Elle ne sera peut-être pas élue « l’alsacienne de la semaine « (voir l’Alsace du lundi 7 mai) mais elle aura notre préférence ce week end. Son art lyrique flirtant avec l’abstraction, ensoleille les cimaises du musée des Beaux Arts de Mulhouse jusqu’au 10 juin.
Anne Sophie Tschiegg nous informe qu’elle peindra une toile « en direct » ces 12 et 13 mai au musée des Beaux-Arts de Mulhouse. (de 14h à 18h) Elle sera accompagnée par Corine Lindenqui fera une lecture de textes itinérants, de Lisbonne à Vladivostok (avec détours par Brooklyn.) Pour ceux qui ne l’ont pas encore vue, veuillez trouver ci dessous le lien de la vidéo réalisée lors de la Nuit Blanche à Paris en octobre 2011
Jusqu’au 20 mai 2012 il ne reste que quelques jours
Réunissant plus d’une centaine d’œuvres, l’exposition Au fil des collections, de Tiepolo à Degas propose un nouveau regard sur la collection – rarement montrée – de la Fondation de l’Hermitage. Articulée autour des chefs-d’œuvre du musée (Tiepolo, Bocion, Sisley, Degas, Vuillard, Vallotton, Valadon, Braque, Magritte, etc.), cette présentation les confronte avec d’autres joyaux, souvent inédits, des collections suisses, publiques et privées, en un dialogue original et novateur.
Lorenzo Tiepolo Tête de vieillard avec livre (Le philosophe), vers 1770 fusain rehaussé de pastel, 40 x 30 cm
Le parcours s’ouvre avec les Tiepolo, artistes majeurs du XVIIIe siècle vénitien, à qui une salle entière est consacrée. Les dessins appartenant à l’Hermitage sont confrontés à des feuilles issues d’autres collections, mettant en lumière le génie graphique de cette illustre famille de créateurs. François Bocion, l’un des peintres importants de la collection de la Fondation, est représenté dans l’exposition par une riche sélection de vues vénitiennes et de parties de plaisir sur le Léman. Le thème de la promenade sur le lac, cher à l’artiste, est particulièrement mis à l’honneur dans l’un des grands salons de la demeure, grâce un accrochage panoramique de tableaux qui, au fil de l’eau, emmènent le visiteur de Chillon à Lausanne.
Edgar Degas Danseuses (Danseuses au repos), vers 1898 pastel sur cinq feuilles de papier réunies, 83 x 72 cm
Le pastel Danseuses d’Edgar Degas, reçu en legs en 1998, est un autre chef-d’œuvre de l’Hermitage. Réunie autour de ce somptueux dessin, une sélection d’œuvres de l’artiste illustre le thème de la danse et permet de comprendre toute la modernité de ses compositions. L’impressionnisme occupe naturellement une place privilégiée au cœur de l’exposition. Le musée est en effet intimement lié à ce courant novateur depuis son exposition inaugurale, en 1984, L’impressionnisme dans les collections romandes. C’est d’ailleurs un lumineux paysage réalisé par Alfred Sisley qui fut la première œuvre à intégrer la collection. S’accordant particulièrement bien aux modèles et à l’atmosphère impressionnistes, l’admirable demeure du XIXe siècle offre un écrin à plusieurs tableaux réalisés par des grands maîtres de cette période, tels Gustave Caillebotte ou Henri Fantin-Latour. Associé au mouvement Nabi, Félix Vallotton poursuit quant à lui une voie personnelle et originale. Ami intime d’Edouard Vuillard, il peint souvent en sa compagnie, notamment à Romanel-sur-Lausanne, où tous deux séjournent en 1900. Présentés côte à côte dans l’exposition, les tableaux des deux artistes sont accompagnés d’un ensemble de paysages de Vallotton illustrant le thème du chemin, récurrent dans l’œuvre tardif du peintre. Rodolphe Théophile Bosshard Le Miroir d'Argentine, 1924
Dans les combles du musée se trouvent rassemblées des peintures d’artistes vaudois actifs dans les premières décennies du XXe siècle, de René Auberjonois à Louis Soutter, permettant de saisir les nouvelles tendances de l’art en Suisse à cette période charnière. Une autre section de l’exposition est consacrée à René Magritte et déploie un ensemble de dessins, gouaches et huiles autour de sa correspondance avec le poète Gui Rosey, dont les archives ont été acquises par la Fondation en 1989. La présentation se clôt avec un remarquable ensemble de tableaux et dessins de Suzanne Valadon, donnés à l’Hermitage en 2007, dont les couleurs vibrantes sont articulées dans des compositions simples et fortes. En point d’orgue de la visite, de nombreuses vues prises depuis le Signal et la campagne de l’Hermitage viennent rappeler que le site fut de tout temps prisé par les artistes, tel Camille Corot.
– Commissariat : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage
– Catalogue :
publié en coédition avec les Editions 5 Continents à Milan. Préfacé par Sylvie Wuhrmann et reproduisant en couleur la majorité des oeuvres exposées, le catalogue réunit les contributions de Béatrice Aubert-Miéville, Antoine Baudin, Aurélie Couvreur, Jill DeVonyar et Richard Kendall, Florence Friedrich, Dominique Hoeltschi, Dave Lüthi, Katia Poletti et Nathalie Strasser.
du mardi au dimanche de 10h à 18h, le jeudi jusqu’à 21h, fermé le lundi
photos visuels presse courtoisie Fondation de l’Hermitage
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Un nombre plus important de visiteurs. Dans un contexte économique et politique difficile et un environnement culturel fortement concurrentiel, DRAWING NOW PARIS I LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN a réussi à attirer près de 19 000 visiteurs, soit une progression de 5% par rapport à l’année dernière. Sur ces 19 000 visiteurs, plus de 20% d’entre eux poursuivaient leur découverte par la visite du HORS LES MURS au 17 rue de Richelieu.
