Anselm Kiefer

On a appris mi-mai le départ de l’artiste allemand Anselm Kiefer, installé depuis 1993 dans le Gard, qu’ aujourd’hui il est contraint de poursuivre l’aventure au Portugal.
Les raisons qui poussent aujourd’hui Anselm Kiefer à quitter l’ancienne filature de soie de Barjac qu’il avait transformée en un gigantesque atelier-musée de 35 hectares, devenu mythique, sont d’une tout autre nature. En janvier 2008, son atelier est cambriolé, l’une de ses sculptures volée (le préjudice est estimé à près d’un million d’euros), et l’artiste est régulièrement victime des aigreurs d’une partie de la population locale.
Comment peut-on laisser s’échapper, un artiste majeur comme Kiefer, qui faisait pourtant l’objet d’une rétrospective monumentale en 2007 au Grand Palais ? Un artiste vivant, dont les oeuvres ont pénétré dans le Louvre. Pire, la France, contrairement à d’autres scènes comme Londres ou Berlin qui attirent sans cesse des artistes venus du monde entier, peine à fournir à une nouvelle génération d’artistes français et étrangers les conditions nécessaires à leur maintien sur le territoire (ateliers, bourses, visibilité).
Heureusement qu’en Alsace, le collectionneur et industriel allemand Reinhold Würth lui fait la part belle. En 2004, il lui a consacré une exposition dans sa Kunsthalle Schwäbishe Halle.
Elève de Joseph Beuys son œuvre est défini par la volonté de définir une identité d’après guerre. Kiefer, donne l’impression d’un formidable iconographe et régisseur des mythes, en leur donnant une visibilité et une lecture. Né en 1945, à Donaueschingen, il s’emploie à scruter l’histoire allemande et par certains sujets fait le parallèle avec l’histoire des religions. Kiefer travaille concrètement sur les archétypes. Il y introduit la plus-value du débris, la fascination pour le désastre. Quiconque s’y trouve confronté sait que la peur dont il est question est plus qu’une peur existentielle subjective, c’est une peur fondée sur un plan politique et en dernière instance, anthropologique.
Dans l’exposition inaugurale d’ouverture, intitulée un monde à part, le musée Würth d’Estein, nous a présenté Querelle iconoclaste (1977/1988) et les Erinyes (1995/1998).
Dans l’exposition actuelle  Coups de cœur  il présente :
anselm-kiefer-berenice.1244464083.JPGBérénice, (2003) dans la tragédie de Racine, une photo retouchée avec des collages des cheveux et du plomb, le plomb de Saturne, où il exprime cette tristesse majestueuse de celle-ci, lorsque Titus lui annonce, qu’il ne peut l’épouser et doit la renvoyer, et qu’elle refuse son sort, ou encore dans les histoires extraordinaires d’Edgar Poe, il évoque le mystère d’Iris ou encore Véronique ou Bérénice, personnage de la tradition chrétienne, femme pieuse qui a donné son voile pour que le Christ y essuie son visage, dans le fondu enchaîné de l’image.
Tannhauser, (1991) sculpture avec livres et branche d’aubépine.anselm-kiefer-tannhauser.1244464264.JPG
Sa fascination pour les livres, non seulement fait référence à sa grande culture de l’histoire et de l’histoire de l’art, mais évidemment aux autodafés, où il exprime son jugement implacable sur la guerre et l’art d’après guerre. Aucun autre artiste de sa génération a entretenu un rapport aussi permanent aux livres, jusqu’à considérer le livre égal à la toile. Et pourtant lorsque nous ouvrons ces grands formats, nous nous heurtons à l’énigme des pages illisibles, à l’effacement de ce que les livres contiennent ordinairement. De son propre aveu s’il n’avait été peintre, il aurait été écrivain. La littérature est d’ailleurs un territoire inépuisable pour l’artiste qui trouve dans ses lectures de divers auteurs (Rainer Maria Rilke –prononcez ce nom juste pour le plaisir- Jean Genet, Paul Ceylan très présent dans Monumenta sous la voûte du Grand Palais, Velimir Khlebnikov, Louis Ferdinand Céline, entre autres) le choc émotionnel et spirituel nécessaire à la production de ses créations plastiques, à la frontière entre objet sculptural et peinture. Ce qui distingue les sculptures, des livres souvent réalisées à base du plomb qu’il racheta à la cathédrale de Cologne, c’est que le poids et la matière les rendent impropres à toute manipulation. Des bibliothèques entières sont à l’occasion composées de ces sculptures massives dont dépassent des plaques de verre qui viennent de manière aléatoire se briser au sol. Le végétal en étant le complément indispensable pour illustrer le côté éphémère de toute chose. Le livres est pour Anselm Kiefer à la fois, source de savoirs, objet plastique et symbole culturel.
anselm-kiefer-claudia-quinta.1244464440.JPGPuis il y a Claudine (2004), toile qui présente Claudia Quinta, jeune vestale romaine injustement accusée d’avoir trahi son obligation de chasteté, et dont la vertu fut miraculeusement prouvée, selon le récit de Aurelius Victor . A la fin du voyage de la pierre sacrée de Cybèle de Pessinonte (Phrygie) à Rome (205-204 av. J.-C.), le navire la transportant s’enfonce dans la vase du Tibre. Les hommes essayent de le remorquer avec une corde mais il ne bouge pas. La consultation des Livres Sibyllins indiqua que seule une femme très chaste pourrait le déplacer. Claudia Quinta prie alors la déesse de la suivre, si elle est bien chaste : elle attache sa ceinture au navire et le remorque à elle seule. La déesse prouve ainsi la pureté de la jeune femme. Tacite rapporte que la statue représentant Claudia Quinta échappa par deux fois à la fureur des flammes et fut consacrée dans le temple de la déesse Cybèle.
photos de l’auteur prise au musée Würth d’Erstein (67)

