Giuseppe Penone la Matrice di linfa

Jusqu’au 24 OCTOBRE 2019, Dans le cadre du parcours invité d’honneur de la FIAC 2019, le Palais d’Iéna – Conseil économique, social et environnemental (CESE) invite Giuseppe Penone au coeur de la vaste salle hypostyle et de ses majestueuses colonnades de plus de sept mètres de hauteur.


Pour sa première exposition à Paris depuis 2013, organisée en collaboration avec la Galerie Marian Goodman, l’artiste choisit de présenter l’oeuvre
monumentale Matrice di linfa (Matrice de sève) ainsi que de deux sculptures dévoilées ici pour la première fois. Pour Matrice di linfa, vidéo
l’artiste est intervenu sur l’histoire d’un arbre en creusant dans le bois le volume équivalent à quatre-vingts années de croissance. Un écho fort à l’engagement environnemental du CESE et à la célébration du quatre-vingtième anniversaire du chefd’oeuvre architectural d’Auguste Perret.

Giuseppe Penone  vidéo considère Matrice di linfa comme une forme de nature animale, évoquant un livre ouvert, « un long autel sacrificiel » ou encore
« un bateau long et fin qui sillonne l’espace poussé par la force des branches ». Cette sculpture exceptionnelle en deux parties de près de vingt mètres chacune, créée à partir d’un conifère centenaire de la vallée des Merveilles dans les Alpes françaises, résulte d’une multiplicité de gestes du sculpteur. Après avoir coupé le sapin en deux dans le sens de la longueur, Giuseppe Penone a creusé dans le bois en suivant ses anneaux de croissance afin d’extraire une part précise de sa mémoire.

Dans la cavité centrale, il a ensuite fait couler une résine végétale rouge rappelant la sève de l’arbre, avant de placer des éléments en terre cuite portant l’empreinte de son propre corps. Les branches du sapin, qui saison après saison contribuèrent à sa croissance, servent à présent de support au tronc renversé qui repose sur un vaste tapis de cuir.

OEuvre emblématique de Giuseppe Penone, Matrice di linfa témoigne du contact entre l’artiste et l’arbre, elle représente une sorte de « matrice »
qui condense la pensée de sa pratique sculpturale. Elle avait été présentée pour la première fois au sein de la cour vitrée du Palais des études de
l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il y a dix ans.

Au Palais d’Iéna, Matrice di linfa est pour la première fois accompagnée
de deux sculptures de la série Pensieri di foglie (2014 -2017).
Placées au centre de la salle hypostyle de part et d’autre des colonnes,
à proximité de l’espace où se rejoignent les deux parties de l’arbre
et où peut circuler le visiteur, les branches et feuilles en bronze
associées à des pierres naturellement sculptées par une rivière
apparaissent comme des silhouettes anthropomorphes. Tout comme Matrice di linfa, les oeuvres Pensieri di foglie
révèlent la mémoire de la matière qui échappe habituellement à notre perception et illustrent l’interdépendance de l’homme et de la nature.

Le travail de Giuseppe Penone s’inscrit tout entier en lien étroit avec la nature, dès la fin des années 1970 et ses premières réalisations,
il y puise toute son inspiration. Depuis, ses gestes simples, interventions
et explorations formelles sur des matériaux naturels (bois, bronze, marbre, pierre, épines d’acacia, feuilles …) s’associent le plus souvent à des formes, fragments ou empreintes évoquant le corps humain afin de relier l’homme à la nature.
« Ce qui m’intéresse, dit l’artiste, c’est quand le travail de
l’homme commence à devenir nature ».
Un petit film conçu spécialement pour l’exposition et projeté tous les jours dans l’hémicycle du Palais d’Iéna, documente le processus créatif de plusieurs oeuvres de l’artiste, dont Matrice di linfa.


Giuseppe Penone est né en 1947 à Garessio dans le Piémont en Italie.
Il étudie la sculpture à l’Accademia di Belle Arti à Turin avant
que son travail ne soit remarqué par Germano Celant et associé au mouvement de l’Arte Povera. En tant que sculpteur, il est lauréat
du prestigieux Praemium Imperiale (2014). En 2007, il représente l’Italie
à la 52e biennale de Venise.
Le Musée national d’art moderne-Centre Pompidou lui consacre une rétrospective majeure en 2004. Giuseppe Penone vit et travaille à Turin.

Invité par Catherine Pégard, présidente du Château de Versailles
en2013, Il avait acheté des arbres après la tempête de 99 à Versailles,
dont un cèdre.
L’exposition, en entrée libre, est ouverte tous les jours du mardi 15 au jeudi 24 octobre de 11h à 18h. Un petit cahier d’exposition
ainsi qu’un livre d’artiste numéroté et signé (publié à 35 exemplaires) accompagnent l’exposition. En parallèle à la Galerie Marian
Goodman, 79 rue du Temple, Paris 3e, une sélection de dessins et une sculpture Pensieri di foglie en lien avec l’exposition, seront
présentées du 15 au 24 octobre.

 

Tadeusz Kantor : Où sont les neiges d’antan

L’exposition, dont le commissariat est assuré par la Cricoteka à Cracovie, est présentée jusqu’au 5 janvier 2020 et constitue la première exposition individuelle consacrée à Kantor en Suisse depuis plus de dix ans. Ce projet a vu le jour en coopération avec Culturescapes Pologne, un festival culturel qui présente le paysage culturel d’un autre pays ou d’une région.
Commissaires invité.e.s: Malgorzata Paluch-Cybulska, Bogdan Renczynsk
– Le Centre de documentation de l’art de Tadeusz Kantor CRICOTEKA à Cracovie.

Andrzej Sapija, Gdzie Sq niegdysiejsze sniegi (Where are Last Year’s Snows), (Filmstill), 1984 © WFO
Film, 31,51′, Farbe, Ton

L’exposition « Tadeusz Kantor : Où sont les neiges d’antan » du Musée Tinguely présente une figure majeure du théâtre et des arts plastiques de la Pologne du XXe siècle à travers l’une de ses grandes œuvres scéniques. En posant un regard critique sur l’histoire refoulée de la Pologne, le théâtre underground et indépendant de Tadeusz Kantor (1915-1990) se consacre à la réalité quotidienne et marque, jusqu’à aujourd’hui, une jeune génération de gens de théâtre. Son œuvre sert de modèle pour des expériences théâtrales radicales et interdisciplinaires, mais aussi pour l’abolition de la distinction entre espace scénique et public. Metteur en scène se mêlant à ses comédien.ne.s sur les planches, leur donnant des instructions, intervenant et devenant ainsi un corps étranger dans la compagnie, Kantor transgressait les limites du théâtre classique essentiellement à travers sa présence. Sa pratique artistique intégrait le réemploi d’objets. De vieux objets usés constituaient son médium< naturel> et le thème de la mort occupe une place centrale dans son œuvre.

Auriea Harvey & Michaël Samyn, Cricoterie, 2019 (Filmstill)
VR- Programm
© Courtesy of the artists, Musik: Gerry De Mol

L’exposition était accompagnée jusqu’au 20 octobre par le programme de réalité virtuelle Cricoterie (2019) de Tale of Tales, inspirée du Théâtre de la mort de Kantor.
Le cricotage (ce terme utilisé par Kantor désigne une forme courte de performance et dérive du nom de son théâtre) Où sont les neiges d’antan constitue la première production de l’artiste développée sans texte existant. La référence littéraire est uniquement contenue dans le titre. Il s’agit ici d’une citation de la Ballade des dames du temps jadis provenant du recueil Le Grand Testament (1461) de François Villon,< poète maudit> français du Moyen Âge. La performance repose sur l’utilisation de trois couleurs : le noir – la couleur de l’instrument et du costume du rabbin ; le rouge – la couleur des cardinaux et du feu ; et le blanc – la couleur de la neige, du grand-voile et des costumes des autres personnages réalisés à partir d’un papier résistant.

