Catégorie : Art

Pour sa douzième exposition de collection privée,
la maison rouge invite le Français Bruno Decharme à présenter, avec un regard contemporain, son exceptionnelle collection d’art brut.
l’exposition se termine le 18 janvier

Devenu un phénomène de mode ces dernières années, en France et dans le monde, avec un marché qui s’emballe, des foires et des galeries spécialisées plus nombreuses, des expositions d’art contemporain qui intègrent des œuvres d’art brut comme notamment la dernière Biennale de Venise (commissaire Massimiliano Gioni), l’art brut questionne. La maison rouge présente régulièrement au public des œuvres de ce corpus de l’art; Antoine de Galbert, son président le collectionne.

« Depuis sa création en 2004, nous cherchons à établir des ponts entre les différents champs de la création, proposant des expositions, qui mêlent art brut et art contemporain:
La collection d’art brut d’Arnulf Rainer,
Les inspirés, Elmar Trenkwalder et Augustin Lesage
ou, qui revisitent des œuvres majeures comme celles de Louis Soutter
ou Henry Darger.
Il nous a semblé que le moment était venu dans le cycle dédié aux collections privéesde porter notre attention sur la plus importante collection privée d’art brut au monde. »

Depuis plus de trente ans, Bruno Decharme (vidéo) assemble sa collection. Celle-ci compte aujourd’hui 3 500 pièces, recense 300 artistes du milieu du XIXe siècle à nos jours. Elle réunit des œuvres de nombreux pays, produites dans un cadre asilaire ou dans la solitude des villes et des campagnes, des productions dites médiumniques et des objets populaires qui échappent à la norme des traditions. Cet ensemble prolonge les collections et recherches de précurseurs psychiatres comme Hans Prinzhorn, d’artistes et écrivains comme André Breton, autant de travaux que Jean Dubuffet a théorisés en 1945 sous le concept d’art brut

En déplaçant ces créations vers le champ de l’art, Dubuffet opère un changement de paradigme radical qui invite à modifier notre façon de penser l’art.

Ces artistes créent le plus souvent avec une intention tout autre que celle de produire de l’art: messages à Dieu, accomplissement d’une mission, communication avec des esprits, talismans de protection, etc.
À travers leurs visions, qui peuvent être qualifiées de délirantes, chacun d’entre eux touche une forme de savoir qui fait écho aux questions fondamentales communes à tous:
«qui sommes-nous? D’où venons-nous? Où allons-nous?»

Pour autant, ils ne participent à aucune filiation artistique; autodictates,  souvent isolés, ils ne se connaissent pas et ne forment donc aucune école idéologique ou stylistique.
La démarche de Bruno Decharme s’inscrit dans le cadre d’un projet global, celui de collectionneur et de cinéaste de métier, mais également celui de fondateur de l’association abcd qui ouvre sa collection au public en 1999.
abcd (art brut connaissance & diffusion), animée par Barbara Safarova, est un pôle de recherche, dont les travaux prennent corps à travers des publications, des séminaires, des expositions et la production de films. L’exposition présente toutes ces facettes. L’exposition, dont le commissariat est assuré par Bruno Decharme et Antoine de Galbert réunit une sélection d’environ 400 œuvres (dessins, peintures, sculptures, photographies, assemblages…) de 200 artistes.

Présentée dans tous les espaces de la fondation, elle dessine un parcours qui fait l’objet de différentes étapes: mots-clés, thèmes agencés de façon subjective, mais tous liés par des questionnements dont le contenu est universel.
Surviennt ainsi des juxtapositions inattendues, loin de la division classique qui a cours quand on parle d’art brut: les fous, les médiums, les marginaux, et qui ne concerne que le statut des auteurs.
En proie aux désordres du monde et à toutes sortes de difficultés de la vie, les artistes de l’art brut nous donnent à voir l’acte de créer dans sa littéralité.

Ces œuvres représentent autant de réponses à la question: que veut dire être sur cette terre. Cette exposition est en quelque sorte la métaphore d’un voyage qui nous conduit de la genèse de la vie – à l’origine, le chaos – à une forme d’extase, «un savoir supérieur» délivré par ces artistes d’un genre particulier dont certains ont le dessein de sauver le monde.

je remercie
les Editions Séguier pour l’envoi de leur livre :
La Folie de l’Art Brut, dont l’auteur est Roxana Azimi
ainsi que François-Marie Deyrolle, de l’Atelier contemporain
pour l’envoi du livre :
De l’Art Brut aux Beaux-Arts convulsifs
Jean Dubuffet & Marcel Moreau, préface de
Nathalie Jungerman

 

« Je suis Niki de Saint Phalle et je fais des sculptures monumentales »

C’est ce que scande Niki à travers l’exposition.