Armures & Robes de soirée au musée Tinguely

s-bastian.1242509711.JPGLa demeure du « métallier » éclairé Jean Tinguely ouvre ses portes à la haute école et l’extraordinaire artisanat des robustes armures en plaques, avec une exposition sur la « mode » masculine en acier pour la guerre, le tournoi et la parade. L’art du vêtement féminin moderne est représenté par des modèles du couturier Roberto Capucci, roberto-capucci.1242509357.JPGet des œuvres d’Eva Aeppli et Niki de Saint Phalle et des figurines d’Oskar Schlemmer apportent le composant existentiel à ce théâtre du monde. Tout sous le regard de divers « engins de guerre » de Tinguely, Luginbühl et Spoerri, de même la bande dessinée « Apocalypse » de M. S. Bastian – un survol de la culture, vacillement entre étonnement et parodie, frayeur et envoûtement.
La majorité des armures proviennent de l’Arsenal de Graz en Styrie, auxquelles se joint une délégation Suisse de Soleure les deux derniers arsenaux historiques d’Europe. Pour couronner ces quelques soixante armures, douze exemples d’apparat prêtés par la Hofjagd- und Rüstkammer Vienne, dialoguent avec douze robes sculptures de Roberto Capucci, couturier italien qui a souvent puisé son inspiration dans ces « robes » masculines en métal, telles une « seconde peau ».
landfraf-von-hessen.1242509601.JPGUne mise-en-scène inhabituelle transforme le musée en scène de théâtre.
L’exposition montée par l’Arsenal d’État de Graz autour des armures de Styrie, Autriche,  a été conçue de manière tout à fait nouvelle et adaptée pour la station bâloise, où les armures historiques et leur fonctionnalité technique sont mises en rapport avec des œuvres de Jean Tinguely.
L’Arsenal fut établi à l’origine comme dépôt d’armes et de matériel de guerre de l’État de Styrie face à la menace de l’Empire Ottoman. Vers le milieu du 18ème siècle, sur la demande des États, il fut décidé de maintenir l’Arsenal d’État en monument à la bravoure de la Styrie. L’Arsenal de Graz est ainsi devenu une des collections d’armures les plus imposantes et complètes au monde.ava-aeppeli.1242509488.JPG
L’exposition à Bâle ne traite pas les circonstances historiques qui ont poussé à constituer un tel dépôt de guerre à la frontière du sud-est de l’Empire Habsbourgeois au 16ème siècle pour contrer la menace ottomane. Les armures seront traitées au-delà de leur fonction initiale de protections pour le corps humain surtout comme vêtements qui, à la manière de leurs modèles en étoffe, obéissaient aussi aux courants de la mode. Il en ressort clairement combien la volonté d’esthétisme surmontait les exigences techniques tout en s’en servant. D’une part, l’armure retient son attribution fonctionnelle qui, tout en garantissant une haute protection, doit offrir à qui la revêt la mobilité ; d’autre part, plusieurs détails dont la teinte, la gravure de la surface dure de l’acier trahissent l’inspiration du modèle en étoffe. robert-capucci-2.1242510091.JPG
 Des panneaux dans l’exposition expliquent les processus du travail du métal pour une meilleure compréhension de l’art de l’armurier.
Eros et Tanatos,  opposé à l’univers male et froid de l’homme de fer, l’élément féminin, tendre et sensuel, est représenté par des modèles du couturier Florentin Roberto Capucci. Ce dernier conçoit ses robes tel des sculptures, elles se prêtent donc particulièrement à un dialogue avec des armures historiques, puisque leur douce enveloppe en étoffe correspond tout en contrastes à la dure coque en acier des armures. Cette antithèse est à la base d’un principe humain trouvé déjà dans la mythologue antique qui donnait pour époux à Vénus, la sensuelle déesse de l’amour, l’habile forgeron Vulcain – un thème repris dans de nombreux tableaux représentant Vénus dans la forge de Vulcain.
oskar-schlemmer.1242510258.JPGIl y a plus de dix ans eut lieu déjà à Vienne une exposition demeurée célèbre par l’audace de sa mise en scène qui confrontait des créations de Capucci à des armures de parade historiques. La relation entre l’éclat de l’acier poli et le drapé soyeux des robes du soir accentue dans le cas présent le caractère festif de la présentation, tout en reliant les armures aux machines fantastiques de Jean Tinguely, tel « hannibal » par leur côté fonctionnel. Ainsi, les deux rôles essentiels d’une armure, tant vêtement de parade que carapace protectrice, ouvrent une nouvelle perspective sur les arsenaux historiques, dont la Suisse aussi en possède quelques uns.
Jusqu’au 30 août 2009.
   photos de l’auteur

