Robert Cahen – le voyage en Italie

Non je ne vais pas vous commenter le chef d’oeuvre de  Roberto Rosselini,
Mais vous parler d’un autre Roberto, alsacien d’adoption :
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photo Georges Senga à Kipuchi (Congo)
Son actualité italienne est très dense en cet automne.
Cela démarre par une rétrospective de ses films au
Festival FishEye  de Rome, organisé par Bruno di Marino spécialiste de l’Art video et enseignant  cette matière à Rome.
Du 15-20 octobre 2009 au Nuovo Cinema Aquila – Roma
sabato 17 ottobre
– Sanaa, passage en noir di Robert Cahen, Francia, 2007, video,
– L’étreinte di Robert Cahen, Francia, 2003, video,
(I video sono introdotti dall’autore)
– Blind Song di Robert Cahen, Francia, 2007, video,
Cela continue avec une rétrospective de ses vidéos :
Robert Cahen, pionnier et personnalité phare de l’art vidéo international, est l’artiste invité de l’exposition :
«Robert Cahen. Passaggi», installations vidéo 1979-2008,
du 23 octobre 2009 au 10 janvier 2010, à Lucca en Toscane.

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L’exposition est organisée par la Fondazione Centro di Studi sull’arte
«Licia e Carlo Ludovico Ragghianti», Lucca, direction artistique Sandra Lischi, professeur à l’Université de Pise et spécialiste des arts électroniques.
Elle est réalisée en collaboration avec le «Lucca Film Festival 2009», qui va consacrer à cet artiste, parallèlement à l’ouverture de l’exposition, une rétrospective de ses films 16 et 35 mm.
Le Frac Alsace (Fonds Régional d’Art Contemporain) et
l’Institut Français de Florence apportent leur soutien.
Cet auteur français, un des artistes des plus importants de l’art vidéo international, a realisé  depuis 1971 un important corpus de films, de vidéo monobandes  et d’installations  vidéo, présentés, exposés et primés dans de nombreuses biennales, festivals vidéo nationaux et internationaux, tels que la Biennale de Paris, le MoMA de New York, le Musée des Beaux Arts de Fukuoka au Japon,  la Documenta 8 à Kassel en Allemagne, le FestRio au Brésil, le Tokyo Festival, le Festival de Locarno…
L’exposition  présente onze installations vidéo, et deux vidéos des années 80 installées spécialement pour cet événement. Les oeuvres exposées, particulièrement intenses, permettent  de découvrir les grands thèmes abordés par cet artiste: le paysage, le voyage, le temps des images et l’image du temps. L’approche étant, entre autres, picturale et musicale.
Un catalogue comprenant des textes critiques, des photos et des informations sur les oeuvres exposées est publié par la Fondazione.
L’exposition a lieu dans l’espace  de la
Fondazione Ragghianti, au sein du beau
complexe monumental de
San Micheletto.
Le vernissage aura lieu vendredi 23 octobre à 17h30, en présence de l’artiste,  et l’exposition restera ouverte jusqu’au 10 janvier 2010. Horaire : 10h00-13h00 ; 15h00-19h00. Fermeture hebdomadaire: lundi.
L’entrée sera gratuite et offerte par la
Fondazione  Cassa di Risparmio di Lucca. comme pour toute  manifestation consacrée à l’art et à la culture visuelle contemporaine mise en place par la Fondation Ragghianti.
Bureau de presse :  Elena Fiori
Tél. 0583/467205 – téléfax  +39 0583/490325
e-mail: elena.fiori@fondazioneragghianti.it
Marcello Petrozziello
Tél. 0583.472.627 – Port. 340.6550425
e-mail: comunicazione@fondazionecarilucca.it
Et cerise sur le gâteau :
Le livre de Sandra Lischi, citée ci-dessus co-directrice du Festival International « Invideo « de Milan ,
« Il respiro del tempo » (Le souffle du temps) (clic)
avec la promesse d’une future édition en langue française.