La rétrospective Niki de Saint Phalle au Grand Palais, à Paris, est l’occasion de mettre en lumière la personnalité et la vie de cette artiste féministe connue surtout pour ses célèbres Nanas. Plus de deux cents œuvres et archives – mêlant peintures, assemblages, sculptures, gravures et cinéma expérimental – sont exposées au fil d’un parcours à la fois chronologique et thématique, ponctué de documents vidéo.
Niki de Saint Phalle.- 1930 – 2002–

C’est l’exposition de l’année 2014, au Grand Palais qui se termine le 2 février 2015
Le Grand Palais propose sur 2 000 m2 une rétrospective complète de l’une des plus populaires représentantes du Nouveau Réalisme,

C’est en lisant l’excellent livre d‘Elisabeth Reynaud  :
Niki de St Phalle  » il faut faire saigner la peinture « 
aussi en lisant Niki de St Phalle, artist & mystic, dans les traces du Facteur Cheval & d’Antonio Gaudi de Pierre Chazaud  (que je remercie pour ses livres-cadeaux) que je commençais à comprendre comment une petite fille, issue de l’aristocratie, belle, riche, domptant sa difficulté de vivre par son génie créatif, a réussi à s’imposer parmi les grands artistes du siècle passé. Plasticienne, peintre, sculptrice, provocatrice, autodidacte, réalisatrice de films, mannequin, féministe, militante antiraciste et anti-sida, elle laisse une oeuvre protéiforme, radicale, d’une grande vitalité, dont la force est toujours d’actualité.

« Je n’accepterais pas les limites que ma mère tentait d’imposer à ma vie
parce que j’étais une femme.
NON. Je franchirais les limites pour atteindre le monde des hommes
qui me semblait aventureux, mystérieux, excitant.
Ma nature optimiste m’y aida »
Niki de St Phalle

Préférant une vie d’artiste, à celle de bourgeoise modèle imposée par ses parents,  aux côtés de son premier mari, l’écrivain américain Harry Mathews, elle commence à peindre ses premières huiles et ses premières gouaches.
À la suite d’une grave crise nerveuse, l’artiste est hospitalisée à Nice. Les médecins diagnostiquent une schizophrénie et lui font subir une série d’électrochocs et un traitement à l’insuline. C’est à ce moment qu’elle se met à peindre et découvre que cette occupation lui procure la sérénité dont elle a besoin.
Ne se sentant, ni américaine, ni française, sans aucun sentiment national défini, elle éprouve le besoin de se recréer, de recoller l’image d’un corps mis en morceaux et d’une âme tourmentée.
En 1955, Niki découvre l’oeuvre de l’architecte Antoni Gaudí et le parc Güell à Barcelone. Lors d’une première exposition personnelle à la galerie Gotthard à Saint-Gall, en Suisse, Niki fait la connaissance de Jean Tinguely et de sa femme, Eva Aeppli, qui habitent l’impasse Ronsin, à Montparnasse.
En 1960, elle se sépare de Harry Mathews, lui laissant la garde de leurs 2 enfants.
Niki s’installe impasse Ronsin avec Jean Tinguely. C’est le moteur de sa vie, son grand amour, malgré les infidélités de part et d’autre.
1961 Première séance de tir.

Il s’agit de tirer à la carabine sur des reliefs couverts de plâtre et de faire éclater, cachés sous le plâtre, des sachets de couleur qui éclaboussent le tableau. Pierre Restany invite l’artiste à se joindre au groupe des Nouveaux Réalistes.
C’est avec Jean Tinguely et grâce à ses encouragements et sa folie qu’elle réalisera ses oeuvres.

Peindre la violence
« Peindre calmait le chaos qui agitait mon âme. C’était une façon de domestiquer ces dragons qui ont toujours surgi
dans mon travail. »
 L’art à la carabine
« J’ai eu la chance de rencontrer l’art parce que j’avais, sur un plan psychique, tout ce qu’il faut pour devenir une terroriste. Au lieu de cela j’ai utilisé le fusil pour une bonne cause, celle de l’art. »
« Je passerais ma vie à questionner. Je tomberais amoureuse du point d’interrogation. » « Pour VOUS j’ai conquis le monde. »
Confrontée très tôt à l’inégalité des chances à laquelle sont confrontées les femmes et à l’absence de modèles féminins auxquels s’identifier, Saint Phalle décide dès l’enfance de
« devenir une héroïne ». La lecture du Deuxième Sexe (1949) de Simone de Beauvoir la marque profondément. Précédant de quelques années les mouvements féministes, elle est l’une des premières artistes de son temps à faire de la femme un sujet, qu’elle traite dans sa complexité : à la fois victime de l’enfermement dans sa condition féminine et
« héroïne » potentielle d’un monde à inventer.
Ces assemblages aux titres évocateurs – Mariées, Accouchements, Prostituées, Sorcières, Déesses – frappent encore aujourd’hui par leur radicalité et leur ambivalence. Il faut les regarder de près : les objets qui les constituent ou les recouvrent sont soigneusement choisis, puis mis en valeur ou au contraire accumulés.
 