De nombreux collectionneurs ont eu également plaisir à revenir plusieurs fois afin de prendre le temps de découvrir les propositions variées des 82 galeries et pour un grand nombre de concrétiser leurs achats.
Un accrochage plus lisible, une foire de qualité. Les échos unanimes ont salué une foire qui s’affirme plus qualitative d’année en année. Les visiteurs ont apprécié le retour de galeries de renom et la qualité des one man show d’artistes reconnus ou à découvrir servis par un accrochage plus lisible que les années précédentes. Le secteur EMERGENCE avec 12 galeries de moins de 4 ans a, comme l’année dernière, suscité beaucoup d’intérêt. Clément Bago schalk-jaune-2011-encre-sur-papier-calque-jaune 295x21cm
Avec 400 artistes présentés, 82 galeries dont 30 % de galeries étrangères et 40 % de nouveaux arrivants, ainsi que 12 oeuvres monumentales présentées au 17 rue de Richelieu, DRAWING NOW PARIS I LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN a ainsi offert aux visiteurs un large panel de la création contemporaine des 50 dernières années.
Un climat d’affaires tendu mais finalement actif. L’ensemble de ces éléments ont contribué sans doute à un climat d’affaires finalement plus dynamique que prévu.
S’il a fallu attendre le week-end pour que les ventes se confirment, un grand nombre d’exposants (plus de 40 %) s’estiment très satisfaits de leurs ventes. Les exposants fidèles à DRAWING NOW PARIS ont été largement récompensés de leur implication par des ventes soutenues. Avec des œuvres vendues entre 500 € et 50 000 €, le salon a su prouver qu’il sait attirer de nouveaux amateurs comme des collectionneurs plus avertis.
La galerie Jean Fournier souligne le succès de cette édition, la meilleure pour elle depuis sa première participation : elle a ainsi vendu plus de 33 oeuvres dans une fourchette de prix allant de 600 à 8 000 €.
La galerie Eric Dupont a rencontré un vif succès avec Clément Bagot : elle a vendu tous ses dessins pour des valeurs de 1 000 à près de 30 000 €, ainsi que 10 dessins de Taysir Batniji, un Damien Cabanes à 10 000 €, et plusieurs dessins de Yazid Oulab et Didier Mencoboni.
De son côté, la galerie Lelong a vendu, entre autres : 3 aquarelles de Barthélémy Toguo à 5 000 € chaque, 2 dessins de Kiki Smith à 12 000 € chaque et une encre d’Alechinsky à 48 000 € vendue à un collectionneur étranger. Kiki Smith - Birch Tr, 2011 Epreuve chromogène et encre sur papier Népal 40 x 40
Après sa première participation en 2010, ADN est revenu et a rencontré un vif intérêt de la part des collectionneurs pour 5 des artistes présentés : en cédant 3 oeuvres de Eugénio Merino, une de Kendell Geers, une de Federico Solmi, une de Bruno Peinado, et un dyptique d’Abdelkader Benchamma.
La galerie Jaeger Bucher / Jeanne Bucher s’estime satisfaite de sa première participation : elle a rencontré de nombreux professionnels et collectionneurs suisses, belges et allemands et a ainsi vendu, entre autres, 4 dessins de Hanns Schimansky, un dessin de Rui Moreira dans des prix allant de 7 000 à 12 000 €.
Les exposants soulignent unanimement la très bonne qualité de la foire et les très bons contacts pris tout au long du salon, nombreux sont ceux qui enchaînent par des rendez-vous en galerie dans les semaines qui suivent l’événement en vue d’acquisition.
Catherine Millet et son musée imaginaire. Kiki Smith
Catherine Millet proposait cette année son « Musée imaginaire du dessin contemporain ». Sa proposition a permis aux visiteurs de découvrir des oeuvres de Marc Desgrandchamps, Erik Dietman, les dessins plus osés d’Otto Muehl, les dessins architecturaux de Tatiana Trouvé, des portraits de Bernard Dufour sans oublier Bernar Venet, Pierre Weiss, Pierre Klossowski, la féministe Kiki Smith, Berbard Ollier, Diogo Pimentão et Alberto Sorbelli.
Table ronde
Un intérêt certain pour les premières DRAWING TALKS. Organisées pour la 1ère fois par DRAWING NOW PARIS, trois tables rondes sur les thèmes «Du dessein au dessin», «Dessin ancien, dessin contemporain, des territoires partagés», et «Collectionner le dessin : une passion intégrale», modérées successivement par Sony Devabhaktuni, architecte et journaliste, Jean-Christophe Castelain, rédacteur en chef du Journal des Arts et Guy Boyer, rédacteur en chef de Connaissance des Arts, ont attiré un public nombreux qui a participé activement en posant des questions.
Une collaboration fructueuse avec le Drawing Center New York. Brett Littman, directeur du Drawing Center de New York, qui a conçu la programmation vidéo de la Project Room et participé à la table ronde «Dessin ancien, dessin contemporain, des territoires partagés», a rencontré des visiteurs très intéressés par l’approche vidéo du dessin contemporain.
Clément Bago craie-noire-12012-encre-blanche-sur-papier 25x18cm
Le Retable d’Issenheim est l’une des œuvres dont la fortune critique et artistique est sans doute la plus considérable dans le monde occidental depuis la fin du XIXe s. En 1993, le musée Unterlinden avait consacré une exposition à l’influence de la crucifixion de Grünewald dans l’art du XXe s. 20 ans après, force est de constater que les artistes poursuivent leur relecture de ce chef d’œuvre. Signalée par Jean Jacques Aillagon à Frédérique Hergott de la disponibilité d’une œuvre de l’artiste Adel Abdessemed directement inspirée du Christ en croix du Retable d’Issenheim, appartenant à la collection de François Pinault, le choc qu’elle éprouva, lui fit paraître évident qu’elle devait être exposée en regard du Retable. La vision des détails et de l’ensemble appelé Décor, au-delà d’une simple interprétation , extrayait l’essence du modèle d’origine. « arracher » le motif pour se l’approprier, créer une œuvre nouvelle.
