Catégorie : Arts plastiques

Pour sa douzième exposition de collection privée,
la maison rouge invite le Français Bruno Decharme à présenter, avec un regard contemporain, son exceptionnelle collection d’art brut.
l’exposition se termine le 18 janvier

Devenu un phénomène de mode ces dernières années, en France et dans le monde, avec un marché qui s’emballe, des foires et des galeries spécialisées plus nombreuses, des expositions d’art contemporain qui intègrent des œuvres d’art brut comme notamment la dernière Biennale de Venise (commissaire Massimiliano Gioni), l’art brut questionne. La maison rouge présente régulièrement au public des œuvres de ce corpus de l’art; Antoine de Galbert, son président le collectionne.

« Depuis sa création en 2004, nous cherchons à établir des ponts entre les différents champs de la création, proposant des expositions, qui mêlent art brut et art contemporain:
La collection d’art brut d’Arnulf Rainer,
Les inspirés, Elmar Trenkwalder et Augustin Lesage
ou, qui revisitent des œuvres majeures comme celles de Louis Soutter
ou Henry Darger.
Il nous a semblé que le moment était venu dans le cycle dédié aux collections privéesde porter notre attention sur la plus importante collection privée d’art brut au monde. »

Depuis plus de trente ans, Bruno Decharme (vidéo) assemble sa collection. Celle-ci compte aujourd’hui 3 500 pièces, recense 300 artistes du milieu du XIXe siècle à nos jours. Elle réunit des œuvres de nombreux pays, produites dans un cadre asilaire ou dans la solitude des villes et des campagnes, des productions dites médiumniques et des objets populaires qui échappent à la norme des traditions. Cet ensemble prolonge les collections et recherches de précurseurs psychiatres comme Hans Prinzhorn, d’artistes et écrivains comme André Breton, autant de travaux que Jean Dubuffet a théorisés en 1945 sous le concept d’art brut

En déplaçant ces créations vers le champ de l’art, Dubuffet opère un changement de paradigme radical qui invite à modifier notre façon de penser l’art.

Ces artistes créent le plus souvent avec une intention tout autre que celle de produire de l’art: messages à Dieu, accomplissement d’une mission, communication avec des esprits, talismans de protection, etc.
À travers leurs visions, qui peuvent être qualifiées de délirantes, chacun d’entre eux touche une forme de savoir qui fait écho aux questions fondamentales communes à tous:
«qui sommes-nous? D’où venons-nous? Où allons-nous?»

Pour autant, ils ne participent à aucune filiation artistique; autodictates,  souvent isolés, ils ne se connaissent pas et ne forment donc aucune école idéologique ou stylistique.
La démarche de Bruno Decharme s’inscrit dans le cadre d’un projet global, celui de collectionneur et de cinéaste de métier, mais également celui de fondateur de l’association abcd qui ouvre sa collection au public en 1999.
abcd (art brut connaissance & diffusion), animée par Barbara Safarova, est un pôle de recherche, dont les travaux prennent corps à travers des publications, des séminaires, des expositions et la production de films. L’exposition présente toutes ces facettes. L’exposition, dont le commissariat est assuré par Bruno Decharme et Antoine de Galbert réunit une sélection d’environ 400 œuvres (dessins, peintures, sculptures, photographies, assemblages…) de 200 artistes.

Présentée dans tous les espaces de la fondation, elle dessine un parcours qui fait l’objet de différentes étapes: mots-clés, thèmes agencés de façon subjective, mais tous liés par des questionnements dont le contenu est universel.
Surviennt ainsi des juxtapositions inattendues, loin de la division classique qui a cours quand on parle d’art brut: les fous, les médiums, les marginaux, et qui ne concerne que le statut des auteurs.
En proie aux désordres du monde et à toutes sortes de difficultés de la vie, les artistes de l’art brut nous donnent à voir l’acte de créer dans sa littéralité.