Une nouvelle société matriarcale
« Le communisme et le capitalisme ont échoué. Je pense que le temps est venu d’une nouvelle société matriarcale. Vous croyez que les gens continueraient à mourir de faim si les femmes s’en mêlaient ? Ces femmes qui mettent au monde, ont cette fonction de donner vie – je ne peux pas m’empêcher de penser qu’elles pourraient faire un monde dans lequel je serais heureuse de vivre. »
Faites d’abord de papier mâché et de laine, puis de résine, les Nanas sont un prolongement naturel des Déesses fécondes et des Accouchements. Ces femmes au ventre souvent rebondi trouvent aussi leur origine, selon l’artiste, dans un dessin qu’elle exécute avec Larry Rivers de son épouse Clarice Rivers enceinte. À la fois joyeuses et puissantes, les Nanas sont les manifestes d’un monde nouveau, dans lequel la femme détiendrait le pouvoir. Leur corps coloré et généreux va bientôt s’agrandir et s’ouvrir dans des Nanas-maisons qui seront aussi autant de propositions pour vivre autrement.
La première et la plus grande de ces Nana-maisons est Hon, sculpture géante éphémère réalisée en 1966 au Moderna Museet à Stockholm avec Jean Tinguely et Per Olof Ultvedt, à l’invitation de son directeur, Pontus Hultén. Le Nana Power
« Pour moi, mes sculptures représentent le monde de la femme amplifié, la folie des grandeurs des femmes, la femme dans le monde d’aujourd’hui, la femme au pouvoir. »

Dansantes ou sportives, grandes voire géantes, tantôt impressionnantes tantôt sexy, les Nanas portent l’espoir d’un monde nouveau où la femme aurait « droit de cité » : leur présence dans l’espace public est symbolique. Libérés des stéréotypes imposés par la mode, leurs corps expriment une féminité sans retenue et un féminisme souriant, à l’image de l’artiste dont elles sont le porte-voix :
« Je veux être supérieure : avoir les privilèges des hommes et en plus garder ceux de la féminité, tout en continuant à porter de beaux chapeaux. »
Les Nanas, qui se multiplient sous forme de ballons gonflables, de sérigraphies, de bijoux et d’éditions diverses, dans l’art comme sur la scène, et des années 1960 jusqu’à la fin de la vie de l’artiste, sont les guerrières d’un combat féministe que Saint Phalle a été l’une des premières à mener dans le monde de l’art. Beaucoup d’entre elles sont aussi les étendards des droits civiques, pour lesquels Saint Phalle s’engage aussi très tôt :
« Moi ? Une sauvage ? Elle a trouvé enfin une réponse, qu’une femme dans la civilisation des hommes, comme un nègre dans la civilisation des blancs, a droit au refus, à la révolte.

Mère dévorante, père prédateur
« Nous connaissons tous dans notre vie la bonne et la mauvaise mère. Autrement dit, j’ai déjà représenté la bonne mère avec les Nanas, je me consacre désormais à son anti thèse, à cette mère qu’on aimerait ne pas être. »
Alors qu’au début des années 1970 elle commence à travailler à son premier long-métrage, Daddy, un film expérimental coproduit avec Peter Whitehead, où sont affichés sans détours l’inceste imposé par son père ainsi que les rapports de domination entre les sexes, Saint Phalle travaille à une nouvelle série de sculptures, qu’elle intitule Mères dévorantes. Mises en scènes ou en situation avec leurs accessoires, en compagnie de personnages secondaires, ces femmes mûres devenues mères semblent tirées d’un scénario où le grotesque le dispute à la terreur.
Quelques années après les Nanas, Saint Phalle poursuit avec ces Mères dévorantes l’exploration sans complaisance des « rôles féminins » qu’elle avait entreprise dix ans auparavant.

