Catégorie : Arts plastiques

De Cézanne à Richter – Chefs d’oeuvres du Kunstmuseum Basel
au Museum für Gegenwartskunst Basel, 14 février 2015 – 21 février 2016

Pendant la fermeture d’une année du bâtiment principal du Kunstmuseum Basel à partir du 2 février 2015, ce dernier propose au Museum für Gegenwartskunst un programme d’expositions très riche, inauguré par une exposition-phare spéciale : De Cézanne à Richter – Chefs d’oeuvre du Kunstmuseum Basel.
L’exposition, dont le commissaire est le directeur du Kunstmuseum Bernhard Mendes, permet d’apprécier de manière immédiate les développements artistiques essentiels dans la peinture européenne jusque dans les années soixante-dix.

Sous peine de succomber au syndrome de Stendhal, vous pourrez admirer,
accrochées aux cimaises, de la grande salle et dans les salles adjacentes, sorte de White cube du 2e étage, à éclairage zénithal, du Museum für Gegenwartskunst.
Ces oeuvres  vous les  connaissez pour la plupart. Elles sont à portée de vue, si proches, toute distance abolie, que cela surprend et enlève de leur solennité.

Sont présentées environ 70 oeuvres, entres autres de Cézanne, Pissarro, Monet, Degas, Renoir, van Gogh, Modersohn-Becker, Böcklin, Hodler, Braque, Picasso, Kandinsky, Mondrian, Klee, Miró, Fontana, Palermo, Tanguy et Richter.
C’est précisément dans les domaines du 19e siècle finissant et des classiques modernes que la Öffentliche Kunstsammlung Basel revêt une importance décisive.

Il s’agit d’une vue d’ensemble panoramique qui permet d’apprécier de manière immédiate les développements artistiques essentiels de la peinture européenne jusque dans les années 1970. La ligne directrice de cette présentation de près de 70 tableaux est la chronologie qui, plutôt que d’établir une juxtaposition didactique de courants artistiques successifs, permet de montrer la simultanéité de l’un ou l’autre mouvement, significative de l’art moderne.
Ce sont d’abord des artistes français qui ouvrent l’exposition, tels Camille Pissarro, Claude Monet, Edgard Degas, Auguste Renoir et Paul Cézanne, tous engagés dans une démarche d’exploration de nouveaux langages picturaux dépassant les canons de la peinture académique. L’oeuvre de Paul Cézanne est à ce titre exemplaire d’un cheminement opiniâtre de recherche artistique. Il est l’un des pionniers qui ont révélé de manière transparente qu’un tableau est composé d’une accumulation de traits de pinceau?
de cylindres et de taches de couleurs distincts. Camille Pissarro, Claude Monet et Edgar Degas étaient liés d’amitié avec Cézanne. Ils s’encourageaient mutuellement dans leurs démarches respectives, très différentes les unes des autres.

Pendant son séjour à Paris, Vincent Van Gogh a fait la connaissance de ce cercle d’artistes à l’occasion des expositions des impressionnistes, organisées par les artistes eux-mêmes. Il a radicalisé bon nombre de leurs idées et inspiré de par son art plusieurs générations de peintres du 20e siècle, dont également les expressionnistes allemands Paula Modersohn-Becker, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner et Emil Nolde.
Pour Pablo Picasso et Georges Braque, qui ont inventé ensemble le cubisme au début du 20e siècle, Paul Cézanne constituait en quelque sorte la figure du père. Ses réflexions interrogatrices sur les formes artistiques les encourageaient dans leur démarche de décomposition des objets traditionnels des tableaux en de multiples facettes.

Le Poète, de Picasso, présente certes tous les éléments constitutifs du portrait classique d’un aède, mais pour ainsi dire explosés et décalés les uns par rapport aux autres, transformant la tête en une composition de formes partielles abstraites.
Une étape révolutionnaire et marquante dans la peinture du 20e siècle a été l’abstraction, qui s’est affranchie de la représentation de la réalité visible – sous la forme d’une expressivité puissamment colorée chez Wassily Kandinsky, d’une réduction constructive chez Piet Mondrian, ou d’associations lyriques avec éléments figuratifs chez Paul Klee ou Joan Miró.
 