A partir de la représentation du Christ en croix du Retable d’Issenheim, Adel Abdessemed pose la question sans réponse de la souffrance humaine. A la chair pénétrée par les épines chez Grünewald, il substitue un corps constitué de fils de fer barbelé acéré et tranchant, instrument et symbole contemporain de la violence et de la souffrance. L’artiste figure le crucifié comme une immense blessure, concentrant en un seul corps à la fois la torture et la cruauté. Reproduite 4 fois, l’icône transformée en modèle d’anatomie décharné devient un sujet et la violence est annihilée par les effets esthétiques de la matière brute de l’ensemble savamment tressé. Reproduit 4 fois, ce corps constitue un décor au sens où il est l’arrière-plan devant lequel nous vivons. Au Christ lourd de Grünewald faisant ployer la poutre horizontale de sa croix A. Abdessemed oppose un corps décharné et en suspension. Au corps unique en putréfaction peint, il substitue « des corps » en 4 exemplaires parfaitement alignés, annihilant les effets dramatiques du premier dans une organisation stable et ornementale que trahit le titre de l’œuvre . En se référant à une icône religieuse et à un chef d’œuvre de l’histoire de l’art, en se saisissant du monde contemporain qui lui fournit la matière de son travail. A. Abdessemed réalise par un savant montage d’éléments paradoxaux, une œuvre portée par une puissance esthétique, comme une réponse éclatante aux violences du monde contemporain.
Adel Abdessemed Décor détail
Après une première exposition à la galerie David Zwirner (Chelsea) à New York, l’ensemble Décor ne pouvait être présenté pour la première fois en Europe, qu’à à un seul endroit, ici, à Colmar, au musée Unterlinden, dans une confrontation directe et sans artifices avec la figure du Christ de Grünewald. A l’heure où le musée célèbre le 500 e anniversaire du Retable d’Issenheim, ce rendez-vous ne devait être manqué. Adel Abdemessed avait confié à Frédérique Hergott que pour lui exposer Décor en regard du Retable était un rêve. Texte Frédérique Goerig-Hergott
Adel Abdemessed (Interview Adel Abdessemed) quitta l’Algérie en pleine guerre civile en 1994, il arriva en France âgé d’un peu plus de 20 ans. Il suivit des études à Lyon sous la férule de Giovanni Careri, Depuis il a tracé son chemin d’artiste, sans jamais se départir d’une volonté de prise en main de la réalité pesante du politique, mais sans omettre l’histoire de l’art. Ses œuvres émettent un engagement criant et une distance métaphysique.
(vu à la Dogana en 2011)
Un catalogue en vente au musée, aux Editions Xavier Barral, a été édité sur l’oeuvre « Décor » comprenant des textes de François Pinault, Jean Jacques Aillagon, Frédérique Goerig-Hergott, Eric de Chassey, Giovanni Careri « Baptisée Décor, l’oeuvre d’Abdessemed, récemment exposée à New York et achetée 2 millions d’euros par François Pinault, est prêtée par le collectionneur au Musée Unterlinden de Colmar jusqu’au 16 septembre, pour le 500e anniversaire du fameux retable d’Issenheim. Opération pilotée par Jean-Jacques Aillagon, ancien ministre de la culture, qui a repris du service auprès du mécène : « J’ai appelé la conservation du musée, ça s’est fait très rapidement, j’adore monter des coups comme ça », s’amuse celui qui a expliqué, dans Libération, » extrait du Monde du 27 avril article de Florence Evin
photos de l’auteur
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Au travers d’une exposition spectaculaire intitulée Renoir. Entre bohème et bourgeoisie: Les jeunes années le Kunstmuseum Basel, du 1er avril au 12 août 2012, attire pour la première fois l’attention sur les débuts de ce grand artiste que fut Pierre- Auguste Renoir (1841–1919). Auguste Renoir - Le jeune garçon au chat, 1868 musée d'Orsay
Cinquante peintures – portraits, paysages et natures mortes – oeuvres majeures issues des collections de grands musées, tels que le Musée d’Orsay, Paris, la National Gallery, Londres, le Metropolitan Museum, New York, le Art Institut de Chicago, ainsi que des oeuvres à peine connues de collections privées, donnent une vaste et superbe impression des premières années décisives de la création de Renoir. Auguste Renoir Nature morte 1871
Pierre-Auguste Renoir compte parmi les peintres français qui ont inventé l’impressionisme. Au moyen d’une palette claire, d’une touche légère et de motifs issus de la vie citadine moderne ou des loisirs en plein air de cette époque, lui et ses compagnons ont marqué d’une borne l’histoire de l’art. Par la suite, on a souvent réduit l’oeuvre de Renoir à sa période impressionniste ou alors à sa période tardive. On le célèbre comme « peintre du bonheur » mais on le réduit aussi à ce cliché.
Cézanne disait de lui : c’est un porcelainier !