Chacune de ses oeuvres offre plusieurs niveaux d’interprétation dont on a souvent omis le caractère engagé au profit d’une lecture décorative et superficielle. Aller au-delà, c’est reconnaître une oeuvre qui se nourrit presque toujours de questionnements sur des sujets de société. Niki de Saint Phalle a été l’une des premières artistes à aborder la question raciale et à militer en faveur des droits civiques, puis du multiculturalisme américain ; l’une des premières aussi, dans les années 1980, à utiliser l’art pour sensibiliser le grand public aux ravages du sida.
« En 1955 je suis allée à Barcelone avec mon mari Harry Mathews. C’est là que j’ai vu le magnifique parc Güell de Gaudi. J’ai rencontré à la fois mon maître et ma destinée. J’ai tremblé. Je savais qu’un jour, moi aussi, je construirais un jardin de joie. Un petit coin de paradis. »
Quarante-trois ans plus tard, en Italie, Niki de Saint Phalle met la dernière main au projet le plus important de toute sa carrière : le jardin des Tarots, parc de sculptures monumentales inspirées des vingt-deux arcanes majeurs du jeu de tarot.
visite guidée de l’exposition par Télérama
Un magnifique catalogue accompagne l’exposition dont la commissaire est
Camille Morineau
 
En raison du contexte actuel, la Rmn-Grand Palais a pris la décision d’annuler La Nuit Niki prévue dans l’exposition Niki de Saint Phalle durant la nuit du 31 janvier au 1^er février.
En vous remerciant de votre compréhension.

Jeff Koons à Beaubourg jusqu’au 27 avril 2015
Jeff Koons à la Fondation Beyeler,
Jeff Koons et Split-Rocker, 2000/2012 à la Fondation Beyeler
Jeff Koons à Versailles.
Pas de renouvellement de ses jouets, ils sont déclinés dans d’autres couleurs,
et suscitent toujours la foudre d’une certaine presse et d’une partie du public.

Je vous épargne la controverse des puristes, sur le kitch, je considère d’ores et déjà l’évènement comme un amusement et une curiosité. Je ne vous parlerai pas non plus du parallèle entre Andy Warhol et leur méthode de travail en atelier,  ou encore d’Olafur Eliasson, travaillant avec 80 personnes dans son atelier, futur occupant des cimaises de la Fondation Vuitton, les maîtres de la Renaissance procédaient de la même façon, à la différence de Jeff Koons, ils mettaient la main à la pâte, procédaient à la finition, ne se contentaient pas d’être un concepteur.
Sa présence à Beaubourg en même temps que Marcel Duchamp, qui lui fait partie de l’histoire de l’art, doit le flatter, mais peut-on lui appliquer la phrase de Duchamp :
« C’est le regardeur qui fait l’oeuvre ! » ?
En fait le « regardeur » s’y  voit, le public se reflète partout et prend plaisir à s’y photographier.


Jeff Koons n’est plus un inconnu, nous avons pu voir son univers baroque, ses bouquets, lors de la spendide exposition au musée Beyeler, le mythe des fleurs, ou encore lors de la magnifique exposition qui montre une sculpture de la la Cicciolina dans son tub, Eros à Beyeler ensuite à Versailles, les collectionneurs Richard et Ulla Dreyfuss-Best dans leur exposition « For Your Eyes Only » actuellement au Kunstmuseum de Bâle ne dédaigne pas de montrer le  « Wrecking Ball 2002» de Jeff. Art Basel, la Fondation Prada à Venise, ne manquent pas de présenter JK.
Entre les 2 vedettes actuelles de l’art contemporain (Damien Hirst), il n’y a presque pas de choix possible, les 2 sont des businessmen accomplis, célèbres, provocateurs, talentueux. Les bourses s’effondrent, les banques s’affolent, les gens ne partent plus en vacances et se serrent la ceinture, raclent leurs fond de poches, les femmes indonésiennes se font tuer pour quelques poignées de roupies, mais « l’élite » mondiale soutient, achète et se précipite aux ventes et aux expositions de ces artiste.
Damien Hirst a court-circuité les galeristes en vendant directement chez Sotheby’s à Londres, aux enchères, 223 de ses œuvres en encaissant la somme astronomique de 140 millions d’euros. La fortune de Bill Gates serait largement dépassée (?) (faux Bill Gates « pèse » 57 milliards de $). Pour moi, ces montants sont abstraits et surréalistes.
Jeff Koons, chevalier, puis officier de la légion d’honneur nous parle de l’acceptation de soi-même et de l’autre, de la confiance en lui-même et du pouvoir de l’art, grâce au rêve réalisé en exposant à Versailles, puis au Whitney Houston. De François Pinault collectionneur fervent de JK à Jean Jacques Aillagon, respectivement ancien ministre de la culture, puis directeur du Palais Grassi puis directeur du château de Versailles, la connexion était aisée.