New Museum of Contempory Art de New York

new-museum-new-york.1240535970.jpgCe musée  dédié à l’art contemporain, situé auparavant dans Chelsea, a défrayé la chronique lors de son déménagement à Bovery. Le nouveau bâtiment dessiné par le groupe d’architectes japonais SANAA est une petite merveille : un empilement de blocs décentrés, aux proportions inégales, recouvert d’une peau métallique. L’effet visuel est saisissant, mais la vraie surprise est ailleurs. Ce curieux système d’emboîtement a permis de créer des espaces d’exposition inédits, fluides, éclairés par les espaces dégagés grâce au décrochements des structures imbriquées. C’est très astucieux et efficace.
Au rez – de chaussée ce qui correspond au first floor chez les américains (au bout de quelques errements ont fini par comprendre)
 « Urban  China : informal Cities »
C’est une exploration multiforme de la manifestation physique de Terre magazine urbain en Chine.
Fondée en 2005, en milieu urbain en Chine il est le seul magazine consacré aux questions de l’urbanisme et publié au sujet de la Chine.urban-china-new-museum.1241802262.JPG
Urban Chine utilise le terme « informalisme » comme un terme fourre-tout qui combine les notions de l’économie informelle ou souterraine, de l’économie populaire avec, en langue vernaculaire des modes de refaire les objets, les bâtiments, et la vie. L’idée de l’économie informelle est particulièrement consécutif à la lumière de la rigueur avec laquelle l’ordre des villes chinoises ont toujours été planifiée et contrôlée.
Au 1e étage, j’entre dans une salle, un groupe de personne discutent de façon très informelle. Il s’agit de :
Jeremy Deller: It Is What It Is: Conversations About Iraqjeremy-deller-about-iraq.1241801585.jpg
Conversations à propos de l’Irak, une nouvelle rencontre de l’artiste britannique Jeremy Deller. Dans un effort visant à encourager le public à débattre de la situation actuelle en Irak, un carrefour où s’expriment les participants, dont des anciens combattants, des journalistes, des universitaires et des ressortissants iraquiens qui ont une connaissance dans un domaine particulier de la région et / ou une expérience de première main de l’Irak. Ils ont été invités à s’installer dans la galerie dans le but d’encourager la discussion avec les visiteurs du Musée. Mon anglais étant trop sommaire je m’éclipse.
Au 2e étage, de grands coussins sur lesquels on s’allonge vous accueillent dans une salle obscure. La Projection de « Minotaur » de Daria Martin représentant un duo chorégraphié par la légendaire pionnière de la danse et du mouvement Anna Halprin, basée sur la sculpture du Minotaure de  1886 d’Auguste Rodin.daria-martin.1241801874.jpg Martin a juxtaposé soigneusement les mouvements des deux danseurs avec les images de la sculpture de Rodin. Un danseur, d’âge mûr, très beau et une jeune femme, liane. Des images de la sculpture dans un livre, un point de vue de l’extérieur boisée de Halprin, du nord de la Californie, où le studio de danse se trouve, et les plans de tournage de Halprin. Ce faisant, elle crée un complexe multicouches et la synthèse des diverses formes d’art, le cinéma, la danse et la sculpture, tout en méditant sur le processus par lequel l’art est fait, et l’évolution de la dynamique sexuelle entre les hommes et les femmes tel que consacré dans la sculpture et dans la performance imaginée par Halprin. C’est d’une beauté et d’un érotisme torride.
Au 3 e étage « Musée de Hub »: au New Museum est guidée par trois grands thèmes directionnel: Imagined Past, Present Imagined et Imagined avenir.michael-blum-exodus-2048.1241801646.jpg
 Michael Blum, dans l’installation de l’Exode 2048 transforme le musée en tant que centre d’espace pour la durée de l’exposition, ce qui représente un futur imaginaire où le musée lui-même comme une fiction d’un camp israélien pour les réfugiés. L’imaginaire actuel est représenté dans Lidwien van de Ven, la liberté d’expression, à l’origine d’une installation au Van Abbemuseum et recréé ici comme un poster dans le Musée. Une représentation particulière et le dépistage organisé par l’artiste pour examiner la question de l’islamophobie, des nouveaux modes de pensée de droite en Europe, et la politique de la citoyenneté et l’immigration.vue-new-museum-bovery.1241802922.jpg
Au (4)e cinquième étage une vue panoramique sur downtown permet une autre vision par rapport aux grands buildings luxueux de la 57e  à la 43e rue.
photos 1 & 6 de l’auteur

Les fenêtres au musée Würth d’Erstein

 

collection-wurth-henry-moore.1240531895.JPGDepuis les années soixante, Reinhold Würth a constitué l’une des plus importantes collections d’entreprise d’art moderne et contemporain. Aujourd’hui, la collection Würth basée en Allemagne, compte près de 12000 œuvres : peintures, sculptures et dessins. Elle reflète autant les coups de collection-wurth-hoflehner.1240532479.JPGcœur de l’amateur d’art que les grands mouvements artistiques du XXe et du début du XXIe siècle.

Traversant les courants de l’art moderne avec des œuvres néo-impressionnistes, expressionnistes et surréalistes (Camille Pissarro, Alfred Sisley, Paul Baum, Heinrich von Zügel, Max Liebermann, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner, Gabriele Münter, Emil Nolde, Max Beckmann, Max Ernst, René Magritte et André Masson), la collection permet également de parcourir les évolutions de l’abstraction géométrique et de l’abstraction lyrique avec des œuvres notamment de Serge Poliakoff, Alberto Magnelli, Auguste Herbin, Aurélie Nemours, Sonia Delaunay-Terk, Victor Vasarely, Jean Dewasne, Jean Deyrolle, André Heurtaux, František Kupka, Hans Hartung, Max Bill, Josef Albers, Henryk Stazewski, Robert Jacobsen. 
collection-wurth-jacobsen.1240532031.JPG 

Riche en outre d’un bel ensemble d’œuvres de tendance néo-figurative, la collection comprend de nombreuses œuvres des artistes Markus Lüpertz, Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Bernd Koberling, Rainer Fetting, Jörg Immendorff, Helmut Middendorf ou Dieter Hacker.

 

 

La collection qui compte de très nombreuses peintures, accorde néanmoins une place importante à la sculpture. Elle présente ainsi des pièces significatives d’artistes aussi divers que Jean Arp, Horst Antes, Anthony Caro, Henry Moore, Eduardo Chillida.
 
Par ailleurs, toujours attentif aux créateurs de son temps, Reinhold Würth s’intéresse particulièrement à des parcours singuliers : il noue ainsi une relation privilégiée avec Alfred Hrdlicka, Christo & Jeanne-Claude, José de Guimarães et Robert Jacobsen, dont il suit le travail en mécène convaincu.
Le Musée Würth France Erstein est situé immédiatement à côté du siège social de Würth France, collection-wurth-178.1240531150.JPGaux abords du parc paysager de l’entreprise.
Une confrontation entre les deux bâtiments sous-tend le programme architectural des cabinets lyonnais de Jacques et de Clément Vergély : la transparence du vaisseau de verre du siège exprime un contrepoint à l’opaque géométrie des murs de béton brut du Musée.
 
collection-wurth-wortuba-torse.1240532638.JPGLa grande variété de la collection Würth a déterminé le projet. L’édifice abrite trois salles adaptées à l’hétérogénéité des dimensions des œuvres : une nef monumentale au rez-de-chaussée, et à l’étage deux beaux espaces, pour une surface d’exposition totale de 800 m2. La conception technique de l’éclairage, conçue par Marc Fontoynont, maître d’œuvre notamment de la mise en lumière de la salle de la Joconde au Louvre, privilégie l’apport optimal de la lumière naturelle dans les salles.

