mineur,
Jean l’Evangéliste, Jude Thaddée, Matthias (en remplacement de Judas),
Matthieu, Philippe, Pierre, Simon, Thomas.
Souvent Paul figure dans les représentations collectives des apôtres,
bien qu’il n’en fasse pas partie ; il remplace alors un apôtre
car le nombre douze est respecté afin de symboliser les douze tribus d’Israël.
Le mot « Apostolado » désigne un ensemble de douze
à quatorze tableaux, en chevalet, de figures isolées représentant
le collège apostolique, généralement assemblé autour du Christ
et dans certains cas de la Vierge.
L’orthographe espagnole du nom semble témoigner de
l’origine ibérique du thème ou, du moins,
de la grande faveur que connut son développement dans la péninsule.
Les premiers grands exemples connus en peinture de tels cycles
avec les effigies à mi-corps semblent avoir été réalisés par le Greco,
en Espagne à la fin du XVIe siècle.

Certaines peintures exposées à Strasbourg n’avaient jamais été exposées avec d’autres tableaux de l’artiste et permettront de fructueuses comparaisons avec des oeuvres sûres afin d’avancer sur leur attribution et / ou leur datation.
L’espace de la galerie Heitz au musée des Beaux Arts de Strasbourg
a été divisé en deux sections afin de bien marquer l’articulation de l’exposition et permettre aussi les comparaisons.
La partie principale montre sept tableaux de – ou attribués à – Ribera visant à donner une idée de son activité de jeunesse à Rome. L’ambiance souhaitée est celle d’un palais italien car ces oeuvres furent peintes pour décorer les galeries ou salles de palais romains, tel le grand Christ parmi les docteurs aujourd’hui à Langres.

Le visiteur pénètre ensuite dans la « sacristie » où sont accrochées –de manière inédite- toutes les peintures connues de son Apostolado aux cartels.
(cartel – cartouches)
Grâce à deux tableaux récemment apparus et aussitôt achetés par deux musées français (Rennes et le Louvre), il s’agit de la réunion quatre cent ans après leur création des six tableaux connus. Sept manquent encore à l’appel … L’ambiance évoquée est celle d’un espace sacré, chapelle ou sacristie d’une église.
Comme les textes muraux, la salle du fond est consacrée à des approfondissements et à la médiation.
Michel Laclotte, ancien directeur du Louvre, pionnier de la redécouverte
du Maître du Jugement de Salomon, dans une église de Bretagne, à Langres,
identifie un Christ instruisant les docteurs, et le rapproche du groupe du Maître du Jugement de Salomon, puis il identifie sur le marché de l’art un St Matthieu de ce même Apostolado, dans les années 60, en Bretagne,  puis à Nivillac dans l’Eglise St Pierre un Christ, appartenant à cette même série, et encore en visitant les réserves du musée de Montauban il reconnait encore un apôtre de l’Apostolado.

il s’agit d’une seule et même série, homogène dans son style mais à l’exécution tantôt appliquée (nombreux repentirs), tantôt rapide selon les tableaux.
Ce constat invite à formuler l’hypothèse selon laquelle ce type de travail,
sans doute à vocation dévotionnelle et de nature « alimentaire »
pour l’artiste, pouvait s’étaler sur une durée longue.
Le peintre en effet ne devait pas hésiter à s’interrompre
pour répondre à une commande plus prestigieuse.
Rappelé ensuite à l’ordre par son client initial,
il lui fallait mettre les bouchées doubles et augmenter la cadence
pour terminer la série mise en sommeil.

Mancini entreprit de construire un mythe forgé sur celui de Caravage
et faisant de Ribera un artiste bohème, vivant dans le dénuement.
On sait pourtant qu’en 1612 le peintre se portait caution d’une dette pour le compte des filles d’un certain Juan de Ribera et qu’en 1614,  il s’acquitta d’une contribution substantielle pour la construction de la nouvelle église de l’académie de San Luca.
Le grand nombre de tableaux exécutés à Rome et leur présence dans les meilleures collections romaines constituent en outre les plus sûrs indices de sa prospérité.
Il n’est pas avéré qu’il rencontra le Caravage, il a rencontré son compatriote Velazquez qui se rendit à Rome.

Ribera fut considéré de son vivant comme le premier peintre de Naples, où il s’établit rapidement, et un des plus grands dans cet âge d’or de la peinture européenne que fut le XVIIe siècle, avec ses contemporains, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin et Vouet.
La redécouverte de l’oeuvre romaine (1606 ?-1616) du jeune Jusepe de Ribera est l’aspect sans doute le plus fascinant des études menées actuellement sur le caravagisme européen. Elle est récente et encore en cours. Le Saint Pierre et saint Paul de Strasbourg est un des piliers de cette reconstruction, qui s’effectue notamment par la réapparition d’oeuvres jusque-là inconnues.