Ces œuvres représentent autant de réponses à la question: que veut dire être sur cette terre. Cette exposition est en quelque sorte la métaphore d’un voyage qui nous conduit de la genèse de la vie – à l’origine, le chaos – à une forme d’extase, «un savoir supérieur» délivré par ces artistes d’un genre particulier dont certains ont le dessein de sauver le monde.

je remercie
les Editions Séguier pour l’envoi de leur livre :
La Folie de l’Art Brut, dont l’auteur est Roxana Azimi
ainsi que François-Marie Deyrolle, de l’Atelier contemporain
pour l’envoi du livre :
De l’Art Brut aux Beaux-Arts convulsifs
Jean Dubuffet & Marcel Moreau, préface de
Nathalie Jungerman

 

« Je suis Niki de Saint Phalle et je fais des sculptures monumentales »

C’est ce que scande Niki à travers l’exposition.

La rétrospective Niki de Saint Phalle au Grand Palais, à Paris, est l’occasion de mettre en lumière la personnalité et la vie de cette artiste féministe connue surtout pour ses célèbres Nanas. Plus de deux cents œuvres et archives – mêlant peintures, assemblages, sculptures, gravures et cinéma expérimental – sont exposées au fil d’un parcours à la fois chronologique et thématique, ponctué de documents vidéo.
Niki de Saint Phalle.- 1930 – 2002–

C’est l’exposition de l’année 2014, au Grand Palais qui se termine le 2 février 2015
Le Grand Palais propose sur 2 000 m2 une rétrospective complète de l’une des plus populaires représentantes du Nouveau Réalisme,

C’est en lisant l’excellent livre d‘Elisabeth Reynaud  :
Niki de St Phalle  » il faut faire saigner la peinture « 
aussi en lisant Niki de St Phalle, artist & mystic, dans les traces du Facteur Cheval & d’Antonio Gaudi de Pierre Chazaud  (que je remercie pour ses livres-cadeaux) que je commençais à comprendre comment une petite fille, issue de l’aristocratie, belle, riche, domptant sa difficulté de vivre par son génie créatif, a réussi à s’imposer parmi les grands artistes du siècle passé. Plasticienne, peintre, sculptrice, provocatrice, autodidacte, réalisatrice de films, mannequin, féministe, militante antiraciste et anti-sida, elle laisse une oeuvre protéiforme, radicale, d’une grande vitalité, dont la force est toujours d’actualité.

« Je n’accepterais pas les limites que ma mère tentait d’imposer à ma vie
parce que j’étais une femme.
NON. Je franchirais les limites pour atteindre le monde des hommes
qui me semblait aventureux, mystérieux, excitant.
Ma nature optimiste m’y aida »
Niki de St Phalle

Préférant une vie d’artiste, à celle de bourgeoise modèle imposée par ses parents,  aux côtés de son premier mari, l’écrivain américain Harry Mathews, elle commence à peindre ses premières huiles et ses premières gouaches.
À la suite d’une grave crise nerveuse, l’artiste est hospitalisée à Nice. Les médecins diagnostiquent une schizophrénie et lui font subir une série d’électrochocs et un traitement à l’insuline. C’est à ce moment qu’elle se met à peindre et découvre que cette occupation lui procure la sérénité dont elle a besoin.
Ne se sentant, ni américaine, ni française, sans aucun sentiment national défini, elle éprouve le besoin de se recréer, de recoller l’image d’un corps mis en morceaux et d’une âme tourmentée.
En 1955, Niki découvre l’oeuvre de l’architecte Antoni Gaudí et le parc Güell à Barcelone. Lors d’une première exposition personnelle à la galerie Gotthard à Saint-Gall, en Suisse, Niki fait la connaissance de Jean Tinguely et de sa femme, Eva Aeppli, qui habitent l’impasse Ronsin, à Montparnasse.
En 1960, elle se sépare de Harry Mathews, lui laissant la garde de leurs 2 enfants.
Niki s’installe impasse Ronsin avec Jean Tinguely. C’est le moteur de sa vie, son grand amour, malgré les infidélités de part et d’autre.
1961 Première séance de tir.

