Bienvenue, au gré de mon humeur, de mes découvertes
01 décembre 2012 : Anne-Sophie Tschiegg à la Chapelle des Annonciades de Haguenau
05 décembre 2012 : Ça vous regarde
09 décembre 2012 : Marcel Imsand et la Fondation Gianadda
18 décembre 2012 : Cours Publics – Thème 2013 : L’ART IMMATERIEL
23 décembre 2012 : Joyeux Noël
26 décembre 2012 : Le retable de Konrad Witz
Partager la publication "Sommaire de décembre 2012"
Le retable de Konrad Witz, œuvre majeure du patrimoine genevois, est de retour au Musée d’art et d’histoire (MAH). Depuis juillet 2011, cette pièce de 1444 a été soustraite au regard du public pour bénéficier d’importants travaux de restauration et de conservation.
Je rappelle ici ma visite au conservateur du Retable à Genève, Victor Lopez et de son équipe en 2011.
Cette œuvre, d’autant plus exceptionnelle qu’elle date d’avant la Réforme, elle a marqué l’histoire de la peinture, a rappelé jeudi le conseiller administratif en charge de la culture Sami Kanaan. L’un de ses quatre panneaux, la Pêche miraculeuse.
A cette occasion K.Witz, déplaçant la scène des bords du lac de Génésareth à ceux du Lac Leman, réalise le premier portrait d’un paysage connu. Il est d’ailleurs encore possible aujourd’hui, grâce au panorama de montagnes et au sommet enneigé du Mont-Blanc, de resituer la position exacte qui fut celle du peintre face à lui.
C’est ainsi que l’on distingue à gauche le mont Voirons, en face le Môle avec à l’arrière plan les Alpes et sur la droite le mont Salève.
Cette représentation exceptionnelle pour son époque K.Witz l’a sciemment dotée d’une inscription latine sur le cadre. Il y a fait figurer son nom, son lieu d’origine, Bâle, et l’année à laquelle il a terminé l’œuvre, 1444.
C’est la seule oeuvre datée et signée de la main de Witz, et jouit donc d’une position clé dans la recherche sur son activité artistique. Grâce à son style propre, l’artiste s’est imposé comme novateur et précurseur du paysage dans la peinture occidentale. Les peintures ont permis de redécouvrir la personnalité du peintre de le situer par rapport aux autres génies de la Renaissance :
Konrad Witz : 1400 – 1445
Léonard de Vinci 1452 – 1519
Albrecht Dürer 1471 – 1528
Mathias Gothard Nithart Grünewald 1475- 1528
« Le travail fantastique de l’équipe de restauration a permis de redécouvrir totalement l’icône du musée, une réalisation essentielle, très fragile », s’est réjoui Jean-Yves Marin, directeur du Musée d’art et d’histoire. Œuvre de référence, le retable du peintre bâlois est toujours cité et très demandé, a-t-il expliqué. « Le musée est sollicité environ une fois par semaine pour un prêt. » Le retable a en effet miraculeusement traversé les siècles. Initialement placé dans le maître-autel de la cathédrale Saint-Pierre, il a en grande partie échappé à l’iconoclasme protestant qui s’est abattu sur la ville dès 1535.
Marqués par les années, ayant connu des restaurations plus ou moins heureuses, les quatre volets du retable ainsi que leurs cadres devaient être restaurés. L’aspect structurel posait notamment problème, avec pas moins de 29 fissures. Les restaurateurs se sont penchés sur l’œuvre avec les plus grandes précautions, documentant au fur et à mesure toutes les étapes de leur travail.
Aujourd’hui le retable est à redécouvrir, au musée d’art et d’histoire de Genève, avec sa nouvelle chromatique et des éléments mis à jour. Sa restauration, d’un montant de 200 000 CHF (166 000 €), a été réalisée grâce au soutien de la Fondation Hans-Wilsdorf.
Photos courtoisie du conservateur et restaurateur Victor Lopez du MAHG
Partager la publication "Le retable de Konrad Witz,"
Réflexions de Michel Serres
Partager la publication "Joyeux Noël"
« L’alchimie qui se passe entre deux êtres n’appartient pas forcément à l’ordre des sens. C’est un climat qui naît de confiances réciproques et instantanées. (…) Sans cette alchimie, il n’y a pas de bon portrait. » (Confidences, 2006) Marcel Imsand
Tout commence avec Auguste Rodin. Mis au défi par
Léonard Gianadda, Marcel Imsand présente sa première exposition personnelle à la Fondation en 1985.
Il enchaîne en interprétant, avec son regard, les sculptures de Giacometti, exposées en 1986. Des liens étroits se tissent. Marcel Imsand devient un familier des lieux, croque les moments forts des vernissages et des concerts, fixe pour la postérité les artistes qui défilent à Martigny et, surtout, capte une atmosphère, une ambiance. Devant son objectif, les Anne-Sophie Mutter, Isaac Stern, Barbara Hendricks, ou Teresa Berganza traversent les jardins et le parc de sculptures sur un petit nuage ; ils font vibrer les milliers de spectateurs venus les applaudir à la Fondation.
Et, à chaque fois, Marcel offre à son ami Léonard une série de tirages si caractéristiques dont il a le secret et qu’il réalise dans la pleine maîtrise de son art.
En 1996, le photographe, a de nouveau les honneurs des cimaises de la Fondation.
Pour les grands anniversaires de la Fondation, Marcel Imsand offre à Léonard et Annette ce qu’il pouvait donner de meilleur. Il commence, pour les vingt-cinq ans, avec la série originale des photographies de Luigi le berger ; il poursuit, pour les trente ans, avec les originaux des reportages effectués durant trois décennies sur leur ami commun, Maurice Béjart.
En souvenir d’Annette, Marcel remet à Léonard une collection qui reflète les préoccupations d’une vie d’artiste et qui est constituée de quatre séries : Paysages, Portraits, Artistes, Les vieux amis.
Au total, plus de 500 chefs-d’oeuvre ont trouvé le chemin de la Fondation Pierre Gianadda ; les plus représentatifs y sont présentés et mis en scène.
L’EXPOSITION EST ORGANISÉE AUTOUR DES GRANDES COLLECTIONS OFFERTES :
En rouge, les séries offertes en 2003 :
1. Luigi le berger (1989-1991) 87 photographies en 2003, dont 50 photos exposées ;
2. Maurice Béjart (1975-1995), 63 photographies en 2009 ;
dans la salle Franck
3. Giacometti (1984-1986), 56 photographies en 2011 ;
En blanc avec des tirages numériques
4. Reportages sur les vernissages et les concerts (1982-1992), 100 photographies données
au fur et à mesure des événements ;
En vert, les photographies offertes à Léonard Gianadda en souvenir de son épouse Anette décédée en 2011.
5. Collection personnelle (1960-2000), quatre séries remises en 2011-2012.
L’ensemble constitue un témoignage d’une amitié indéfectible de 30 ans, et surtout, un condensé d’une oeuvre artistique de premier plan.
LE COMMISSARIAT de l’exposition est assuré par Jean-Henry Papilloud et Sophia Cantinotti.