Avec son Concetto Spaziale, Lucio Fontana marque dans les années cinquante un tournant dans l’histoire de la peinture ; il entaille en effet la toile conçue comme support d’illusions picturales et ouvre ainsi l’espace situé à l’arrière de celle-ci.
Dans les années soixante et soixante-dix, les artistes commencent à porter de manière récurrente un regard interrogateur et critique, voire désillusionné sur les possibilités de la peinture, et à la pratiquer en partie avec des moyens non picturaux, ainsi Blinky Palermo avec son tableau en tissu.
Parallèlement au développement de la peinture abstraite, la tradition figurative s’est maintenue pendant tout le 20e siècle. Elle est représentée au commencement de cette exposition par les peintres suisses Arnold Böcklin et Ferdinand Hodler.

Böcklin a posé les jalons d’une peinture de figures issues de l’imagination, voire fantastiques, qui a inspiré les surréalistes, ainsi par exemple Yves Tanguy.
L’exposition se termine par le cycle de L’Annonciation d’après Titien, de
Gerhard Richter, récemment acquis. Dans plusieurs versions, l’appropriation picturale d’un tableau de Titien se dilue en espaces colorés abstraits. Richter renvoie aussi bien à l’histoire de la peinture qu’à la dialectique dominante au 20e siècle entre abstraction et figuration, qu’il fusionne en une nouvelle synthèse.
Le Kunstmuseum se réjoue particulièrement de
la gratuité de la visite du Museum für Gegenwartskunst à partir de février 2015 jusqu’à la fin de l’année pour tous les visiteurs.
Gratuité rendue possible grâce à la prise en charge des coûts par le
« Fonds pour les activités artistiques au MGK de la Fondation Emanuel Hoffmann et de la Fondation Christoph Merian ». Depuis plus de vingt ans, ce fonds soutient régulièrement le programme des expositions du MGK et souhaite, par cette généreuse initiative, inviter en particulier la population de Bâle et de la région à découvrir le musée des bords du Rhin et à le visiter plus souvent.
Öffentliche Kunstsammlung Basel Kunstmuseum Basel and Museum für Gegenwartskunst
St. Alban-Graben 8, Postfach CH-4010 Basel
Le bâtiment principal du Kunstmuseum Basel est fermé jusqu’à mi-avril 2016 pour cause de travaux de rénovation. D’importantes collections de la Öffentliche Kunstsammlung sont montrés à Bâle au Museum für Gegenwartskunst et au Museum der Kulturen Basel, ainsi qu’à Madrid au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía et au Museo Nacional del Prado. Les collections de la Emanuel Hoffmann Stiftung seront présentées à partir de juin 2016 au Schaulager.
Les inaugurations simultanées du nouveau bâtiment et de l’agrandissement auront lieu mi-avril 2016.
Pour aller au Gegenwart, en partant du Kunstmuseum, sur la gauche du musée, contournez les travaux et suivez les panneaux,  continuez à pied 5 à 7 minutes par St. Alban-Vorstadt – Mühleberg – St. Alban-Rheinweg – Rheinpromenade,  pour arriver au bord du Rhin, le musée se trouve sur votre droite, avant le Papiermühle – Moulin du papier.
Publication
Une publication gratuite paraît à l’occasion de l’exposition, que les visiteurs peuvent se procurer au Museum für Gegenwartskunst.
Photos courtoisie du Kunstmuseum

Belle Haleine – L’odeur de l’art
Musée Tinguely, Bâle, du 11 février au 17 mai 2015

Le Musée Tinguely a conçu un projet d’exposition,
dont le but est de mettre en lumière le thème complexe
des cinq sens humains et leur représentation dans l’art.
La première de cette série d’expositions s’intitule   » Belle Haleine « 
– L’odeur de l’art  » ou en allemand « Der Duft der Kunst »
et se consacre au phénomène à la fois fascinant et fugitif
de l’odeur, dépassant donc l’approche muséale habituelle de l’art
qui sollicite davantage la vue.

Sur plus de 1 200 m2, « Belle Haleine – l’odeur de l’art » présente des installations multimédias, vidéos, sculptures et objets, œuvres conceptuelles, dessins, photographies
et gravures des artistes suivants : John Baldessari, Bernard Bazile, Louise Bourgeois, Marcel Broodthaers, Carlo Carrà, Marcel Duchamp, Peter de Cupere, Sylvie Fleury, Jaromír Funke, Raymond Hains, Carsten Höller, Bruno Jakob, Oswaldo Maciá, Piero Manzoni, Jenny Marketou, Cildo Meireles, Kristoffer Myskja, Ernesto Neto, Markus
Raetz, Man Ray, Martial Raysse, Fran-çois Roche, Dieter Roth, Ed Ruscha, Valeska Soares, Daniel Spoerri, Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, Jana Sterbak, Jean Tinguely, Sissel Tolaas, Clara Ursitti, Ben Vautier, Bill Viola, Claudia Vogel, Meg Webster, Yuan Gong et Anna-Sabina Zürrer.
Dans la première salle de l’exposition, on pourra voir également un choix de réalisations allégoriques d’artistes comme Cornelis Dusart, Pieter Jansz. Quast, Jan Saenredam, Jacob Fransz. van der Merck des XVIe et
XVIIe siècles.

