Arts plastiques – Page 123

Patrick Bailly Maître Grand

Après des études scientifiques (diplomé Maître es Sciences Physiques en 1969) et dix années consacrées à la peinture, Patrick BAILLY-MAÎTRE-GRAND travaille avec les outils photographiques depuis 1980. Ses œuvres, strictement analogiques, argentiques noir & blanc, sans interventions ni corrections numériques (de la prise de vue, aux tirages qu’il réalise lui-même), se caractérisent par un imaginaire ludique, associé à un goût pour les technologies complexes (voir Lexique technique) tels que le Daguerréotype, la périphotographie, la strobophotographie, les virages chimiques, les monotypes directs, les rayogrammes et d’autres inventions de son cru.
Fuyant la notion de la perspective, ses images, bien que très sophistiquées pour leur élaboration, ont la simplification de proverbes visuels, épurés comme des haïkus. Voir expositions et bibliographie (Petites cosmogonies « . Editions MARDAGA. 2007. Monographie 284 pages )

Patrick Bailly-Maître-Grand a exposé dans le monde entier et ses œuvres sont dans les collections de musées prestigieux tels que le MoMa de New York, le centre Pompidou de Paris, le Fond National d’Art Contemporain, le Victoria Museum de Melbourne, le Sainsbury Center de Norwich ( GB), le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg, le Musée for Fotokunst d’Odense, sa dernière exposition dans la galeria Tagomago de Barcelone.

Patrick Bailly-Maître-Grand , nous a accueillis dans son atelier de Strasbourg, un samedi de mars 2007. Ce fut un après midi de grâce. Il nous permit de suivre quelques-unes des innombrables pistes qu’il emprunte et explore depuis plusieurs années, avec une égale passion et une curiosité sans failles. D’emblée nous sommes fascinés par ses petites vanités, ses natures mortes. Il explore les procédés anciens et fait fi de l’aventure du numérique, qu’il trouve sans véritable imagination, ne permettant pas une réelle aventure et un enrichissement intellectuel.
Chaque matin dit-il avec malice, il a la chance de se réveiller avec une idée de sujet, qu’il s’ingénie à mener à son terme, en y consacrant toute son énergie, son temps, sa « débrouillardise » On a l’impression que son imagination est sans limites, à l’instar de ses grandes photos « les fourmis ».
Il nous raconte les réalisations de quelques unes de ses œuvres sans jamais dévoiler le « secret ». Son œuvre est multiple, astucieuse, ironique. On est presque saisi de vertige devant tant d’inventivité et de beauté pure. Inlassablement il nous montre les: nippones d’eau, les digiphales, le virage, le rayogramme ou photogramme, les anneaux d’eau, les poussières d’eau, les verres d’eau, le vase, l’éclipse de 99 dans une tasse de café, les Véroniques, les Maximilennes, Sirius, le hasard et la nécessité, le pâté d’alouettes, les gemelles, les comas, la mélancolie, son autoportrait en vampire. Sur son site en lien sur mon blog, vous pouvez retrouver toutes les photos,
Nous tombons tous en amour devant Endroit en verre, j’en oublie beaucoup. Il nous fait une démonstration rapide de la caméra oscura. Je commence à gamberger devant les herbes….

Pendant des mois, les herbes de PBMG ont hanté mon imagination, je les voyais chez moi, sur mon mur blanc, zen, propices à la réflexion calme. Mais il me fallait créer un cadre digne de les acquérir. Un beau jour c’est arrivé, j’ai réussi à convaincre ma moitié d’aller à la rencontre de PBMG, d’acquérir enfin les Herbes convoitées.
Depuis je les salue au quotidien, je recherche les détails, les petites bestioles prises dans le faisceau du rayogramme.
On se souvient aussi du Puits Voleur installé dans le parc de l’Orangerie de Strasbourg. Nous étions tous séduits par autant d’inventivité, mais aussi par la gentillesse, que PBMG nous a témoigné et du temps qu’il nous a consacré. Magicien de la photographie, Patrick Bailly est un Grand Maître. Jamais patronyme n’a été si bien porté.
photo provenant du livre les petites cosmogonies de PBMG, sauf la 1