Auriea Harvey & Michaël Samyn, Cricoterie, 2019 (Installationsansicht)
VR- Programm
© Courtesy of the artists, Musik: Gerry De Mol, Foto: Karolina Zajéjczkowska

La trompette du Jugement dernier (1979) voit le jour à la fin des années 1970 comme objet central de la courte performance Où sont les neiges d’antan du théâtre Cricot 2 au Palazzo delle Esposizioni à Rome. La production est reprise dans les années 1980 et présentée à Paris, Londres, Genève et Varsovie. Au fil des années, Kantor ne cesse de travailler au développement de cet objet. La première version de 1979 se compose d’une trompette recouverte d’un tissu noir sur un pied mobile. Dans les années 1982-1983, Kantor modifie l’ensemble en fixant l’instrument sur une structure métallique de près de 3,5 mètres de haut qui peut être actionné verticalement grâce à un système de manivelles, de poulies, de roues dentées et de câbles d’acier. Selon les mots de l’artiste,
« la machine s’apparente à un échafaud ou à une potence et ressemble un peu à une machine de siège des temps bibliques / Plusieurs roues, des roues dentées, des sangles, des cordes et des manivelles mettent en mouvement la trompette / dans une enveloppe noire et sépulcrale. La trompette s’élève puis redescend lentement».

Tadeusz Kantor (li.), Aufführung von Où sont les neiges d’antan in Paris, 1982
Cricoteka
© Maria Kantor & Dorota Krakowska / Tadeusz Kantor Foundation, Foto: Jacquie Bablet

L’exposition au Musée Tinguely présente des objets et des costumes tous provenant d’Où sont les neiges d’antan. Ils sont accompagnés de la projection du film d’une répétition réalisée en 1984 par Andrzej Sapija la veille de la première polonaise au club étudiant Stodola de Varsovie. Des dessins et des croquis de Tadeusz Kantor sont mis en regard avec des documents photographiques : les photos de la première version de la performance de 1979 à Rome réalisées par Romano Martini et les prises de vue de Jacquie Bablet et Caroline Rose de la seconde version de 1982 à Paris. Des affiches d’archive des représentations à Paris et Londres (1982), Genève (1983) et Varsovie (1984) illustrent la tournée du cricotage.

Au travers d’un chant juif, La trompette du Jugement dernier, objet constitutif de la performance de Tadeusz Kantor, ouvre un dialogue avec l’installation Mengele-Danse macabre (1986) de Jean Tinguely autour du motif de la danse macabre. Dans la salle suivante où l’oeuvre de Tinguely est exposée, les bruits d’une tragédie passée retentissent et semblent préfigurer l’activation de la machine de Kantor – une trompette qui annonce la fin imminente. L’oeuvre de Tinguely se compose essentiellement des vestiges d’une ferme incendiée. Une des scènes de la performance de Kantor s’intitule Our Town Is Burning.


Une version pour trompette de cet hymne du ghetto juif écrit par Mordechai Gebirtig en 1936 retentit dans la salle, tandis que la performance de Kantor est projetée sur le mur. Le metteur en scène polonais conjure ainsi l’esprit des événements tragiques de la Première et de la Seconde Guerre mondiale. Le son de la trompette figure la fin et symbolise dans le même temps le salut à venir à travers le dispositif de mise en mouvement des seaux pour éteindre le feu. Durant la représentation, l’instrument est actionné par le rabbin et son assistant, le petit rabbin. Ces personnages évoquent la communauté juive du petit Schtetl que l’artiste connaissait de son enfance et de sa jeunesse.

Daniel Simpson, Tadeusz Kantor im Cricot 2 Zentrum in Krakau, 1987
Fotografie Cricoteka

© 2019 Centre for the Documentation of the Art of Tadeusz Kantor CRICOTEKA

Tinguely et Kantor

Jean Tinguely et Tadeusz Kantor se sont rencontrés vers 1960 grâce au collectionneur suédois Theodor Ahrenberg installé à Chexbres en Suisse. Dans leurs ceuvres, ces deux artistes mêlent leurs histoires personnelles à la mémoire culturelle. Leur intérêt commun pour l’art procédural et les médiums hybrides les incite à gommer les frontières entre l’art et la réalité. Sur le plan des idées, leurs ceuvres sont néanmoins très éloignées. Autrefois engagé dans l’art informel, Kantor se détourne de cette tendance et se consacre fortement à l’objet (il réalise en Suisse ses premiers emballages). Il revendique un retour à l’objet dans de nombreux domaines où se manifeste également une contestation de l’informel. Ainsi, Tinguely, Daniel Spoerri, Yves Klein et d’autres fondent le groupe des Nouveaux Réalistes en 1960. Kantor avait une autre approche de ses objets et machines qui devaient avant tout être acteurs de ses performances. Dans les années 1980, l’artiste entreprend de les < animer > à des fins d’exposition et constitue ainsi une extraordinaire collection d’objets pour son musée, la Cricoteka, duquel proviennent la plupart des œuvres exposées ici.

La noce 1982

Museum Tinguely
I Paul Sacher-Anlage 1 l 4058 Bâle
Heures d’ouverture :
du mardi au dimanche, de 11h à 18h
Site Internet : www.tinguely.ch

Or & Gloire Dons pour l‘éternité

Goldene Altartafel; vor 1019 DR Kunstmuseum Basel

Le Musée historique de Bâle est l’hôte du Kunstmuseum Basel
jusqu’au – 19 janvier 2020, Kunstmuseum Basel | Neubau

Erzbischöfliches Diözesanmuseum Paderborn, Inventar-Nr.: Diözesanmuseum Heinrich Kunigunde SK 110+111 ; Foto: Ansgar Hoffmann,www.hoffmannfoto.de Einmalige Veröffentlichung in: Gold & Ruhm. Geschenke für die Ewigkeit Katalog der gleichnamigen Sonderausstellung des Historischen Museums Basel 11. Oktober 2019 – 19. Januar 2020

La grande exposition présente l’époque glorieuse d’Henri II, dernier empereur ottonien (règne 1002–1024).
Elle réunit des prêts exceptionnels d’Europe et des États-Unis à
l’occasion du millénaire de la consécration de la cathédrale de Bâle.
Des pièces d’orfèvrerie, des textiles, des enluminures et des ivoires précieux composent un panorama unique de la civilisation médiévale.

              Kreuz mit den grossen Senkschmelzen, Essen, um 1000/1020:
             © Domschatz Essen / Christian Diehl

Manuscrits rares, pièces de monnaie et trésors archéologiques offrent
de multiples perspectives sur la vie quotidienne autour de l’an mil.

Gertrudisaltar, Deutschland, um 1045: © The Cleveland Museum of Art

Le devant d’autel en or, cadeau impérial offert à la cathédrale en 1019,
en constitue le point d’orgue. Vendu à l’étranger au XIXe siècle,
il retourne temporairement à Bâle après avoir passé de nombreuses décennies à Paris. Des prêts de Cleveland, Munich, Cologne, Berlin,
Rome et New York permettent de réinscrire pour la première fois le
présent d’Henri II dans son contexte.

                           Evangeliar Heinrichs II., Regensburg, vor 1024:
                         © Biblioteca Apostolica Vaticana

Associés à d’autres pièces prestigieuses, ils dévoilent aussi le mécénat
des souverains ottoniens, qui commandaient des reliures de manuscrits somptueuses et s’assuraient une gloire éternelle grâce à leurs dons.
Les présents en or d’Henri II et de sa femme Cunégonde ont
donné lieu à un culte du couple impérial et ont marqué Bâle de
maintes manières.
                        le plus ancien grand crucifix en bronze conservé à ce jour
Une précieuse curiosité :
un Christ avec une tête de femme antique

Croix d’Herriman (archevêque de Cologne) et de sa soeur Ida
(abbesse de Werden).
La tête du Christ est un réemploi d’un camée romain (époque julio-claudienne) en lapis-lazuli, peut-être l’impératrice Livia

Un catalogue scientifique et richement illustré paraît en allemand à l’occasion de l’exposition :
Gold & Ruhm – Kunst und Macht unter Kaiser Heinrich II.,
Hirmer Verlag, Munich.