 

collection-wurth-arp.1240532264.JPGCe sont les ouvertures vers l’extérieur qui sont aussi une grande réussite de ce musée. Tableaux incorporant le paysage, avec une telle évidence, véritables mises en valeur, en lumière, quelquefois diffuse des œuvres, pour une bonne conservation, un bonheur infini pour le regard.

 

 

Chinetik

Le tricycle chinois entre culture du quotidien et intervention artistique  
Une exposition du Musée Tinguely et Littmann Kulturprojekte  jusqu’au  19 avril 2009   cimg0060.1239931523.JPG Si le pousse-pousse était communément répandu dans toute la Chine avant l’ère moderne, sa place a été occupée au 20ème siècle par le vélo à trois roues. Dans la capitale Beijing (Pékin) le vélo à trois roues ou tricycle était omniprésent. Inimaginable de se représenter une rue fréquentée, un marché, une rue commerciale ou un quartier de loisirs, voire une déchetterie sans tricycles. Plus de 30 exemplaires de ces véhicules furent rachetés dans les rues de Pékin par Littmann Kulturprojekte, certains avec, d’autres sans leur chargement. Les tricycles avec cargaison furent laissés tels quels, ceux qui n’en avaient pas furent confiés à des artistes avec la mission de les transformer. Ces deux groupes de tricycles sont maintenant réunis dans une exposition au Musée Tinguely. Un seul exemplaire figure dans l’ensemble, véhicule de seconde main, en état de marche mais sans précision quant à son utilisation originelle. Si Jean Tinguely était encore en vie, les termes « Chine » et « Cinétique » (mouvement) l’inciteraient peut-être spontanément à créer celui de « Chinetik ».  Leur présentation sur des socles les élevant au rang d’objets d’art, les tricycles – auparavant des plateformes de commerce (« vitrines » mobiles), cuisines sur roues, cages à animaux ou véhicules servant à divers transports (aliments, ustensiles de ménage, meubles, détritus) – perdent leur caractère d’objets ethnographiques illustrant la culture au quotidien pour devenir des pièces de musée. Par opposition sont exposés des tricycles reconvertis en objets d’art. Divers artistes à l’est (Chine)cimg0156.1239931831.JPG et à l’ouest (Europe, USA) furent mandatés de reconcevoir des tricycles neutres et sans chargement et de leur insuffler un contenu artistique. La seule condition à laquelle ils devaient se soumettre était de respecter l’état de marche des tricycles ; sinon, ces divers artistes (dont entre autres Wang Guangyi, Thomas Virnich, Ulrike Schröter, Peter Kogler, Daniele Buetti, Robert Rauschenberg, Guillaume Bijl, Stephen Craig) pouvaient donner libre cours à leur fantaisie. Le Musée Tinguely en collaboration avec Littmann Kulturprojekte présente sous le titre « Chinetik » cette première exposition d’interventions d’artistes originaires de Chine et d’Allemagne, de Belgique, d’Irlande, des Pays-Bas et d’Autriche ainsi que des États-Unis et de Suisse côte à côte avec des tricycles originaux avec leur chargement, derniers témoins d’un aspect de la culture chinoise au quotidien.cimg0063.1239931663.JPG Le tricycle se fait de plus en plus rare dans la vie de tous les jours en Chine grâce à la forte augmentation de la prospérité due à la mondialisation, surtout à Pékin où en vertu des Jeux Olympiques de 2008 il y eut un extrême élan de modernisation. Au milieu des années 1990 les tricycles étaient partout, en 2008 ils étaient devenus rares. Qu’en est-il du tricycle dans la Chine de demain? Est-il simplement une pièce de musée à classer entre objet ethnologique ayant trait à la vie quotidienne et intervention artistique?