Comme chez Caravage il vise à transcrire la stricte réalité sur la toile.
il fait poser ses modèles sous une lumière forte, venant de l’ouverture  qu’il fit percer dans le plafond de son atelier. Comme chez Caravage, la lumière joue un rôle primordial dans son art, dans son jeu plastique des lignes, des couleurs et des formes, elle est source de drame et de salut. Il ne cherche pas à embellir les traits et semble même prendre
plaisir à détailler les rides ou à rendre la matière, tout particulièrement les étoffes
et le papier. Il y a une brutalité dans la technique romaine, où Ribera semble
peindre de manière très rapide, mais toujours avec une grande vistuosité.
il faut souligner la gamme chromatique de l’artiste alliant de profonds
et sonores verts à des rouges, jaunes et bruns.
La lecture en détail, de la vie et de la mort des apôtres démontre
la cruauté des moeurs de l’époque qui n’a rien à envier à certains
comportements outranciers actuels.
Exposition-dossier, cette manifestation veut tout à la fois faire pénétrer le visiteur dans le laboratoire d’une histoire de l’art comme lui faire ressentir la force des premières peintures caravagesques.
jusqu’ au 31 mai 2015
France Culture  regarde une peinture de l’artiste espagnol Jose de Ribera.
Cette peinture réalisée vers 1611-1612 est une huile sur toile de 126×97 cm représentant Saint Barthelemy et conservée aujourd’hui à la Fondation Longhi à Florence (podcast)
exposé actuellement au musée Jacquemart André
Commissariat : Dominique Jacquot (conservateur en chef du musée des Beaux-Arts de
Strasbourg), Guillaume Kazerouni (responsable des collections d’art ancien du musée des Beaux-Arts de Rennes) et Guillaume Kientz (conservateur de la peinture espagnole au musée du Louvre).
Conférence le 20 mai par Guillaume Kienz,
conservateur au musée du Louvre où il est chargé
des peintures et sculptures espagnoles
au MAMCS, place Hans Arp
à 19 h, autour de l’exposition
entrée libre, tel 03 88 23 31 31
Informations pratiques
Musée des Beaux-Arts, Palais Rohan
2, place du Château, 67000 Strasbourg
Tél. 03 88 52 50 00
www.musees.strasbourg.eu
Horaires : de 10h à 18h. Fermé le mardi
Tarifs :
Exposition seule (Galerie Heitz): 4 € (réduit : 2 €).
Exposition et entrée au Musée des Beaux-Arts : 6,5 € (réduit : 3,5 €)
images courtoisie du musée des Beaux Arts de Strasbourg

Joyeux 1 avril à mes lecteurs

🙂

Au printemps 2015, BOZAR EXPO braque les projecteurs sur
« l’autre »
Le programme du printemps jette des ponts entre les portraits de la Renaissance et les portraits photographiques contemporains, entre l’Europe et le Royaume ottoman.
Le diptyque FACES THEN. Portrait de la Renaissance aux Pays-Bas et FACES NOW. Portraits photographiques européens depuis 1990 offre une image nuancée de la tradition représentative occidentale de l’art du portrait. Le portrait ne possède pas le même statut qu’un paysage ou qu’une nature morte : quiconque regarde un portrait regarde « l’autre ».
 
FACES THEN Portraits de la Renaissance aux Pays-Bas
> 17.05.2015

À la Renaissance, l’art du portrait a connu un essor sans précédent. En ces temps de conflits religieux et de découvertes scientifiques, les artistes étaient à la recherche de la représentation parfaite du visage humain. Dans la région historique des Pays- Bas, les villes d’Anvers, Bruges, Bruxelles, Amsterdam, Utrecht et Haarlem étaient des centres majeurs de l’art du portrait. Des artistes tels que Quintin Metsys, Joos van Cleve, Simon Bening, Ambrosius Benson, Joachim Beuckelaer et Catharina van Hemessen ont immortalisé leurs contemporains dans des toiles incroyablement belles.
Les oeuvres d’art sont aussi le sujet de longues recherches scientifiques, comme l’illustre cette première grande exposition depuis cinquante ans.
Commissaires : Till-Holger Borchert, Koenraad Jonckheere
Soutien : Ministère des Affaires étrangères
FACES NOW Portraits européens depuis 1990
>17.05.2015