L’exposition met l’accent sur le potentiel olfactif de notre perception esthétique tout en soulevant les questions suivantes :
Quelle est l’odeur de l’art ? Que se passe-t-il lorsque notre nez devient
soudain le vecteur principal de notre expérience artistique ? Des oeuvres d’art peuvent-elles activer l’olfaction chez l’observateur sans dégager d’odeur ? Les odeurs peuvent-elles être décrites et transcrites en images ? Les odeurs peuvent-elles servir à l’expression artistique et à la créativité ?
Des oeuvres d’artistes au rayonnement international montrent que ces expériences existent bel et bien et que la notion d’art peut être élargie à la dimension olfactive, laquelle a d’ailleurs connu ces dernières années une importance croissante.
L’odorat est un sens biochimique qui compte parmi nos capacités sensorielles les plus anciennes. En tant que sensorium corporel, il permet d’expérimenter directement l’environnement puisque et permettant d’intégrer dans le moment présent des informations sur des événements passés.
Les parfums évoquent donc subjectivement et culturellement des émotions très diverses, des souvenirs et associations qui varient aussi au fil de l’Histoire.
L’utilisation de stimuli olfactifs en art a souvent des accents subversifs et rompt avec certains tabous. Une odeur donnée nous attire ou nous répugne. Les odeurs peuvent être provocantes, elles stimulent et nous influencent de façon directe. C’est à ces éléments que certains artistes recourent pour replacer au coeur de leur travail les grandes questions de notre époque et de notre monde.

Dans une première salle, des représentations allégoriques de l’odeur à l’ère baroque constituent le prologue de l’exposition. Elles côtoient des oeuvres et documents d’artistes essentiels du XXe siècle, tels que Marcel Duchamp, Man Ray ou Carlo Carrà, qui traitent de diverse manière l’haleine et l’aspect volatil du parfum. Avec l’émergence des avant-gardes au début du XXe siècle, le thème de l’odeur est devenu d’actualité dans les arts plastiques. Les artistes aspiraient alors à la synesthésie. Même plus tard, Raoul Hausmann, artiste Dada et poète, resta convaincu que notre pensée est fortement marquée par les cinq sens. Dans son livre La Sensorialité excentrique (1969),
il évoquait ainsi une capacité sensorielle devant dépasser tout ce qui avait existé jusqu’alors et annonçant une nouvelle civilisation. À partir des années 1960, en ouvrant encore davantage le concept de l’art aux choses quotidiennes et au contact direct avec le spectateur, cette quête se fit encore plus tenace.

Des artistes de la génération de Tinguely, dans les cercles du Nouveau Réalisme,
du pop art, de l’art conceptuel ou de Fluxus, tentèrent ainsi d’attiser et de placer au
premier plan tous les sens de l’individu, au-delà de la seule perception visuelle.
L’exposition porte principalement sur un choix d’oeuvres d’art de ces vingt dernières années, dans lesquelles la perception sensorielle olfactive est sollicitée de différentes manières. Certaines oeuvres traitent du hiatus important entre le naturel et l’artificiel, révélant combien une perception plus sensible de l’environnement par l’odorat est aujourd’hui d’actualité.
Un thème important ici est notre rapport ambivalent au corps humain, ses odeurs naturelles et émanations que nous cherchons à influencer en les désodorisant.

Dans son oeuvre Aura Soma (2002) – 102 flacons remplis d’huiles et eaux de différentes couleurs –, Sylvie Fleury interroge la tendance actuelle à l’ésotérisme et l’olfactothérapie. Piero Manzoni, représentant majeur de l’art conceptuel italien, a fait de son propre corps le vecteur de son art et a créé ainsi Merda d’artista (1961) et Fiato d’artista (1960). Dans un geste extrêmement provocateur, Dieter Roth a imprégné son oeuvre littéraire Poemetrie de 1968 d’un mélange de pudding et d’urine. Jana Sterbak, avec sa Chemise de Nuit (1993) et son Container for Olfactive Portrait (2004), traite de la complexité de l’attirance corporelle, érotique et sexuelle.