photos de l’auteur

Scapa memories – une collection



Au Musée Tinguely de Bâle jusqu’au 19 avril 2009
L’exposition au Musée Tinguely offre un aperçu de la collection excentrique de Ted Scapa. Le célèbre dessinateur scapa.1239846196.JPGhumoriste suisse, né en 1931 aux Pays-Bas, collabora à la presse internationale avant de prendre en mains les rênes de la maison d’édition Benteli à Berne qu’il dirigea pendant plus de trente ans. Le programme pour enfants à la télévision suisse alémanique DRS, Das Spielhaus (La Maison du jeu), lui valut une grande notoriété dans les années 1960 et ’70. Aujourd’hui, Scapa vit et travaille comme artiste indépendant et dirige des ateliers de créativité.
L’exposition SCAPA Memories documente la relation qu’entretient Scapa avec l’art. Elle fait pénétrer le visiteur dans sa collection qui est un dialogue très personnalisé entre tradition et modernité. L’art est un besoin vital dans la vie de Scapa. Les œuvres et objets qu’il a assemblés au cours de sa vie ne traduisent pas la poursuite d’une stratégie consciente mais plutôt son intuition. Ce biotope culturel dans lequel vivent  et travaillent Ted Scapa et son épouse Meret depuis plus d’un demi-siècle est le reflet de la vision et de l’expérience du monde et de l’art chez Scapa.
Le mot préféré de Scapa, « créativité », est en même temps son message et le critère de sélection qui valut pour l’assemblage de sa collection. Une autre impulsion de sa passion débordante de collectionneur sont les Memories, ses souvenirs de nombreuses rencontres avec des artistes du monde entier, tantôt ceux qui évoluèrent en des liens d’amitié de toute une vie que ceux, plus spontanés, le fruit du hasard et de son enthousiasme. Avec les années est né un bric-à-brac inspiré qui reflète tout à fait la créativité débordante de l’homme Scapa, mais aussi de l’artiste connu pour sa création de lampes et de tapis.
Son importante activité d’éditeur (env. 1500 titres) amena Scapa à faire la connaissance d’un grand nombre d’artistes, de galeristes, de collectionneurs et de gens de musées – mélange magique  et stimulant. Il ne fréquenta pas seulement de grands noms tels Joan Miró ou Aimé Maeght, mais entretenait surtout des relations étroites et chaleureuses avec un groupe élargi d’êtres qui apprit à connaître son hospitalité légendaire. La publication de catalogues lui valut de rencontrer les maîtres de l’art graphique dont des peintres allemands du groupe des « nouveaux sauvages » tels Georg Baselitz, Markus Lüpertz, A. R. Penck, Jörg Immendorff, les Suisses Martin Disler, Peter Stämpfli ou Alfred Hofkunst.
scapa-memories.1239846017.JPGDans la collection de Scapa, qui a tout d’un cabinet de curiosités, des lettres-dessins aux couleurs intenses de son ami Jean Tinguely et une machine sculpture côtoient tout naturellement des objets rituels et des ustensiles quotidiens provenant de cultures et d’époques les plus diverses. Leur sont associées de monumentales œuvres graphiques d’artistes de renom du 20ème siècle, ainsi des exemples d’Antoni Tàpies ou Frank Stella, mais également des figures chinoises en terre-cuite et des sculptures en bois, des masques et des reliefs en provenance d’Afrique.
Dans son Eldorado, son château sur les bords du Lac de Morat, figures, objets et œuvres graphiques peuplent le salon, la salle à manger, les rebords des fenêtres et toutes les corniches, tables et armoires, linteaux de portes et paliers, les œuvres débordent depuis la cuisine jusqu’aux toilettes.
Devant les œuvres graphiques empilées le long des murs, des figures africaines d’hommes et de femmes le plus souvent nus, tantôt petites tantôt surdimensionnées, des masques et des tambours placés avec justesse devant les tableaux, auxquels parfois ils s’accordent par leurs tons ou leurs formes, ou, au contraire, posés n’importe comment, par manque de place probablement. De nouvelles acquisitions viennent rejoindre le groupe et l’œuvre d’art totale acquiert une nouvelle apparence, sans toutefois perdre de son impact.
Ce « cabinet de curiosités » est source d’inspiration pour Ted Scapa, l’instigation pour sa propre production artistique. Il est autant fasciné par les visages expressifs et souvent bizarres des objets d’art non-européens qu’il l’est par les possibilités d’expression que permet la technique de reproduction des œuvres graphiques d’artistes modernes.
Avec une insouciance nonchalante, il lui importe peu que les figures africaines soient des œuvres originales ou des copies d’après d’anciens modèles. Il ne prend pas en considération le contexte de leurs origines et encore moins une quelconque provenance scientifique prouvée. Ce qui importe pour lui c’est qu’une perfection artisanale ait été préservée, garantissant la survie sans perdre de son pouvoir d’expression. C’est ainsi que l’artiste Ted a sa propre approche à l’art, et pour Ted, le communicateur en art, qui avec son Spielhaus a réveillé l’instinct de création chez les enfants de tout un pays, une reproduction bien faite a autant de valeur que sa communication optimale. En tant qu’éditeur, qu’homme du mot écrit et exégète de l’impression, il accorde une plus grande importance à l’art reproductible.
L’exposition au Musée Tinguely présente 120 œuvres de la collection de Scapa ainsi qu’un film de Roy Oppenheim qui documente la vie de Scapa et sa relation particulière à l’art.
Artistes représentés:
Georg Baselitz / Stefan Berger-Teichmann / François Burland / Alexander Calder / Luciano Castelli / Eduardo Chillida / Christo und Jeanne-Claude / Jan Cremer / Martin Disler / Rainer Fetting / Sam Francis / Keith Haring / Alfred Hofkunst / Karl Horst Hödicke / Jörg Immendorff / Paul Klee / Bernhard Luginbühl / Markus Lüpertz / Felix Müller / Claes Oldenburg / A. R. Penck / Arnulf Rainer / James Rosenquist / Niki de Saint Phalle / Ted Scapa / Meret Schaap / Richard Serra / Peter Stämpfli / Saul Steinberg / Frank Stella / Bert Stern / Antoni Tàpies / Jean Tinguely / Bernar Venet
photos et vidéo de l’auteur