Benjamin Dufour ou des serpents dans l’avion

Vous ne m’en voudrez pas, si je commence par le bouquet final du vernissage du 3e volet de la dernière exposition de la Kunsthalle de Mulhouse :
« Les sculptures meurent aussi » dont le commissaire est Lorenzo Benedetti. Je commence souvent par le dessert, avant d’attaquer le plat de résistance.
Benjamin Dufour, artiste à Mulhouse, dans le cadre des résidences Grand Est, organisées conjointement par la Kunsthalle et les Frac Lorraine, Franche Comté, Champagne Ardenne, a rencontré la ville, ses habitants et développé quelques projets. Il conduit des expériences, il est comme un chercheur, pas fou du tout. Plutôt très organisé mais qui aime laisser une part à l’inattendu au fil de ses recherches. Il écrit ses projets, les accumule et les développe, les expérimente au fil des occasions et des circonstances.
En l’occurrence cela a été la confection, puis le lancement, d’un ballet d’hélicoptères, performance dans le hall de la Kunsthalle, à la grande joie du public nombreux, demeuré enfant.
Tel un chef d’escadrille, il a placé ses assistants et commence le compte à rebours, cap Canaveral est un grosse farce à côté, je peux vous l’affirmer, je l’ai visité …
Puis c’est le lancement, l’envol des bourdons, Apocalypse Now sans la chevauchée des Walkyries, le tourbillon tel des hannetons lumineux, fous qui se lancent à l’assaut de la voûte de la Kunsthalle, certains s’échouent lamentablement sur le sol, des assistants les font repartir de plus bel. L’effet est joyeux, festif, et le vol improvisé croit-on, mais minutieusement, minuté, calculé, construit, préparé, au cours de ses deux mois de résidence, s’achève par un atterrissage pas toujours glorieux, qui renvoie le public ravi vers le buffet.

Kunstlexique :
Performance :
oeuvre d’art éphémère qui implique en général la participation physique de l’artiste.
photos de l’auteur
vidéo autorisation expresse de Benjamin Dufour
Benjamin Dufour était également présent dans les Tranches de Quai avec une vidéo Rythmique de nombres premiers.
Vous pouvez le retrouver au musée de la lutherie de Mirecourt (88).
Une rencontre est organisée le lundi 8 février à 21h.

Boltanski – Personnes – à Monumenta

L’artiste français Christian Boltanski a investi la nef du Grand Palais pour la troisième édition de Monumenta avec une installation glaciale : « Personnes ». Il nous en explique les raisons. « Monumenta 2010. Christian Boltanski. Personnes » a lieu sous la Nef du Grand Palais, avenue Winston Churchill, 75008 Paris. Renseignements : http://www.monumenta.com/
De nombreux articles et vidéos lui sont consacrés. Moi-même j'ai créé un groupe sur l'artiste sur facebook. L'intérêt du groupe est de rassembler de façon non exhaustive, tout ce qui est publié sur le Web, ce qui se dit et s'écrit pour l'évènement, de permettre à ceux qui le souhaitent d'y apporter leur contribution.

Voici le lien du groupe où vous pouvez nous rejoindre si le coeur vous en dit.Afin de mieux cerner le personnage et de comprendre sa démarche,je vous recommande "la vie possible de Christian Boltanski", au Seuil, Catherine Grenier et Christian BoltanskiJe vais visiter l'exposition sous peu, mais je crois que tout a été dit et écrit à ce sujet.

Nuit des Musées bâlois du 22 janvier 2010

Rappel

clic

Changez la nuit en jour ou encore votre nuit sera plus belle que vos jours !

Plus de 30 musées et quelques institutions culturelles offrent un programme passionnant et varié.
«Comment l’araignée tisse-t-elle sa toile ?
Que racontent les enfants placés ?
Les poissons économisent-ils l’énergie ?
Une bataille de boule de neige est-elle du sport ?
Et que sert-on au juste dans un bar du cœur ?»
Sous forme d’expositions, de visites guidées, de conférences, de concerts, d’ateliers, de jeux et de récits, plus de trente musées et huit institutions culturelles de la région de Bâle répondront à ce genre de questions le vendredi 22 janvier 2010 de 18h à 2h du matin.
Pour plus d’infos www.museumsnacht.ch ou www.museenbasel.ch
il y a des programmes spécifiquement en français, mais l’art n’est-il pas international ?
il ne reste plus qu’à la météo à se conformer à nos désirs de fête … -;)