Il s’agit de tirer à la carabine sur des reliefs couverts de plâtre et de faire éclater, cachés sous le plâtre, des sachets de couleur qui éclaboussent le tableau. Pierre Restany invite l’artiste à se joindre au groupe des Nouveaux Réalistes.
C’est avec Jean Tinguely et grâce à ses encouragements et sa folie qu’elle réalisera ses oeuvres.

Peindre la violence
« Peindre calmait le chaos qui agitait mon âme. C’était une façon de domestiquer ces dragons qui ont toujours surgi
dans mon travail. »
 L’art à la carabine
« J’ai eu la chance de rencontrer l’art parce que j’avais, sur un plan psychique, tout ce qu’il faut pour devenir une terroriste. Au lieu de cela j’ai utilisé le fusil pour une bonne cause, celle de l’art. »
« Je passerais ma vie à questionner. Je tomberais amoureuse du point d’interrogation. » « Pour VOUS j’ai conquis le monde. »
Confrontée très tôt à l’inégalité des chances à laquelle sont confrontées les femmes et à l’absence de modèles féminins auxquels s’identifier, Saint Phalle décide dès l’enfance de
« devenir une héroïne ». La lecture du Deuxième Sexe (1949) de Simone de Beauvoir la marque profondément. Précédant de quelques années les mouvements féministes, elle est l’une des premières artistes de son temps à faire de la femme un sujet, qu’elle traite dans sa complexité : à la fois victime de l’enfermement dans sa condition féminine et
« héroïne » potentielle d’un monde à inventer.
Ces assemblages aux titres évocateurs – Mariées, Accouchements, Prostituées, Sorcières, Déesses – frappent encore aujourd’hui par leur radicalité et leur ambivalence. Il faut les regarder de près : les objets qui les constituent ou les recouvrent sont soigneusement choisis, puis mis en valeur ou au contraire accumulés.
 

Jeff Koons à Beaubourg jusqu’au 27 avril 2015
Jeff Koons à la Fondation Beyeler,
Jeff Koons et Split-Rocker, 2000/2012 à la Fondation Beyeler
Jeff Koons à Versailles.
Pas de renouvellement de ses jouets, ils sont déclinés dans d’autres couleurs,
et suscitent toujours la foudre d’une certaine presse et d’une partie du public.

Je vous épargne la controverse des puristes, sur le kitch, je considère d’ores et déjà l’évènement comme un amusement et une curiosité. Je ne vous parlerai pas non plus du parallèle entre Andy Warhol et leur méthode de travail en atelier,  ou encore d’Olafur Eliasson, travaillant avec 80 personnes dans son atelier, futur occupant des cimaises de la Fondation Vuitton, les maîtres de la Renaissance procédaient de la même façon, à la différence de Jeff Koons, ils mettaient la main à la pâte, procédaient à la finition, ne se contentaient pas d’être un concepteur.
Sa présence à Beaubourg en même temps que Marcel Duchamp, qui lui fait partie de l’histoire de l’art, doit le flatter, mais peut-on lui appliquer la phrase de Duchamp :
« C’est le regardeur qui fait l’oeuvre ! » ?
En fait le « regardeur » s’y  voit, le public se reflète partout et prend plaisir à s’y photographier.