La Collection Rudolf Staechelin à la Fondation Beyeler

Afin de célébrer le retour des tableaux de la Collection Staechelin à Bâle
et de les rendre accessibles à tous, la Fondation Beyeler propose tout ce week-end (31.8.–1.9.19) un accès gratuit au musée.

Vincent van Gogh
Le jardin de Daubigny, 1890
Huile sur toile, 56.0 x 101.5 cm
Rudolf Staechelin Collection
Photo : Robert Bayer

Jusqu’au 29 octobre 2019
Au terme de quatre années d’absence, les tableaux de la célèbre collection de Rudolf Staechelin (1881–1946) font leur retour à Bâle. Après des expositions remarquées au Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía à Madrid et à la Phillips Collection de Washington, D. C., toutes deux conjointement avec la Collection Im Obersteg, 19 oeuvres de l’impressionnisme, du post-impressionnisme et de l’art moderne classique
seront présentées à la Fondation Beyeler à Riehen près de Bâle à partir du
31 août 2019
Paul Gauguin
Paysage au toit rouge, 1885
Huile sur toile, 81.5 x 66.0 cm,
Rudolf Staechelin Collection
Photo : Robert Bayer

Une exposition concentrée y donnera à voir jusqu’au 29 octobre 2019 de remarquables tableaux de Paul Cézanne, Edgar Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Ferdinand Hodler, Édouard Manet, Claude Monet,
Pablo Picasso,
Camille Pissarro et Auguste Renoir.
Ils seront ensuite intégrés aux présentations régulièrement remaniées

des collections de la Fondation Beyeler. Ces oeuvres deviennent ainsi à nouveau accessibles au public à Bâle, inaugurant un nouveau chapitre de l’histoire mouvementée de la Collection Rudolf Staechelin.


Ferdinand Hodler
Le Grammont après la pluie, 1917
Huile sur toile, 60.5 x 80.0cm
Rudolf Staechelin Collection
Photo : Robert Bayer

Le Rudolf Staechelin Family Trust (New York) a conclu avec la Fondation Beyeler un contrat de prêt de longue durée pour une période de dix ans. Pendant cette période, aucune des oeuvres ne peut être vendue.
Les coûts liés au prêt tels les frais d’assurance, d’encadrement et de restauration sont assumés par le Rudolf Staechelin Family Trust.
La Fondation Beyeler exposera régulièrement les oeuvres qui lui sont
ainsi confiées et les prêtera également à d’autres musées suisses et internationaux.
La Collection Beyeler se trouve grandement enrichie de ces oeuvres majeures de l’histoire de l’art – auxquelles le public et les
chercheurs auront à nouveau accès – car les tableaux de la Collection Staechelin complètent la collection du musée et l’étoffent de nouveaux accents.

Pablo Picasso
Arlequin au loup, 1918
Huile sur toile, 116.0 x 89.0 cm
Rudolf Staechelin Collection
© Succession Picasso / 2019, ProLitteris, Zürich
Photo : Robert Bayer

L’Arlequin au loup (1918) de Pablo Picasso, la nature morte Verre et pommes (1882) de Paul Cézanne et le paysage Temps calme, Fécamp (1881) de Claude Monet renforcent le coeur de la Collection Beyeler.
Cela vaut également pour les autres oeuvres de Cézanne, Degas, Monet et van Gogh, dont Le jardin de Daubigny (1890) fait par exemple écho au Champ aux meules de blé (1890) déjà présent dans la
Collection Beyeler.
Les deux tableaux ont été peints à Auvers-sur-Oise et font partie d’un groupe de 13 oeuvres au format oblong (double carré), format de prédilection du peintre pendant les derniers mois de sa vie à partir
de mi-juin 1890. Des analyses de la structure de la toile réalisées
par le Van Gogh Museum à Amsterdam ont révélé que l’artiste avait
découpé tous ses doubles carrés dans le même ballot de toile. Les
toiles du Jardin de Daubigny de la Collection Rudolf Staechelin et
du Champ aux meules de blé de la Collection Beyeler sont ainsi à nouveau réunies dans cette exposition.

Édouard Manet
Tête de femme, 1870
Huile sur toile, 56.5 x 46.5 cm
Rudolf Staechelin Collection
Photo : Robert Bayer

Quant à Édouard Manet, Paul Gauguin, Auguste Renoir et Camille Pissarro, étroitement liés au développement de l’art moderne, ils avaient déjà fait l’objet d’expositions à la Fondation Beyeler mais n’étaient jusqu’à présent pas représentés dans la collection du musée. Aujourd’hui, la Collection Beyeler se voit enrichie des oeuvres suivantes: Tête de femme (1870) de Manet, Gabrielle (1910) de Renoir, Paysage au toit rouge (1885) de Gauguin, ainsi que La Carrière, Pontoise (vers 1874) et Le Sentier
du village (1875)
de Pissarro, ami proche de Cézanne.
Parmi les oeuvres maîtresses de la Collection Rudolf Staechelin, on
trouve des tableaux tardifs de Ferdinand Hodler, auquel la Fondation Beyeler avait consacré une exposition en 2013.
Parmi eux se trouvent La malade (1914 et 1914/15),

Ferdinand Hodler
La morte, 1915
Huile sur toile, 65.0 x 81.0 cm
Rudolf Staechelin Collection
Photo : Robert Bayer

portraits bouleversants de sa compagne Valentine Godé-Darel,
La morte (1915), oeuvre hautement appréciée des connaisseurs de Hodler, ainsi que trois paysages exceptionnels, Paysage de Montana (1915), Le Grammont après la pluie (1917) et Le Mont-Blanc aux nuages roses (1918).

Jusqu’au 29 octobre 2019, les prêts de la Collection Rudolf Staechelin, accompagnés de certaines oeuvres apparentées de la Collection Beyeler, seront présentés de manière concentrée dans deux salles du musée.
Ils seront ensuite intégrés à la prochaine présentation de la Collection Beyeler dans un contexte historique plus large (du 2 novembre 2019 au 5 janvier 2020). Le public est invité à venir (re)découvrir la
Collection Rudolf Staechelin dans sa nouvelle demeure.

Ouvert tous les jours.
Du lundi au dimanche de 10h à 18h
et le mercredi de 10h à 20h

 

Resonating Spaces -Leonor Antunes, Silvia Bächli, Toba Khedoori, Susan Philipsz, Rachel Whiteread

Leonor Antunes
a seam, a surface, a hinge, or a knot


L’exposition d’automne de la Fondation Beyeler réunit cinq artistes contemporaines : Leonor Antunes, Silvia Bächli, Toba Khedoori, Susan Philipsz et Rachel Whiteread, jusqu’26.1.2020
Vidéo

 

Ces artistes de renommée internationale exposent pour la première
fois ensemble. Plutôt que de présenter une vaste exposition
de groupe, l’accent est mis sur des oeuvres exemplaires qui livrent
chacune une expérience spécifique de l’espace par des moyens d’expression très divers – à travers des installations sonores, des
sculptures, des dessins. Elles évoquent des espaces qui oscillent
entre l’identifiable et l’éphémère.
Elles créent des lieux de contemplation et de repos, dans lesquels
la faculté de réminiscence se libère et où les images et les souvenirs prennent vie.