C’est en regardant l’Olympia de Manet qu’est venue sa compréhension et son amour de l’art et ses niveaux de significations, pourquoi pas de l’Origine du Monde de Courbet.
Il imagine devant le Homard, acrobate, lien entre le visiteur et l’œuvre, la couleur rouge, le motif, évoquant les flammes du Moyen Age,  que s’il reste trop longtemps sous le regard du public, il finira dans les flammes, puis pour compléter il lui trouve les mêmes moustaches que le Führer.
Quand à l’ « Aspirateur  » sa transparence est pour lui associée au féminin …. (tiens donc !) à la matrice. Quand on le regarde en effet, la disposition des accessoires, font penser à une silhouette.

L’autoportrait entre celui de Louis XIV et Louis XVI, (à Versailles) expression du monumental, sur un socle réplique (pas la meilleure) du Bernin, n’est pas l’image de Jeff Koons, mais « l’expression en tant qu’artiste » confronté aux 2 icônes du passé avec le contemporain. Je cite « le frottement, la juxtaposition d’intérêts communs, voire le parallèle entre 17e, 18e et JK. »
Le petit train évoque son enfance et les souris, chien et autres ballons, les jouets qu’il a conçu pour son fils aîné, issu de son mariage avec la Cicciolina, puis pour les autres
enfants de sa nombreuse famille.

Son discours reste le même : il désire être impliqué, pour lui, ses œuvres sont une métaphore de l’acceptation de l’autre et de soi-même, au niveau mondial. En résumé Jeff Koons souhaite établir une connexion avec l’art et son pouvoir sur le monde.
La petite salle pornographique ne mérite pas le détour, car là on comprend très vite :
« Fuck you » c’est à dire nous.
photos de l’auteur
 

La Fondation Pierre Gianadda à Martigny associée au musée des Beaux-Arts de Berne, présente cet hiver, les oeuvres d’artistes emblématiques de la Suisse avec la complicité et la générosité de la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire.

Bruno Stefanini, qui fête cette année son quatre-vingtième-dixième anniversaire, se révèle un collectionneur atypique qui a, depuis plus de cinquante ans, rassemblé plus de huit mille pièces, dont des peintures et travaux sur papier, des centaines de statues et d’ouvrages de sculpture, de grands ensembles de livres rares, des objets précieux et des armes d’apparat, du mobilier et des productions des arts décoratifs.
Cette incroyable collection se trouve réunie dans la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire fondée en 1980 par Bruno Stefanini, mécène de Winterthur. Elle ne réunit pas seulement l’art suisse depuis le XVIIIe siècle jusqu’à l’époque moderne mais comprend également des monuments historiques d’importance nationale tels les châteaux de Grandson (canton de Vaud), de Salenstein et de Luxburg, (canton de Thurgovie) et Brestenberg (canton d’Argovie), l’immeuble Sulzer à Winterthour, première tour construite en Suisse en 1962.
Il s’agit certainement «… de la plus vaste collection d’oeuvres d’art et d’objets historiques jamais réunie en Suisse par une seule et même personne ». (Mathias Frehner, directeur du musée des Beaux Arts de Berne)

Grâce à Bruno Stefanini et sa Fondation, des oeuvres d’art suisse, proposées sur le marché de l’art et que les musées, faute de moyens financiers n’ont pas pu acquérir, ne sont pas parties à l’étranger et ont rejoint ladite Fondation.
Cela ressemble à du protectionnisme à titre privé. N’est-ce pas un obstacle pour les artistes suisses, d’être cantonnés à la Suisse et à ses cantons, et de ne pas connaître une renommée internationale, à l’instar des artistes régionaux qui peinent à être montrer à
l’international ?
Cela confère aussi une certaine monotonie à la collection qui est bien lisse et sage, bien que comportant de magnifique paysages ainsi que de superbes portraits.
Le mécène, collectionne non seulement des toiles, mais aussi les esquisses, les dessins, tout ce qui concerne une oeuvre, jusqu’à son aboutissement et en plusieurs exemplaires
s’il en existe des séries. Cela est une source intéressante pour des étudiants et des historiens d’art.

Bruno Stefanini est né à Winterthour en 1924, fils d’un émigré de Bergame en Lombardie, ouvrier spécialisé dans la tuyauterie,  qui dirigea le légendaire restaurant Salmen aux spécialités italiennes réputées.
Les premières incitations à s’intéresser à l’art viennent de sa mère qui collectionnait les antiquités et emmenait son fils Bruno quand elle allait chiner chez les brocanteurs. Au Lycée il s’adonne avec passion à la lecture et engrange une solide culture sur la littérature. Il affectionne aussi le dessin. Bruno Stefanini entame des études de sciences naturelles à l’Ecole polytechnique fédérale de Zurich, puis est appelé sous les drapeaux au moment de la Deuxième Guerre mondiale.
A l’époque du boom économique des années 1950/60, il développe son activité dans la branche immobilière. Avec une stratégie qui consiste à investir ses revenus locatifs dans de nouvelles promotions, il devient l’un des plus importants propriétaires privés de biens fonciers en Suisse, dont les revenus lui  permettent de constituer une collection d’une telle ampleur.
Ne s’accordant que peu de loisirs,  Stefanini se consacre exclusivement à sa passion pour l’art.  Ardent lecteur, il possède des connaissances étendues sur l’histoire de l’art.