Vendredi prochain le 22 janvier, à 20h et 22h et 24h au Museum der Kulturen, à Bâle la grande écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome lira des extraits de son roman Ketala (2006) (en français avec lecture de quelques passages de la traduction allemande). Elle y conte l’histoire de Memoria, immigrée en France où elle tombe malade, qui rentre au Sénégal pour y mourir. Lors du partage de l’héritage (Ketala), ses possessions personnelles témoignent de sa vie mouvementée. Dans le cadre de la nuit des musées, où le musée propose également des visites guidées en français de l’exposition Beau et raffiné à 20h30 et à 22h30. www.mkb.ch Autres animations de la nuit des musées en français : Visite guidées de l’exposition Jenny Holzer à la Fondation Beyeler à 19h, du musée Tinguely à 18h30 et 23h30, du Vitra Design Museum à Weil-am-Rhein (le site et sa présentation de mobilier) à 19h, 20h, 21h, et sur le site de fouilles de l’Archäologisches Bodenforschung de Bâle sur le Kleines Münsterplatz présentation d’une « trouvaille strasbourgeoise » par une équipe du Musée Historique de la Ville de Strasbourg qui présentera les dernières découvertes archéologiques locales.

Samedi 23 janvier à 15 heures à l’Espace d’art contemporain Fernet-Branca à Saint-Louis, déambulation en musique à travers l’exposition Olivier Debré avec la Bande de hautbois L’Ill aux roseaux de Mulhouse. Concert de hautbois, de Haendel à Debussy en passant par Mozart. www.museefernetbranca.or

organisation suisse IMPECCABLE
20CHF/14€, (10CHF/6,50€ avec le pass Musés du Rhin Supérieur, gratuit pour les enfants et jeunes adultes jusqu’à 25 ans). Prévente dans tous les musées participants et à l’Office de Tourisme de Mulhouse
photos de l’auteur

Jenny Holzer à la Fondation Beyeler

La Fondation Beyeler à Riehen près de Bâle consacre une vaste exposition à Jenny Holzer, une des artistes les plus importantes de notre temps. Intégrant des textes que l’artiste a écrit depuis la fin des années 70, cette exposition présente des oeuvres majeures des différentes phases de sa carrière, tout en mettant l’accent sur des réalisations récentes, certaines jamais montrées en Europe jusqu’à ce jour.
De la lumière, des textes, des lettres, des mots, comme des repaires que le spectateur doit suivre, où le mène t’il ?
Depuis plus de trente ans, JH transforme les paysages extérieurs et intérieurs en paysages textuels.

Jenny Holzer : une partie de mon travail est porté par le texte, d’autres informations sont transmises par l’interaction entre l’installation et le bâtiment.