Le Kunstmuseum Basel présente ainsi une grande exposition rétrospective concentrée sur les débuts, surprenants et variés, de la production du peintre, et s’achevant avec ses premiers tableaux impressionnistes significatifs des années 1870. Auguste Renoir -Lise Tréhot 1864
Le modèle favori de Renoir durant ces jeunes années était sa maîtresse Lise Tréhot. Ils forment un couple de 1865 à 1872. Lise lui sert de modèle pour une importante série de tableaux de jeunesse, dans lesquels il la met en scène dans les rôles les plus variés au gré des différents genres picturaux. Ce groupe d’oeuvres constitue un point culminant de l’exposition. De cette relation naîssent deux enfants hors mariage qui sont donnés à l’adoption – épisodes que l’artiste gardera secrets sa vie durant et qui éclairent d’une lumière nouvelle dans ses tableaux ce qui semble de parfaites idylles entre deux amoureux ou les scènes présentant une mère et son enfant. Les portraits de ses amis peintres tels que ceux de Claude Monet, Frédéric Bazille ou Alfred Sisley forment un groupe autonome. On remarque l’apport personnel de Renoir à l’impressionnisme dans ses paysages, en particulier ceux issus de la région parisienne, ainsi que ses scènes de la « vie moderne ». Auguste Renoir Portrait de Frédéric Bazille 1867
La période qui s’étend des années 1860 à la fin des années 1870 est marquée par des développements sociaux, politiques et artistiques de première importance. L’oeuvre de Renoir se trouve directement saisi entre la bohème et la bourgeoisie, milieux qu’il fréquentait tous deux. Le peintre voit plusieurs changements de régime, du climat conservateur du Second Empire à la Troisième République en passant par la révolution de la Commune de Paris – bien qu’il se tienne à l’écart de ces bouleversements politiques autant que possible. Les chances d’être reconnu, pour un jeune artiste de cette époque, dépendaient des tableaux qu’il parviendrait à imposer au Salon officiel. Très vite Renoir s’est révolté, avec ses amis impressionnistes, contre ce passage obligé en mettant sur pied leurs propres expositions. Néanmoins vers la fin des années 1870, alors justement que la reconnaissance dont il jouit commence à croître peu à peu, il recommence à exposer au Salon. Auguste Renoir Allée cavalière 1873
Dans l’oeuvre des jeunes années de Renoir, le développement artistique du peintre se révèle au travers de tableaux fascinants. Ils reflètent d’une part l’expérience qu’il fait du tableau au cours de régulières séances de peinture au Louvre, mais encore toutes les innovations picturales propres à son époque: le réalisme de Gustave Courbet, la peinture en plein air de l’école de Barbizon et les influences non moindres des deux peintres amis qu’étaient Edouard Manet et Claude Monet dont il est artistiquement très proche durant ces années-là. Renoir-met-en-scene-Lise Trehot dans-la-femme-a-la-mouette-(1868)-
A l’occasion de l’exposition paraît aux éditions Hatje Cantz Verlag en deux versions, allemande et anglaise, un catalogue exhaustif avec des contributions de Michael F. Zimmermann, Sylvie Patry, Augustin de Butler, Marc Le Coeur, Peter Kropmanns, David Pullins, Stefanie Manthey et Nina Zimmer. Un vaste programme de médiation culturelle pour enfants, écoles et familles, ainsi qu’un colloque scientifique international les 29 et 30 juin 2012 sont en préparation. Photos courtoisie du Kunstmuseum visuels presse
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La copie d’oeuvres d’art est certes aussi ancienne que l’art lui-même, mais le problème de la valeur des reproductions se pose avec une acuité particulière à l’heure du « copier/coller ».
Yinka Shonibare The Sleep of Reason Produces Monster (Asia) 2008
La nouvelle exposition de la Kunsthalle de Karlsruhe – réalisée en coopération avec la Staatliche Hochschule für Gestaltung (École Nationale Supérieure d’Art et du Design) – met en lumière les différents procédés de reproduction disponibles, ainsi que les fonctions remplies par la copie d’oeuvres d’art et les raisons qui la motivent.
À toutes les époques, des artistes ont copié les compositions de grands maîtres tels que Dürer ou Titien. L’exposition Déjà-vu ? est une première en ce qu’elle rend toute la diversité du phénomène à l’aide d’un panorama qui va de la fin du Moyen Âge à l’art moderne et contemporain, y compris les productions diffusées sur Internet. Claudia Angelmaier Das grosse Rasenstück 2004/8
réflexion d’après l’original de l’aquarelle d’Albrecht Dürer Dürer Die grosser Rasenstück aquarelle 1503 Vienne Albertina Museum
Elle rassemble quelque 120 oeuvres, dues notamment à Albrecht Dürer, David II Teniers, Eugène Delacroix, Edgar Degas, Vincent van Gogh, Giorgio de Chirico, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto et Yinka Shonibare.
Couvrant sept siècles d’histoire de l’art, ce panorama établit des liens entre les oeuvres exposées afin de mettre en évidence la fonction de l’original et celle des copies, ainsi que l’évolution de la valeur accordée à chaque type d’oeuvres. Parallèlement, la perspective historique souligne certaines constantes et invite le visiteur à porter un regard nouveau sur les copies réalisées à l’heure actuelle. L’objectif est de faire comprendre que loin d’être un simple décalque, une copie est bel et bien une oeuvre authentique, dotée de sa propre valeur artistique et historique.
L’exposition ambitionne par ailleurs de faire le point sur le rôle du musée en tant qu’institution : hier encore lieu traditionnel de conservation des originaux, le musée doit aujourd’hui réfléchir à ce qu’est l’authenticité et redéfinir les termes « original », « copie » et « reproduction ». Les tableaux, dessins, gravures, sculptures, photographies, installations et créations sur Internet exposés invitent à un voyage dans sept siècles de production artistique : Albrecht Dürer, Lucas Cranach l’Ancien et Pieter Bruegel le Jeune illustrent la pratique des copistes du début des Temps Modernes, leurs oeuvres étant mises en relation avec des copies dues à Giorgio de Chirico et Jonathan Monk ;
Eugène Delacroix Pietà - 1850 National Museum of Art Oslo
des tableaux d’Eugène Delacroix et Vincent van Gogh rendent compte de la
« copie créative »
Célestin-François Nanteuil descente de Croix d'après Delacroix - lithographie BNP France 1853
C’est ainsi qu’une toile de Delacroix, reproduite par Célestin François Nanteuil par une lithographie, sera « copiée » par Vincent van Gogh
Vincent van Gogh Pietà d'après Delacroix 1886-1890 Amsterdam van Gogh Museum
du XIXe siècle, tandis que des oeuvres de Franz von Lenbach représentent la « copie sur commande » fréquente à la même époque ; Marcel Duchamp illustre le thème de l’authenticité et de l’originalité repris dans les années 1960 par divers artistes, notamment Elaine Sturtevant, Richard Pettibone et Mike Bidlo ; les productions de Yinka Shonibare et Hiroshi Sugimoto témoignent pour leur part de la grande liberté qu’on peut prendre avec la tradition ;
Mao Jonathan Monk 2008 - Ciprian Muresan The end of Five -laYear Plan 2004
Mao dont une copie professionnelle a été exécutée d’après l’original d’Andy Wahrol
et la réinterpretation de la Nona Ora de Maurizio Cattelan écrasé par un météorite , par Ciprian Muresan, en Pope orthodoxe agrippé à sa croix en or, attibut de ses fonctions religieuses, symbolisant luxe, décadence, gisant sans le tapis rouge.