Mathias Frehner a demandé il y a cinq ans à Bruno Stefanini d’organiser une exposition consacrée aux trésors de sa collection. Ce dernier déclina l’invitation, jugeant
« que c’était encore trop tôt » !
Pour 2014, le mécène est d’accord pour une présentation de sa collection sous la forme d’une sélection concise. Probablement que le passage de ladite collection à la Fondation Pierre Gianadda, après le Musée des Beaux-Arts de Berne, n’est pas étranger à l’acceptation de Bruno Stefanini de dévoiler un pan des oeuvres prestigieuses de son immense collection.

Le nonagénaire achète des immeubles, mais il ne les revend pas. Sa stratégie est la même dans le domaine de l’art. Conservateur, compulsif même, ses achats sont diversifiés.
C’est ainsi que l’on peut admirer  la pointe immergée d’un iceberg, un bloc de glace assez gros pour faire couler deux ou trois Titanic, âgé de 15 millions d’années, découvert en 2003, dans les Grisons.
Il y a non seulement les œuvres, centrées sur la Suisse, mais les souvenirs historiques. Goethe, un exemplaire unique de poèmes de Hermann Hesse, Napoléon, Guillaume II, l’empereur François-Joseph, le tsar Nicolas Ier, Albert Einstein le passionnent au même titre que Kennedy et, bien sûr, le général Guisan ou l’impératrice Elisabeth d’Autriche dite Sissi, dont on peut voir le costume d’amazone.

L’exposition se présente sous forme de thèmes : peintures d’histoire, de genre, de paysage, représentation d’animaux, natures mortes, le symbolisme dans l’art suisse, le nu, l’enfant en peinture, portraits et autoportraits. Des oeuvres d’artistes allant de 1762 (Marie Thérèse, Jean Etienne Liotard, pastel) au milieu du XXe s.(Max Gubler, autoportrait à l’huile de 1945) documentent de façon exhaustive les thèmes cités et entraînent le visiteur dans une balade éclectique illustrée en grande partie par des peintres suisses de grand renom et ceci sur les cimaises du musée, en passant par les murs de l’escalier conduisant à la cafétéria et se prolongeant, dans le couloir de part et d’autres et dans la salle qui mène à la donation Franck.

ALBERT ANKER, (1831-1910) est présent dans plusieurs thèmes comme par exemple Les Polonais en exil (1868) qui dans le thème de la peinture d’histoire, montre un grand-père mélancolique avec son petit-fils, écoutant jouer sa petite fille au piano, probablement du Chopin, et rappelle les milliers de réfugiés qui émigrent en Allemagne, en Belgique et en France, après l’entrée des troupes russes pour écraser l’insurrection populaire à Varsovie en 1831. Anker préfère dépeindre le calme après la tempête que la fureur des champs de bataille, on retrouve la même démarche dans son tableau Les Bourbakis (1871). Mais c’est dans le thème de la peinture de genre, avec des représentations de la vie quotidienne d’autrefois, qu’Anker excelle. Avec son réalisme tranquille, prompt à saisir avec une sensibilité psychologique développée, il raconte l’enfance Les soeurs Gugger tricotant, 1885, le monde paysan : Le vin nouveau, 1874 ou Vieille lisant le Zollikofer, 1885.

FERDINAND HODLER, (1853-1918)  (exposé à la Fondation Beyeler en 2013 et au musée d’Orsay)
dans le thème du symbolisme dans l’art suisse avec deux oeuvres célèbres : Las de vivre, après 1892, et Heure sacrée, 1911, qui constitue l’affiche de l’exposition, les paysages du Léman etc ..

FÉLIX VALLOTTON, (1865-1925) dont le Grand palais a montré une belle rétrospective en 2014.   Après avoir été l’une des figures majeures des Nabis dans les années 1890 à Paris, où ses fameuses gravures sur bois le rendent célèbre, à partir de 1900 il revient à la peinture avec des nus, des paysages et des natures mortes. Les nus féminins représentent plus d’un tiers de la production picturale de Vallotton. Il s’écarte des canons de la beauté habituelle et ses nus étonnent par leur chair marmoréenne et n’incarnent pas un type de perfection idéale.