L’ombre des mots

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Rencontre de deux prix Nobel de Littérature, au musée Würth, non pas par la plume, mais par les pinceaux. Ils dialoguent avec bonheur avec les peintures à l’encre de Chine de Gao Xingjian et les aquarelles de Günter Grass.
Ils peuvent cependant être qualifiés, l’un comme l’autre, d’artiste total, mêlant dans leur pratique, l’écriture, la peinture, la réalisation cinématographique (Gao Xingjian) et la scultpture (Günter Grass).
Le Musée Würth France Erstein reprend un choix de tableaux de Gao Xingjin, déjà exposé au Musée Würth La Rioja en
2008, mais élargit le concept de l’exposition en opposant l’oeuvre délicate et minimaliste de Gao à une sélection des grands cycles d’aquarelles et de dessins à l’encre de Günter Grass appartenant à la Collection Würth – déjà vues au musée Würth d’Arlesheim , en 2008, sont magnifiées sur les cimaises d’Erstein – fait qui a bien entendu largement contribué à l’idée de cette mise en parallèle.
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L’exposition « L’ombre des mots » propose donc un dialogue entre deux artistes d’abord connus pour leurs travaux littéraires mais qui revendiquent chacun une pratique picturale. Cette peinture a toujours été intimement liée à leur plume ; pour Gao Xingjian, elle prend le relais sur les mots lorsque ceux-ci s’essoufflent. Son travail est une quête intérieure, un langage pictural, un rêve éveillé, qui fait défiler lorsque l’on ferme les yeux, des personnages qui traversent leur vie, malgré les difficultés, avec espoir, reflets d’ombre et de lumière, lumière partout et toujours présente, exprimant la pensée positive qui anime l’artiste.
Tandis que pour Günter Grass, elle naît du même geste graphique. En s’affranchissant de l’écriture pour accéder à la forme peinte, le premier sépare rigoureusement les deux moyens d’expression, tandis que le second noue les deux disciplines l’une à l’autre, aussi bien dans le processus de création que sur la feuille de papier.
Cette rencontre au Musée Würth France Erstein se propose de faire découvrir sous un angle inhabituel le travail plastique de deux auteurs, à la fois poètes, romanciers, peintres et hommes de théâtre.
En août 2006, Günter Grass a révélé son enrôlement en octobre 1944 dans les Waffen-SS après avoir prétendu auparavant avoir servi dans la Flak. Cette divulgation tardive, faite quelques jours avant le lancement de son dernier livre autobiographique: Pelures d’oignon (Beim Häuten der Zwiebel), a suscité malaise et incompréhension en Europe. Elle a été à l’origine d’une controverse entre intellectuels européens, certains d’entre eux considérant que cet aveu lui ôtait son statut de caution morale, d’autres au contraire pensant que cette sincérité, même tardive, ne faisait que renforcer sa légitimité.la-fin-du-monde.1255051164.JPG
Pendant la Révolution culturelle (1966 à 1976),Gao Xingjian est envoyé en rééducation dans les campagnes des provinces de Jangxi et Anhui, et il est obligé de brûler les manuscrits qu’il a déjà écrits (environ trente kilos de papier). C’est à la campagne qu’il s’imprègne de la tradition de transmission orale. Cet environnement lui paraît plus permissif et plus créatif que le Nord, trop marqué par le confucianisme. En 1975, il repart à Beijing pour reprendre ses activités professionnelles. Le Parti a toujours besoin de gens qui maîtrisent une langue étrangère, mais Gao se sent surveillé et décide de brûler les pages qu’il vient de réécrire, c’est-à-dire à peu près un million de signes.
 Lors de la rencontre avec l’artiste, ni moi, ni personne n’a osé soulevé cette antinomie.  Gao a simplement évoqué une courte rencontre informelle avec Günter Grass.
photos et vidéos de l’auteur