Longtemps, l’espace en tant que tel n’était pas considéré comme une
thématique artistique. Depuis les années 1960, de nouvelles formes
d’expression telles que les performances, les installations, les images
filmées ont également trouvé leur place dans l’art, faisant ainsi de
l’espace un aspect important de la création artistique et érigeant
ce dernier au rang d’expérience créative moderne et contemporaine.
Le titre de l’exposition s’appuie sur la signification des deux
termes anglais resonating et resonance.
L’exposition en elle-même, cependant, ne s’intéresse pas à une approche
thématique de l’espace ; elle vise plutôt, par le biais des cinq positions,
à illustrer des contenus ou situations qui, bien que présents et
concrets dans les oeuvres des artistes, sont généralement
imperceptibles.

Sons : Susan Philipsz
L’artiste écossaise Susan Philipsz (née en 1965) explore les propriétés
plastiques du son – principalement en l’intégrant dans un espace
ou un environnement concret. Des enregistrements vocaux aussi bien
qu’instrumentaux servent de point de départ à ses installations sonores.
Susan Philipsz s’inspire de morceaux de musique déjà existants, tels que des chansons pop, des chants folkloriques et des cantiques
modernes, qu’elle interprète elle-même de sa voix non travaillée
et sans accompagnement. Depuis quelques années, des oeuvres instrumentales constituent également une part importante de son travail artistique ;
elle utilise, pour ses créations, des signaux radio, des verres chantants
ou des instruments à vent endommagés pendant la guerre.
Sur la base d’un travail de recherche intensif, l’artiste noue des liens
avec des circonstances historiques ou littéraires spécifiques du lieu
d’origine respectif. Par le biais de sons surprenants, en accord avec le lieu, l’attention du visiteur se dirige vers son environnement immédiat, afin
que l’expérience soit vécue d’une nouvelle manière.

Traces : Toba Khedoori
Toba Khedoori (née en 1964) réalise des dessins de grands formats
– et de petits formats
depuis quelques années, ainsi que des oeuvres
sur toile.

Traces : Toba Khedoori

Depuis le milieu des années 1990, l’artiste australienne – qui vit et
travaille à Los Angeles – dessine minutieusement des structures
architecturales qu’elle dépeint comme des objets individuels ou en série
sans contexte donné. Le grand format des bandes de papier recouvertes
de cire contraste avec la minutie des dessins. Récemment, cependant,
Khedoori a changé d’orientation en ne capturant plus ses objets picturaux
de loin, mais de très près. Au-delà des motifs liés à la nature tels que
les brindilles, les montagnes ou les nuages, le principe du gros plan
s’intensifie dans certaines de ses oeuvres à tel point que les représentations
frôlent l’abstraction. Ce que les oeuvres de Khedoori ont en
commun, ce sont diverses traces qui pointent vers une réalité extérieure
aux images : poussière, cheveux et petites particules de saleté dans
la couche de cire, reflets de lumière et ombres insolites, chaque
élément assume la fonction de subtiles références au monde extérieur
au-delà des associations forgées par Khedoori.

Souvenirs : Rachel Whiteread

Depuis le début des années 1990, l’artiste britannique Rachel Whiteread (née en 1963) donne le jour à une production plastique extraordinaire. Ses sculptures sont réalisées à partir d’empreintes et de moulages d’objets familiers, de structures architecturales ou de corps creux ; leur apparence semble généralement étrange en raison de leur matérialité réduite. Rachel Whiteread donne forme aux espaces négatifs des objets  par exemple une bouillotte, une armoire ou une bibliothèque afin de créer des sculptures indépendantes. Les objets individuels font partie intégrante de son travail  mais également des moulages impressionnants d’espaces de vie entiers. Ses œuvres se réfèrent toujours à l’absence d’objets originaux et donc à des intérieurs, des espaces et des environnements qui passent généralement inaperçus dans la vie quotidienne. L’œuvre de Susan Whiteread devient ainsi un point de référence pour ses propres souvenirs.

Susan Whiteread

Vides : Silvia Bächli
L’œuvre de Silvia Bächli (née en 1956) comprend une variété de dessins, petits et grands formats. Ses premières œuvres, créées au début des années 1980, se caractérisent par des représentations figuratives et abstraites en petit format. Depuis une bonne dizaine d’années, l’artiste suisse se tourne également vers des œuvres plus grandes sur papier, qui s’éloignent de plus en plus des références aux motifs figuratifs. L’accent se situe désormais sur quelques structures linéaires et des coups de pinceau minimalistes, dont la force puise ses racines dans l’équilibre constant entre la surface du papier et le dessin. Dès le début, Bächli présentait ses œuvres comme des groupes transformables sous forme d’installations, couvrant souvent un mur tout entier. L’interaction entre le dessin, le bord de l’image, le support en papier et les murs blancs des salles d’exposition est d’une importance capitale. Au travers de ces vides, se déploie un espace qui implique également le spectateur

                                                     sans titre

Métamorphose : Leonor Antunes
Dans ses vastes installations, l’artiste portugaise Leonor Antunes (née en 1972) explore la mutabilité de la sculpture et du langage formel moderne. Depuis la fin des années 1990, l’artiste crée des œuvres in situ dont les formes géométriques et la diversité des matériaux, entre autres le cuir, le nylon et le laiton, sont également caractéristiques de ses œuvres actuelles. Parallèlement à l’exploration de la matérialité et de l’interaction entre la sculpture et l’architecture, Leonor Antunes explore les contextes historiques et sociaux de personnalités issues de l’architecture, du design et de l’art au-delà du canon habituel. Elle reproduit à l’échelle des motifs et des éléments empruntés à des meubles, des textiles et des gravures et les détache de leur fonction originelle.

Leonor Antunes

Perception spatiale et espace sensoriel
Les cinq artistes présentées sont singulières à bien des égards : elles vivent non seulement dans des lieux différents à travers le monde, mais également leurs moyens d’expression et leurs approches artistiques, leur centre d’intérêt et leurs contextes de travail se distinguent les uns des autres. Cependant, leurs œuvres ont un point commun puissant : elles illustrent de façon exemplaire un sens de l’espace autour duquel s’articule l’exposition. Les installations, les sculptures et les dessins semblent à première vue discrets, réservés, mais c’est précisément là que réside leur force ; c’est cette distance qui nous permet, pour ainsi dire, de prendre conscience de l’espace

Programmation associée à l’exposition «Resonating Spaces»

  • Dimanche 20 octobre 10h00-18h00
    Journée familiale «Resonating Spaces»
  • Mercredi 30 octobre 18h00-19h30
  • Dimanche 15 décembre 16h00-17h30

Parcours performatif à travers l’exposition

  • Jeudi 7 novembre 18h30 Lecture d’extraits de lettres de Wislawa Szymborska L’événement est organisé dans le cadre du festival culturel Culturescapes (culturescapes.ch).
  • Vendredi 22 novembre
  • Samedi 23 novembre
  • Dimanche 24 novembre
    Fondation Beyeler

Käthe Kollwitz, figure de l’expressionnisme allemand

Au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS) jusqu’au 12 janvier 2020
Commissariat : Hannelore Fischer, directrice du Kollwitz Museum Köln
et Alexandra von dem Knesebeck,

historienne de l’art et spécialiste de Käthe Kollwitz, auteure du catalogue raisonné des gravures.
Käthe Kollwitz « Je veux agir dans ce temps »
1867  Königsberg (aujourd’hui Kaliningrad) – 1945 Moritzburg

Käthe Kollwitz, Selbstbildnis (Autoportrait), 1934,
lithographie. Strasbourg, Musée d’Art moderne et contemporain
© Musées de Strasbourg