Mais l’ensemble de l’œuvre ne se révèle qu’en pénétrant dans les salles obscures de la Fondation. On est très vite intrigué par toutes ces lumières clignotantes. Ces textes défilent de façon continue, sur des bandes électroniques sur des tableaux – écrans, pour propager des idées politiques.
Le texte, le message est toujours au centre. Elle aime jouer sur les contrastes, à côté des textes qui défilent, elle présentent des textes gravés sur des bancs. Mais elle veut que le visiteur prenne position. Ses textes, maximes appelés « truismes », comme les artistes grapheurs, veulent faire prendre conscience et montrer le caractère manipulable de la publicité. Ils ne sont pas toujours d’elle, car elle estime qu’ils ne sont pas suffisamment fort pour intéresser les gens et y associe d’autres auteurs. Elle souhaite qu’ils aient une portée universelle, accessible au plus grand nombre.
Elle veut que les visiteurs sentent ses installations dans tout leur corps.
Elle utilise des technologies de pointe. Des peintures et des sculptures côtoient ses célèbres installations à LED, associant de façon impressionnante des effets visuels grandioses et des textes mémorables, qui s’inscrivent dans le registre de la poésie, de la critique sociale et de la politique.
Cette présentation est complétée par une sélection d’œuvres que l’artiste a choisi dans la collection Beyeler. Au-delà de l’espace du musée, l’exposition s’étend également à l’extérieur, dans des lieux publics. De spectaculaires projections lumineuses sur des bâtiments publics, de Bâle et Zurich ont eu lieu certains soirs, ainsi qu’un projet unique utilisant le téléphone portable, développé pour la Fondation que l’on peut trouver sur leur site.
Hands, 2008
Cette installation montre des empreintes de mains censurées, de soldats américains, accusés de crimes de guerre au Moyen Orient. Avant leur publication, ces empreintes ont été noircies par les censeurs. Holzer a utilisé un procédé sérigraphique pour transférer ces reproductions
sur toile. Agrandies et reproduites en noir et blanc, elles produisent un effet implacable, juxtaposées avec la création Purple (2008) le contraste est saisissant entre les toiles immobiles et les textes en Led qui défilent à une allure vertigineuse. Les textes sont présentés tels qu’elle les a trouvé, avec leurs passages censurés, relatant des rapports d’autopsie, provenant du Moyen Orient et de Guentanamo.
A travers JH met en lumière au sens propre ce qui était gardé secret.
For Chicago, 2007
C’est l’une des plus récentes œuvres de ce type. Elle contient des extraits de l’ensemble de ses treize textes qui dénoncent avec précision des sujets comme la guerre, la violence, la mort, la sexualité, le pouvoir. Les textes défilent souvent en opposition discordante, qui ne permettent pas de les lire intégralement, les fragments s’accumulent pour en former une autre possibilité de sens (Red Yellow Looming 2004)
Lustmord Tables 1994,
Monument commémoratif érigé pour protesté contre la violence faite aux femmes.
C’est une réaction de l’artiste aux cruautés de la guerre, dans l’ex-Yougoslavie, où le viol et l’assassinat de femmes et de jeunes filles a été une tactique systématique. L’installation se compose d’os humains, des 2 sexes ; disposés, comme des artsfacts sur des tables de bois de récupération. Certains de ces os sont entourés de rubans métalliques gravés de fragment de texte par Jenny Holzer.
Redactions paintings, 2005-09
Ils utilisent des documents provenant du gouvernement américains, rapport d’autopsie réalisés sur des détenus morts dans les prisons américaines, et qui montrent des extraits de correspondance concernant les méthodes d’interrogatoire de l’armée.
Monuments, 2008
C’est une des installation de LED les plus spectaculaire, son titre fait allusion à la tour révolutionnaire de Vladimir Tatline Monument à la Troisième Internationale (1919)
Des panneaux semi-circulaires forment une immense colonne de lumière en vibration. Tout l’espace flamboie et englouti le spectateur. Les textes se gravent dans notre esprit sous forme d’image. Cette œuvre rayonne d’intimité, de promesse, de menace, de sublimité. Elle forme un contraste saisissant avec les bancs aux textes immobiles gravés.
Jusqu’au 24 janvier.
photos et vidéos de l’auteur sauf la photo 1

Decko – Voyage à travers la matière

Decko, non ce n’est pas d’une publicité pour décorer votre maison, dont je vais vous entretenir, je vais vous parler d’un artiste totalement atypique. André Baldeck, connu sous le pseudo de Decko est un personnage arrêté dans le temps, resté fidèle à son art. Son oeuvre s’inscrit dans une démarche d’englobement, de quête d’un universel. Comme il le dit lui-même, »tout est dans tout » de l’infiniment petit à l’infiniment grand, de l’être intérieur à l’homme universel.

Depuis sa première exposition, dans son village en 1972 alors qu’il était encore élève des Beaux-arts, l’artiste a parcouru un long chemin. A bicyclette pour commencer, avec des oeuvres basées sur la performance dans les années 1980. A cette époque, Decko a parcouru 12 000 kilomètres, sous forme de voyages en portant un message de paix aux peuples, dans des endroits où on n’a pas l’habitude d’aller seul, dans des pays européens en 84, le tour de la Méditerranée en 86. Pendant 3 mois, la Libye et le Liban exceptés, d’Alexandrie, un passage de Jordanie en Israël, passage négocié par les militaires d’Aman à Jérusalem, à la Grèce etc, son message de paix porté dans les capitales, son intention ambitieuse était, de relier les communautés judéo chrétiennes et musulmanes qui s’opposent.
La démarche solo reconnaît-il permet d’être ouvert et d’avoir le contact plus facilement. Son corps étant son matériau, sa machine, son outil, c’est ainsi qu’il a effectué sa performance.
A son retour il a travaillé ses voyage sous forme de traces de pneu, des bouts de caoutchouc sculptés réalisés
sous forme de structure. Il a reporté les traces qui collent à la roue, sur des grands et petits formats, en y incluant des noms, des jeux de mots, le nom des capitales traversées, le mot de paix en écriture grecque, cyrillique, arabe, avec des signes, comme la croix, qui se transforme en T, l’Ank égyptien, arabe, l’étoile de David, des petits signes chinois ou japonais, des petits hommes, une bicyclette etc… une sorte de bande dessinée, un phylactère, un télétexte. Un autre aspect de son travail, consiste à peindre, à remettre en scène des paysages, comme des nacres, sans accorder une réelle importance aux couleurs, elles trouvent leur accord d’elle-même, ce qui oblige le regard à rentrer dans les détails. Toiles d’encre et d’aquarelle, travail délicat, spontané, comme une fleur, monde minéral, végétal, des volutes infinies, des toiles fleurs. Pour les petits formats il se sert de plume de bécasse comme les moines copistes,
La peinture à l’huile, il la considère comme un travail parallèle,(1982), acrylique (2002), il passe invariablement selon les moments de l’huile à l’acrylique.
Decko, un personnage, discret, secret, charismatique à découvrir absolument.