Venise

Si vous me cherchez je suis par jusqu’à nouvel ordre, pour un petit moment

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Je vous conseille Sélest’art, la Kunsthalle de Mulhouse avec « Le Jardin aux sentiers qui bifurquent, ainsi que la Galerie de La Filature avec les photographes d’Alsace choisis par Paul Kanitzer 

La collection Frick à New York

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Je me devais de vous parler de ce lieu tout à fait particulier de New York.
Un nom prédestiné pour cet entrepreneur  américain, magnat de l’acier et du charbon, jusque dans les années 20. Collectionneur d’art à ses heures perdues, Henry Clay Frick achetait ça et là des oeuvres d’art, essentiellement européennes, peintures, sculptures, tapisseries, qu’il stockait ensuite dans son hôtel particulier de Manhattan .
 
A sa mort il légua sa collection à ses héritiers qui en firent un musée. Cela ne ressemble en rien à l’idée qu’on se fait d’un musée traditionnel et c’est peut-être pourquoi les New-Yorkais adorent la Frick Collection,
Mécène donc, mais aussi farouchement anti-syndicaliste, Frick fut responsable du massacre des ouvriers de la Homestead Steel. Il consacra une grande partie de son immense fortune et 40 années de sa vie à l’achat des merveilles qui sont suspendues aux cimaises de son opulente demeure bâtie en 1913 sur la 5th Avenue, en face de Central Park.
La maison, dont la majeure partie est laissée en l’état d’origine, comporte 19 salles meublées dans le style XVIIIe siècle, anglais et français. 1 100 pièces de premier ordre : que des œuvres de grands maîtres, et souvent parmi les plus belles, sinon les plus personnelles.
On y voit des tableaux de Gentille Bellini, Boucher, Bruegel, Chardin, David, Delacroix, Degas, Fragonard, Gainsborough, Goya, El Greco, Ingres, Lawrence, Lorrain, Manet, Monet, Piero della Francesca, Rembrandt, Renoir, Rubens, de La Tour, Van Dyck, Van Eyck, Velázquez, 3  Vermeer, Tiepolo, Titien, Véronèse, Watteau, Whistler… Dans la galerie ouest (la plus riche), on peut admirer, se faisant face, deux remarquables Turner et, placés côte à côte, un autoportrait de Rembrandt et son énigmatique Cavalier polonais. Pêle-mêle, quatre très beaux tableaux du peintre américain Whistler, un étonnant Bronzino, le portrait de l’Arétin par Titien.
Le portrait, par Holbein le Jeune, de l’humaniste sir Thomas More, qui fut décapité, à cause de son opposition à Henri VIII, par l’ironie du sort il voisine avec celui de Thomas Cromwell artisan de la réforme de l’Église anglicane pour le compte d’Henri VIII.
Seuls deux peintres américains ont été jugés dignes de faire partie de sa collection :
  James Abbott McNeill Whistler, avec  entre autres, le portrait de Madame Frances Leyland, ou encore le comte Robert de Montesquiou-Fezensac, 1891-1892
Ainsi que Gilbert Stuart (1755 – 1828)  portraitiste de George Washington
ingres_broglie.1252631655.jpgUn magnifique portrait 1845  peint par Ingres de Louise, Princesse de Broglie, devenue à l’âge de 18 ans la Comtesse d’Hassonville, dans une pose ingresque, sa nuque se reflète  à l’arrière dans le miroir de manière totalement improbable. Le petite texte la décrit, comme une coquette, ayant fait souffrir maints soupirants. Cette comtesse était très musicienne et cultivée.
Une autre dame au grand cœur… a attiré mon attention, C’est Lady Hamilton peinte par Romney . Fille d’un forgeron gallois, elle fut la maîtresse de Charles Greville, qui commanda le portrait. Puis attiré par sa grande beauté,  Sir William Hamilton, oncle  de Charles Greville, ambassadeur à Naples, en fit sa maîtresse. Goethe loua sa grâce et sa beauté. Puis elle épouse Lord Hamilton,  elle le quitta pour Lord Nelson, elle côtoiera la reine Marie Antoinette.romney-lady-hamilton.1252631732.jpg
  A la mort de l’Amiral Nelson, Lady Hamilton est sans ressource, Hamilton légua son héritage à son neveu  Gréville.   Elle fait de la prison pour dettes et meurt dans le plus grand dénuement, abandonnée par tous ses amis Elle était connue et célèbre pour ses « attitudes » et poses romantiques inspirées de la mythologie ainsi que de la littérature.
 