Enfin, diverses oeuvres célèbres, revisitées par des artistes contemporains et diffusées sur Internet, renvoient à des débats d’actualité, tout en établissant des parallèles avec la pratique des copistes d’autrefois. Projet pilote pour la ville de Karlsruhe, l’exposition a été réalisée en commun avec la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe (HfG), organisme universitaire jouant un rôle de pointe dans l’analyse des nouveaux phénomènes culturels et médiatiques. Les professeurs Wolfgang Ullrich (unité « Théorie des arts et médias ») et Wilfried Kühn (unité « Conception et organisation pratique des expositions ») se sont particulièrement investis dans le projet. Du côté de la Kunsthalle, l’équipe de réalisation se composait de Pia Müller-Tamm (directrice du musée), du Dr Alexander Eiling (département « Art moderne et contemporain »), du Dr Ariane Mensger (cabinet des estampes) et de Juliane Betz (assistante). Un catalogue d’environ quatre cents pages contenant des essais et des notices sur les oeuvres exposées est publié aux éditions Kerber (Kerber Verlag Bielefeld) sous la direction d’Ariane Mensger. Éditeur : Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. L’exposition Déjà-vu ? a bénéficié du soutien des organismes suivants : Art Mentor Foundation Lucerne, Ernst von Siemens Stiftung, Kulturstiftung des Bundes, Kulturstiftung der Sparkasse Karlsruhe, Hubert Burda Stiftung.
Artistes exposés Christian Adler, Claudia Angelmaier, Hubert Becker, Joseph Beuys, Mike Bidlo, François Boucher, Adolphe Braun, Pieter Bruegel le Jeune, Johann Friedrich Bury, Giorgio de Chirico, Hannah Cooke, Lovis Corinth, Gustave Courbet, Lucas Cranach le Jeune, John Scarlett Davis, Edgar Degas, Eugène Delacroix, Gilles Demarteau, Abraham van Diepenbeeck, Marcel Duchamp, Albrecht Dürer, Richard Earlom, Marie Ellenrieder, Henri Fantin-Latour, Anselm Feuerbach, Florian Freier, G.R.A.M., Katharina Gaenssler, Johann Geminger, Théodore Géricault, Vincent van Gogh, Francisco de Goya, Pierre Granoux, Aneta Grzeszykowska, Caroline-Louise de Hesse-Darmstadt, Princesse Auguste, Anton Hille, Hans Holbein le Jeune, Ernst Ludwig Kirchner, Carl Le Feubure, Wilhelm Leibl, Franz von Lenbach, Kasimir Malevich, Édouard Manet, Henri Matisse, Israhel van Meckem, Maître de Basse-Autriche, Maître de Bohème, Maître de la Passion de Karlsruhe, Maître de Strasbourg, Claude Mellan, Jonathan Monk, Monogrammiste BM, Monogrammiste HS, Klaus Mosettig, Ciprian Muresan, Célestin-François Nanteuil, Caspar Netscher, Wenzel von Olmütz, Richard Pettibone, Marcantonio Raimondi, Peter Paul Rubens, Franz Joseph Sauerleute, Cindy Sherman, Yinka Shonibare, Hendrik Snyers, Sibylle Springer, Thomas Struth, Elaine Sturtevant, Hiroshi Sugimoto, David II Teniers, Carl Ludwig Thuot, Gavin Turk, Carl Velten, Lucas Vorstermann,
Johann Georg Wille. Heures d’ouverture Du mardi au vendredi 10h00 à 17h00 Les samedis, dimanches et jours fériés 10h00 à 108h0 Visites guidées publiques En langue française : les samedis 21.4, 5.5, 19.5, 2.6, 16.6, 30.6, Entrée gratuite pour les détenteurs du Pass Musées du Rhin Supérieur14.7 et 28.7 à 14h30 Tarif : 2,00 €
photos courtoisie de la Staatliche Kunsthalle visuels presse
La visite de la Fondation Paul Sacher, initiée par Stéphane Valdenaire, historien de l’art a permis de découvrir un lieu qui fait vivre sa mémoire et conserve des témoignages émouvants. ¨Paul Sacher
Aboutissement de l’engagement de Paul Sacher envers les compositeurs du 20e siècle, la Fondation est un lieu d’ordinaire réservé aux musicologues du monde entier.
Elle abrite des collections artistiques précieuses et les archives de noms qui ont marqué la musique du 20e siècle : manuscrits de Stravinski, Webern, Varèse, Bartók, Boulez …
Feldman, Grisey, Maderna, Kagel... Robert Piencikowski
C’est Robert Piencikowski, musicologue, ancien chercheur de l’Ircam, qui développa avec verve, humour et générosité, l’œuvre de Paul Sacher. Il nous présenta quelques trésors, extraits pour l’occasion des coffres-forts de la Fondation, située place de la cathédrale, dont les baies vitrées permettent une vue unique sur le Rhin. Cette place pourrait être appelée place ou carrefour des grands hommes, avec la tombe d’Erasme dans la cathédrale, l’immeuble où enseigna Nietzsche et la présence émouvante de Holbein.
Sa présentation était ponctuée d’anecdotes croustillantes, qui ont affluées dans la vie de Paul Sacher.
Si son nom ne disait rien au grand public, les compositeurs et
interprètes de ce siècle le considéraient depuis longtemps comme un véritable prophète.