Jeff Koons n’est plus un inconnu, nous avons pu voir son univers baroque, ses bouquets, lors de la spendide exposition au musée Beyeler, le mythe des fleurs, ou encore lors de la magnifique exposition qui montre une sculpture de la la Cicciolina dans son tub, Eros à Beyeler ensuite à Versailles, les collectionneurs Richard et Ulla Dreyfuss-Best dans leur exposition « For Your Eyes Only » actuellement au Kunstmuseum de Bâle ne dédaigne pas de montrer le  « Wrecking Ball 2002» de Jeff. Art Basel, la Fondation Prada à Venise, ne manquent pas de présenter JK.
Entre les 2 vedettes actuelles de l’art contemporain (Damien Hirst), il n’y a presque pas de choix possible, les 2 sont des businessmen accomplis, célèbres, provocateurs, talentueux. Les bourses s’effondrent, les banques s’affolent, les gens ne partent plus en vacances et se serrent la ceinture, raclent leurs fond de poches, les femmes indonésiennes se font tuer pour quelques poignées de roupies, mais « l’élite » mondiale soutient, achète et se précipite aux ventes et aux expositions de ces artiste.
Damien Hirst a court-circuité les galeristes en vendant directement chez Sotheby’s à Londres, aux enchères, 223 de ses œuvres en encaissant la somme astronomique de 140 millions d’euros. La fortune de Bill Gates serait largement dépassée (?) (faux Bill Gates « pèse » 57 milliards de $). Pour moi, ces montants sont abstraits et surréalistes.
Jeff Koons, chevalier, puis officier de la légion d’honneur nous parle de l’acceptation de soi-même et de l’autre, de la confiance en lui-même et du pouvoir de l’art, grâce au rêve réalisé en exposant à Versailles, puis au Whitney Houston. De François Pinault collectionneur fervent de JK à Jean Jacques Aillagon, respectivement ancien ministre de la culture, puis directeur du Palais Grassi puis directeur du château de Versailles, la connexion était aisée.

C’est en regardant l’Olympia de Manet qu’est venue sa compréhension et son amour de l’art et ses niveaux de significations, pourquoi pas de l’Origine du Monde de Courbet.
Il imagine devant le Homard, acrobate, lien entre le visiteur et l’œuvre, la couleur rouge, le motif, évoquant les flammes du Moyen Age,  que s’il reste trop longtemps sous le regard du public, il finira dans les flammes, puis pour compléter il lui trouve les mêmes moustaches que le Führer.
Quand à l’ « Aspirateur  » sa transparence est pour lui associée au féminin …. (tiens donc !) à la matrice. Quand on le regarde en effet, la disposition des accessoires, font penser à une silhouette.

L’autoportrait entre celui de Louis XIV et Louis XVI, (à Versailles) expression du monumental, sur un socle réplique (pas la meilleure) du Bernin, n’est pas l’image de Jeff Koons, mais « l’expression en tant qu’artiste » confronté aux 2 icônes du passé avec le contemporain. Je cite « le frottement, la juxtaposition d’intérêts communs, voire le parallèle entre 17e, 18e et JK. »
Le petit train évoque son enfance et les souris, chien et autres ballons, les jouets qu’il a conçu pour son fils aîné, issu de son mariage avec la Cicciolina, puis pour les autres
enfants de sa nombreuse famille.

Son discours reste le même : il désire être impliqué, pour lui, ses œuvres sont une métaphore de l’acceptation de l’autre et de soi-même, au niveau mondial. En résumé Jeff Koons souhaite établir une connexion avec l’art et son pouvoir sur le monde.
La petite salle pornographique ne mérite pas le détour, car là on comprend très vite :
« Fuck you » c’est à dire nous.
photos de l’auteur
 

La Fondation Pierre Gianadda à Martigny associée au musée des Beaux-Arts de Berne, présente cet hiver, les oeuvres d’artistes emblématiques de la Suisse avec la complicité et la générosité de la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire.

Bruno Stefanini, qui fête cette année son quatre-vingtième-dixième anniversaire, se révèle un collectionneur atypique qui a, depuis plus de cinquante ans, rassemblé plus de huit mille pièces, dont des peintures et travaux sur papier, des centaines de statues et d’ouvrages de sculpture, de grands ensembles de livres rares, des objets précieux et des armes d’apparat, du mobilier et des productions des arts décoratifs.
Cette incroyable collection se trouve réunie dans la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire fondée en 1980 par Bruno Stefanini, mécène de Winterthur. Elle ne réunit pas seulement l’art suisse depuis le XVIIIe siècle jusqu’à l’époque moderne mais comprend également des monuments historiques d’importance nationale tels les châteaux de Grandson (canton de Vaud), de Salenstein et de Luxburg, (canton de Thurgovie) et Brestenberg (canton d’Argovie), l’immeuble Sulzer à Winterthour, première tour construite en Suisse en 1962.
Il s’agit certainement «… de la plus vaste collection d’oeuvres d’art et d’objets historiques jamais réunie en Suisse par une seule et même personne ». (Mathias Frehner, directeur du musée des Beaux Arts de Berne)