Les « signes-paysages » d’Olivier Debré

Olivier Debré l’affirmait lui-même :
« Je me défends d’être un paysagiste, je traduis l’émotion qui est en moi devant le paysage, mais pas le paysage. »
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Très belle exposition que nous présente, l’ Espace d’art contemporain Fernet Branca de Saint Louis. Les grands murs blancs des anciens chais se prêtent à merveille aux toiles surdimensionnées, mais néanmoins poétiques d’Olivier Debré. Il ne manque que la lumière zénitale dans certaines salles, où les bleus ne sont pas glorifiés. Sensualité des rouges bordés par des concrétions brutales, des blancs jaillissent, des ocres de terres du Maroc, ou de Chine, des tourments de Loire, des ombres surgissent qui paraissent indispensables à l’œuvre.  Ces grands formats sont au nombre de 31, illustrant un parcours de 1961 à 1998 se terminant, par un tableau prémonitoire,
« La Résurrection ou Le Buisson ardent ».
Même si Olivier Debré a beaucoup voyagé et travaillé à l’étranger, on constatera que, justement pour des raisons essentiellement de format, les œuvres présentées privilégient la Loire et la Touraine, sa région de prédilection. Les titres en font largement référence.
Le visiteur est invité  à contempler ou à se laisser engloutir par ces grandes toiles tour à tour sombres ou limpides, en applat, avec quelques déchirures deci-delà, sans aucune perspective, acceptant de se dissoudre dans la sérénité de ces larges plages quasi monochromes, telles les toiles de Rothko.

Ce qui m’intéresse, c’est que la part de moi qui peint soit une part d’un individu sensible et ému ( …) c’est ainsi que je deviens un élément de la nature, (…) Quand je suis comme le vent, comme la pluie, comme l’eau qui passe, je participe à la nature et la nature passe à travers moi, je pourrais le faire les yeux fermés.
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Tout est dit ….

A l’étage des formats plus petits témoignent de l’activité diversifiée de l’artiste, ses « signes-personnages », olivier-debre-52.1252451557.JPGmoins connus, ici exécutés à l’encre sur papier. La figure humaine s’y trouve réduite à un pictogramme à l’épure énergique. L’oeuvre de jeunesse, parfois sous nette influence picassienne, est encore évoquée. Tout comme la prestigieuse commande du rideau de scène de l’Opéra de Shanghaï en 1998 – après celui de la Comédie Française et de l’Opéra de Hong-Kong – qui avait fait l’objet d’un reportage photographique de Marc Deville, partiellement présenté à Fernet-Branca.
Gérard Cahn, ami du peintre, en présence du fils et de la fille de l’artiste,  lui rendit un vibrant hommage en racontant les moments intenses qu’il partagea avec lui.
Je ne peux que vous encourager à vous plonger dans les couleurs intenses d’Olivier Debré et ceci jusqu’au 25 avril 2010.
° CAUSERIE SUR L’ŒUVRE ET LA PERSONNALITE DU PEINTRE OLIVIER DEBRÉ         Gérard CAHN, commissaire de l’exposition, parlera de celui qui est considéré comme le plus grand peintre abstrait de sa génération, alors que lui-même se considérait comme un peintre proche de la réalité. Comment concilier ce double aspect. Gérard Cahn a rencontré de nombreuses fois l’artiste. Il va témoigner d’Olivier Debré le peintre, mais aussi le philosophe, celui qui se posait des questions, et qui jusqu’à la fin de sa vie relevait les défis de l’espace pictural.Ø Mercredi 14 octobre à 20h00 (entrée gratuite)______________________________________________________________________________________________________________° VISITES GUIDEES         Auguste Vonville propose ses premières visites guidées de l’exposition d’Olivier Debré. (Autres dates: programmation en cours)Ø dimanche 18 octobre/ dimanche 1er novembre à 14h30        et pour la première fois, visite guidée nocturne : > vendredi 4 décembre à 20h00 
                            Pour les visites de groupes, renseignements au 03 89 69 10 77 ou musee-fernet-branca@wanadoo.fr ______________________________________________________________________________________________________________° ATTENTION NOUVEAUX HORAIRES…         Depuis le démarrage de l’exposition d’Olivier Debré, l’Espace Fernet Branca pratique de nouveaux horaires.         ouvert du mercredi au dimanche : de 14h00 à 19h00 (fermé le lundi et le mardi)