L’installation participative et performative The FEAR of Smell – the Smell of FEAR (2006–2015) de Sissel Tolaas, artiste norvégienne et spécialiste des
odeurs, aborde en revanche davantage le rapport entre peur, odeur et dégoût et les réactions que cela induit chez nous.

À ces oeuvres font face le travail monumental Mentre niente accade/While nothing happens (2008) d’Ernesto Neto, celui de Valeska Soares, Fainting Couch (2002) avec ses apparences constructives et minimalistes, et les travaux monochromes sur papier de Meg Webster ainsi que son Moss Bed (1986/2005-2015) qui utilise des matières authentiques, épices, lis et mousse, pour éveiller en nous le désir de nature et d’états paradisiaques.

Dans l’installation Volátil (1980–1994) de Cildo Meireles, le visiteur qui pénètre est directement pris à partie dans une expérience physique – et tout particulièrement olfactive – qui le renvoie brusquement à des émotions fortes. Nuage de talc, bougie, additifs odorants à base de composé soufré dans le gaz de ville pour prévenir de fuites éventuelles font aussitôt surgir des associations qui renvoient aux atrocités de l’holocauste, contrecarrées par le sentiment positif de marcher comme au-dessus des nuages.
Ce sont des émotions tout autres que suscite l’installation vidéo et sonore Il Vapore (1975) de l’artiste américain Bill Viola. Le visiteur est enveloppé d’une odeur forte de vapeur d’eucalyptus qui remplit toute la salle. En faisant se superposer différents niveaux de temps et de réalités, l’artiste représente la transformation physique de l’eau, d’abord matière liquide puis vapeur gazeuse éphémère. Viola « dépeint » ainsi la qualité méditative et transcendantale de l’eau en tant que matière universelle.
 

De nombreuses questions en rapport avec l’odorat dans l’époque actuelle sont également
soulevées dans les dix interviews du travail vidéo Smell You, Smell Me (1998) de l’artiste grecque Jenny Marketou, présenté au centre de l’exposition. (voir plus haut)
« Belle Haleine – L’odeur de l’art » n’est pas une exposition sur les parfums. Elle n’entend pas non plus constituer une manifestation chronologique et collective qui serait exhaustive en termes d’histoire de l’art. Elle se veut volontairement expérimentale et souhaiterait encourager la réflexion sur une faculté sensorielle cruciale et pourtant souvent négligée.

Une programmation parallèle est également proposée, telle que la première «Phéromones party » de Bâle (Saint-Valentin, 14 février 2015), un symposium interdisciplinaire (17-18 avril 2015) avec des intervenants internationaux de renom dans les domaines des sciences sociales et des sciences naturelles, des conférences, visites guidées, animations dominicales pour les familles et ateliers
(entre autre avec Sissel Tolaas le 19 avril 2015) qui accompagneront l’exposition au Musée
Tinguely.
L’exposition a été conçue par Annja Müller-Alsbach.
Musée Tinguely – Informations pratiques
Horaires :
Mardi-dimanche : 11 – 18h (fermé le lundi)
Horaires spéciaux :
Lundi, 23 février 2015, fermé
Vendredi, 3 avril 2015, fermé
Dimanche, 5 avril 2015, 11 – 18 h
Lundi de Pâques, 6 avril 2015, 11 – 18 h
Ascension, 14 mai 2015, 11 – 18 h
Tarifs :
Adultes : 18 CHF
Scolaires, étudiants, apprentis, IV : 12 CHF
Groupe, à partir de 12 personnes : 12 CHF (par personne)
Moins de 16 ans : entrée gratuite
Passmusées
photos courtoisie musée Tinguely

De Raphaël à Gauguin, Trésors de la collection Jean Bonna
DU 6 FÉVRIER AU 25 MAI 2015
 

C’est le terme exact le collectionneur Jean Bonna
est l’heureux propriétaire d’une fabuleuse collection,
qui contient des trésors, ceux qui se rendront
à l’Hermitage de Lausanne seront des privilégiés.
La Fondation de l’Hermitage accueille plus de 150 chefs-d’oeuvre de la
prestigieuse collection Jean Bonna. Réunissant les génies du dessin, ce magnifique ensemble se distingue par sa variété, qu’il s’agisse des artistes, des techniques utilisées ou encore des époques de création, depuis la Renaissance italienne jusqu’au début du XXe siècle.
Le musée inscrit ainsi un nouveau chapitre à l’exploration des grandes collections privées suisses, qu’il mène depuis plus d’une quinzaine d’années : collection Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur et Hedy Hahnloser (2011).
On peut aussi voir en Suisse à Martigny la collection de Bruno Stefanini.
La Suisse n’est pas seulement le pays des banques, mais aussi celui des collectionneurs et des musées, publics, et des fondations privées.