Témoin des crises politiques et sociales de son temps et auteure d’une oeuvre engagée, Käthe Kollwitz est ici montrée comme une artiste complète
(graveuse, dessinatrice et sculptrice) dont le réalisme expressif
influencera son époque et au-delà.
Se présentant elle-même comme une artiste engagée, Käthe Kollwitz aura
retenu comme sujets de prédilection les grands drames qui traversent son époque, n’hésitant pas à inclure des éléments personnels dans son art.
Reconnue et estimée de son vivant en son pays et considérée comme un
modèle pour nombre de jeunes artistes, Käthe Kollwitz sera menacée par l’arrivée d’Hitler au pouvoir, mais ne renoncera pas à poursuivre son
oeuvre malgré l’interdiction d’exposer et les menaces qui pèsent sur elle. Cofondatrice de l’ « Organisation des femmes artistes », elle fut aussi la première femme à être admise comme membre de l’Académie et à placer
la figure féminine, y compris dans la réalité la plus sombre de sa condition, au coeur d’une oeuvre expressionniste atypique, sans doute plus proche du roman réaliste que du paysage artistique de son temps.
Käthe Kollwitz est considérée comme une artiste de premier plan en Allemagne où deux musées lui sont consacrés à Berlin et à Cologne.
Le site Internet du musée en langue française, présente le Käthe Kollwitz Museum à Cologne et son artiste éponyme.

Parcours
Conçu de façon chronologique, le parcours de l’exposition met en présence parmi les oeuvres les plus emblématiques de Käthe Kollwitz, dessins, gravures et sculptures, mêlant la collection du Käthe Kollwitz Museum Köln, celle du MAMCS (dont une grande partie des oeuvres a rejoint le
fonds du musée grâce à la générosité des AMAMCS) ainsi que plusieurs oeuvres issues de collections privées.

Bien que présente dans de nombreuses collections publiques internationales et reconnue mondialement, Käthe Kollwitz n’a été encore que peu montrée dans les institutions françaises. Le MAMCS est actuellement la seule collection publique française à conserver des témoignages de son oeuvre réunissant un ensemble d’une trentaine de pièces, certaines d’entre elles ayant été acquises  du vivant de l’artiste.
Cette vaste rétrospective (600 m2 environ, 167 oeuvres) vient porter à la connaissance du public une oeuvre qui passe de l’autobiographie à l’universel en traitant de thèmes tels que l’amour maternel, les conflits sociaux, la Grande Guerre, la mort ou le deuil.

 

OEuvres de jeunesse
La Marguerite du Faust de Goethe lui  inspire une représentation de la misère qui guette les jeunes célibataires enceintes.


Réunissant ses cycles gravés les plus connus (Une Révolte des Tisserands,
La Guerre des Paysans), des dessins et des oeuvres graphiques ainsi que de nombreux autoportraits, l’exposition met en lumière le trait expressif, parfois poignant, si particulier de Käthe Kollwitz. Elle permet non seulement de donner à voir l’ampleur de son oeuvre graphique maîtrisé de façon magistrale mais aussi  de positionner le MAMCS comme le lieu de référence en France pour sa connaissance.

Une Révolte des tisserands (Ein Weberaustand)
En 1897, Käthe Kollwitz  s’est inspirée de la pièce de théâtre éponyme écrite par Gerhard Hauptmann en 1893 qui relate les émeutes liées à la famine de 1844 en Silésie, tout en adaptant le récit à son époque, en témoignent les vêtements portés par les personnages. L’artiste synthétise
l’événement en six estampes saisissantes. La Misère avec la mère pleurant son enfant, La Mort ravissant une mère à sa famille, La Conspiration annonçant la révolte, La Marche (Weberzug) vers la maison de l’exploiteur, L’Émeute puis La Fin (Ende) représentant la
dramatique répression.

Révolte des tisserands

La Sécession berlinoise et Paris
Elle devient rapidement la principale association d’artistes allemands, Käthe Hollwitz devient le cinquième membre féminin. Cette appartenance lui ouvre de nombreuses portes, et notamment la possibilité d’exposer en
Allemagne et à l’étranger.  A Paris, Chez le célèbre galeriste Ambroise
Vollard, elle fait l’acquisition d’un pastel du jeune Picasso.
En 1904, Käthe Kollwitz étudie la sculpture à l’Académie Julian et jette ainsi les bases de sa future oeuvre sculptée.
La Carmagnole,
une gravure réalisée en 1901, est directement inspirée du roman de Charles Dickens. Cette gravure devient sa « carte de visite »

Käthe Kollwitz, La Carmagnole, 1901,
gravure au trait, pointe sèche, aquatinte, gravure au lavis et émeri,
Kn 51 © Käthe Kollwitz Museum Köln

La Guerre des paysans et la critique sociale
Second cycle consacré également au thème de l’insurrection.
La Guerre des paysans fait référence aux soulèvements qui
interviennent en Allemagne entre 1524 et 1526. Dans ce cycle, rien ne semble linéaire, le destin tournoie, de la soumission à la mort en passant
par l’insurrection, du champ de labour au champ de bataille, de la terre à la terre. À travers des motifs saisissants, Kollwitz met, encore une fois, sa technique au service de son art et de son propos.

Käthe Kollwitz La Guerre des paysans

Nus, amants, enfants et mort
On connaît une centaine de dessins de nus de Käthe Kollwitz. Certains remontent à sa période de formation. Il s’agit surtout d’études préparatoires pour des sculptures. La statue Ensemble amoureux (Liesbesgruppe) est plus connue. Elle lie Eros, le dieu de l’amour, à Thanatos, le dieu de la mort. La sculpture rappelle une série d’oeuvres
graphiques qui représentent tantôt une mère avec son enfant mort sur les genoux, tantôt la mort personnifiée tenant une jeune fille.

Käthe Kollwitz Liesbesgruppe
Käthe Kollwitz , mère et enfant

Première Guerre mondiale et pacifisme
Peter, le fils cadet de Käthe Kollwitz, engagé volontaire, est tué en Belgique au début de la Grande Guerre. Sa mort marque une rupture profonde dans la vie et l’oeuvre de l’artiste. En 1918, deux semaines avant la
signature de l’Armistice, elle s’élève avec courage contre l’appel du poète Richard Dehmel à une dernière mobilisation de la jeunesse. Sa réponse ouverte est publiée dans deux journaux, l’un journal social-démocrate et l’autre libéral. Elle conclut sa lettre par cette citation de Goethe tirée
des Années d’apprentissage de Wilhelm Meister :

                   « Les graines de semence ne doivent pas être moulues ! »

La République de Weimar
Elle est la première femme admise à l’académie prussienne des arts et se voit en même temps décerner le titre de professeure. Elle s’engage à plusieurs reprises en faveur du pacifisme, notamment avec sa plus célèbre affiche « Plus jamais la guerre » (« Nie wieder Krieg »). Elle milite pour ne plus enseigner la guerre aux enfants, l’une de ses priorités, et
soutient ainsi la Ligue internationale des Mères et des Éducatrices pour la Paix fondée en France en 1928.

National-socialisme
Après la prise de pouvoir des nationaux-socialistes, Käthe Kollwitz et son mari, comme en 1932, soutiennent un appel urgent à l’union des partis de gauche pour les dernières élections libres du 5 mars 1933. Elle est contrainte de démissionner de l’Académie prussienne des arts. Käthe Kollwitz n’a plus le droit d’exposer en Allemagne. Le trépas survient de différentes
manières, ravissement brutal, mort soudaine et surprenante, solitaire,
mais aussi rédemptrice et espérée, comme dans le dernier feuillet Appel de la mort, sur lequel l’artiste s’est elle-même représentée.