LE CATALOGUE DE L’EXPOSITION Marcel Imsand et la Fondation Pierre Gianadda reproduit les
photographies exposées. Egalement disponibles : Luigi le Berger et Maurice Béjart. Prix de vente
CHF 45.– (env. € 37.50.–).
LA VIE ET SES SURPRISES
Entre Marcel Imsand et Léonard Gianadda, c’est une longue histoire. Une histoire jalonnée de rencontres amicales, de nombreuses lettres, dont on peut en voir quelques unes dans la salle Frank, et évidemment de photographies.
On connaît avant tout le photographe vaudois pour ses célèbres portraits de
Paul et Clémence (1982), Luigi le berger (1991), Les Frères (1996), mais également pour ses longues amitiés avec Barbara, Maurice Béjart ou Jorg Donn, pour les « Instantanés » publiés dans la Feuille d’Avis de Lausanne, puis dans le Sillon Romand ; sans oublier ses collaborations avec le C.I.O., le Grand Théâtre de Genève ou le Théâtre de Beaulieu.
Fils d’un ouvrier socialiste et d’une couturière habitant Broc, un petit village de Gruyère, rien ne prédestinait Marcel Imsand à embrasser une carrière de photographe. A quinze ans, désireux de voler de ses propres ailes, il entre dans la vie professionnelle comme livreur de pain à Lausanne.
Puis, après un début d’apprentissage de pâtissier à Vevey, il s’oriente finalement vers la mécanique de précision et part pour Neuchâtel. C’est là qu’il découvre la joie de voir apparaître une photo dans le bac du révélateur. Quinze ans plus tard, Marcel sait qu’il désire vivre de la photographie.
Léonard Gianadda, lui, est connu pour ses nombreuses constructions à Martigny, mais surtout pour la célèbre Fondation Pierre Gianadda, ouverte en 1978, en souvenir d’un frère trop tôt disparu. Une fondation visitée par des centaines de milliers de personnes chaque année : pour ses expositions et ses concerts prestigieux, son parc de sculptures unique en Suisse, son musée de l’automobile.
Fils d’un entrepreneur italien, petit-fils d’un émigré piémontais, qui aurait pu imaginer que Léonard Gianadda serait un jour un mécène et un entrepreneur culturel disposant d’un réseau de relations et de contacts envié par tous les responsables de musées ?
Curieusement, c’est lorsque la carrière photographique de l’un s’arrête que celle de l’autre prend son envol. A la fin des années 1950, après huit années de reportages passionnants, Léonard laisse de côté ses appareils photo et investit toute son énergie dans son métier d’ingénieur et d’architecte. A l’inverse, en 1964, Marcel démissionne de son poste de chef d’atelier dans une usine de moteurs de camions pour s’adonner entièrement à la photographie, un pari fou pour un jeune père de famille. Comme s’il suffisait souvent d’oser un grand pas pour que tout se mette en marche, et que l’impensable devienne réalité.
MARCEL, ARTISAN DU NOIR ET BLANC
Secondé par sa femme Mylène, Marcel peut enfin s’adonner à une passion qui occupait
auparavant ses nuits et ses week-ends. Très rapidement, osant s’aventurer dans les coulisses du Théâtre de Beaulieu, il réussit à tirer le portrait de grands artistes de passage (Rubinstein, Brassens, Brel, Barbara, Béjart…). Son audace, mais également les hasards de la vie lui ouvrent peu à peu des portes : il trouve un atelier, Rue de l’Ale 9 à Lausanne, publie un premier livre, Lausanne 1000, décroche un contrat avec La Feuille d’Avis de Lausanne pour publier chaque jour un instantané, devient le photographe officiel du Grand Théâtre de Genève. Dans les années 1970, sa carrière photographique est en plein essor : il est le photographe attitré de l’Encyclopédie illustrée du Pays de Vaud en douze volumes, il expose dans des galeries et publie des livres qui font sa renommée.
RENCONTRE
En février 1982, Marcel Imsand expose à Lausanne les tirages de Paul et Clémence. Série
photographique marquante, il y dévoile une profonde amitié tissée durant douze ans avec deux personnes âgées qui vivent retirées dans une ferme vaudoise, aux Dailles. Un livre paraît en décembre. Le succès est tel que l’ouvrage doit déjà être réédité en janvier 1983.
Si quelques images de reportage indiquent la présence de Marcel à la Fondation Pierre Gianadda en septembre 1983, à l’occasion d’un concert de la pianiste Brigitte Meyer, ce n’est qu’en novembre que la véritable rencontre entre Léonard et Marcel a lieu, lors d’un repas chez un ami commun.
Entre les deux hommes, le courant ne passe pas d’emblée. Seraient-ils de caractères trop
différents pour réussir à s’apprécier ? Et pourtant, quelques mois plus tard, Léonard Gianadda demande à Marcel Imsand de photographier les oeuvres présentées à Martigny dans l’exposition Rodin, afin d’en tirer des posters et des cartes postales. Marcel relève le défi avec brio. Le succès de la manifestation donne à la Fondation sa stature internationale et les cartes de Marcel sont dans toutes les mains.
Cette réussite encourage sans doute Léonard à programmer, avec les oeuvres de Marcel Imsand, la première exposition de photographies à la Fondation Pierre Gianadda. Du 7 novembre au 15 décembre 1985, l’artiste présente plus de cent oeuvres en noir-blanc. Le public est au rendez-vous et l’accueil de la presse est enthousiaste, à l’exemple de la Gazette de Lausanne qui note le 16 novembre :
« A travers ces nombreuses photographies se révèle une fois de plus la magie Imsand, cette mystérieuse et inimitable touche qui fait que l’on reconnaît son style, sans pouvoir vraiment expliquer pourquoi. C’est une mélange de poésie intimiste, de pudeur tendre, de sensibilité esthétique raffinée ».
A partir de cet instant, les deux hommes vont collaborer régulièrement. Entre eux s’établit un lien de confiance nourri par une admiration mutuelle. Leur sensibilité, leur curiosité, leur soif de rencontres et de partage sont finalement à l’unisson et constituent autant de portes ouvertes sur un monde où les miracles ne sont pas exclus.
Avec son Leica, discrètement, Marcel suit plusieurs fois par année les vernissages et concerts de la Fondation Pierre Gianadda, sans oublier les soupers d’après-concert. Il en rapporte des photographies de qualité et les transmet au fur et à mesure à Léonard. C’est ainsi qu’une collection de tirages originaux prend corps et s’étoffe au fil des années. On y retrouve le vernissage Alberto Giacometti, les concerts d’Anne-Sophie Mutter et Barbara Hendricks en 1986, la prestation des danseuses du Moulin-Rouge de Paris à l’occasion du vernissage de Toulouse-Lautrec, la venue de Yehudi Menuhin et de Teresa Berganza en 1987, la présence d’Isaac Stern en 1988, pendant Les Trésors du Musée de São Paulo… Des moments inoubliables sont interprétés par un des plus grands photographes suisses. Au-delà de l’aspect documentaire de ces clichés, c’est la force des moments partagés, des émotions vécues qui est transmise, restituée dans les tirages de Marcel :
« La grâce est un déclic. Comme si tu allumais une allumette, il y a une lumière.