photos et vidéo de l’auteur sauf la photo 1 courtoisie de Decko, que je remercie pour son aimable accueil

Ordre hasard et déchirures – Gérard Blériot

L’ordre c’est l’histoire de l’art à laquelle on n’échappe pas. C’est l’œuvre picturale dans son organisation, sa composition. C’est en particulier l’abstraction géométrique dans sa rigueur.
Le hasard c’est celui des rencontres, des rapprochements infinis d’images, de l’œil qui se pose et retient ce qu’il sélectionne.
La déchirure c’est le geste, l’expression des égratignures, des écorchures, des agressions de la réalité actuelle.
Les collages présentés à la bibliothèque municipale tentent de concilier les trois choses.

C’est par ces termes que nous accueille Gérard Blériot au 1er étage de la bibliothèque, Grand’ Rue de Mulhouse et ceci jusqu’au 31 décembre 2009.
Originaire de la région de Compiègne, issu d’une famille de tisserands, attiré par le dessin dès l’enfance, il s’est orienté vers l’apprentissage de l’architecture. Après un passage dans un cabinet d’architecture, il se consacre à l’enseignement et devient professeur d’arts plastiques au lycée Schweitzer de Mulhouse.
Lorsque l’on regarde ses collages, sa formation d’architecte saute aux yeux. C’est l’évidence même dans le rythme, la sensibilité à l’espace et à la composition. Le choix des couleurs peut être assimilé au lyrisme, mais il se défend d’être un vrai lyrique. Pour GB, cela est l’expression de ce que l’on voit actuellement, tout le monde est en noir, mais aussi l’expression d’une réalité, de la société qui est la nôtre.
Il découpe ses sujets dans des revues d’art, dans des catalogues, récupère dans les affiches du métro, récupère de la publicité. L’affichage sauvage étant devenu quasiment inexistant, tout est réglementé, alors que des artistes comme Villeglé ou Hains, pouvaient se contenter d’arracher des affichages existants, en les arrangeant quelque peu.
L’exposition d’Andreas Gursky au Kunstmuseum de Bâle l’a notamment inspiré pour ce collage, où il a introduit des photos de bijoux précieux, et intercalant au milieu de la trame, un espace représentant une grotte aux couleurs chaudes.
A côté d’une peinture acrylique, abstraite et géométrique, un collage détourné de Soulages en référence à l’exposition actuelle au MAMCS.
Un autre encore où il met en opposition le luxe de la société actuelle avec la lutte ouvrière dont on devine les lettres, avec une belle dame voluptueuse luxueusement vêtue d’une robe noire.
Un autre collage allie des carreaux de la place St Marc à Venise à des couleurs, ou l’ange de Simon Vouet dont il a gardé l’oblique des ailes et du bras, toujours dans sa recherche de géométrie.
Un autre encore nous montre des personnages de Fernand Léger, débarquant sur la lune.
Il allie le jeu des rythmes aux images d’orfèvrerie, à la géométrie, au jeu des couleurs, en modifiant grattant, déchirant, pour obtenir un ensemble qui puisse satisfaire son besoin de structure architecturale.
Une exposition de cette série de collage est prévue pour les 11/12/13 juin 2010, à St Jean aux bois près de Compiègne (vernissage le vendredi 11/6).