                                                       L’appel de la mort

Käthe Kollwitz a été pensionnaire de la Villa Romana à Florence créée par Max Kinger, la villa Médicis allemande

Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS)

1 place Hans-Jean-Arp, Strasbourg
Tél. : +33 (0)3 68 98 50 00
Horaires : tous les jours – sauf le lundi – de 10h00 à 18h00

Programmation éducative et culturelle cliquez sur ce lien

Sommaire du mois de septembre 2019

Joseph Mallord William Turner, Ein Festtag in Zürich, Aquarell und Gouache über Bleistift auf Papier, mit Auskratzung, aufgezogen, 29 x 47.8 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung

28 septembre 2019 : Focus Sur La Pologne
22 septembre 2019 : Où sommes-nous
18 septembre 2019 : Bacon. En toutes lettres
13 septembre 2019 : L’Âge d’or de la peinture anglaise
09 septembre 2019: Silences
06 septembre 2019: Turner, la mer et les alpes
01 septembre 2019 : Highland Titles

Focus sur la Pologne

Sparks (Étincelles) et Kopiec Bonawentura à la galerie de la Filature de Mulhouse pour l’ouverture de la saison 2019/2020, exposition visible
jusqu’au dimanche
27 oct. 2019

Le titre de la série photographique de Wiktoria Wojciechowska,
Sparks (Étincelles), consiste en 72 portraits de quelque 60 personnes
différentes,  inspirée de la tradition des portraits militaires.
L’usage est de faire un portrait d’un militaire avant qu’il parte,
le premier et peut-être le dernier…

Ces photographies évoquent les débris brûlants de missiles
transperçant les murs des habitations mais aussi les éclats lumineux
des explosions se reflétant sur les visages ou encore les flashes de
mémoire et réminiscences douloureuses qui habitent l’esprit des victimes.
Surtout, ce titre fait directement allusion à la forme choisie par
Wiktoria Wojciechowska pour raconter la guerre en Ukraine, une forme dispersée constituée de différents matériaux collectés :
photographies, films et paroles, éclatés tels des fragments de bombes.
La série Sparks se veut ainsi le portrait multidimensionnel d’une guerre dont on ne parle plus ou peu.
Entre 2014 et 2016, elle a travaillé sur la série Sparks, un portrait de la guerre contemporaine s’appuyant sur les histoires personnelles
d’individus vivant au milieu du conflit en Ukraine.

The squad of nine killed and eight wounded
(Le bataillon de neuf tués et huit blessés)
qui présente un groupe de soldats, dont neuf sur l’image
sont recouverts d’une feuille d’or

Au coeur de la série s’imposent des portraits de jeunes soldats dont
Wiktoria Wojciechowska a voulu mettre en lumière le manque d’expérience, la fragilité et la transformation par la guerre.
Non-professionnels, ces soldats, guidés par leur seule conviction, ont quitté leur situation sociale antérieure pour devenir simples humains face à
la peur, face à des sentiments complexes et à des dangers auxquels ils n’étaient pas préparés.
Elle représente dans la vidéo la corde, son  demi-frère, adolescent
mais aussi dans un collage, sorte de journal intime, qu’elle voudrait
préserver, protéger.

« Je vis tout près de la frontière de l’Ukraine à Lublin, cette guerre se déroule presque sous nos yeux et elle n’intéresse personne… »
Loin d’une héroïsation de ces jeunes hommes, la photographe révèle à travers ses clichés sensibles leurs failles et leurs doutes.
Elle a proposé à ces jeunes gens tous volontaires pour aller combattre, de raconter leur engagement, dire ce qu’ils ont vécu et ressenti. Au cours d’entretiens individuels d’une heure environ, elle a conversé avec eux tout en les filmant et en déclenchant parfois une prise de vue.
De véritables images caravagesques, qui reflètent  tout le tragique de
la situation.

D’autres images de la série montrent les ruines laissées par les combats, stigmates d’une guerre menée avec des armes modernes : ponts détruits,
tranchée creusée dans un paysage désolé, façades criblées… Chaque photographie de la série témoigne du positionnement choisi par
Wiktoria Wojciechowska pour rendre compte du conflit ukrainien : un angle qui ne soit pas celui du photojournalisme mais qui privilégie plutôt un
regard oblique sur la guerre.

Née en 1991 à Lublin en Pologne, Wiktoria Wojciechowska vit et travaille
à Paris et Lublin.
Diplômée de l’Académie des beaux-arts de Varsovie,
Wiktoria Wojciechowska a obtenu en 2015 l’Oskar Barnack Leica
Newcomer Award.
www.wiktoriawojciechowska.com

Le projet Kopiec Bonawentura puise son origine dans une citation
d’Alfred Jarry tirée d’Ubu Roi :
« Quant à l’action, elle se passe en Pologne, c’est-à-dire nulle part ».
Et si la Pologne existait en plusieurs lieux à la fois ?


Lucas Olivet propose une réponse imaginaire et transnationale qu’il
situe en Pologne et dans les terres d’exil de sa diaspora, communément
appelées Polonia. Cette diversité de lieux dessine une cartographie mentale où les détails vivants et intimes du quotidien peuvent croiser la route du
surnaturel.
Pour cela, Lucas Olivet s’est laissé guider par une légende polonaise, celle d’Andrzej Tadeusz Bonawentura Kosciuszko.
Les historiens l’appellent
« le dernier chevalier » ou « le premier citoyen du monde ».

Son destin héroïque illustre la cause commune des nations sujettes aux déplacements de leurs frontières. Le titre de l’exposition,
Kopiec Bonawentura, est emprunté au nom du tertre
construit en sa mémoire sur les hauteurs de Cracovie.

Né en 1985, Lucas Olivet vit et travaille à Genève.
Diplômé de l’école de Photographie de Vevey, sa démarche explore les thèmes de la mémoire, de la perte et du désir à travers sa vie, mais aussi
dans un contexte historique et culturel plus vaste.


Représenté par le galeriste Jörg Brockmann, son travail a été publié et exposé internationalement, plus récemment aux Rencontres d’Arles,
Paris Photo et Unseen Amsterdam. Lauréat d’un Swiss Pho¬to
Award en 2014 et 2016, du prix Fotofilmic (CA) 2014 entre autres récompenses, ses photographies appartiennent à différentes collections privées et publiques dont la Lambert Art Collection (LAC).
Kopiec Bonawentura est sa première monographie parue chez Kerber Verlag en 2018.

Photo de Tadeusz Kantor que vous pouvez retrouver au musée Tinguely
à partir du 9 octobre 2019
Cette série a été finaliste du Prix Dorothea Lange-Paul Taylor du
Center for Documentary Studies de la Duke University
en 2017. Medicine Tree est un projet inédit exposé pour la première fois cet automne à la Biennale de la Photographie à Genève.
l u c a s o l i v e t
www.lucasolivet.ch

ho r a i r e s d ’ouv e r t u r e d e l a G a l e r i e ( e n t r é e l i b r e )
du mardi au samedi 11h-18h30 + dimanche 14h-18h (excepté en sept.) + les soirs de spectacles
L a F i l a t u r e , S c è ne n a t i on a l e – Mu l hou s e
20 allée Nathan Katz 68100 Mulhouse / 03 89 36 28 28 / www.lafilature.org

Où sommes-nous

Judith Albert
Träumender See, 2017 ; Installation vidéo, 12’30’’, couleur, sans son

A la Kunsthalle de Mulhouse jusqu’au 10 novembre 2019
Judith Albert (CH), Dana Claxton (CA), Nik Forrest (CA), Katrin Freisager (CH), Capucine Vandebrouck (FR)
une proposition de Chantal Molleur (CH), Aaron Pollard (Ca) et Sandrine Wymann (FR),

Capucine Vandebrouck, Katrin Freisager

La Kunsthalle Mulhouse présente en partenariat avec White Frame,
Bâle
et OBORO, Montréal « Où sommes-nous« , l’exposition explore
les thèmes de l’invisible, du passage et de la mémoire.
Où sommes-nous, une affirmation, un état,  et non une interrogation.
L’absence intentionnelle du point d’interrogation, désigne
ainsi comme point de départ à la fois l’endroit que nous occupons
physiquement dans l’espace d’exposition et les croisements plus
abstraits que nous percevons entre cet espace, les dispositifs de
présentation et les propositions artistiques.
Elle englobe 22 oeuvres présentées à travers une scénographie offrant
une multitude d’approches pour explorer des questions fondamentales associées au cadre, à la narration, à l’image fixe et animée.
Où sommes-nous trouve à Mulhouse sa deuxième variation.