GIOVANNI SEGANTINI, (1858-1899), présenté à la Fondation Beyeler en 2011.   Il aura été toute sa vie un « sans-papiers ». Dans les Grisons, Segantini, découvre une lumière pure, la beauté enivrante de la nature qui lui inspire les motifs de son oeuvre de maturité. Disparu prématurément, ce « nomade apatride », connaît à partir de 1911 une gloire posthume, lorsque le musée Segantini à St- Moritz, inauguré en 1908, reçoit en dépôt de la Fondation Gottfried Keller, le célèbre Triptyque des Alpes.
Sésame, ouvre-toi ! Une formule magique qui s’ouvre sur une balade thématique de quelque 150 peintures ! Outre les quatre artistes cités, un panel de peintres suisses, tels Cuno Amiet, Alice Bailly, François Bocion, Alexandre Calame, Augusto et Giovanni Giacometti, Jean-Etienne Liotard, Edouard Vallet,etc., qui fera de cette exposition, un événement exceptionnel : une rencontre avec une collection prestigieuse née d’un mécène hors du commun.
COMMISSARIAT DE L’EXPOSITION :
Matthias Frehner, directeur du Kunstmuseum Bern.
CATALOGUE DE L’EXPOSITION :
reproduit en couleurs toutes les oeuvres exposées. ISBN 978-2-88443-151-4
Exposition ouverte du 5 décembre 2014 au 14 juin 2015
Tous les jours de 10 h à 18 h
photos de l’auteur courtoisie de la Fondation Gianadda

« Nous sommes la tradition, on ne saurait trop le dire. Et peut-être Titien me dirait-il quelques mots avant de monter dans sa gondole »,
proclamait-il, avec emphase, en 1890.

voir ici la vidéo du vernissage

Contrairement à l’exposition de la Fondation Beyeler, qui était consacrée aux 10 dernières années de sa vie, la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe s’attache à montrer ses créations depuis les débuts, les maîtres, les inspirations d’Edgar Degas
Il fait partie du groupe des impressionnistes, en participant avec eux à leurs expositions, mais en ne partageant pas du tout leur manière de travailler sur le motif.

« Cela ne signifie rien, l’impressionnisme. Tout artiste consciencieux a toujours traduit ses impressions « 
Vous savez ce que je pense des peintres qui travaillent sur les grands
chemins ? C’est à dire que si j’étais le gouvernement,  j’aurais une brigade de gendarmerie pour surveiller les gens qui font du paysage sur nature ….
Oh ! je ne veux la mort de personne;  j’accepterais bien qu’on mît du petit plomb pour commencer » [à Vollard]
« Ne me parlez pas des impressionnistes, il faudrait les fusiller  »
Voyons est-ce qu’Ingres transportait son chevalet sur les grands chemins ? »
On plante un jeune homme en plein champ et on lui dit « Peignez ! » Et il peint une ferme sincère; c’est imbécile  »
« les Impressionnistes ont besoin d’une vie naturelle, moi d’une vie artificielle. »
extrait de « je veux regarder par le trou de la Serrure » propos choisis, édition établie par Jean Paul Morel, les Mille-et-une-nuits

 

 

Après avoir participé à la 8e et dernière exposition en 1886, de la Société des peintres indépendants, il s’écarte du groupe pour reprendre sa liberté et son indépendance, loin de la mode, des conventions sociales, politiques et artistiques.
Portrait de Degas par Sachy Guitry
Disposant d’une certaine fortune, il n’est pas tenu de vendre et passe ses journées au Louvre, à copier les oeuvres des anciens maîtres, ou à faire de longs voyages en Italie.
Refus des honneurs, anarchiste et conservateur, fervent patriote et militariste, il se porte volontaire pour la défense de Paris en 1870.

Dans sa 1ere exposition en 1892 chez Durand-Ruel  il ne présente que des peintures de paysages que pourtant, il ne tenait pas en estime, des monotypes de petits formats tirés sur des feuilles de papier, rehaussés de pastel pour la plupart.
Elles ont vu le jour à l’atelier, évoquant des paysages de rêve, de la génération des symbolistes qui feraient le bonheur des surréalistes. Il affirme ainsi son indépendance et sa position artistique.
Il retravaillait certaines oeuvres pendant des décennies et vendait avec parcimonie, créant ainsi une demande. Il tenait à distance la presse et la critique d’art. Ses bénéfices lui permirent de se constituer une collection d’oeuvres d’art.
Les « Saints Patrons » Jean Dominique Ingres et Eugène Delacroix formaient le noyau de sa collection. Manet y tenait une place à part, ne voit-on pas une parenté avec Un bureau de coton à la Nouvelle-Orléans, 1873.
A propos de Manet :  » pauvre Manet avoir peint le Maximilien, le Christ aux anges, et tout ce qu’il a fait jusqu’en 1875, et puis lâcher son magnifique « jus de pruneaux » pour faire le Linge !…