Grand merci à Gérard Blériot pour m’avoir accordé son attention.

photos de l’auteur avec la difficulté de la réverbération

Regionale 10 FABRIKculture de Hegenheim

L’exposition de la Régionale 10 à FABRIKculture s’articule autour de la notion de passage. La situation même d’Hégenheim, près de la frontière avec Bâle et la vocation transfrontalière de FABRIKculture donnent à ce thème toute sa raison d’être.

Depuis sa création en 2003 l’association FABRIKculture devient progressivement un pôle d’expérimentation pour la création artistique contemporaine pluridisciplinaire dans la RegioTriRhena.
Les travaux des 19 artistes sélectionnés évoquent de près ou de loin le dépassement des frontières, le changement de lieu de vie, d’environnement, de paysages, d’identité culturelle.
L’idée de passage devient un fil conducteur qui offre au visiteur la possibilité de découvrir les différents liens entre les oeuvres exposées.
Avec son architecture industrielle si caractéristique et les dimensions de sa halle, FABRIKculture se démarque sans conteste des autres lieux de la région frontalière et offre au public et aux élèves des écoles une approche différente de l’
art contemporain.
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Fabrikculture se veut un espace laboratoire et lieu de production et de diffusion artistique. Sa mission est de promouvoir la jeune création en organisant des expositions et en accueillant des artistes en résidence au milieu de plus de quinze ateliers occupés par des artistes de la Regio. Tout ceci sous la houlette de Laurence Blum présidente de l’association.
A l’entrée de la halle, le visiteur est confronté à l’installation de Pawel Ferus qui rassemble au sol 30 pièces d’enseignes lumineuses au titre évocateur «Exit». Il devra contourner cette
«anti-chambre» pour pouvoir appréhender l’ensemble de l’exposition.
Les petits groupes de moutons en papier, grandeur nature, de Barbarella Meier nous incitent à nous frayer un chemin à travers l’espace. Aux murs les paysages de Stephan Hauswirth, Mathieu Boisadan, Iris Hutteger, Hans Rudolf Fitze, Christian Schuler, Anne Wicky, se succèdent, nous offrant des approches très contrastées dans l’appropriation du thème de la nature entre fiction et réalité; tandis que la série de «Key West» de Dadi Wirz, propose une vision réductrice d’un paysage topographique.
Notre regard passe d’un travail à un autre et constate l’absence de représentation d’être humain. Chez Anne Marie Catherine Wieland, Simone Wyss et Maukje Knappstein, même si le corps est à l’origine de leurs travaux, il apparaît plus fantomatique que réel. Cette impression de «présence-absence» se retrouve de manière plus sensible encore chez Lara Gysi et Andrea Hartinger qui toutes deux, en prenant le matelas comme motif, traitent de l’espace intérieur, de ce lieu de vie intime si difficile à représenter.
Il ne s’agit pas d’abstraction mais bien souvent d’une volonté chez ces artistes de décontextualisation: Marion Ritzmann plante une pancarte au milieu de la forêt et nous autorise à faire de la publicité. Celia Sidler dans son installation au mur réunit de nombreux matériaux d’emballage de produits de consommation de provenances diverses pour niveler les identités culturelles en créant une atmosphère et en leur donnant un nouveau contenu.
On retrouve un questionnement semblable dans la série «sculpture sociale» de Corps étranger, présent au Kunstverein de Fribourg, (où on peut voir, au premier étage, bien en retrait sur un mur, l’image de Françoise de Robert Cahen, qui a l’air bien désorientée dans ce lieu…)
Chacune de ces photos représente l’artiste en veston, allongé dans différents contextes urbains. Ces images comme le disent leurs auteurs «interroge[nt] aussi l’identité des lieux et notre capacité à nous identifier à un lieu et à faire corps avec lui, au point de ne plus nous en distinguer.»
Et la question se repose… : Et si la Régionale était un pays?
Commissaire : Laurence Blum
Visite :
Sa/sa, 19.12., 16:00 In Anwesenheit der Künstler/en présence de quelques artistes
Adresse
60, rue de Bâle, F-68220 Hégenheim, www.fabrikculture.net, info@fabrikculture.net
Öffnungszeiten/Heures d’ouverture
Fr/ve – So/di, 11:00 – 17:00
25/26.12.2009 und/et 01.01.2010 geschlossen/fermé
photos 1 + 2 de l’auteur
3/4/5 courtoisie de la FABRIKculture