A 20 ans, il crée son premier orchestre de chambre d’amateurs à Bâle et, à 35 ans, le Collegium Musicum à Zurich. Depuis, il a dirigé plus de 200 oeuvres modernes, généralement des premières de compositeurs dont il a souvent été le mécène inespéré. Dans sa résidence de Schönenberg, sur les hauteurs de Bâle, Paul Sacher recevait des amis répondant aux patronymes de Dürrenmatt, Tinguely, Niki de Saint-Phalle, mais également de Bartok, Boulez et Penderecki. Sur les grands murs blancs, des toiles de Braque, Miro, Picasso, Klee et Chagall, avec lesquels Maja Hoffmann-Strehlin, qu’il avait épousée en 1934, s’était liée d’amitié lorsqu’elle travaillait dans l’atelier parisien de Bourdelle.
A l’intérieur des coffres-forts, s’accumulait la plupart des partitions autographes (une centaine) qu’il avait commandées à Bartok, Stravinski, Honegger, Britten, Henze, Dutilleux ou Boulez. Igor Stravinsky
Son ambition: défendre les contemporains menacés par l’incompréhension du public Stravinski hué lors de la création du Sacre du printemps, Berg vomi par Vienne et donner le répertoire baroque et classique jusqu’au XVIIIe siècle, alors totalement méconnu. Pour parachever sa mission, il créait de nouveaux outils: la Schola Cantorum Basiliensis et la Basel Academy of Music, réunissant compositeurs, musicologues et étudiants. En 1941, à la tête du Collegium Musicum de Zurich, dernier orchestre de chambre de sa création, il défendait dans le monde entier des oeuvres qu’il avait commandées et créées. Sa collection constituée au départ par son intuition, fut consolidée par son mariage avec la veuve et héritière d’Emmanuel Hoffman, fils du fondateur des Laboratoires pharmaceutiques Hoffmann-Laroche, le plus gros chiffre d’affaires helvétique , la fortune de Paul Sacher allait être investie dans la constitution d’un répertoire extraordinaire.
C’est pour son Orchestre de chambre de Bâle que Bartok écrivit en 1936 la fameuse Musique pour cordes, percussions et célesta, puis le Divertimento pour orchestre à cordes. Des années plus tard, Boulez composera Dérive 2 & 1 à partir des lettres du nom du compositeur, et Dutilleux, Trois strophes sur le nom de Paul Sacher, pour violoncelle.
Son intuition peut être qualifiée de géniale: de Hindemith à Takemitsu, il pressent quels noms vont rester. Quant à son austère noblesse, elle est légendaire: il préférait le néoclacissisme de Stravinski (à qui il avait commandé Capriccio) au post-romantisme de Strauss. Mais, apprenant que ce dernier était à la fin de sa vie dans le besoin, il lui avait commandé Métamorphoses, sans même évoquer le refuge trouvé chez lui par un Rostropovitch déchu de sa nationalité soviétique. Son soutien à Boulez et à Berio lui valait les commentaires acerbes de son compatriote, le chef Ernest Ansermet. Il lui répondait qu’il était triste de le voir perdre sa curiosité et son enthousiasme avec l’âge.
Collectionneur, Paul Sacher avait arraché le lot Stravinski (partitions, lettres, passeports, piano) à la Morgan Library et à la New York Public Library, en 1983, pour 12 millions de dollars. Sa fondation, sise dans une cathédrale, avec étages et quelques sou-sols, voisine de celle de Bâle, gère aujourd’hui une soixantaine de fonds de Webern à Maderna accessibles aux chercheurs. Venu en 1986 léguer l’intégralité de ses manuscrits, Boulez avait écrit sur le livre d’or: «Visite à mon futur tombeau.» Fac similé
Panneau de la cruxifiction Retable d'Issenheim musée Unterlinden Colmar
article paru dans l’Alsace du 6 avril, signé Annick Woehl
Le 500 e anniversaire du retable d’Issenheim, cette année, est inscrit parmi les commémorations nationales. Toute une série d’animations et de rencontres a été imaginée par le musée Unterlinden. Les festivités débuteront le 14 avril à 20 h, par un concert de la Maîtrise des garçons de Colmar devant le retable.
Figurent aussi au programme la publication, mi-juin, d’un timbre représentant les panneaux de Grünewald (lancement à Paris et au musée colmarien) et la présentation, pour la première fois en France, de Décor, une oeuvre de 2011 d’Adel Abdessemed représentant quatre Christ en barbelés, sous forme d’un dialogue avec le retable. L’exposition sera inaugurée le 26 avril en présence de Jean-Jacques Aillagon, ancien ministre de la Culture, et de François Pinault, propriétaire de l’œuvre.
Si les commémorations nationales ont retenu cet anniversaire dans leur sélection annuelle, c’est que le retable a le statut de chef-d’œuvre.
Mais en quoi ?
Réponse de Pantxika De Paepe, conservatrice du musée Unterlinden et spécialiste du retable : « Dès la fin du XVI e siècle, il est cité partout. ‘’Il y a un chef-d’œuvre à Issenheim’’, lit-on. C’est aussi une œuvre atypique, donc qui interpelle. Mais surtout, c’est une œuvre qui touche tout le monde, quelle que soit la culture de chacun. Je le constate régulièrement lors de mes visites avec des Japonais, des enfants de maternelle, des étudiants en mathématiques… Avec tous, il se passe quelque chose. Le retable marque ; quand on l’a vu, on ne l’oublie pas .»
la visite du panneau de la crucifixion commentée par Pantxika De Paepe,la conservatrice du musée Unterlinden de Colmar
Matthias-Grunewald-peint-dans-ce-visage-(un-detail-du-panneau-de-la-crucifixion)
LE CORPS DU CHRIST. – Matthias Grünewald a été le premier à peindre la souffrance de manière radicale. Le corps du Christ est saturé de pustules, stigmates de la flagellation ; du sang visqueux coule de ses pieds cloués. On voit aussi les conséquences physiques de la crucifixion, une mort souvent très lente puisque le « condamné », qui ne peut plus respirer, meurt étouffé. Là, on voit l’effort pour soulever la cage thoracique, pour tenter de trouver un peu d’air. Les malheureux prenaient appui sur leurs pieds pour tenter de respirer. Raison pour laquelle, quand on voulait écourter le supplice, on coupait les muscles des mollets…
AU-DELÀ. – Toutes les représentations de la crucifixion antérieures à Grünewald étaient soit narratives (avec beaucoup de personnages, notamment les soldats jouant aux dés), soit dans le pathos. « Là, cela va au-delà. Parce que le corps du Christ… ; parce que le fond sombre… (dans les noirs verts du fait du vieillissement des vernis ; en réalité dans les bleus gris).