Tout d’abord bibliophile, Jean Bonna est un amoureux du papier, une passion qui l’a mené du livre aux ouvrages illustrés, puis à l’estampe, et enfin au dessin ancien. Pour le seul plaisir des yeux, sans souci d’exhaustivité, il réunit depuis trente ans des oeuvres graphiques de très haute qualité, qui composent désormais un ensemble remarquable, digne des plus grandes collections privées constituées en Europe depuis le XVIe siècle.
D’une richesse exceptionnelle, ce « musée secret » révèle une prédilection pour les oeuvres très achevées et harmonieuses, et un goût marqué pour la grâce féminine, la nature somptueuse et tranquille, le monde enchanteur des animaux.

Après quelques expositions retentissantes, notamment à l’Ecole nationale supérieure des beauxarts de Paris (2006), au Metropolitan Museum de New York (2009) ou à la National Gallery d’Edimbourg (2009), la collection Jean Bonna trouve un nouvel écrin à la Fondation de l’Hermitage.
Le parcours offre l’occasion unique de découvrir des trésors rarissimes et méconnus des écoles italienne, française et nordique, pour se conclure avec une sélection remarquable d’oeuvres impressionnistes et symbolistes. Les grands maîtres de l’histoire de l’art sont ainsi mis à l’honneur, à travers leurs plus belles pages graphiques : Boucher, Canaletto, Cézanne, Chardin, Degas, Delacroix, Dürer, Gauguin, Géricault, Goya, Liotard, Lorrain, Manet, Parmigianino, Raphaël, Redon, Rembrandt, Renoir, Tiepolo, Van Gogh ou encore Watteau.
Jean Bonna ponctue la présentation de sa collection avec des anecdotes aussi plaisantes, que variées en compagnie de la commissaire de la Fondation Bonna  : Nathalie Strasse. Avec d’immenses connaissances en histoire de l’art, il se penche  sur la « traçabilité »
des oeuvres, leur origines, leurs transmissions et leurs acquisitions.
A t’il des oeuvres préférées ?
Il fonctionne au coup de coeur.
– La Sainte Famille de Parmigianino, qui n’est pas dans la sélection de l’exposition.
sa plus belle histoire de collectionneur :
une étude préparatoire de Raphaël à une tapisserie de la Chapelle Sixtine dont le carton est perdu :

Pierre Rosenberg, dans sa lettre à Jean Bonna, qualifie la collection d‘encyclopédique.
Jean Bonna se défend d’avoir amassé ses trésors selon des critères tels que l’inscription ou l’importance de l’objet dans le processus créatif de l’artiste, sans fil conducteur, mais bien en suivant instinctivement son goût personnel, celui de dessins aboutis et souvent colorés, à l’instar de petites peintures, une curiosité intellectuelle et un amour passionné, pour la création artistique, où le plaisir visuel et l’émotion  prédominent.
Comme ce buste de jeune fille, une délicate étude de tête,  de François Boucher, associée à trois compositions mythologiques de l’artiste toutes exécutées vers 1742 : Vénus désarmant Cupidon, la toilette de Psyché et la toilette de Vénus.

Toutes les oeuvres de la collection ressortent pourtant de l’art du dessin – ce dernier étant défini par la technique utilisée, c’est-à dire tous les médiums solides et liquides hormis l’huile, et par son support, à savoir le papier ou le parchemin.
Son premier grand dessin présente 2 têtes de chevaux du Cavalier d’Arpin (attribué)
La Fondation présente d’ailleurs au dernier étage, dans une vitrine tous les médiums du dessin avec la définition de toutes les techniques.
Si la présentation de ces dessins suit, aux murs de la Fondation de l’Hermitage, la classification traditionnelle des différentes écoles,  elle a tenté d’offrir ici quelques rapprochements au coeur de la sélection, pour montrer que la collection de belles feuilles de Jean Bonna se fonde sur un rapport personnel à la forme, à la grâce des femmes, à l’harmonie d’un paysage, à la beauté d’un animal.