Regional 10 – Ausstellungsraum Klingental Basel (CH)

Colin-maillard à la Kunsthalle de Mulhouse

Et si la Regionale était un pays, à quel pays appartenez-vous ?
La Kunsthalle propose différentes manières pour aborder la Regionale, soit classiquement, avec le vernissage force Kougelhoupf et vin blanc, visites guidées classiques avec une guide.
Les Kunstapéro, visites guidées suivies d’une dégustation, qui permet de discuter autour d’un verre, avec une participation de 5 € (7 janvier 2010 à 18 h)
Puis une expérience inédite « Colin maillard » proposée par Joël Henry de Latourex (laboratoire de tourisme expérimental) Entrée libre, inscription au 0369776647
L’exposition de la Kunsthalle souhaite mettre en avant la place du code, de la mesure, de l’organisation et de la structure. Où se situent les frontières d’un espace ? Ce sont des séries de références, un principe de codification qui marquent les convergences et définissent les appartenances. A travers, des installations, du son, de la peinture, des photographies et des sculptures l’exposition dessinera un espace, un territoire qui lui est propre.
Commissaires de l’exposition : Sandrine Wymann directrice de la Kunsthalle Mulhouse et Bertrand Lemonnier artiste enseignant à l’Ecole d’art du Quai à Mulhouse.
Colin-maillard
Pouvez-vous nous présenter l’œuvre exposée ?
Nous nous sommes retrouvés au bas de l’escalier de la Kunst, par couples.
Le principe étant que l’un des personnages du couple fasse le guide, décrive les œuvres présentées, la 2e personne le visage recouvert d’un loup, la suit « aveuglement », tente de comprendre les explications, et pose des questions, pour parfaire sa compréhension de ce qui est décrit. Ensuite après une pause on échange les impressions des couples, puis nouvelle visite de l’exposition cette fois sans le bandeau pour voir les œuvres et les confronter aux explications données par le guide occasionnel. C’est ainsi que je me suis prêtée à faire le guide de mon « aveugle » Mariana.
Grimper les escaliers de la Kunst est déjà une aventure, combien de marches ? attention au tournant, rentrer dans l’espace d’exposition, en évitant à son aveugle de se cogner au montant de la porte. Puis nous voici dans le vif du sujet, décrire les oeuvres au plus juste, trouver les mots, le matériau, la couleur, sans jargonner, être objectif, éviter de marcher sur les œuvres à même le sol, sans oublier que le thème fédérateur ici est le code.
Voici comment j’ai décrit mon David par Michel Ange sous bulle :
Michel Ange, c’est la place de la Seigneurie à Florence, le David, la taille de la scuplture, son arrogance, la beauté du corps, le papier bulle, les alvéoles colorées, de noir, de gris, de blanc, pour former le visage, les bras, les aisselles, le pubis, les muscles des jambes. Je ne sais même plus si j’ai prononcé le nom de David, tellement cela me semblait évident.
Voici ce qu’en dit l’artiste Barbara Bugg :
Si la Regionale était un pays, je me sentirais du pays « Regionale ». Ce pays serait pour ainsi dire un pays artistique artificiel, exempt de tout sentiment d’appartenance à une nation.
Le plastique bulle est un matériau courant d’emballage.
Partant de l’idée qu’une sculpture ou un objet ait été emballé avec du plastique bulle, puis déballé, apparaissent alors sur la feuille des traces et des empreintes de cet objet.
L’empreinte se compose de points (pixels) – chaque point est important, mais ce n’est que dans leur totalité qu’ils produisent un sens (l’image).
Le plastique bulle, donc le matériau d’emballage, devient le véritable objet d’art, et obtient de ce fait une surprenante importance.Un premier ensemble est formé d’oeuvres qui font appel à l’image informatisée ou à l’utilisation d’internet. Qu’elle soit « re-codées », comme le Retour aux sources de Bertrand Gondouin, déconstruite à la manière de Without you baby, There ain’t no us de Comenius Roethlisberger et Admir Jahic ou qu’elles imposent une lecture conditionnée de l’image comme Matrix Hype 8 de Ildiko Csapo (3D), David de Barbara Bugg (pixel) ou le travail de Chloé Dugit-Gros (image virtuelle d’un dessin), toutes ces oeuvres ont pour convergence de nous mener à une lecture