Vierge et St Jean détail du retable d'Issenheim musée Unterlinden Colmar
LA VIERGE EN PAMOISON. – Saint Jean, qui, pour cela, se voit doter d’un bras droit un peu long, soutient la Vierge en train de s’évanouir. Celle-ci a le visage livide et porte un manteau blanc au-dessus de sa tenue bleue conventionnelle. « C’est l’idée géniale du peintre », commente Pantxika De Paepe. La conservatrice du musée Unterlinden de Colmar voit dans ce drap le linceul dans lequel on enveloppera son fils défunt à la mise au tombeau. Marie Madeleine détail Retable d'Issenheim Colmar
LE PETIT POT DE MARIE-MADELEINE. – Marie-Madeleine est à genoux dans un geste de supplication. « Elle y croit encore », alors que pour la Vierge, avec ses mains fermées, « la chose est accomplie », commente la conservatrice. Marie-Madeleine est représentée avec ses attributs : les longs cheveux, les beaux vêtements et surtout le pot d’onguent. Agneau détail du retable d'Issenheim musée Unterlinden Colmar
L’AGNEAU. – L’agneau, dont le sang coule vers le calice, est l’image même du sacrifice. Avec la petite croix, cela renvoie à la crucifixion, puisque le Christ meurt pour laver le péché originel du monde.
Pantxika De Paepe précise que les fidèles du XVI e siècle, y compris le fermier alsacien, connaissaient tous ces symbolismes chrétiens, ces codes de représentation. Les attributs étaient là pour guider le fidèle dans sa reconnaissance des personnages représentés.
St Jean Baptiste détail du Retable d'Issenheim musée Unterlinden Colmar
JEAN-BAPTISTE, L’ABSENT. – Grünewald a choisi de représenter Jean-Baptiste dans la scène de crucifixion alors qu’il n’y était pas. À cette époque, en effet, il était déjà mort, décapité à la demande de Salomé. On le reconnaît car il porte une peau de chameau, son attribut. Resurrection - panneau du retable d'Issenheim musée Unterlinden Colmar
Ce visage (détail de la résurrection) n’est presque plus matériel. Il semble fait de lumière. Cet effet illustre la prouesse technique de Matthias Grünewald, le premier artiste à se passer de l’étendard de la victoire sur la mort, attribut habituel de la résurrection
JUGEMENT DERNIER. – Grünewald « a voulu montrer d’autres choses ». Il a innové en intégrant dans son panneau la représentation symbolique du Jugement dernier. C’est-à-dire qu’il réunit la Vierge, le Christ et Jean-Baptiste. Signifiant ainsi le Jugement dernier, il ouvre la perspective de la résurrection. « On ne trouve cela que chez Grünewald », assure la conservatrice. Et le message était d’importance puisque « tous les Chrétiens attendent ce moment du Jugement dernier et donc de la résurrection ». D’autant plus d’importance, sans doute, pour le public du couvent des Antonins pour lequel le retable avait été commandé, à savoir des malades encore plus anxieux de la mort prochaine.
* * *
Curriculum
Il n’y a quasiment aucun document sur le retable ou sur Matthias Grünewald. Les scientifiques ont néanmoins avancé sur divers points, par déduction. Tentative de curriculum vitae du retable avec la conservatrice Unterlinden.
Date de naissance : entre 1512 et 1516.
Lieu de naissance : probablement Strasbourg, dans l’atelier de Nicolas de Haguenau.
Commanditaire : le couvent des Antonins à Issenheim.
Arrivée à Issenheim : date inconnue.
1793 : dans le contexte de la Révolution, le gouvernement national protège les œuvres contre le risque de vandalisme en les faisant transférer vers les chefs-lieux de département. Le retable se retrouve au couvent Saint-Pierre à Colmar (l’ancien collège royal des Jésuites), qui s’appelait le musée national de Colmar.
1852 : arrive au musée Unterlinden à Colmar qui ouvrira un an après.
Sous protection : à plusieurs reprises, durant les deux guerres mondiales, le retable est déménagé pour être mis en sécurité. Il fait ainsi plusieurs allers et venues. Par exemple en 1914, il est placé dans le coffre-fort de la Caisse d’épargne, rue Bruat à Colmar ; en 1942, il se retrouve, en caisses, dans les caves du Haut-Koenigsbourg.
Accident de la vie : un seul, en juillet 1903. Lors d’une prise de photos, le petit panneau de saint Antoine était tombé. Il lui reste une cicatrice, une fente dans le bois. extrait de l’article paru dans l’Alsace du 06/04/2012 par Annick Woehl certaines photos empruntées ici ou au musée Unterlinden
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« Dieu a créé le monde, les chinois font le reste »
nous dit en riant Yubao, traduisez : Trésor de Jade, François guide pour les français
(pourtant il ne doit pas regarder Canal + en Chine … la chaîne, ainsi que facebook ne sont pas trouvables là-bas) Yubao = Trésor de Jade alias François
En effet les enfants, puisque enfant unique, le couple n’a droit qu’à un seul enfant, d’autant plus précieux si c’est un garçon, sont les assurances vie de leurs parents, si ces derniers ne touchent pas de retraite, en tant que paysans. enfant chinois à Xi’an
Nos trois guides parlaient bien le français, alors que 2 d’entre eux n’avaient jamais quitté la Chine. La scolarité est dense pour les jeunes. Notre dernier guide affirmait qu’il n’avait vu que les rayons de la lune pendant toute sa scolarité, en effet la journée, commence très tôt, avec les exercices physiques, les cours, un déjeuner, une petite sieste, le dîner, puis encore des cours jusqu’à 21 h au moins.