« Nous sommes la tradition, on ne saurait trop le dire. Et peut-être Titien me dirait-il quelques mots avant de monter dans sa gondole »,
proclamait-il, avec emphase, en 1890.

voir ici la vidéo du vernissage

« Cela ne signifie rien, l’impressionnisme. Tout artiste consciencieux a toujours traduit ses impressions « 
Vous savez ce que je pense des peintres qui travaillent sur les grands
chemins ? C’est à dire que si j’étais le gouvernement,  j’aurais une brigade de gendarmerie pour surveiller les gens qui font du paysage sur nature ….
Oh ! je ne veux la mort de personne;  j’accepterais bien qu’on mît du petit plomb pour commencer » [à Vollard]
« Ne me parlez pas des impressionnistes, il faudrait les fusiller  »
Voyons est-ce qu’Ingres transportait son chevalet sur les grands chemins ? »
On plante un jeune homme en plein champ et on lui dit « Peignez ! » Et il peint une ferme sincère; c’est imbécile  »
« les Impressionnistes ont besoin d’une vie naturelle, moi d’une vie artificielle. »
extrait de « je veux regarder par le trou de la Serrure » propos choisis, édition établie par Jean Paul Morel, les Mille-et-une-nuits

Après avoir participé à la 8e et dernière exposition en 1886, de la Société des peintres indépendants, il s’écarte du groupe pour reprendre sa liberté et son indépendance, loin de la mode, des conventions sociales, politiques et artistiques.
Portrait de Degas par Sachy Guitry
Disposant d’une certaine fortune, il n’est pas tenu de vendre et passe ses journées au Louvre, à copier les oeuvres des anciens maîtres, ou à faire de longs voyages en Italie.
Refus des honneurs, anarchiste et conservateur, fervent patriote et militariste, il se porte volontaire pour la défense de Paris en 1870.

Dans sa 1ere exposition en 1892 chez Durand-Ruel  il ne présente que des peintures de paysages que pourtant, il ne tenait pas en estime, des monotypes de petits formats tirés sur des feuilles de papier, rehaussés de pastel pour la plupart.
Elles ont vu le jour à l’atelier, évoquant des paysages de rêve, de la génération des symbolistes qui feraient le bonheur des surréalistes. Il affirme ainsi son indépendance et sa position artistique.
Il retravaillait certaines oeuvres pendant des décennies et vendait avec parcimonie, créant ainsi une demande. Il tenait à distance la presse et la critique d’art. Ses bénéfices lui permirent de se constituer une collection d’oeuvres d’art.
Les « Saints Patrons » Jean Dominique Ingres et Eugène Delacroix formaient le noyau de sa collection. Manet y tenait une place à part, ne voit-on pas une parenté avec Un bureau de coton à la Nouvelle-Orléans, 1873.
A propos de Manet :  » pauvre Manet avoir peint le Maximilien, le Christ aux anges, et tout ce qu’il a fait jusqu’en 1875, et puis lâcher son magnifique « jus de pruneaux » pour faire le Linge !…

Deux siècles de création artistique jusqu’au 15 février 2015
Voir ici la vidéo du vernissage en présence de Christiane Taubira
Une exposition différente des blockbuster actuels, à la dimension limitée, pour éviter un trop plein, qui peut même éveiller une certaine frustration.

Cette exposition est dédiée à la création artistique haïtienne, du XIXe siècle à aujourd’hui. Autour d’un noyau d’oeuvres contemporaines, certaines réalisées spécifiquement pour l’occasion, elle présente selon un parcours non chronologique, des temps forts de l’histoire de l’art haïtien, et propose de porter un nouveau regard à cet art insuffisamment connu en France.