empreinte de références informatiques.
Star Wars kids me laisse perplexe, pourquoi tout le monde exploite cette vidéo alors que cela a rendu le jeune garçon malade au point de ne plus sortir de chez lui, et moi je me joins à la meute pour en parler sur mon blog. perçoit-on l’idée de dénonciation de la surconsommation des images et duWeb ? Des images, 600 dessins visibles ou non visibles de youtoube reproduites sur des planches encadrées, 22 dessins en largeur x 7 en hauteur soit 154 dessins en tout qui sont accrochées au mur du fond de la Kunsthalle, puis par une série de lots devant le mur, chaque image étant une séquence de la vidéo la plus visionnée sur Youtoube. Voici ce qu’en disent les 2 plasticiens :
Comenius Roethlisberger : une installation contemporaine sortie de ses gonds.
Admir Jahic : peindre d’après les numéros. Ils ont dessiné les 40 dernières secondes (15 dessins par seconde) de la vidéo,
reproduit et encadré les images Youtoube de Star Wars Kid, » Nos travaux sont des surfaces de projection. Dans des mises en scènes énigmatiques, nous réfléchissons sur tous les aspects et contextes possibles de l’identité.Nos travaux sont des surfaces de projection. Dans des mises en scènes énigmatiques, nous réfléchissons sur Star Wars Kid est né il y a plusieurs années grâce une personne s’étant volontairement filmé en train de faire semblant de se battre à la « star-wars » avec un balai, devant des rideaux et le type est vraiment à fond dans ce qu’il fait, très sérieux, très concentré …
C’est justement ce qui rend cette vidéo unique … et ça ne s’arrête pas là puisqu’ayant eu la maladresse de laisser la vidéo dans la caméra, des camarades ont diffusé la vidéo sur la toile.
Voilà que des dizaines de personnes se sont misent à la trafiquer en y ajoutant des effets spéciaux, musiques et faisant même des parodies de films, le résultat est vraiment hilarant et est devenu en quelque temps un véritable phénomène du même genre que : all your base belong to us, ou le chinois !!! « Une autre approche, un autre ensemble, nait d’une attention portée à la forme. Lifeboat de Bruno Steiner est un carton animé, tourné et retourné et qui laisse toujours apparaitre sa forme première. La série Blickwinckel de Gianin Conrad, bas-reliefs géométriques construits à partir du mètre en bois du bricoleur est contrainte par l’utilisation du matériau. On retrouve également le Matrix Hype 8 d’Ildiko Csapo qui construit une oeuvre en volume et renvoie ainsi à la représentation de la matière, à la construction moléculaire.
Les repères historiques liés à une mémoire partagée ou transmise sont également représentés. Le David de Barbara Bugg mais aussi la Chambre d’écoute d’Emanuel Strassle qui introduit dans l’espace un ronflement, un bourdonnement faisant référence à un univers industriel.
Certaines oeuvres ont pour point commun de venir perturber notre bon sens de l’espace. Anita Kuratle s’inscrit dans cette approche de même que Katja Flieger. Avec ses Ground painting, elle mène à l’absurde les conventions de signalétique urbaines prescrites et respectées. Selma Weber et sa série Ein Moment trifft die Welt engage une réflexion sur les clichés et les conventions qui sont les nôtres en matière de représentation vestimentaire.
Un autre vecteur de reconnaissance est le signe, utilisé comme moyen de communication, detransmission. Christina Schmid l’utilise dans ses Audioguides, canevas brodés de messages sténographiées en anglais …, avec une traduction sur l’envers. Andreas Frick, dans Bérénike, extrait des pages imprimées, les termes relatifs à la couleur et à son évocation. Les mots transmettent alors une information chromatique susceptible à son tour de mener à une nouvelle définition de pays.
Et ainsi de glissement en glissement, de lecture en relecture des oeuvres, se dénombre une multitude de pays possibles qui tour à tour ou conjointement pourraient s’appeler la Régionale.

Barbara Bugg, Gianin Conrad, Ildiko Csapo, Chloé Dugit-Gros, Katja Flieger, Andreas Frick,
Bertrand Gondouin, Anita Kuratle, Comenius Roethlisberger et Admir Jahic, Christina Schmid,
Bruno Steiner, Emanuel Strassle, Selma Weber.

photos Emilie George – Elisabeth Itti