Donc quelque chose s’allume en toi, tu es ému, tu es touché, tu es bouleversé. C’est un moment bref et il faut être conscient qu’il ne dure pas. Ce sont des instants d’étincelles […] Tant de rencontres ont été belles » confie-t-il à sa fille Marie-José.
En novembre 1996, dix ans après la première exposition, la Fondation met à nouveau à l’affiche des oeuvres de Marcel Imsand. Quatre séries de photographies, fruit d’un travail de plusieurs années, se déploient autour du temple gallo-romain : Les Frères, Luigi le berger, la vie dans les couvents, Maurice Béjart en création.
« Ce sont des années de travail qui m’ont permis d’arriver à cela, dit alors Marcel Imsand à Philippe Dubath du Matin, et je constate en regardant ces photos que ce travail n’était pas vain. Parce que je me retrouve totalement dans ces sujets, parce que dans ces photos, oui, il y a ma foi à moi. Je la montre comme je la ressens. »
La plupart des tirages exposés intègreront la collection de la Fondation Pierre Gianadda : Luigi le berger (résultat d’une des plus belles aventures du photographe), en 2003 ; Maurice Béjart en 2008 ; puis, en 2011 et 2012, la collection Giacometti, les négatifs de tous les vernissages et concerts suivis à Martigny, ainsi que quatre séries de portraits et de paysages. Au final, ces donations successives représentent un ensemble fort et cohérent de plus de cinq cents photographies, témoignage d’une amitié indéfectible et, surtout, condensé d’une oeuvre artistique de premier plan.
« Il est troublant, l’amour que ce paysage inspire, mais il faut aller plus loin. Pouvoir le partager ! C’est à cela qu’on rêve. » (Confidences, 2006)
Partager une émotion, un instant, un regard… voilà un des mots-clés de Marcel, mais également de Léonard, pour qui il était devenu évident qu’une large sélection de cette grande collection photographique devait être montrée au public. Ce sera chose faite dès le 7 décembre prochain.
Présentées deux fois aux côtés d’autres artistes, en 1985 et 1996, les oeuvres de Marcel Imsand occupent cette fois-ci toutes les cimaises de la Fondation, comme si le moment était enfin venu de dévoiler à tous une fidélité, une générosité et une amitié réciproques qui durent depuis trente ans.
Sophia Cantinotti
Jean-Henry Papilloud
Commissaires de l’exposition
FONDATION PIERRE GIANADDA
Rue du Forum 59
1920 Martigny, Suisse
RENSEIGNEMENTS
Tel : + 41 27 722 39 78
Fax : + 41 27 722 52 85
Contact : info@gianadda.ch
site : www.gianadda.ch
HORAIRES DE L’EXPOSITION
Tous les jours : 10h à 18h
à l’invitation de la Fondation Gianadda, texte et photos courtoisie de la Fondation
+ 3 photos de l’auteur
Partager la publication "Marcel Imsand et la Fondation Gianadda"
Pour sa première exposition après rénovation, la Chapelle des Annonciades du musée historique de Haguenau nous a gratifié d’une exposition magnifique de couleurs.
Anne-Sophie Tschiegg, coloriste de talents, nous a émerveillés une fois de plus, en nous montrant toute l’ampleur de son imagination. Des fleurs sur fond de rayures, des gammes, des pluies, des collages, passant avec virtuosité de l’abstraction à la figuration, organique ou végétale , avec poésie, délicatesse et générosité, elle est conforme à sa réputation de dompteuse de la couleur. Un ingénieux cabinet de curiosités montrait les sources de son inspiration, mais aussi son environnement, ses maîtres. Cette fois les 365 ou 366 ciels sur papier de paquets gitanes ont laissé la place à de somptueuses toiles de pluies et d’orages, sur des campagnes magnifiées.
Le lieu empreint de (presque) religiosité se prêtait à merveille, et donnait un cachet tout à fait particulier à ce vernissage. Les discours des diverses personnalités reflétaient l’étroite complicité entre Anne Sophie et Haguenau depuis de très longues années, dans le domaine culturel, en illustrant de sa touche personnelle les affiches et magazines de la ville, petit Lautrec à sa manière.
Avis aux amateurs, les toiles ont eu un grand succès, fleurs ou paysages de pluies, il n’y en aura pas pour tout le monde………
Après son exposition à l’espace Beaurepaire à Paris, son exposition à la Galerie Hagen à Offenbourg, à Brumath, à Art Karlsruhe galerie Vayhinger, (ne manquez pas la photo d’Anne-So), sa participation à la nuit blanche de Paris, son exposition au musée des Beaux Arts de Mulhouse, elle repart vers d’autres projets, munie de sa palette et de ses pinceaux magiques.
du mercredi au dimanche de 14 h à 18 h
www.wille-haguenau.fr 03 88 90 29 39
jusqu’au 20 janvier 2013
photos de l’auteur
Partager la publication "Anne-Sophie Tschiegg à la Chapelle des Annonciades de Haguenau"
03 novembre 2012 : Paul Durand-Ruel et le terrible Edgar Degas
06 novembre 2012 : Tinguely@Tinguely
11 novembre 2012 : 11 novembre et Poppy Day
14 novembre 2012 : « L’appel de la forêt »
17 novembre 2012 : Sensualité et spiritualité – À la recherche de l’absolu
20 novembre 2012 : MuMo, premier musée mobile d’art contemporain pour les enfants
24 novembre 2012 : st-art 2012
28 novembre 2012 : zeichnen zeichnen, toujours toujours
Partager la publication "Sommaire de novembre 2012"
Régionale 13
Commissariat : Sandrine Wymann et Sophie Yerly
Une ligne grise. A peine perceptible, vaguement tracee sur un coin de feuille blanche. Elle s’elance timidement, acquiert de l’assurance et s’affirme dans un ton assombri. La voie est libre, la ligne chemine, elle trouve les directions a suivre, les espaces a preserver. Elle connait intimement les regles de l’equilibre et s’enfuit quand une respiration s’impose. Elle s’epaissit, saisit de la noirceur, s’applique a occuper quelques centimetres carres. Son rythme s’accelere. Elle va et vient, tourne et s’enroule autour d’un centre qu’elle evite pour ne pas sombrer. Son corps s’etire et s’emmele, elle ne sait plus trop par ou s’echapper. Elle se repand et se perd, elle n’est presque plus ligne, elle est surface et noire. Une tache noire.
La Kunsthalle presente une exposition de dessins.
Les artistes de zeichnen zeichnen, toujours toujours
Le bureau du dessin, Pierre Clement, Monika Dillier, Judith Marlen Dobler, Cedric Eisenring, Lena Eriksson, Mireille Gros, Noemie Kukielczynski, Elisa Martin, Marianne Mispelaere, Laetitia Oser, Clement Richem, Emanuel Rossetti, Claudia de la Torre, Tomi Ungerer, Gunter Walter, Ulrike Weiss, Anja Wicki et Shabnam
Zeraati.
Le bureau du dessin cree depuis 2008 des rendez-vous inedits autour des formes multiples du dessin.