Capucine Vandebrouck

Capucine Vandebrouck, née à Tourcoing , vit et travaille à Strasbourg, travaille à partir de matériaux fragiles, premiers.
Ils fondent, s’évaporent, se consument. Ils nous renvoient
à la fugacité des situations et affichent avec beaucoup de poésie la
complexité des choses. Ses oeuvres ne s’installent pas entre deux
certitudes, elles intègrent le doute et composent avec l’éphémère.
Placée devant le mur de telle sorte à projeter l’image qui lui fait face, la
loupe, à la manière d’une caméra obscura renverse le paysage et donne
à voir le monde à l’envers.

En cela, elles s’affranchissent aussi du point d’interrogation préférant
jouer délibérément de leur nature insaisissable et des espaces qu’elles occupent.
Les photographies de Katrin Freisager, zurichoise,  sont denses et enveloppantes.
Katrin Freisager, née à Zurich, vit et travaille à Zurich et Bâle,
présente pour cette exposition un papier peint mural
de 3 mètres sur 3. (photo 1) Cette image a été mise en scène par l’artiste
dans la nature en forêt. La construction sculpturale composée de bas
de nylon et de branches s’intègre dans son environnement naturel et
devient par l’intermédiaire de la photographie un élément en soi.
L’intervention de l’artiste mêle Land Art et photographie.

Dans sa série Liquid Landscape, Katrin Freisager crée des paysages
imaginaires et archaïques. Les photographies sont très énigmatiques.
Par un processus qui lui est propre, l’artiste mélange à une grande
quantité d’eau, encres, pigments, huiles et autres substances.
L’objectif pour elle est de développer des images qui se rapprochent
le plus possible de son imaginaire bien que n’ayant pas le contrôle
de tout le processus. Ses expériences se déroulent en studio photo et sont
entièrement mises en scène. En créant des gros plans sur les pigments
et des amalgames obtenus, l’artiste saisit des nuances et des détails
étonnants. Comme un alchimiste, Katrin Freisager crée pour nous
des paysages qui semblent échapper à toute référence précise, tout
en ayant la capacité d’évoquer des lieux et des situations, qui n’ont
jamais existé.


Nik Forest, née à Edinburgh et basée à Montréal, travaille à l’aide de différents médiums dont la vidéo, le son, le dessin et l’installation. Ses vidéos expérimentales ont été deiffusées dans des nombreux festivals, galeries et musées en Amérique du Nord et en Europe.
Ses oeuvres figurent dans des collections du
Musée des Beaux-Arts du Canada, du Conseil des arts de
Saskatchewan et de l’Université Concordia. Sa pratique explore et
défie la normativité, se tournant souvent vers des stratégies
plus abstraites, des procédés analogiques et des silences, par
lesquels de simples gestes qui pourraient passer inaperçus
acquièrent une réelle signification.

Judith Albert est née  à Sarnen (CH), vit et travaille à Zurich.
Elle a vécu deux ans à Paris et étudié les Beaux-Arts au
Collège d’Art et de Design de Zurich. Depuis 1997, elle expose
régulièrement en Europe et à travers le monde. Sa pratique
englobe plusieurs formes d’expression incluant le langage,
l’intervention artistique, la vidéo, la photographie et la performance.
Depuis 2006, elle crée des oeuvres dans l’espace public en
collaboration avec Gery Hofer.

Cette installation vidéo à 2 canaux traite du mot, du langage et leurs
diverses possibilités d’interprétation. Elle éclaire avec délicatesse et
une grande liberté de composition les thèmes de la résolution, de la
transition, du changement, du chaos et de l’imagination. L’installation
déploie un large éventail de questions sur le début de notre histoire
et le pouvoir de la narration.

Dans une courte séquence onirique, une tache imprévisible se
transforme à l’horizon en un nuage sombre. Elle finit par absorber
son propre créateur et l’éloigner ainsi du précipice.

Artiste pluridisciplinaire, née à Yorkton (USA), vit à travaille à Vancouver
Dana Claxton travaille dans le domaine du cinéma, de la vidéo, de la performance et de la photographie.

Ses oeuvres ont été récompensées maintes fois et ont été présentées et collectionnées à travers le monde.
Dana est professeure associée au Département d’histoire de l’art, d’art visuel et de théorie de l’Université de la Colombie-Britannique.
Dans son travail, elle s’intéresse à la beauté, à l’esprit et aux politiques socioculturelles autochtones. La Première Nation de
Wood Mountain Lakota est sa réserve familiale.

Cette vidéo rend hommage à Johnny Cash tout en le critiquant. Elle
a réintroduit une voix Lakota dans l’histoire de Wounded Knee telle
qu’elle est racontée dans la chanson populaire Big Foot, enregistrée
en 1972 dans l’album America, qui commémore 200 ans de l’histoire
des États-Unis.

Rendez-vous autour de l’exposition :

ATELIER « BRODER LA MACHINE
Du mercredi 25 septembre au dimanche 6 octobre
Rendez-vous au TILVIST Coff’tea shop
23, rue de la Moselle – Mulhouse
Renseignements et horaires
sur kunsthallemulhouse.com
Entrée libre
RENDEZ-VOUS FAMILLE
Dimanche 29 septembre → 15:00 – 17:00
Visite/atelier pour les enfants à partir de 6 ans et leurs
parents
Gratuit, sur inscription
VISITES GUIDÉES
Dimanche 29 septembre → 16:00
Dimanche 27 octobre → 16:00
Entrée libre
KunstapÉro
Jeudi 3 octobre → 18:30
Jeudi 7 novembre → 18:30
En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain
et la Fédération Culturelle des Vins de France
Sur réservation, 5€ / personne
KUNSTDÎNER
Jeudi 10 octobre → 19:00 – 23:00
En partenariat avec Mulhouse Art Contemporain
et la Fédération Culturelle des Vins de France et ÉPICES
Sur réservation, participation de 50€ / personne

Bacon. En toutes lettres

Francis Bacon
Triptych inspired by T.S Eliot’s poem, Sweeney Agoniste, 1967
Huile et pastel sur toile, 198 x 147 cm
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden – Smithsonian Institution, Washington
©

Au Centre Pompidou jusqu’au 20 janvier 2020
commissaire de l’exposition :
Didier Ottinger,
Directeur adjoint du Musée national d’art moderne
Scénographe : Laurence Fontaine

Francis Bacon, Selfportrait (1971)
Huile sur toile
35,5 × 30,5 cm
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris
Donation Louise et Michel Leiris, 1984


Il était très discret. Il estimait que la peinture était un lieu de mystère et que chacun pouvait y apporter sa part de soi, que ce n’était donc pas à lui de livrer quoi que ce soit.                  
(Franck Maubert)

« Comment imaginer la vie sans la littérature ? Sans les livres ? C’est une source fabuleuse, un puits pour l’imaginaire »
Francis Bacon