Commissariat : Nathalie Strasser, conservatrice de la collection Jean Bonna
Commissariat général : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage
Ecoutez Sylvie Wuhrmann sur RTS, les matinales
parlant de la collection exposée au musée (podcast)

L’exposition et le catalogue bénéficient du généreux soutien de
et de la Fondation pour l’art et la culture.

CATALOGUE
L’exposition est accompagnée d’un ouvrage richement illustré, avec les contributions de Dominique Radrizzani, spécialiste du dessin, directeur artistique de BD-FIL, Pierre Rosenberg de l’Académie française, Président-directeur honoraire du musée du Louvre et Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage, sous la direction de Nathalie Strasser, conservatrice de la collection Jean Bonna et commissaire de l’exposition.
Le catalogue est publié en co-édition avec La Bibliothèque des Arts, Lausanne
256 pages, 29 x 24 cm, 158 illustrations couleur
Prix : CHF 49.-
Possibilité de commander le catalogue sur
www.fondation-hermitage.ch
ou au +41 (0)21 320 50 01
sur France Musique
VISITES COMMENTÉES PUBLIQUES
Les jeudis à 18h30 et les dimanches à 15h
Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage
Sans réservation, nombre de participants limité
VISITES COMMENTÉES MUSICALES
Dimanche 8 mars à 11h, dimanche 3 mai à 11h, samedi 18 avril à 16h
Découvrez les liens entre peinture et musique, grâce à une visite commentée ponctuée d’extraits musicaux.
Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage
Sur réservation au +41 (0)21 320 50 01, nombre de participants limité
CONFÉRENCE,  ATELIER « Bonnacadémie » « Fusain malin ! »
« Noir, c’est (pas) noir ! »
PâKOMUZé
« Top chrono croquis ! »
SOIRÉES ART & GASTRONOMIE
retrouvez sur www.fondation-hermitage.ch

Les couleurs de l’abstraction

Visitez l’exposition jusqu’au 22 février 2015
Achetez vos billets coupe-file pour l’exposition Sonia Delaunay en quelques clics !
Visite virtuelle de l’exposition

« Comme dans la poésie écrite, ce n’est pas l’assemblage des mots qui compte, c’est le mystère de la création qui donne une émotion ou pas… de même avec les couleurs, c’est la poésie, le mystère d’une vie intérieure qui se dégage rayonne et se communique. A partir de là on peut créer librement un langage nouveau. »
Sonia Delaunay, 1968, cité dans Sonia Delaunay, Musée de Grenoble,

Première grande rétrospective parisienne consacrée à Sonia Delaunay depuis 1967, l’exposition organisée par le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris rassemble, aux côtés de trois reconstitutions exceptionnelles d’environnements, plus de 400 oeuvres : peintures, décorations murales, gouaches, estampes, mode et textiles. Cette monographie qui suit l’évolution de l’artiste de l’aube du XXème siècle à la fin des années 1970, met en lumière l’importance de son activité dans les arts appliqués, sa place spécifique au sein des avant-gardes européennes, ainsi que son rôle majeur dans l’abstraction dont elle figure parmi les pionniers.

 Le parcours chronologique, largement documenté, illustre la richesse et la singularité de l’oeuvre de Sonia Delaunay marquée par un dialogue soutenu entre les arts. L’ensemble des oeuvres choisies révèle une approche personnelle de la couleur, réminiscence de son enfance russe et de son apprentissage de la peinture en Allemagne. >
Tandis que Robert Delaunay conceptualise l’abstraction comme un langage universel, Sonia Delaunay l’expérimente sur les supports les plus variés (tableaux, projets d’affiches, vêtements, reliures, objets domestiques) et crée à quatre mains avec le poète Blaise Cendrars La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France.

Durant la Grande Guerre, son passage en Espagne et au Portugal coïncide avec un premier développement de ses activités dans les domaines du théâtre et de la mode qu’elle commercialise à Madrid dès 1918, puis à son retour à Paris dans les années 1920. La décennie suivante marque l’épanouissement d’une abstraction épurée, caractéristique du style international, et en harmonie avec l’architecture comme en témoignent les grandes décorations murales du Pavillon de l’Air de l’Exposition internationale des arts et techniques, présentées à Paris pour la première fois depuis 1937.