L’homme-lion au Weickmannium d’Ulm

homme-lion-ulm2.1251462965.jpgUnique en son genre, cette collection d’objets rares et exotiques, comporte entre autres des objets de culte et des ustensiles d’usage courant venant d’Afrique. Elle fut assemblée au XVIIe s par le marchand Chritoph Wieckmann d’Ulm pour son musée particulier d’art et d’histoire naturelle. Cette collection autrefois célèbre, compte parmi les plus anciennes d’Allemagne. C’est ainsi que j’ai découvert « l’homme-lion » plus de 32 000 ans d’âge avant JC.
Il y a plus de 30 000 ans – au début du paléolithique supérieur – le Jura souabe près d’Ulm faisait partie de l’espace vital des premiers hommes anatomiquement modernes (Homo sapiens sapiens). Ils traversaient en petites groupes les vallées marquées par la période glaciaire sur les traces d’animaux comme le mammouth, le renne et le cheval sauvage. On retrouve les preuves de leur présence dans les grottes environnantes, à savoir des restes des foyers, des outils, des armes et des bijoux en pierres, en os, en bois de rennes et en ivoire.homme-lion-ulm1.1251461977.jpg
Par ailleurs on a découvert dans quatre grottes des petites figurines qui sont pour la plupart entièrement sculptées. Ces figurines, taillées à l’aide d’outils en pierre dans de l’ivoire de mammouths, sont les preuves d’art mobilier les plus anciennes du monde. Elles témoignent des animaux de chasse importants à l’homme mais aussi des individus dangereux tels que l’ours et le lion des cavernes qui furent admirés pour leur force. Cette fascination s’exprime par l’homme- lion, la plus grande et la plus spectaculaire des figurines en ivoire, fouillée dans la grotte du Hohlenstein-Stadel dans la vallée de la Lone.
Cette statuette, magnifiquement sculptée dans une défense de mammouth, unifie des attributs humains et ceux propres à l’animal. L’aspect animal est exprimée par la tête de lion, le corps longitudinal et les bras en forme des pieds de derrière. Le côté humain est mis en évidence par les jambes et les pieds ainsi que par le fait que cet être soit représenté debout. La nature fragmentaire de la statuette ne  permet pas d’en déterminer le sexe.
La créature fantastique de l’homme-lion est un vestige unique qui fait preuve de da spiritualité et la religiosité des hommes de la dernière période glaciaire. Néanmoins nous ne saurons déchiffrer leur vision du monde – certainement complexe – qui se caractérise par un combat quotidien avec la nature.
L’homme-lion fera partie d’une exposition itinérante à travers l’Europe, d’après les renseignements obtenus auprès du musée.
photo 2 de l’auteur