La Kunsthalle de Mulhouse

Ce vendredi 27, la ministre de la culture Madame Christine Albanel a signé la convention de labellisation de ville d’art et d’histoire de Mulhouse à la Kunsthalle de Mulhouse.christine-albandel-kunsthalle-mulhouse.1238429160.jpg
L’exposition, la Notte confié au commissaire Lorenzo Benedetti a comme point de départ le film d’Antonioni, la difficile recherche de l’identité des personnages, l’ambiguité qu’elle génère et cela confère au film une valeur artistique et une absence de récit qui le rapproche des problématiques de l’art contemporain. La perception, la réalité, l’identité, l’ambiguité, la vérité sont différents thèmes présentés dans cette première exposition. Dans la Notte les oeuvres qui les incarnent sont mises en relation avec l’espace qui les accueille.
La Notte renvoie également à la transformation et à l’évolution de l’identité, elle permet un hommage particulier au lieu. L’histoire et le passé sont amenés à s’effacer lentement de nos mémoires. C’est pour cette raison que l’exposition a un lien avec l’architecture du bâtiment évoquant ainsi, avec intensité, des réminiscences historiques. L’architecture stricte rationnelle et élégante du bâtiment d’origine devient un élément à part entière de l’expace d’exposition, une pièce de l’expostion, dans la mesure où elle est considérée comme point de départ, point à partir duquel s’est opéré une transition architecturale, mais aussi base sur laquelle s’est construite une exposition.
La cheville ouvrière de cette aventure qui en a permis l’aboutissement, grâce à sa volonté opiniâtre depuis 20 ans, soit 4 mandats du dynamique  est l’adjoint à la culture de la ville Michel Samuel Weis
D’emblée cette première exposition, poétique, dépouillée, minimaliste, conceptuelle, met la barre très haut. Qu’à cela ne tienne des visites guidées, permettent à tout un chacun d’aborder les oeuvres.
kunsthalle-mulhouse.1238423112.JPG Sur la facade vitrée de la Kunsthalle, Laurent Grasso a réalisé une oeuvre in situ. Il a installé une grande éclipse en néons, qui accompagne la totalité du cycle d’expositions, conçu par Lorenzo Benedetti. Laurent Grasso considère ses éclipses comme un évènement semi-miraculeux qui réunit un coucher de soleil et une éclipse, évènement rare et presque surnarturel.
Une oeuvre qui a surpris la ministre est celle d’Italo Zuffi « la replica » c’est une parfaite imitation en marbre de quatre italo-zuffi-la-replica.1238424590.jpgmodèles de brique. Le matériau noble si couteux du marbre sert ici à la réalisation d’un objet ordinaire. L’artiste met l’accent sur le pouvoir de l’architecture à travers le choix du matériau, tout en soulignant le caractère de cette supériorité sur ce qui l’entoure.
En invitant Tatiana Trouvé, le commissaire introduit des oeuvres qui viennent troubler les dimensions, les perspectives et les échelles d’un lieu. Il prend le parti de bousculer les perceptions du spectateur.
Vous pouvez lire sur le blog du journaliste Dominique Banwarth, président de l’association Mulhouse Art contemporain, un présentation des oeuvres et des artistes.

mounir fatmi

Fuck architects : chapter III
Ceux qui peuvent encore rêver ne dorment plus
Jusqu’au 17 mai 2009 au Frac Alsace – Sélestat
Dans le cadre du week-end de l’art contemporain, organisé en Alsace, mounir fatmi, s’impose dans la continuité de mon propos sur les States.
mounir fatmi travaille dans le monde, éthiquement et esthétiquement… Ici au Frac d’Alsace, il opte pour le noir et blanc, il a définitivement gommé les majuscules de ses nom et prénom, en signe de son inscription dans le réel et de son refus des formes d’autorité… ses œuvres relisent l’histoire que la modernité occidentale a écrit, de Freud au 11 septembre en passant par les Black Panthers, mais en reformulent les représentations dans l’esprit d’aujourd’hui… dans les hôtels des pays arabes, désertés il y a quelques années à cause du terrorisme, il proposait d’inviter des artistes en résidence… il a en projet un remake du film Sleep d’Andy Warhol avec Salman Rushdie comme acteur principal… D’exposition en exposition, à chaque fois pensées comme lieu de débat, mounir fatmi affirme son travail comme une démarche critique qui interroge le monde contemporain via la représentation de ses violences et de ses paradoxes. fuck-architects-3.1237768114.JPG
Fuck architects : chapter III est le dernier volet d’un travail commencé en 2007 autour de l’architecture, envisagée comme indice d’enjeux esthétiques, politiques, économiques et religieux. Pour mounir fatmi, l’architecture est l’aune à laquelle mesurer la modernité et ses utopies, leur réussite et leur faillite. Elle est matière à écrire et à penser, comme la littérature et la philosophie. Elle renvoie autant à la construction qu’à la déconstruction : les philosophes occidentaux ne seraient-ils pas les architectes et les chefs d’un chantier abandonné ou en suspens ?
mounir fatmi est un artiste nomade, à la croisée des cultures occidentale et orientale, des pensées laïque et religieuse. Ses œuvres questionnent les formes et les discours de l’autorité, la liberté de parole, le rapport entre vérité et légitimité. Elles traitent de l’envers des événements le-grand-pardon.1237768440.JPG(la rencontre de Jean-Paul II et de son assassin Ali Agca),
de leur potentiel de représentation (le skyline de Manhattan dans l’après 11 septembre), des stratégies de pouvoir…
Les œuvres de mounir fatmi sont des jeux de langages mariant le dessin et l’écriture, des métaphores mixant les formes et les images. Contre toute didactique, elles jouent le rôle d’embrayeurs, au sens linguistique du terme, renvoyant à l’origine et à la réalité des événements plus qu’à leurs représentations dans les médias, et particulièrement à leur actualisation dans la pensée. Ses expositions sont ainsi des équations visuelles, nées d’un usage souple des médiums contemporains (vidéo, installation, dessin…), jouant de signes culturels multiples et éventuellement opposés. En forme de réseau, elles croisent divers domaines du savoir, des sciences à la philosophie, des techniques à la politique. S’y questionnent des façons de représenter le monde dans lequel nous vivons, qui engagent directement le jugement critique et la notion de point de vue.skyline.1237768588.JPG
Ainsi, plus que le monde lui-même, c’est le regardeur de ses œuvres que mounir fatmi interroge sur la nature et l’origine de son propre savoir sur le monde. L’exposition est une tentative de bousculer la passivité critique induite par la globalisation médiatique. Chez mounir fatmi, l’art ne donne pas de réponse, il met à distance, il problématise, en deçà des propagandes et des surdéterminations.
Olivier Grasser
save-manhattan.1237768730.JPG« Save Manhattan » représente le skyline de New York à travers trois univers, trois composants, trois installations.
La première pièce est structurée par une littérature de catastrophes, post 11 septembre, qui n’aurait jamais existée sans cet événement.
La deuxième, avec des cassettes VHS vides, pour signifier l’absence d’images. Les images de la catastrophe ont été tellement diffusées, qu’il n’y a plus besoin de montrer les images que le monde entier garde en mémoire comme une trace indélébile.
Et la troisième, composée d’enceintes posées au sol, restitue le son de New York, enregistré le matin, le soir, l’après midi, dans les rues, le métro…, comme un bruitage cinématographique pour donner le sentiment d’être dans le corps de la ville. Cette dernière n’est pas présente dans l’exposition, elle est remplacée par celle-ci, qui pourrait évoquer  Ground Zero.
Il y a souvent dans ses oeuvres une interdépendance entre les éléments qui la compose, comme s’il voulait signifier que comme dans un jeu de domino, tout pouvait s’effondrer par la défaillance d’une seule fraction
JS : Comment voyez-vous la situation dans le monde arabe aujourd’hui ?