Les paysans ont droit à 2e enfant, parce qu’il faut de la main d’œuvre solide pour le travail de la ferme et de la terre.
Les anciennes demeures ont été démolies et remplacés par des immeubles impersonnels avec le confort, bâtis à l’extérieur des villes, ce qui les isolent totalement de la vie citadine et de leurs anciens voisins. Certains quartiers anciens sont classés monuments historiques par l’Unesco, – les Hutongs – Hutongs Pékin
Les chinois sont souriants, fiers de leurs enfants, ils les présentent pour des photos aux touristes. Ils aiment bien aussi se faire photographier à côté d’européens. Avec ma veste en lapin et mes cheveux à mèches, je me suis attirée des sourires, de francs éclats de rire, mais surtout des demandes de photos avec ma modeste personne.
Notre voyage depuis Roissy, en airbus A 340 (merci Patrick) arriva à Shanghai au bout de 11 h.
Le guide nous emmena immédiatement, puisque nous étions le matin – il y a 6 h de décalage en été, 7 en hiver – visiter le Central Lake, environné du quartier financier, où des immeubles se dressent comme à Manhattan. Quelques chinois s’adonnaient au plaisir du Chi Kong ou du taï chi chuan. le Bund Shanghai
Suivi d’une visite sur le bund, qui longe le Huangpu, une des promenades principales de la ville, longue d’un 1.5 km bordée de bâtiments historiques, qui la nuit s’illuminent de mille couleurs. Central Lake Shanghai
Puis ce fut la visite du Jardin Yu. Curiosité de style classique chinois, la plus importante de Shanghai. Créé par un haut fonctionnaire à partir de 1559, le « jardin de satisfaction » pour le repos. Les bâtiments actuels ne virent le jour qu’au 18e et 19e siècle lorsque le jardin tombé en friche fut acheté par des guildes de marchands, qui y fondèrent leurs lieux de réunions et de résidence. Férus de tradition, toutes les représentations asiatiques (le mur aux dragons) témoignent du goût contemporain des marchands et inadéquat pour des amoureux de la littérature. Mais son caractère fondamental n’est pas concerné pour autant. Jardin Yu Shanghai
Des rochers et de l’eau où pullulent par endroit des carpes roses, le jeu de la régularité et de la symétrie, la richesse de la forme des fenêtres et la division en petites parcelles générée par les promenoirs, les murs, les salles et les pavillons qui créent sur un espace étroit toute une série de décors variés. L’aventure commence déjà devant la porte : avec le chemin par le pont en zig-zag le long du salon de thé Huxinting. Jardin Yu Shanghai
Derrière les salles des célèbres décors de jardin, puis au-delà un étang peuplé de carpes roses et de nénuphars, un rocher artificiel en pierres jaunes s’y élève, seul élément original datant du 16e s. En passant par des petits ponts devant un pavillon situé sur un socle élevé, la cour est décorée de trois pierres, dont celle du milieu appelée : « joyau de jade » est l’une des pierres les plus célèbres de Chine. photos de l’auteur
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à suivre
Anne-Sophie Tschiegg, – son site – la peintre lyrique, exposera ses dernière toiles au Musée des Beaux Arts de Mulhousedu 14 avril au 10 juin 2012.
Le vernissage aura lieu le 13 avril 2012 à 18 h.
Après l’espace Beaurepaire à Paris, ses expositions à Offenburg, à Stuttgart, à Art Karlsruhe, sa performance à la Nuit Blanche de Paris, elle présente ses dernières toiles. Des grands formats, aux « babies » en passant par les collages, les dessins de paysages et les nus, à la fois figurative et abstraite, c’est une symphonie de couleurs, qu’elle affiche sur les cimaises du musée des Beaux Arts de Mulhouse. l’interview :
photo de l’invitation courtoisie Anne-Sophie Tschiegg
vidéo de l’auteur Autres dates à retenir Samedi 19 mai – Nuit des Musées / Nuit des Mystères n° 7 de 14 h à minuit Samedi 12 et Dimanche 13 mai de 14h à 18h Work in progress & rencontre avec Anne-Sophie TSCHIEGG
En écho à la nature évolutive de son travail pictural, Anne-Sophie TSCHIEGG se livre à une performance sous les yeux du public. A l’issue de ces deux après-midi de production picturale, la toile réalisée intègrera l’exposition à la manière d’une œuvre tout à la fois supplémentaire et complémentaire, métaphore du processus de peindre, du temps de « faire », de la superposition des gestes, de la reprise, du temps mort et de l’achèvement. Une rencontre à 16h entre l’artiste et les visiteurs permettra d’engager un échange sur la pratique picturale d’Anne-Sophie TSCHIEGG
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Reproduite 4 fois, l’icône transformée en modèle d’anatomie décharné devient un sujet et la violence est annihilée par les effets esthétiques de la matière brute de l’ensemble savamment tressé. Reproduit 4 fois, ce corps constitue un décor au sens où il est l’arrière-plan devant lequel nous vivons. Au Christ lourd de Grünewald faisant ployer la poutre horizontale de sa croix A. Abdessemed oppose un corps décharné et en suspension. Au corps unique en putréfaction peint, il substitue « des corps » en 4 exemplaires parfaitement alignés, annihilant les effets dramatiques du premier dans une organisation stable et ornementale que trahit le titre de l’œuvre . En se référant à une icône religieuse et à un chef d’œuvre de l’histoire de l’art, en se saisissant du monde contemporain qui lui fournit la matière de son travail. A. Abdessemed réalise par un savant montage d’éléments paradoxaux, une œuvre portée par une puissance esthétique, comme une réponse éclatante aux violences du monde contemporain.