Il peut s’agir de projets courts : rencontres, workshops, debats mais aussi d’expositions dans des lieux de differentes natures ou plus recemment d’editions qui engagent la participation d’etudiants de trois des etablissements superieurs d’art du grand Est : L’ESAL (Ecole superieure d’art de Lorraine), L’ENSAN (Ecole nationale superieure d’art de Nancy), l’HEAR (Haute ecole des arts du Rhin).
Mulhouse invite Le bureau du dessin qui presente Places assises, une proposition des professeurs & artistes : Edouard Boyer, Jean-Jacques Dumont, Jean-Claude Luttmann, Etienne Pressager et Alain Simon, invitant 74 etudiants.
La regle du jeu est la suivante : chaque etudiant dispose d’une chaise d’ecole, en bois et metal, proche de la celebre Mullca 510.
Elle delimite son espace.
A chaque chaise, les quatre pieds au sol, sont associes un ou plusieurs dessins qui engagent un dialogue avec celle-ci.
Tomi Ungerer
Ne en 1931, vit et travaille en Irlande.
Vulvodendrum penifloris, 1988
Planche du Portfolio Tomi Ungerers Botanik
« Der Kamasutra der Frösche (Le Kamasutra des Grenouilles), Erzählungen für Erwachsene (Contes pour Adultes), Tomi Ungerer’s Botanik (La Botanique de Tomi Ungerer), des livres qui relevent du pur genre erotique, appartiennent a une veine qui s’est developpee dans les annees quatre-vingts et quatre-vingt-dix. Elle renvoie a une sexualite joyeuse et innocente et par sa truculence, peut etre qualifiee de rabelaisienne.
Non seulement le monde animal, mais aussi la botanique lui ont donne l’occasion de creer un monde erotique extraordinaire. Les fleurs et les plantes qui en font partie resultent de l’assemblage et de la juxtaposition saugrenus d’organes genitaux humains. Les noms latins fantaisistes, tels Orchis clitoriderecta ou Voluptiphallus autofellator, qu’il a imagines pour cette serie, lui conferent un cote pseudo-scientifique qui renvoie aux herbiers du XVIIIe siecle.
Therese Willer (Tomi Ungerer : Graphic Art, Editions du Rocher, 2011)
les artistes des 3 régions : France, Allemagne, Suisse : Pierre Clément-Monika Dillier-Judith Marlen Dobler-Cedric Eisenring-Lena Eriksson-Mireille Gros-Noémie Kukielczynski-Elisa Martin-Marianne Mispelaëre-Laetitia Oser-Clément Richem-Emanuel Rossetti-Claudia de la Torre -Tomi Ungerer-Günter Walter-Ulrike Weiss-Anja Wicki-Shabnam Zeraati-
Ulrike Weiss
Nee en 1956, vit et travaille Fribourg-en-Brisgau.
Les materiaux legers et flexibles comme le tissu, la gaze, le papier japonais, la feuille plastique, sont a la base du travail d’Ulrike Weiss. Fortement inspiree par les lieux qu’elle habite, l’artiste a ajoute a ces supports des elements issus de ses sejours repetes au Maroc : l’ornement, la combinaison, l’histoire imagee et la repetition geometrique.
Le dessin dans Images croisées intervient comme une partie de l’installation qui joue egalement sur la transparence et la superposition des images.
Images croisées, 2012 Installation, 12 couches de tulle, dessins a l’encre de Chine Ulrike Weiss Courtesy Ulrike Weiss
Clément Richem
Ne en 1986, vit et travaille a Strasbourg.
Clement Richem s’interroge sur la vie et cherche a en saisir le processus. Tout etre vivant ou element naturel etant le fruit du faconnement de l’histoire, il represente et communique son emerveillement face a cette complexite. Les effets du temps et des aleas sur la matiere sont au coeur de ses preoccupations.
Crayon noir sur papier 220 x150cm Clement Richem 2012, 2011
Mireille Gros
Nee en 1954, vit et travaille a Bale.
Les dessins Pink ink sont issus de deux longs sejours en Chine.
Le Wu Wei, est un concept philosophique traditionnel taoiste qui nomme une maniere de ne pas influer sur le cours du destin… Ici, l’encre rose coule sur le papier de chine yuan et fait naitre un dessin en utilisant le pinceau
et le papier de la maniere la plus minimale possible.
Dans cette serie Mireille Gros ne convoque ni theorie, ni concept, ni idee particuliere. Toutes les idees sont placees au meme niveau, sans preference, afin de privilegier le plus longtemps possible l’ouverture au comportement et au cours des choses.
Pink ink, 2011
Mireille Gros Encre sur papier chinois xuan 4 dessins 144 x 75 cm
Parallèlement à zeichnen zeichnen, toujours toujours, La Kunsthalle s’associe à La Filature pour présenter filmer, immer noch, une sélection de vidéos réalisées par les artistes sélectionnés de la Régionale 13.
filmer, immer noch
Jury video : Emilie George et Emmanuelle Walter
A travers une selection de 18 films courts, 16 artistes donnent un apercu de la scene video allemande, francaise et suisse. Singulieres, leurs propositions tendent vers des champs artistiques tres larges : du plan fixe au travelling, du rythme saccade au mouvement lent, de la narration au zoom sur la matiere, de la bande son au film muet, elles nous emmenent de la construction a la destruction, de l’apparition a l’effacement, du passe au present…
Projection à La Filature, Scene nationale, 20 allee Nathan Katz, Mulhouse
Du mardi au samedi de 11:00 a 18:30
Soirée inaugurale :
Vernissage de zeichnen zeichnen, toujours toujours : jeudi 22 novembre à 18:30 à La Kunsthalle. Suivi d’un Concert performance de I Apologize : jeudi 22 novembre à 20:30 à La Filature – Entrée libre Jean-Luc Verna, Pascal Marius et Gauthier Tassart
et filmer, immer noch, un choix de vidéos : jeudi 22 novembre 20:30 à La Filature
Egalement Du mardi au samedi de 11:00 à 18:30
Dimanche de 14:00 à 18:00 et les soirs de spectacles
Fermé du 24 décembre au 1er janvier
Entrée libre
Bustour : dimanche 9 décembre, départ à 10:50 devant la Filature, 20 allée Nathan Katz
11.45 Kunst Raum Riehen \ 13:15 Projektraum M54, Bâle \ 14.15 Ausstellungsraum Klingental, Bâle \ 15.15 Kunsthalle Basel \ 16.30 Retour á Mulhouse, arrivée env. 18.00
Accompagné de Maren Ruben, artiste.
Réservation obligatoire – tarif 20€
Informations complètes sur www.regionale.org
Kunstapéro : jeudis 6 décembre et 10 janvier à 18:00
Des oeuvres et des vins à découvrir : visite guidée suivie d’une dégustation de vins, en partenariat avec l’association Mulhouse Art Contemporain et la Fédération Culturelle des Vins de France.