Pour nous en Europe, que signifie le terme « identité » ? Se sent-on français, letton ou simplement européen ? Ces questions sont au centre de l’exposition photo
FACES NOW. Celle-ci passe à la loupe l’identité diversifiée des citoyens européens depuis la chute du mur de Berlin, en 1989, une période qui a connu d’importants bouleversements politiques et sociaux.
De plus en plus de personnes s’interrogent sur leur identité. L’exposition utilise des concepts opposés pour décrire l’individu : riche et pauvre, allochtone et autochtone, groupe et individu, ville et campagne.
Par ailleurs, l’exposition montre à quel point les courants artistiques historiques, comme la Renaissance, continuent d’influencer l’esthétique du portrait photographique aujourd’hui encore, une référence directe à l’exposition FACES THEN.
Avec des oeuvres d’entre autres Tina Barney, Anton Corbijn, Rineke Dijkstra, Thomas Ruff, Juergen Teller, Stephan Vanfleteren….
Commissaire: Frits Gierstberg
Coproduction: Nederlands Fotomuseum Rotterdam, Museum of Photography Thessaloniki Soutien: ABN – AMRO, NIKON, Milo-Profi

Le Monde du Sultan L’Orient Ottoman dans l’art de la Renaissance
> 31.05.2015

En parallèle, BOZAR propose l’exposition L’ Empire du Sultan. Le monde ottoman dans l’art de la Renaissance, qui présente des portraits de dirigeants orientaux et de marchands occidentaux, dépeints par des maîtres vénitiens comme Le Tintoret, Bellini, Titien ou encore l’atelier de Véronèse. Ainsi, le regard sur « l’autre » est élargi à un regard sur une autre culture.
Après la chute de Constantinople le 29 mai 1453, l’Occident a développé une réelle fascination pour la vie culturelle et scientifique ottomane. Les préjugés et les conflits n’auront pas eu raison de l’attrait culturel réciproque. Tandis que le commerce florissait, les échanges culturels connaissaient une expansion sans précédent.
L’exposition Le Monde du Sultan lève le voile sur la force d’attraction qu’exerçait l’Orient Ottoman sur les artistes occidentaux. L’influence du monde islamique sur la pensée de la Renaissance occupe une place centrale dans l’exposition. Vous découvrirez l’oeuvre de Bellini, de Dürer, du Titien et d’autres peintres européens de renom, qui ont été inspirés par le monde ottoman.
Commissaires: Dr. Guido Messling, Dr. Robert Born, Michal Dziewulski
Comité scientifique : Prof. Dr. Suraiya Faroqhi, Dr. Paul Huvenne, Prof. Dariusz Kolodziejczyk, Prof. Dr. Günsel Renda
Les trois expositions établissent ensemble des liens spatio-temporels passionnants. Elles racontent une histoire à multiples facettes sur la construction d’identités et l’influence de la perception, débat qui reste d’une actualité brûlante à notre époque des médias sociaux, des selfies et de la mondialisation croissante. À travers ces trois expositions, le Palais des Beaux-Arts offre à son public l’occasion de mieux appréhender l’art du portrait et le concept de la représentation, à partir d’approches différentes. Quelle image un artiste a-t-il de lui-même, des autres et des autres cultures ? Et dans quelle mesure cette construction influence-t-elle la perception de la réalité ?
L’intégralité du programme s’inscrit dans la mission du Palais des Beaux-Arts de concevoir des expositions qui mettent en lumière un enrichissement artistique mutuel séculaire ainsi que l’histoire et l’identité de l’Europe.
Commissaires: Till-Holger Borchert, Koenraad Jonckheere
Soutien: Ministère des Affaires étrangères
Avec des œuvres de: Simon Bening , Ambrosius Benson, Quentin Metsys, Bernard van Orley, Michel Sittow, Joos van Cleve, Floris van de Vriendt, Master of the Magdalena Legend, Marteen van Heemskerck,Anthonis Mor, Joachim Beuckelaer, Willem Key, Adriaen Thomasz. Key, Frans I Pourbus, Pieter Pourbus, Catharina van Hemessen
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INFORMATIONS PRATIQUES
FACES THEN. Portraits de la Renaissance aux Pays-Bas
De 06.02 jusqu’à 17.05.2015
BOZAR – Palais des Beaux-Arts, Rue Ravenstein 23, 1000 Bruxelles
Ouvert: De mardi à dimanche: 10h > 18 (Jeudi: 10h > 21h)
Fermé: Lundi
TICKETS
Ticket: € 10/8 (BOZARfriends)
Combitickets:
FACES NOW/FACES THEN: € 14/12
L’Empire du Sultan + FACES NOW/FACES THEN: € 21/19
Images courtoisie de BOZAR