Keith Haring à la Kunsthalle Weishaupt d' Ulm

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Cinq grandes toiles, une sculpture monumentale, ainsi que les travaux de papier issus de la  collection personnelle  de Siegfried Weishaupt, sur un total de 27 travaux exposés, constituent l’exposition Keith Haring  à la Kunsthalle Weishaupt, d’Ulm  dans le Bade Würtemberg
 Outre les œuvres de la collection propre, les prêts de prestigieux clients privés et collections de musée, ainsi que de la Keith Haring Foundation elle-même c’est une vue d’ensemble, de grande qualité des oeuvres de l’artiste new-yorkais  exposées sur  600 m².
La collection de Siegfried Weishaupt, outre les collections de Frieder Burda, Reinhold Würth, Friedrich E. Rentschler (RPC), Josef Froehlich et de la famille Grässlin fait partie des plus importantes dans le Bade-Wurtemberg.
Dans les années 1989 à 1992, sur le site de la société Weishaupt le « Weishaupt Forum » fait construire un bâtiment par l’architecte new-yorkais Richard Meier, auteur du Frieder Burda Museum de Baden Baden. Il sert de centre de formation, d’expositions et de lieu social de l’entreprise de bâtiment, à l’image de ce qu’a réalisé Reinhold Würth à Erstein.
kunsthalle-weishaupt-ulm.1251049566.JPGL’élégant ouvrage « Kunsthalle Weishaupt » en dépit de sa présence dans le centre d’Ulm, réalisé par  Wolfram  Wöhr architecte de Munich, ancien collaborateur de Richard Meier, avec ses 16 mètres de haut, est un véritable spectacle sur la Hans-Sophie-Scholl-Platz. Le hall d’entrée entièrement en verre est en continuité avec la rue. Ce gros cube d’ art semble presque flotter dans l’espace.
C’est en visitant l’atelier new-yorkais de keith Haring, que le couple  Weishaupt fit la connaissance de KH. Il acquit sa première œuvre de l’artiste, grâce à son exposition à la galerie Tony Shafrazi à Soho. Ce fut le début d’ importantes acquisitions par les collectionneurs allemands. KH vint leur rendre visite très peu de temps avant son décès en 1990.
Inspiré par le graffiti, tenant du Bad Painting, et soucieux de toucher un large public, Haring commence à dessiner à la craie blanche sur des panneaux publicitaires noirs du métro de New York. Il grave également des dalles de grès des trottoirs dans l’East Village (elles sont toujours présentes de nos jours). Un photographe, Tseng Kwong Chi, le photographie en permanence, même quand la police l’arrête. Il exécute plusieurs milliers de ces dessins, aux lignes keith-haring.1251049430.jpgénergiques et rythmées. La griffe Haring, c’est la répétition infinie de formes synthétiques soulignées de noir avec des couleurs vives, éclairantes sur différents supports. C’est un récit permanent où l’on retrouve bébés à quatre pattes, dauphins, postes de télévision, chiens qui jappent, serpents, anges, danseurs, silhouettes androgynes, soucoupes volantes, pyramides ou réveils en marche, mais aussi sexualité et pulsion de mort. Il est l’ami de Warhol,  Basquiat et c…
Son œuvre, tel un langage figuré et volubile sur des sujets universels, reste comme l’une des plus importantes de la fin du XXe siècle, comme s’il regardait le monde, derrière ses lunettes, avec des yeux d’enfant, et le présentait ainsi, pour parler aux adultes.
Jusqu’au 1 novembre 2009
photos de l’auteur

Le curieux

Il est curieux ce personnage à la raie au milieu, dont on aperçoit le bout du nez et le regard derrière le phylactère vierge tenu des deux mains, au-dessus et au-dessous.