Le rôle de « passeur » de l’artiste entre la génération des pionniers de l’abstraction et celle de l’après-guerre se manifeste à travers sa participation aux Salons des Réalités Nouvelles, son implication dans les projets d’architecture et sa présence au sein de la galerie Denise René. Dès l’après-guerre, la peinture de Sonia Delaunay connaît un profond renouvellement qui culmine, à la fin des années 1960, dans un art abstrait intensément poétique. Sa créativité formelle et technique s’exprime alors dans des oeuvres monumentales (peinture, mosaïque, tapis, tapisserie) et son oeuvre tardive connaît un ultime essor dans les albums d’eaux-fortes et les éditions Artcurial.
Servie par la reconstitution d’ensembles et de dispositifs inédits, et la présence de photographies et de films d’époque, l’exposition souligne le paradoxe d’une oeuvre profondément inscrite dans son temps – de la belle époque aux années 1970 – et la constance des recherches formelles et la quête de synthèse des arts rendent également atemporelle.
L’exposition sera ensuite présentée à la Tate Modern de Londres du 15 avril au 9 août
le nu jaune sur France culture (podcast)
Exposition lumineuse, vivifiante qui montre la production
et l’imagination prolifique de l’artiste
Directeur : Fabrice Hergott
Commissaires : Anne Montfort et Cécile Godefroy
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
11, avenue du Président Wilson
75116 Paris
Tél : 01 53 67 40 00 / Fax : 01 47 23 35 98
www.mam.paris.fr

attention derniers jours
Jusqu’au 26 janvier au Centre Pompidou

Nuages noirs annonciateurs de ces temps troubles ?
Lauréate du prix Marcel Duchamp 2013,  Latifa Echakhch (vidéo) a tout particulièrement séduit le jury par la manière dont elle sait activer le potentiel de l’espace qu’elle investit. À l’invitation du Centre Pompidou, avec le soutien de l’ADIAF, l’artiste présente dans l’Espace 315 une installation inédite qui questionne les notions d’envers du décor, de décorum et de trace. Composée de plusieurs éléments sculpturaux, l’exposition s’impose comme un ensemble. L’artiste s’est attachée à bâtir une scène dramatique. Entre ciel et terre, elle transforme l’espace de l’exposition en un paysage dense et onirique, suspendu, entre chien et loup. Au fil de ses déambulations, le visiteur y découvre des fragments d’histoire, des objets presque dérisoires, kitsch, des souvenirs d’enfance puisés dans les tréfonds d’une mémoire et plongés dans l’encre noire. Pour susciter différentes expériences sans chercher à imposer sa voie, l’artiste offre au spectateur un voyage où les sensations et émotions provoquées par le jeu des formes font le guide.

Entretien.
– Vos œuvres entretiennent un rapport étroit à l’espace. Les murs n’y sont plus des supports mais des « réserves » qui participent pleinement à l’œuvre. Comment et dans quel but avez vous appréhendé l’Espace 315 au Centre Pompidou ?
– Latifa Echakhch – J’ai appréhendé l’Espace 315 en m’intéressant principalement à sa forme. C’est un rectangle allongé, une sorte de boîte qui m’évoquait un peu l’idée d’une
« camera oscura » où l’image est inversée. Dans l’exposition, les nuages flottent ainsi légèrement au-dessus du sol, et le parquet très brillant redouble encore cette impression de basculement. J’ai en quelque sorte cherché à étirer/condenser un paysage dans le lieu, afin de jouer avec différents plans ou strates de lecture, et différentes échelles.
– Que signifient ces nuées ?
– LE – Ces nuages n’ont pas une signification arrêtée, précise. Ils permettent une forme de condensation. Il s’agit d’offrir une seule et même vue d’un ensemble, comme un paysage de bord de lac où l’on peut voir le ciel, l’eau et les berges se refléter les uns sur les autres, les uns dans les autres. Il y a ici un jeu avec le haut et le bas, le recto et le verso. Un jeu de basculement qui permet une forme de synthèse, et concourt à créer une sensation onirique tout en attirant l’attention du visiteur sur les sculptures.
– Et la couleur noire ? Son usage est très présent dans votre œuvre.
– LE – Je l’utilise comme un filtre. Le noir renvoie à la fois à l’idée d’un temps d’action passé et arrêté, ainsi qu’à un ensemble en puissance de gestes à venir.
Par Jean-Pierre Bordaz, conservateur, musée national d’art moderne, commissaire d’exposition.
Propos recueillis par Stephane Hussonnois-Bouhayati.
Commissaire : Mnam/cci Jean-Pierre Bordaz
photos de l’auteur

Pour sa douzième exposition de collection privée,
la maison rouge invite le Français Bruno Decharme à présenter, avec un regard contemporain, son exceptionnelle collection d’art brut.
l’exposition se termine le 18 janvier

Devenu un phénomène de mode ces dernières années, en France et dans le monde, avec un marché qui s’emballe, des foires et des galeries spécialisées plus nombreuses, des expositions d’art contemporain qui intègrent des œuvres d’art brut comme notamment la dernière Biennale de Venise (commissaire Massimiliano Gioni), l’art brut questionne. La maison rouge présente régulièrement au public des œuvres de ce corpus de l’art; Antoine de Galbert, son président le collectionne.