Les anciens faisant partie de son panthéon personnel sont : Giotto, Titien, Mantegna  dont il a fait une copie du Calvaire, Botticelli, Raphaël, Veronese, puis les flamands
Jan Van Dyck et Rembrandt, dont on voit des copies d’après …. El Greco.
Il soutient ses collègues moins fortunés en leur achetant des oeuvres : Cézanne, Berthe Morisot, Marie Cassatt, Suzanne Valaton, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, mais aussi des estampes japonaises.
Il partageait sa passion avec Henri Rouart, peintre et personnalité éminente du tout Paris,
(une exposition est consacrée à cette famille à Nancy), dans le livre de Dominique Bona
académicienne , » les Deux Soeurs » (Rouart) on apprend que Degas, célibataire endurci, aimait à jouer les entremetteurs, il eut l’idée de les marier à 2 fils du peintre Lerolle.

La rétrospective présentée à la Kunsthalle de Karlsruhe jusqu’au  15 février 2015 rassemble environ 130 oeuvres couvrant un demi-siècle de la carrière de cet artiste d’exception. Sept d’entre elles sont issues des collections du musée, les autres étant prêtées par des organismes publics et des collectionneurs privés d’Europe, des États-Unis et du Canada. Cet ensemble remarquable offre ainsi un panorama complet de la production de l’artiste. Particulièrement diversifiée, l’oeuvre de Degas n’est nullement limitée à la représentation des danseuses et des baigneurs auxquels l’artiste doit sa notoriété.

L’exposition Classicisme et expérimentation présente Degas tel qu’il était : un artiste charnière entre tradition et modernité, héritier des maîtres anciens mais parfaitement capable d’innover et de se livrer à des expériences. Elle offre pour la première fois en Allemagne la possibilité de mettre en parallèle d’une part les tableaux historiques et les portraits de style classique donnés par l’artiste au début de sa carrière, d’autre part les célèbres représentations de danseuses et de courses de chevaux qu’il réalisa ultérieurement. L’exposition ambitionne ainsi d’ouvrir de nouvelles perspectives sur la production d’un artiste qu’on croyait connaître parfaitement.

Est-il plus sculpteur que peintre ? « que non, jamais de la vie, c’est pour ma seule satisfaction que j’ai modelé gens et bêtes, mais pour donner à mes dessins à mes peintures plus d’expression, plus d’ardeur, plus de vie. Ce sont des exercices pour me mettre en train.
…….Ce qu’il me faut à moi c’est exprimer du caractère, le mouvement dans son exacte vérité, accentuer les os, le muscle et la fermeté compacte des chairs. »
Il ne fréquente que l’opéra, jamais les champs de course.

Informations
commissaire : Alexander Eiling
catalogue en langue allemande : Pia Müller-Tamm
Visites guidées publiques
En langue française :
le samedi et dimanche à 15h30 Tarif : 2 €
Audioguides Disponibles en langue française 4 € / 2 € (réduit)
Guide expo : Un livret avec des notices explicatives en français de toutes les oeuvres et un plan de l’exposition est mis à disposition des visiteurs.
Tarif : 1 €
PASS TGV EXPO KUNSTHALLE
« PASS TGV EXPO DEGAS »:
Offre exclusive pour les visiteurs français de l’exposition Degas à Karlsruhe : réduction de 50% sur le billet TGV (allerretour) avec relation directe, à partir de nombreuses gares françaises
(Paris, Strasbourg, Mulhouse, Lyon, Avignon, Marseille…).
Entrée à l’exposition à tarif réduit et d’autres avantages.
Information et réservation dans les gares et boutiques SNCF.
Pour plus d’informations consultez les sites suivants :
www.karlsruhe-tourismus.de/fr
et pour les horaires des TGV France > Karlsruhe :
www.voyages-sncf.com
Accès au musée
Le musée se trouve au centre ville, près du Château et de la Cour constitutionnelle. Possibilité de prendre le tram devant la gare de Karlsruhe pour se rendre au musée. Arrêt « Herrenstrasse » ou « Europaplatz ». Pour plus d’informations voir le site des transports en commun www.kvv.de Stationnement voitures A proximité du musée parkings « Zirkel/Herrenstraße », « Passagehof » et « Schlossplatz/Unterführung » Stationnement cars Parking devant la Kunsthalle