mounir fatmi : C’est un monde en mal d’archives, où tellement de choses ont disparu que c’est le moteur de son activité actuelle. C’est ce qui explique la dynamique de ville comme Dubaï ou Abu-Dhabi où aujourd’hui on est capable de planter des palmiers en pleine mer, où il y a une volonté tenace de créer et remplir des musées, tel le Louvre ou le Guggenheim.
Le monde arabe est une région où jusqu’à présent il n’y avait que des hôtels vide à 70% à cause du terrorisme.
D’ailleurs j’avais pensé les utiliser comme projet de résidence et envoyer des artistes européens et américains à y séjourner, cela peut être intéressant de regrouper les artistes, les terroristes et les touristes dans un même endroit. À ce moment, je pense que l’art rejoint la politique.
Il reste que cette envie de grands musées n’est pas seulement culturelle, il faut dire aussi que les pays arabes ne pouvant plus avoir des armes de destruction, ni pouvoir les fabriquer pour se protéger, ils leur restent juste l’achat des noms de grands musées qui vont fonctionner dans un futur proche comme des boucliers antimissile. Je doute fort que l’armée Américaine ou Britannique tirera des missiles sur le Guggenheim d’Abu Dhabi, ou que l’armée Française attaquera le Louvre de Téhéran ou de Tripoli. J’imagine même qu’en situation de guerre, la population de ces pays choisira sûrement de se cacher dans ces musées au lieu de courir vers les mosquées. Je sais que cela fait un peu trop science-fiction, mais bon, c’est mon côté Burroughsien.

Propos recueilli par Jérôme Sans, Venise 2007
Voilà enfin un raisonnement autrement plus convaincant, que toute cette polémique et ces pétitions conservatrices (et ces ventes aux enchères indécentes, aux prix démesurés et aux réactions épidermiques, nullissimes, d’un Pierre Bergé –
c’est hors sujet ? et alors ? )
photos de l’auteur par autorisation expresse de mounir fatmi – grand merci à lui

Picasso et les femmes

fernande-olivier-picasso.1235619697.jpgLes plus connues sont présentes dans la collection Berggruen.
La tête de Fernande Olivier, portrait en trois dimensions, réalisée en bronze, de 1909.
A son retour de Horta de Ebro, Picasso s’efforce de transposer l’analyse cubiste à la sculpture en trois dimensions. Un entrelacs passionné de formes concaves et convexes, bouche, nez et orbites suivent les volumes naturels  tandis que les joues sont décomposées en parties creuses et saillantes. Une multiplicité de points de vue se trouvent condensés dans cette tête.
Françoise Gilot occupe une place à part dans la vie de Picasso, notamment en francoise-lisant-picasso.1235619786.JPGraison de son indépendance d’esprit. Amante de Picasso à l’âge de 21 ans, alors qu’il était âgé de 62 ans.
Ils passèrent ensemble 10 années d’inspiration mutuelle.
Elle était sa muse, critique et artiste, appréciée en société. Le tableau  » la lecture  » a été peint à la villa La Galloise.  Il s’agit d’une composition de surface. Des moitiés de visage, une veste noire, des manches de chemise, mains, livre et table sont fortement liés par les couleurs. L’impression de plasticité ou d’espace, que donnent les ombres du bras et du livre ou l’ombre portée sur une moitié du double visage, crée un réel contraste. La lecteur évoque un adieu.
Ce visage montre deux vues : celle de face (le bel ovale bleu) et celle de profil (anguleuse et peinte d’un blanc terne)
Ils eurent 2 enfants. Elle le quitta et lui tint tête dans un procès en reconnaissance de paternité.
Il en sera vexé à jamais.
Matador et femme ( Jacqueline Roque) fait partie d’une série réalisée en 1970 à Mougins sur le thème de prédilection le-matador-picasso.1235619873.JPGde Picasso : la tauromachie. Encore une  fois, cette peinture d’un couple traite de l’art et de la vie, préoccupation toujours très forte de Picasso alors âgé de 89 ans. Le matador vêtu d’une cape rouge sang et l’épée dégainée symbolise la devise « Au combat ! » (Roland Marz)
Cette peinture vise l’immédiateté – un combat des sexes ? Ce qui est fort probable si l’on regarde la vie agitée de Picasso, sans cesse en quête de nouvelles sources d’énergies féminines. A l’exposition du Grand Palais, l’homme était en vert, pour attester de la toujours vigueur sexuelle de l’artiste. Le corps de la femme bien en chair occupe la partie blanche de la toile, à laquelle répond le chapeau blanc du matador, et s’oppose le rouge de la cape de manière spontanée en lignes dynamiques.
Un dessin au crayon sur papier de 1938, montre un étude de Picasso où il a stylisé les deux femmes de sa vie du dora-maar-marie-therese-walter-picasso.1235619959.JPGmoment . Dans la partie haute, Dora Maar en buste de trois quart, coiffé de son chignon catalan sévère, l’accent est mis sur ces grands yeux, il y en a trois, et son visage altier,  dessin cubiste. (voir Dora Maar aux ongles verts sous le lien)
Dans la partie basse Marie Thérèse Walter, qui donna naissance à Maya, assise dans un fauteuil, croise ses jambes, le corps à la poitrine opulente, montré de trois quart, la tête aux deux vues, dont l’une figure  le profil parfait de Marie Thérèse. Unies dans sa vie, contre leur gré, unies sur le papier. Picasso a vécu avec Dora Maar tout en maintenant sa liaison avec Marie Thérèse.