Participation de 5 € / personne, inscription au 03 69 77 66 47 / kunsthalle@mulhouse.fr
A word for a play : samedi 8 décembre à partir de 15:00
Radio Désir installe son studio d’enregistrement à la Kunsthalle, au programme deux performances :
15:00 Martina Sofie Wildeberger
16:00 Jue Löffelhof
Ciné-club, cycle Citations: : mercredi 12 décembre à 20:30
Fahrenheit 451, film de François Truffaut, 1966 (1h52)
Dans un pays indéfini, à une époque indéterminée, la lecture est rigoureusement interdite : elle empêcherait les gens d’être heureux. La brigade des pompiers a pour seule mission de traquer les gens qui possèdent des livres et de réduire ces objets en cendres.
Guy Montag, pompier zélé et citoyen respectueux des institutions, fait la connaissance de Clarisse, une jeune institutrice qui le fait douter de sa fonction. Peu à peu, il est à son tour gagné par l’amour des livres.
En partenariat avec Musées Mulhouse Sud Alsace Amphithéâtre de l’Université de la Fonderie
Entrée libre
Kunstdéjeuner : vendredi 14 décembre à 12:15
Conversation autour d’une oeuvre suivie d’un déjeuner*
En partenariat avec l’Université Populaire
Gratuit, sur réservation
* repas tiré du sac
Concert dessiné Notes selon Notes : jeudi 20 décembre à 20:30
Bearboz (dessin), Markus Buser (mixage), Susanne Gärtner (flûte)
Entrée libre
texte Kunsthalle photo de l’auteur sauf la dernière (Jean Luc d la Verna)
Partager la publication "zeichnen zeichnen, toujours toujours"
ST-ART est organisée par Strasbourg Evénements, jusqu’au 26 novembre 2012, sous la Direction Générale de Claude Feurer. Pour cette 17ème édition, la Direction artistique a été confiée au galeriste
Yves Iffrig.
Actif sur la place strasbourgeoise depuis 7 années, la rigueur et la cohérence de ses choix font aujourd’hui de lui un des meilleurs galeristes de province. Il montre, entre autres, des artistes aussi renommés que Jean-Pierre Bertrand, (des peintures, 48ème
Biennale de Venise, Pavillon français, 1999, documenta 9, Kassel, 1992 )
Marc Couturier dont vient de s’achever une exposition remarquée au Musée de la Chasse et de la Nature à Paris, ou Claude Viallat, des
photographies Patrick Bailly Maître Grand et Pierre Savatier qui figurent dans les plus grandes collections publiques (Beaubourg, MoMA, notamment)..
Ses collectionneurs sont aussi bien privés qu’institutionnels. Sa connaissance du marché de l’art et des réseaux de collectionneurs de l’Espace rhénan sont un atout pour améliorer l’offre artistique et augmenter le volume d’affaires de la foire à laquelle il participe régulièrement depuis 2005.
La direction de la foire est confiée à Philippe Meder, Directeur de Salon au pôle Culture et Tourisme de Strasbourg Evénements.
La sélection des galeries est soumise au Comité consultatif composé du Directeur Artistique et de cinq directeurs de galeries, avec pour principaux critères de choix, la qualité des expositions proposées et la cohérence avec la spécificité de ST-ART en matière d’art moderne et contemporain.
Le Comité de sélection est composé des galeristes : Jean-Pierre Arnoux, Paola Forni, Pascal Gabert, Ferran Josa Monegal et Jean-Pierre Ritsch-Fisch
Session après session, ST-ART affirme son statut de Foire Européenne d’Art
Contemporain. Aux galeries venues du « noyau européen » : Allemagne, Belgique, Espagne, Italie, Luxembourg s’ajoutent ponctuellement celles originaires des Pays Bas, de Suède, de Hongrie, de Suisse, du Danemark, de Turquie, de Roumanie, de République Tchèque ou encore de Corée du Sud et du Japon.
Pour la représentation française, la marque distinctive de ST-ART est d’avoir ménagé une place importante aux galeries régionales aux côtés des galeries parisiennes.
Afin que ST-ART conserve son image conviviale et adaptée aux 30 000 visiteurs qui s’y rendent, le nombre des galeries présentes n’excède pas une centaine.
Pays représentés : Allemagne : 12 galeries, Espagne : 7 galeries, Italie : 3 galeries,
Divers : 4 galeries
ACQUESTARTE, Suisse I GALERIE LIBRE COURS / MARTINE EHMER, Belgique I NFF JAPON, Japon I GALERIE OLINK, Pays-Bas, France : 65 galeries, dont la région de Strasbourg : 11 galeries
ASSOCIATION ARAHM I GALERIE CHANTAL BAMBERGER I GALERIE BRÛLÉE I GALERIE NICOLE BUCK I GALERIE PASCALE FROESSEL I GALERIE BERTRAND GILLIG I GALERIE YVES IFFRIG I L’ESTAMPE I GALERIE NO SMOKING I RADIAL ART
CONTEMPORAIN I JEAN-PIERRE RITSCH-FISCH GALERIE.
Petit Florilège
La Galerie d’art Anquin’s (Espagne) Jesus Curia. Les sculptures de Jesus Curia reposent sur une combinaison idéale de textures et de matériaux : fer, bronze, bois, méthacrylate, marbre. L’artiste confronte les visages, qui reflètent une inclination
marquée au modelage et au volume et les corps conçus comme des blocs presque géométriques où les physionomies humaines sont à peine ébauchées ou suggérées, jusqu’à aboutir à des oeuvres d’un grand équilibre qui transmettent une réflexion profonde sur l’être humain et sa spiritualité.
JEAN PIERRE RITSCH-FISCH GALERIE, Strasbourg – France
Dans le cadre de ST-ART 2012, nous présentent un stand qui s’articule autour de la notion de cabinet de curiosités.
(Un cabinet de curiosités était un lieu où étaient entreposés et exposés des objets collectionnés, avec un certain goût pour l’hétéroclisme et l’inédit. On y trouvait couramment des médailles, des antiquités, des objets d’histoire naturelle (comme des animaux empaillés, des insectes séchés, des coquillages, des squelettes, des carapaces, des herbiers, des fossiles) ou des oeuvres d’art.
Dans ce contexte des oeuvres les artistes suivants sont présentées :
A. C. M. Denise Aubertin Morton Bartlett Antoine Bernhart
Hervé Bohnert Roger Chomeaux dit CHOMO
Philippe Dereux Keith GoodhartGérard Lattier Michel Nedjar
Jean-Joseph Sanfourche et des pièces vaudou africaines,
Hervé
CASCADE ART SPACE, Kehl – Allemagne
a été créée avec le désir de faciliter les échanges culturels, qui deviennent de plus en plus importants dans ce monde d ́art globalisé. La directrice Hyun Mi Lee avait fondé sa galerie hmgallery en 2005 à Sydney spécialisée dans les croisements entre l’Asie, l’’Australie et l’Europe. Elle a réalisée comme
directrice d ‘art et curateur plusieurs expositions dans des galeries et musées en Corée, Allemagne Australie et Chine et a présenté ses artistes dans les foires d’art internationales comme Seoul, Melbourne, Cologne, Beijng, Singapore…
Hyun Mi Lee travaille avec des artistes d’Europe et d’Asie. Elle met particulièrement le focus sur des projets internationaux qui réalisent un
dialogue entre l ‘art visuel et la conception intellectuelle.