L’exposition a pour objectif de dépasser les stéréotypes de la peinture naïve et de transcender la vision magico-religieuse et exotique trop souvent associée de manière restrictive à l’art haïtien. Sans écarter les influences syncrétiques des symboles chrétiens, maçonniques et vaudou sur l’imaginaire collectif, l’exposition rend compte de l’extraordinaire vitalité de la création artistique, où tout se métamorphose en toutes circonstances, où se côtoient de manière singulière le « pays réel » et le « pays rêvé ».
Depuis la fin du XXe siècle, la concentration urbaine à Port-au-Prince et l’effervescence qui parcourt la société haïtienne a favorisé l’émergence d’une esthétique contemporaine à travers la peinture, le dessin, l’installation, la vidéo, la sculpture d’objets recyclés…

Autour de sept sections, dont un Duo avec Jean-Michel Basquiat et Hervé Télémaque, la scénographie laisse une large place aux artistes contemporains de toutes générations vivant en Haïti (Mario Benjamin, Sébastien Jean, André Eugène, Frantz Jacques dit Guyodo, Céleur Jean-Hérard, Dubréus Lhérisson, Patrick Vilaire, Barbara Prézeau, Pascale Monnin…), en France (Hervé Télémaque, Elodie Barthélemy), en Allemagne (Jean-Ulrick Désert), en Finlande (Sasha Huber), aux États-Unis (Edouard Duval Carrié, Vladimir Cybil Charlier), au Canada (Marie-Hélène Cauvin, Manuel Mathieu).


À l’extérieur du Grand Palais, les visiteurs sont accueillis par une sculpture monumentale d’Edouard Duval Carrié.
Aux lendemains de l’Indépendance d’Haïti, au début du XIXe siècle, des académies de peinture sont créées par les dirigeants de la première République noire du monde. Animées pour la plupart par des peintres européens, elles donnent naissance à l’art du portrait (Colbert Lochard, Séjour Legros, Edouard Goldman), consacré essentiellement aux hommes et femmes de pouvoir confrontés à la nécessité de se construire une identité historique.
Cette tradition du portrait officiel sera ensuite interprétée, sous forme de satire, pour témoigner du climat politique tourmenté d’Haïti. Fondé en 1944, le Centre d’Art de Port-au-Prince, devient le lieu emblématique de la vie artistique haïtienne. Avec une rare puissance évocatrice, les artistes populaires font irruption dans la ville et forcent à la reconnaissance de leurs sensibilités (Hector Hyppolite, Philomé Obin, Préfète Duffaut, Wilson Bigaud, Robert Saint-Brice…).
En forme de dissidence, les années 50 voient naître un nouvel élan créatif avec l’ouverture du Foyer des arts plastiques, puis de la galerie Brochette. Des artistes, parmi lesquels Lucien Price, Max Pinchinat, Roland Dorcély… en quête de nouveaux paradigmes, explorent alors les voies de l’abstraction et du surréalisme dans un contexte d’échanges permanents avec les artistes ou les intellectuels américains et européens.
Avec près de 60 artistes et plus de 160 oeuvres provenant de collections publiques ou privées haïtiennes (Musée du Panthéon national haïtien, Musée d’art haïtien du Collège Saint-Pierre, Bibliothèque des Pères du Saint-Esprit, Loge L’Haïtienne du Cap-Haïtien, Fondation FPVPOCH / Marianne Lehmann, Fondation Culture Création), françaises (Château de Versailles, Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Musée d’art contemporain de Marseille), américaine (Milwaukee Art Museum), l’exposition présente une création artistique dégagée de tout cadre rigide, mêlant sans difficulté poésie, magie, religion et engagement politique. Ces oeuvres d’une extraordinaire richesse qui n’ont cessé de jaillir au coeur du destin agité d’Haïti – certaines restaurées après le séisme de janvier 2010 – sont en grande partie présentées pour la première fois en France.
commissaires : Régine Cuzin, commissaire indépendante, fondatrice de l’association OCEA, Paris et Mireille Pérodin-Jérôme, directrice des Ateliers Jérôme, Port-au-Prince scénographie : Sylvain Roca et Nicolas Groult