L’exposition « Bacon en toutes lettres »  du Centre Pompidou s’attache aux oeuvres réalisées par Bacon  (1909 – 1992), le maître irlandais, peintre de la tragédie et de la condition humaine, durant les deux dernières décennies de son oeuvre.  L’exposition explore de façon inédite l’influence de la littérature sur la peinture de Francis Bacon.
Elle comporte soixante tableaux (incluant 12 triptyques, ainsi qu’une série de portraits et d’autoportraits), issus des plus importantes collections privées et publiques. De 1971 à 1992, (date du décès du peintre), la peinture est stylistiquement marquée par sa simplification, par son intensification. Ses couleurs acquièrent une profondeur nouvelle, il use d’un registre
chromatique inédit, de jaune, de rose, d’orange saturé.
Des corps ramassés, recroquevillés, qui se tordent sur eux-mêmes, se pâment, s’abîment dans des excès de volupté, des convulsions de la chair. Peintre du « cri plutôt que de l’horreur », répétant à l’envi que
« l’odeur du sang humain lui souriait »

In Memory of George Dyer, 1971
Huile et letraset sur toile, triptyque, 198 x 147.50 cm
Fondation Beyeler – Beyeler Museum, Bâle

L’année 1971 est pour Bacon une date charnière. L’exposition présentée au Grand Palais le consacre internationalement. La mort tragique de son compagnon, quelques jours avant le vernissage, ouvre
une période marquée par une culpabilité qui prend la forme symbolique et mythologique des Erinyes (les Furies) appelées à proliférer dans sa peinture. Les trois triptyques dit « noirs » peints en souvenir
de son ami défunt ( In Memory of George Dyer, 1971, Triptych–August 1972 et Triptych, May–June 1973, tous présents dans l’exposition), commémorent cette disparition.

Francis Bacon
Triptyque mai-juin 1973, 1973
Huile sur toile, chaque panneau 198 x 147.5 cm
Collection privée
© The Estate of Francis Bacon /All rights reserved / Adagp, Paris and DACS , London 2019

Axée en partie sur les liens entre le peintre et la littérature, l’exposition se place aux antipodes de toute narration ou de toute conception illustrative de la peinture. Des penseurs comme Georges Bataille ou Nietzsche, des écrivains comme Michel Leiris (auteur notamment d’une monographie sur le peintre, Francis Bacon : Face et profil) sont ainsi lus par de grandes voix dans les six « chambres d’écoute » qui jalonnent le parcours muséographique.

Francis Bacon, portrait of Michel Leiris

Michel Leiris occupe une place à part. Traducteur de la version française de ses entretiens avec David Sylvester, l’auteur de L’Âge d’homme devient le préfacier de ses expositions parisiennes. L’écrivain et le peintre se rencontrent à Londres, en 1965. Leiris adresse à Bacon la réédition récente de son Miroir de la tauromachie (publié en 1938) dans lequel il développe un parallèle entre l’art du poète et celui du matador. Une année après sa lecture de l’ouvrage, Bacon peint son premier taureau. Outre la poétique, Bacon transpose plastiquement chez Leiris, comme chez T.S. Eliot la forme fragmentaire de leurs œuvres, leur esthétique du « collage », qu’il rend parfois explicite, introduisant dans ses compositions des pages de journaux.


                                    Francis Bacon Study of a Bull, 1991
Huile sur toile, aérosol et poussière, 198 x 147.5 cm
Collection Agnelli, Londres
© The Estate of Francis Bacon /All rights reserved /

En outre, on retrouve dans les toiles de Bacon cet attrait pour la littérature sous des formes diverses et détournées, comme l’Orestie, qui donne son titre à certaines œuvres, mais aussi le corps comme viande, image si chère à Bacon, en écho à un texte de Georges Bataille sur l’abattoir ; le poème de T.S. Eliot, La terre vaine (The Waste Land), titre d’une des toiles, ou encore la réflexion nietzschéenne sur la tragédie, un motif obsessionnel chez le peintre.

Francis Bacon
Triptych Inspired by the Oresteia of Aeschylus, 1981
Huile sur toile, chaque panneau 198 x 148 cm
Astrup Fearnley Muse et fur moderne Kunst, Oslo
© The Estate of Francis Bacon /All rights reserved / Adagp, Paris and DACS , London 2019

Capter le mouvement de la vie est ce dont ont été capables les images modernes qui fascinaient Bacon. Ce que s’employaient à faire les images « chronophotographiques » de Muybridge, ce qu’accomplissait le cinéma. Le « vitalisme » dont Bacon s’applique à doter ses images était bien conforme à l’esthétique que lui inspirait la philosophie de Nietzsche. Pour être totalement accordée aux thèses de La Naissance de la tragédie, cette exaltation de la vie se devait de s’ouvrir à son négatif, à la puissance délétère de la mort. D’où les malentendus, la fixation d’une critique sensationnaliste sur la dimension morbide d’un art qui dit ne considérer la mort qu’à proportion de sa passion pour la vie.
« Plus on est obsédé par la vie, plus on est obsédé par la mort », confie Bacon à l’un de ses interviewers. 

« Je pense que sa vie était encore pire que ce qu’il peignait.  »  
(Franck Maubert) podcast

Parmi les toiles de grand format qui ne sont cependant pas prises dans un triptyque, ce sera Study for the Human Body Bacon ne cherchait pas des titres originaux et étranges –, de 1991

.Study for the Human Body

Il y a aussi des tableaux presque paysagers : une rue avec une voiture qui s’échappe et ce tableau  incroyable qui s’intitule  Jet of Water
[Jet d’eau], 1979, 
la toile est presque vierge à peine une toute petite zone  peinte, un robinet qui laisse échapper de l’eau, un tourbillon à la manière dont les corps à certains moments chez Bacon vont se liquéfier et quitter le cadre. 

Eau coulant d’un robinet.
Bacon l’a réalisée deux ans plus tôt.
« C’est sans doute un de mes plus beaux tableaux. […] parce que je le trouve ‹ immaculé › […] c’est une invention où j’ai eu le sentiment pendant un moment que ma peinture fonctionnait. » d’après le commissaire Didier Ottinger

Jet of Water
[Jet d’eau], 1979, 

Huile et caractères transfert sur toile
198 × 147,5 cm
Collection particulière

« C’est un double personnage, il est insaisissable, irrationnel, comme sa peinture. Je n’avais accès qu’à une face de Bacon, même s’il m’entraînait dans sa nuit, presque pour parfaire sa légende…« 
(Franck Maubert)

Bacon donne une forme visuelle à l’angoisse et cette forme, comme l’angoisse elle-même, revient régulièrement. Bacon est magistral, la puissance de ses tableaux est presque obsédante. Son art n’est en rien
« illustratif ». Les textes auxquels il se réfère lui inspirent des images, déconnectées de tous récits.

Dernier tryptique, des monstres qui hurlent dans Trois études de figure au pied d’une crucifixion, premier et décisif triptyque de Bacon de 1944, dont la seconde version, de 1988, est au bout de l’exposition, en un final terrible.

Second Version of Triptych 1944
[Seconde version du triptyque de 1944], 1988
Huile et peinture aérosol sur toile
Chaque panneau : 198 × 147,5 cm
Tate Gallery, Londres
Presented by the artist, 1991

Un film sur la vie de Bacon conclue l’exposition

Les podcasts du Centre Pompidou
Cette aide à la visite est proposée pour l’exposition
« Bacon en toutes lettres » et permet de se laisser guider parmi les sources d’inspiration littéraires de l’univers de Francis Bacon
très peu de cartels.

Podcast France Culture la compagnie des poètes
Francis Bacon de 1 a 4

Pendant les travaux de rénovation, le Centre Pompidou reste ouvert… seuls les accès changent !

À partir du mercredi 28 août 2019, l’entrée s’effectue rue Beaubourg, côté rue Saint-Merri.  

Billeterie  choisir un créneau

 Métro : Rambuteau (ligne 11), Hôtel de Ville (lignes 1 et 11), Châtelet (lignes 1, 4, 7, 11 et 14)

RER : Châtelet Les Halles (lignes A, B, D)
Bus : 29, 38, 47, 75