2012 est sa première participation à ST-ART.
Artistes présentés à ST-ART :
Robyn Base, Australie – Pat Kramer, Raban Spiegel, Allemagne
Olivier Perriquet, France – You Mee Lee, Gu Hyun Mo, Corée
DOCK SUD, Sète – France, baptisée comme, phonétiquement Languedoc et dock comme lieu d’échange portuaire, met l’accent sur la découverte et la promotion d’artiste sétois et du sud de la France, le département DOCK SUD CHINE est né de la volonté d’organiser dans un premier temps des résidences d’artistes français à Pékin, il repère désormais des artistes chinois comme LI Wei, LIU Zhengyong ou encore SHEN Jingdong, et investit sur leur production en les accompagnant dans leur réussite.
Li Wei utilise son propre corps pour produire des oeuvres à la fois troublantes et provocatrices et même comiques. Li Wei continue d’explorer les réalités multiples de la société contemporaine et s’attarde sur la mondialisation de la Chine, l’environnement en constante évolution urbaine et des préoccupations plus personnelles comme l’amour, la famille, le bonheur et la déception.
Liu Zhengyong excelle à faire le portrait de personnages souvent en buste, en proie à des sentiments qui les brûlent. Du bout de son pinceau, il écrase d’un geste vif la couleur despote et fait vibrer la chair d’un feu secret*. Les corps ainsi sculptés par les masses d’huile, campent, posent, se souviennent.
Pour Liu Zhengyong la préservation du passé est fondamentale et ses personnages en deviennent les gardiens.
Shen Jingdong. Pour beaucoup d’artistes contemporains chinois,
l’iconographie de leur nation a servi de principale source
d’inspiration et de création. L’artiste Shen Jingdong utilise aussi ces
icônes communistes dans ses peintures et ses sculptures. Il peint
les soldats et l’univers qui l’a entouré durant ses seize années
passées dans l’armée, mais il le fait d’une manière entièrement
nouvelle. Shen Jingdong, (Le Fifre, 2011) présente ses soldats dans la lumière la plus brillante avec dans son esprit les icônes de Mao Zedong, les
BD Japonaises, les guerriers en terre cuite provenant de tombes
anciennes et les enfants soldats dans la «Eight Route Army». Pour
lui, ils ne sont pas que de simples machines à tuer, mais plutôt des
objets de consommation, des jouets, sortant tout droit d’un rayon
de grand magasin, pouvant être manipulés à volonté.
GALERIE CHANTAL BAMBERGER, Strasbourg – France
La Galerie Chantal Bamberger a ouvert ses portes en septembre 2005 avec une exposition Louise Bourgeois.
A l’origine de cette aventure, un goût, une passion pour l’art contemporain qui se sont confirmés au fil des ans, en un réel engagement pour les artistes. Depuis lors, à raison de 7 expositions par an, la galerie offre ses
cimaises aux artistes de dimension internationale (Alechinsky, Bacon & Hockney, Bram van Velde, Cueco, Garache, Kolar, Michaux, Motherwell, Ernest Pignon-Ernest, Tapies, Titus-Carmel, Plensa, Serra, Le Gac, Voss etc..) et propose la découverte de nouveaux talents en donnant leur chance aux jeunes artistes : Ann Loubert, C. Gangloff, J. Taïb, J. Bastin, Sefolosha, Mortiaux… La galerie compte une trentaine d’artistes
(peintres, sculpteurs, graveurs, photographes) dont les oeuvres ont été présentées dans le cadre de nombreuses expositions personnelles ou collectives en galerie et hors les murs : échanges avec des galeries
internationales (Düsseldorf, Bâle), participation aux Foires d’Art Contemporain. Une exposition thématique
(Collages 2012, Bestiaire 2008, Eros & Thanatos 2009, Plume et Pinceau 2007…) réunit chaque année, quelques artistes autour de l’oeuvre singulière d’un maître déjà entré dans l’Histoire de l’Art. Les oeuvres sont exposées dans un espace intime, celui d’un appartement à l’étage d’un immeuble Art Déco situé au coeur de la ville. Une attention toute particulière est réservée aux oeuvres sur papier (dessins, estampes) qui permettent une plus grande diffusion, à plus d’accessibilité.
Et enfin quelques oeuvres abstraites choisies dans sa collection, carte blanche donnée à G. et M. Burg
photos et vidéos de l’auteur
texte st-art
Partager la publication "st-art 2012"
Dans le cadre de sa tournée 2012-2013, MuMo, premier musée mobile d’art contemporain pour les enfants fera étape en Alsace du 13 au 27 novembre (détail des dates ci-après).
Les 21 et 22 novembre, il sera notamment à la Kunsthalle pour accueillir des enfants défavorisés, en collaboration avec ATD Quart-Monde. Les visites seront suivies d’ateliers mis en place par une plasticienne.
MuMo est un container qui se transforme en musée pour aller directement à la rencontre des enfants exclus de l’accès à la culture et leur présenter les créations inédites de 15 grands artistes internationaux : Daniel Buren, Claude Lévêque, Maurizio Cattelan… Cette initiative est porteuse de lien social en apportant du rêve et du questionnement aux enfants, et en fédérant et dynamisant les actions culturelles et éducatives sur le terrain.
Concept original, MuMo a pour vocation de réduire une fracture artistique due à l’éloignement:
– géographique : 16,8 % des français habitent à plus d’une heure d’un musée,
– économique : quand 20% des français renoncent aux dépenses de santé les dépenses culturelles apparaissent superflues
– psychologique : l’art contemporain est perçu comme un art complexe et élististe, réservé aux intitiés.
En 1 an de tournée, 75% des instituteurs qui ont accueilli le Musée Mobile dans leur école pensent que cette première rencontre avec l’art contemporain, décrite comme une expérience inédite et interactive, a eu un impact positif pour les enfants. Suite au passage de MuMo, 80% des structures ont initié soit une journée consacrée à l’histoire de l’art ou aux arts plastiques, soit des ateliers.