Charles POLLOCK, le frère


Réunissant quelque 120 oeuvres, l’exposition Charles Pollock, organisée par l’Espace d’art contemporain Fernet Branca à Saint Louis/Alsace, constitue la première exposition d’envergure internationale consacrée au peintre américain Charles Pollock dans une institution publique en France et en Europe.
charles-pollock-fernet-branca-7.1234728748.JPGGrâce au prêt généreux des Archives Charles Pollock, elle révèle au public une partie d’une œuvre méconnue et complexe d’un artiste discret qui a pleinement participé à l’aventure de l’art américain au vingtième siècle.
L’histoire de sa peinture rend compte de l’évolution de l’art américain : du Social Realism d’avant guerre, sous l’égide de Thomas Hart Benton, à la fabuleuse naissance de l’abstraction américaine dès les années 1950, puis du Color-Field painting dont l’artiste s’est avéré maître.
Charles Pollock est d’abord un peintre figuratif, puis devient un peintre abstrait et un coloriste raffiné, maîtrisant les nuances, les valeurs et les atmosphères tout autant que Rothko, mais à sa manière, toute en retenue. A l’instar de nombreux artistes américains, la peinture de Charles Pollock s’oriente vers l’abstraction à la fin des années 40, de manière nette, sans être totalement radicale. Il devient aussi moderne que ses contemporains Still ou Newman.
L’exposition de l’Espace d’art contemporain Fernet Branca concentre son attention sur la production des séries réalisées entre 1950 et 1964, axe chronologique qui permet de découvrirl’évolution de son oeuvre, entre une première forme d’abstraction calligraphique (1950-56) aux tableaux sombres (début des années 60), à laquelle succédera une abstraction colorée et lumineuse(à partir de 1964). Cette exposition cherche à montrer le fil invisible qui existe entre les différentesséries et époques dans l’oeuvre et la vie de l’artiste. Elle cherche aussi à affirmer l’approcheexpérimentale et raisonnée qui anime toutes les créations de Charles Pollock.
Les premières salles offrent au public ce que l’on pourra appeler «l’enfance de l’art », à travers des travaux figuratifs. Au cours des années 30, Charles Pollock peint de nombreux paysages de l’Ouest américain, ainsi que de nombreux personnages, dans le style régionaliste. Les paysages contiennent cependant les éléments, notamment les lignes de couleur, les aplats, les teintes crues, qui vont plus tard composer ses abstractions.
Dans les salles suivantes, on découvre une nouvelle peinture : les 25 dessins et peintures de la série Chapala, réalisés charles-pollock-fernet-branca-32.1234728952.JPGdans les années 50, portent tous la marque de son intérêt pour la calligraphie. C’est pendant son année sabbatique, en 1955-56, au Mexique, dans un petit village près du lac Chapala que Charles Pollock élabore des semi-abstractions, faites de caractère, de symbole ou de figure. En 1959, plus il avance dans ses recherches, plus il simplifie la composition, augmente les formats de ses toiles, assombrit sa palette et joue sur les valeurs de lumière et d’atmosphère.
La série des Black and Gray caractérise ce style sombre, construit à partir de formes noires flottantes sur fond gris. En 1962-63, il reprend une année sabbatique, cette fois-ci à Rome, où il peint la majestueuse série Rome et réalise des aquatintes. Cette série, que l’on découvre dans les dernières salles du musée, est marquée par l’introduction d’une ligne qui découpe verticalement l’espace. Son travail évolue alors vers un éclaircissement des valeurs chromatiques. En s’appuyant sur les possibilités expressives de la couleur, il cherche à travers l’effet « color-field » à atteindre la clarté et l’immédiateté.
charles-pollock-fernet-branca-52.1234734330.JPGPeintures, dessins, aquatintes, lithographies : Charles Pollock a ainsi expérimenté et travaillé sur un large éventail de techniques picturales, ce qui lui a permis de préserver son indépendance artistique.
Charles Pollock, celui que l’on appelle « le frère de.. », ou « l’Autre Pollock », aura attendu longtemps que l’on prenne la mesure et l’universalisme de son oeuvre.
Cette première grande exposition en France, dans son pays d’adoption, constitue en soi un véritable événement.
Jusqu’au 24 mai 2009
Plusieurs visites guidées sont proposées par Auguste Vonville. Les dates sont les suivantes :
dimanche 15 février, samedi 21 mars, dimanche 22 mars,(week-end art contemporain de Télérama) dimanche 5 avril, dimanche 10 mai, dimanche 24 mai. Toutes ces visites ont lieu à 14h30.
La première visite guidée du 15 février a été un peu particulière, la  présence de Francesca POLLOCK, la fille de l’artiste, a permis de prendre toute la mesure de l’importance de ce peintre « méconnu » et ses années parisiennes.
Cette rencontre a été des plus enrichissantes pour découvrir l’homme engagé qu’était Charles POLLOCK.
Lors de cette visite, il a été également question du livre qui vient de sortir chez Grasset
« Lettres américaines ».« LETTRES AMÉRICAINES »  Le Roy Pollock & ses fils
Avec des dessins inédits de Charles Pollock
Ce livre rassemble la correspondance inédite des membres de la famille Pollock de 1927 à 1947. Le plus illustre en est Jackson, mais ses quatre autres frères notamment Charles ne contribuent pas moins à faire des ces lettres un document exceptionnel. Trois histoires en surgissent. une histoire familiale, une histoire artistique et une histoire de l’Amérique. Dans ces années de bouleversement mondial, les Pollock parcourent les Etats Unis et chacun écrit à l’autre pour lui donner des nouvelles intimes aussi bien que politiques. Cette famille unie, optimiste, généreuse, s’enthousiasme pour le New Deal du président Roosevelt, voit apparaître le fascisme en Europe, encourage le génie créateur et tourmenté de Jackson, croit en l’art et en la possibilité de réformer le monde.