« Depuis sa création en 2004, nous cherchons à établir des ponts entre les différents champs de la création, proposant des expositions, qui mêlent art brut et art contemporain:
La collection d’art brut d’Arnulf Rainer,
Les inspirés, Elmar Trenkwalder et Augustin Lesage
ou, qui revisitent des œuvres majeures comme celles de Louis Soutter
ou Henry Darger.
Il nous a semblé que le moment était venu dans le cycle dédié aux collections privéesde porter notre attention sur la plus importante collection privée d’art brut au monde. »

Depuis plus de trente ans, Bruno Decharme (vidéo) assemble sa collection. Celle-ci compte aujourd’hui 3 500 pièces, recense 300 artistes du milieu du XIXe siècle à nos jours. Elle réunit des œuvres de nombreux pays, produites dans un cadre asilaire ou dans la solitude des villes et des campagnes, des productions dites médiumniques et des objets populaires qui échappent à la norme des traditions. Cet ensemble prolonge les collections et recherches de précurseurs psychiatres comme Hans Prinzhorn, d’artistes et écrivains comme André Breton, autant de travaux que Jean Dubuffet a théorisés en 1945 sous le concept d’art brut

En déplaçant ces créations vers le champ de l’art, Dubuffet opère un changement de paradigme radical qui invite à modifier notre façon de penser l’art.

Ces artistes créent le plus souvent avec une intention tout autre que celle de produire de l’art: messages à Dieu, accomplissement d’une mission, communication avec des esprits, talismans de protection, etc.
À travers leurs visions, qui peuvent être qualifiées de délirantes, chacun d’entre eux touche une forme de savoir qui fait écho aux questions fondamentales communes à tous:
«qui sommes-nous? D’où venons-nous? Où allons-nous?»

Pour autant, ils ne participent à aucune filiation artistique; autodictates,  souvent isolés, ils ne se connaissent pas et ne forment donc aucune école idéologique ou stylistique.
La démarche de Bruno Decharme s’inscrit dans le cadre d’un projet global, celui de collectionneur et de cinéaste de métier, mais également celui de fondateur de l’association abcd qui ouvre sa collection au public en 1999.
abcd (art brut connaissance & diffusion), animée par Barbara Safarova, est un pôle de recherche, dont les travaux prennent corps à travers des publications, des séminaires, des expositions et la production de films. L’exposition présente toutes ces facettes. L’exposition, dont le commissariat est assuré par Bruno Decharme et Antoine de Galbert réunit une sélection d’environ 400 œuvres (dessins, peintures, sculptures, photographies, assemblages…) de 200 artistes.

Présentée dans tous les espaces de la fondation, elle dessine un parcours qui fait l’objet de différentes étapes: mots-clés, thèmes agencés de façon subjective, mais tous liés par des questionnements dont le contenu est universel.
Surviennt ainsi des juxtapositions inattendues, loin de la division classique qui a cours quand on parle d’art brut: les fous, les médiums, les marginaux, et qui ne concerne que le statut des auteurs.
En proie aux désordres du monde et à toutes sortes de difficultés de la vie, les artistes de l’art brut nous donnent à voir l’acte de créer dans sa littéralité.

Ces œuvres représentent autant de réponses à la question: que veut dire être sur cette terre. Cette exposition est en quelque sorte la métaphore d’un voyage qui nous conduit de la genèse de la vie – à l’origine, le chaos – à une forme d’extase, «un savoir supérieur» délivré par ces artistes d’un genre particulier dont certains ont le dessein de sauver le monde.

je remercie
les Editions Séguier pour l’envoi de leur livre :
La Folie de l’Art Brut, dont l’auteur est Roxana Azimi
ainsi que François-Marie Deyrolle, de l’Atelier contemporain
pour l’envoi du livre :
De l’Art Brut aux Beaux-Arts convulsifs
Jean Dubuffet & Marcel Moreau, préface de
Nathalie Jungerman