Né de la conviction que l’art est un outil d’ouverture et de partage susceptible d’abolir les frontières et de transformer notre vision du monde, MuMo est un musée mobile destiné à aller directement à la rencontre des enfants sur leur lieux de vie : cour d’école, centre de loisirs, parking d’un quartier…
Ce musée itinérant lancé en 2011 sur les routes de France et d’Afrique propose aux plus jeunes une confrontation directe avec les oeuvres d’art spécialement concues pour eux par 14 artistes de renommée internationale. Sous forme de container, il se déploie pour s’ouvrir sur quatre espaces distincts, chacun plongeant les enfants dans un univers différent : peinture, sculpture, installation, vidéo, design…
UN PARCOURS DE 18 000 km
UN PUBLIC DE 20 000 ENFANTS
+ 60 écoles partenaires
Depuis le début de la tournée, 75% des instituteurs et éducateurs qui ont accueilli MuMo pensent que cette première rencontre avec l’art contemporain a eu un impact positif pour les enfants. 80% d’entre eux ont initié des ateliers spécifiques pour prolonger l’initiation
MuMo et les artistes
Daniel Buren Deplie ca va mieux ! 2010
Paul McCarthy Red Rabbit 2011
Maurizio Cattelan Immagine 2011
James Turrell (Untitled) 2011
Jim Lambie Zobop for MuMo 2011
Claude Lévêque Nous irons jusqu’au bout 2012
Nari Ward Lace Lift 2011
Huang Yong Ping Ni hao, Ni hao 2011
John Baldessari Show dogs
Ghada Amer Baisers #1 2011
Florence Doléac Doudoucho Show 2011
Eija Liisa Ahtila Companions 2011
Pierre Huyghe Zoodrama 2011
Farhad Moshiri Melt 2011
Roman Signer Kayak 1989
Fort du succès de sa tournée en France et en Afrique, MuMo revient dans l’Hexagone en septembre 2012, afin d’offrir une première expérience artistique à davantage d’enfants que le contexte géographique, mais aussi social, exclut de l’accès à la culture. Ce parcours a été élaboré en collaboration avec l’UNESCO et son réseau d’écoles associées en milieu rural, et ATD Quart-Monde, qui favorise la diffusion des talents et des savoirs en organisant de nombreuses actions culturelles à destination des publics défavorisés.
Point d’orgue de cette nouvelle édition, MuMo sassocie a Lille 3000 / FANTASTIC du 21 décembre 2012 au 13 janvier 2013. Dans le cadre de cette manifestation qui permet de faire découvrir l’art contemporain à un public très large, MuMo accueillera les petits lillois à la toute nouvelle Gare Saint-Sauveur et effectuera une itinérance dans les communes de la métropole, de part et d’autre de la frontière entre la France et la Belgique.
MuMo (le Musee Mobile) donne a voir et a découvrir les projets spécifiques de 15 artistes, qui sont autant d’acteurs majeurs de la scène contemporaine internationale. Chacun des artistes sollicités a réalisé ou choisi une oeuvre en direction d’un public d’enfants, en tenant compte d’un contexte singulier : penser l’oeuvre dans un espace limité,
prendre en compte les contraintes liées à l’itinérance, du container, mais surtout imaginer la confrontation des enfants avec leurs créations. A l’occasion de cette nouvelle tournée, MuMo s’enrichit d’une nouvelle contribution artistique: celle de Claude Lévèque, qui succède a Huang Yong Ping dans la salle 3.
Des visites inédites et réservées aux enfants
Durée des visites : 30 à 45 minutes / Nombre d’enfants par visite : 14 enfants
Accompagnement : Une médiatrice spécialisée jeune public.
Déroulement type d’une visite :
1. Distribution du petit guide de l’exposition à chaque enfant et instructions données par la médiatrice pour le bon déroulement de la visite.
2. Visite avec la médiatrice spécialisée dans le musée
mobile, déambulation libre et visionnage des vidéos.
3. échanges après la visite avec un intervenant issu du monde de l’art ou de l’éducation, plasticien, critique, conservateur, conseiller pédagogique… musée
Haut-Rhin
15/11 – 68600 Neuf-Brisach
Ecole élémentaire UNESCO – 13, Rue d’Angoulême
19/11 – 20/11 – 68840 Pulversheim,
Ecole primaire – Place Charles de Gaulle 68840
21/11 – 22/11- 68 100 Mulhouse (ATD Quart-Monde)
La Kunsthalle, Centre d’art contemporain La Fonderie 16 rue de la Fonderie
23/11 – 68840 Pulversheim
Ecole primaire – Place Charles de Gaulle 68840
26/11 – 27/11 – 68 260 Kingersheim
Ecole de la Strueth
LES HORAIRES
3 visites le matin 9h30 – 12h30 3 visites l’après-midi 14h – 17h
Site Internet : www.musee-mobile.fr
Blog : www.musee-mobile.fr/blog
Contact : info@musee-mobile.fr
Fondatrice : Ingrid Brochard Ingrid.brochard@gmail.com
Communication et presse : Sophie Lawani-Wesley solawa@noos.fr
+33 (0)6 76 74 68 74
Logistique : Clara Vorfeld clara.vorfeld@gmail.com
+33(0)6 33 88 51 55
Lucie Avril lucieavril@gmail.
Partager la publication "MuMo, premier musée mobile d'art contemporain pour les enfants"
L’exposition Sensualité et spiritualité. À la recherche de l’absolu, composée de cent quatorze oeuvres, peintures et dessins, a l’ambition de renouveler le regard porté sur la peinture religieuse de Jean-Jacques Henner (1829-1905).
Grâce aux prêts importants consentis par plusieurs institutions
françaises et à la collection du musée, elle permet de
saisir comment Henner aborde le sujet religieux, entre représentation
sensuelle et profonde spiritualité. L’exposition met également
en lumière la singularité de sa démarche artistique qui allie
recherche de perfection formelle et absolu métaphysique.
Afin de replacer Henner dans son milieu artistique, philosophique
et politique, plu sieurs oeuvres de ses amis et contemporains sont
présentées : Paul Baudry, Léon Bonnat, Eugène Carrière, Alphonse
Legros, Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes et Théodule
Ribot. C’est le cheminement de la pensée de l’artiste et la fabrique
de son oeuvre que le visiteur peut ainsi découvrir au travers des
carnets, des agendas, des dessins et études préparatoires aux
tableaux présentés aux Salons.
« J’étais tout à fait au début de ma route »
Jean-Jacques Henner est né le 5 mars 1829
à Bernwiller, petit village situé au sud de l’Alsace. Il débute sa formation au collège d’Altkirch auprès de Charles Goutzwiller qui lui enseigne le dessin, puis dans l’atelier de Gabriel Guérin à Strasbourg. Tous deux lui communiquent leur passion pour les oeuvres des primitifs allemands. Le Christ mort d’Holbein du musée de Bâle
et le retable d’Issenheim de Grünewald qu’il admire à Colmar vont tout particulièrement marquer son oeuvre. Puis, il s’installe à Paris pour suivre la formation dispensée à l’École des Beaux-Arts qui repose sur le dessin d’après modèles vivants et la copie d’antique, et fréquente les ateliers de Drölling et Picot. Présenté pour la première fois, après un long travail de restauration, le Ecce Homo de 1849 est le premier tableau à sujet religieux de Henner. Cette oeuvre où les personnages ressemblent à des « figures habillées » illustre ses premières recherches artistiques.
C’est en abordant un thème de l’Ancien Testament, Adam et Ève découvrant le corps d’Abel, qu’il est récompensé en 1858 par le premier Grand prix de Rome de peinture. La confrontation des trois études dessinées, de l’esquisse peinte à côté de la version définitive permet de saisir ses hésitations et tâtonnements pour trouver la composition juste. Il modifie la position du bras et de la main droite d’Abel sur le sol, le dos et le profi l du visage d’Ève ; il adoucit les contours des figures. Le corps d’Abel étendu mort au premier plan ouvre une série de compositions sur le nu masculin, thème de prédilection de l’artiste tandis que le traitement d’Ève, penchée sur le corps de son fils, préfigure les Vierges de pitié des années 1890.
(© École nationale supérieure des beaux-arts, Paris / J.-M. Lapelerie)
« Je me rappelle, pour mon académie du concours de
Rome, j’avais travaillé deux jours ; je faisais mesquin
quand, tout à coup, j’ai pris un parti et j’ai posé mes tons […] C’est cela qui m’a fait avoir le prix. »
En 1859, Henner part à Rome comme pensionnaire à la Villa Médicis où
il demeure jusqu’en 1864. Son séjour en Italie lui permet de se familiariser avec les grands artistes : Fra Angelico, Titien, Bellini, Botticelli et Raphaël.
À la Galleria de Parme, il reproduit à plusieurs reprises la
Descente de croix de Corrège dont le traitement de la lumière
et l’usage du clair-obscur l’influencent profondément.
Ce travail de copie d’après les maîtres constitue une étape
importante dans la formation des artistes du XIXe siècle. Il permet à Henner de se constituer un répertoire de modèles, de formes, de lignes et de
couleurs dans lequel il va puiser pour construire son langage pictural.
La « grande forme » et le sensible
Influencé par Léonard, Corrège et Rembrandt, Jean-Jacques Henner est avant tout attentif à la forme, perçue non comme la restitution d’éléments
observés, mais au contraire comme principe d’unitépermettant de rendre sensible l’essence de l’être. Il note dans son agenda, le 17 septembre 1875 :
« Je me suis trop attaché à certains petits détails, à l’oeil
par exemple, et j’ai oublié la grande forme ».
Ses préoccupations font écho à la philosophie spiritualiste de Félix Ravaisson-Mollien (1813-1900), dont il fi t le portrait en 1886, et de Gabriel
Séailles (1852-1922). Pour Ravaisson, en effet,
« l’art écarte les obstacles pour faire voir à l’état de
pureté la tendance, la volonté de la nature, c’est à-
dire au lieu de la réalité avec ses imperfections
inévitables, l’idéale et absolue vérité ».
La présentation de la série d’oeuvres et d’études autour de la Madeleine illustre le cheminement artistique de Henner. Inspiré sans doute par un
petit tableau figurant « une jeune vierge endormie sur une pierre » qu’il a découvert en visitant l’église Santa Prasseda de Rome et copié dans un
carnet, il peint en 1860 une Madeleine pénitente.
Cette oeuvre présente bien des similitudes avec celle réalisée par son ami Paul Baudry exposée au Salon de 1859. Si elles évoquent d’abord de belles
« pécheresses », la sensualité et la beauté du corps renvoient également à une recherche d’absolu spirituel.
La Madeleine au désert de 1878 marque une évolution de son approche artistique. Peu à peu, il se détache de sa formation académique, abandonnant
le répertoire iconographique traditionnel et la description des corps pour chercher à peindre des formes épurées.
Un même processus est à l’oeuvre dans la série de représentations du Bon Samaritain ou de Saint Jérôme. Henner délaisse les détails pour tendre vers une composition idéale rendant sensible la souffrance. Pour son Saint Jérôme, des dizaines de séances sont nécessaires en 1880 afin de simplifier le modelé et trouver l’expression juste :
« la main gauche de mon saint Jérôme m’a fait joliment chercher […] j’avais l’impression qu’il tendait la main pour demander un sou. Voilà ce qu’il fallait[…] la main bien ouverte, les doigts raidis. »
Le thème majeur de l’exposition, manifeste la
religiosité spécifique qui caractérise l’oeuvre de Henner. Elle renvoie aux drames humains qui l’ont particulièrement marqué : la mort de ses soeurs,
Madeleine en 1852 puis Marie-Anne en 1893, et la maladie de son frère Séraphin. Toutefois, c’est moins la méditation sur la mort qui retient l’attention
du peintre que l’intérêt pour la figuration de l’Esprit : peindre le corps et rendre l’âme.
Cet aspect est particulièrement remarquable dans l’ensemble d’oeuvres sur le thème du
Christ mort que réalise Henner à partir de 1876. S’inspirant
du Christ au tombeau d’Holbein ou du Christ mort couché sur son linceul de Philippe de Champaigne, il reprend à cinq reprises, entre 1879 et 1899 le
même sujet : un corps nu masculin, allongé à l’horizontale
dans un espace de plus en plus serré.
__
Henner se concentre sur l’expression du visage du Christ, rendue grâce à une technique
picturale maîtrisée, alliant la pâte épaisse et le glacis le plus subtil. L’ombre et la lumière qui sculptent les formes dans l’esprit de Corrège, les contours flous inspirés de Léonard et Rembrandt, le contraste entre le clair et le foncé à la manière des espagnols Vélasquez ou Ribera, confèrent aux scènes une dimension sacrée. Henner est parvenu à rendre la nature humaine et divine du Christ.
En 1902, Henner peint un Christ mort étendu au pied de la croix et ajoute, à l’arrière-plan, des membres de sa famille (Madame Séraphin Henner, Eugénie Henner portant toutes les deux le voile alsacien du deuil ainsi que Jules Henner) dans l’attitude des donateurs. Il mêle ici, sans véritable hiérarchie, la sphère sacrée et la sphère profane. Cette oeuvre qui clôture le cheminement de la pensée de l’artiste illustre l’interpénétration,
fréquente dans la peinture religieuse du tournant du siècle, de la scène biblique et du quotidien.
« C’est la chose la plus
diffi cile en peinture de faire un Christ »
Avec Saint Sébastien, Henner franchit une nouvelle étape dans sa quête de l’absolu. Pour
cette oeuvre présentée au Salon en 1888, il néglige les éléments utilisés traditionnellement
pour illustrer le martyre : les flèches apparaissent discrètement en bas du tableau, il n’y a pas d’arbre et toute représentation de la souffrance est absente. Le paysage urbain qui servait de cadre à la scène, présent dans les premières études dessinées,
a disparu. Il laisse place à un fond sombre. Le corps du saint est simplement évoqué. Sa
forme est très synthétique, sans détails anatomiques.Il a perdu sa pesanteur et la lumière intense qui l’enveloppe accentue le caractère abstrait et anti-naturel de la scène, la projetant dans un au-delà rempli de mystères.
texte et images coutoisie musée Jean Jacques Henner
Musée JJ Henner
43 avenue de Villiers
75017 Paris
01 47 63 42 73
publics@musee-henner.fr
www.musee-henner.fr – www.henner-intime.fr (blog)
Sur votre téléphone portable avec l’application « oMusée »
Accès Métro : Malesherbes (ligne 3), Monceau (ligne 2)
Bus : 30, 31, 94
Horaires
11h-18h, tous les jours sauf le mardi et certains jours
fériés
Nocturne jusqu’à 21h le premier jeudi du mois
Tarifs
Plein tarif : 5 €, 7 € (exposition + activités culturelles)
Tarif réduit : 3 €, 5 € (exposition + activités culturelles)
Gratuité : conditions applicables dans les musées
nationaux
Parcours-atelier de dessin pour les enfants :
6,50 € (tarif unique)
Réservation : publics@musee-henner.fr
Partager la publication "Sensualité et spiritualité – À la recherche de l’absolu"