Quatorze fois répété sur l’archivolte qui surplombe le tympan de Conques : c’est la perfection Numérique 14 : 2. Avec le huitième qui termine chaque série à l’horizontale, c’est la plénitude. S’agit-il de figures angéliques ? Nul ne le sait en vérité, aussi les a t’on nommé Les « Curieux »

Le tympan polychrome de Conques
est une œuvre unique de la sculpture romane. La matière employée est le calcaire de Lunel. Les couleurs d’origine sont encore là en demi-teinte. La composition est une merveille d’équilibre et de sens spirituel. Le jugement de Conques se tisse comme une immense toile de fond théologique, liturgique, intellectuelle, féodale, morale. Pénétrer dans l’abbatiale de Conques est une démarche particulière, un mélange de spiritualité, de recueillement et d’admiration pour ce lieu extraordinaire. Dans une belle tranquillité nous avons eu la chance de monter jusqu’aux tribunes, afin de contempler les vitraux de Pierre Soulages qui complètent admirablement l’ architecture romane et aussi d’en repérer tous les détails.

photos de l’auteur
Visite virtuelle de l’abbatiale de Conques

autres détails en 7 pages

Livia de Poli à Mulhouse

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Livia de Poli a investi certaines places de la ville, avec ses sculptures colorées.
On se souvient de ses  « Morts Joyeuses » en 2008.
L’oeuvre de Livia de Poli est marquée par une virtuosité technique maîtrisée que l’artiste dépasse afin d’atteindre un art plus contemporain et torturé, non dénué d’humour. Si le corps reste une souce d’inspiration constante pour cette artiste venue d’Italie, le visage sera le fil d’Ariane qui nous conduira jusqu’à ces mystérieuses, Morts Joyeuses, rencontre entre Eros et Thanatos.
Vues l’été 2007, lors de l’exploration de la ligne bleue des Vosges, j’ai revu dans le jardin du musée des Beaux Arts de Mulhouse, ses sculptures, j’ai été intriguée par ce minotaure au féminin, « La Licorne du Fayé », rappelant autant Niki de St Phalle que le thème si cher à Picasso. Je suis ressortie du musée, enchantée, amusée, ravie même je dirai à l’idée de mourir en laissant une image hilarante, aux dents bien blanches et à la bouche cramoisie, couchée aux côtés d’un amant-aimant ….
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Hommage à Courbet
Virtuosité, rondeurs, couleurs (rouge et blanc), cette magicienne nous démontre toutes les facettes de son talent, avec un mélange d’humour, d’érotisme mais aussi d’émotion et un net penchant pour la morbidité, en un portrait contrasté de la Femme.
 
Tremblements Rouges
Les céramiques de Livia, virevoltent entre bouches, êtres hybrides, têtes et autres noeuds, Arcimboldo n’aurait pas renié Vertumne et Primavera.
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photos et vidéo grâce à l’aimable autorisation de l’artiste

La petite fille au ruban bleu

Suite à la projection sur France 5, je remonte mon article de 2009, sur le portrait d’Irène Cahen d’Anvers peint par Renoir en 1880.

J’ai été émue, mais aussi très admirative, de ce portrait croisé à la fondation Bürhle à Zurich. J’ai tenté par mes lectures d’en remonter l’histoire.

Voici ce qu’en disait Henri Michaux :

« Dans le visage de la jeune fille est inscrite la civilisation où elle naquit. Elle s’y juge, satisfaite ou non, avec ses caractères propres. Le pays s’y juge encore plus, et si l’eau y est saine, légère, convenablement minéralisée, ce qu’y valent la lumière, le manger, le mode de vie, le système social…Le visage des filles, c’est l’étoffe de la race même, plus que le visage des garçons…Le visage est leur oeuvre d’art, leur inconsciente et pourtant fidèle traduction d’un monde…visages mystérieux portés par la marée des ancêtres… visage de la jeune fille à qui on n’a pas encore volé son ciel… visage musical qu’une lampe intérieure compose plus que ses traits et dont le visage de madone serait l’heureux aboutissement »

Le portrait de Mademoiselle Irène Cahen d’Anvers, peint par Renoir en 1880, aujourd’hui unanimement reconnu comme un pur chef-d’œuvre. Traduisant avec délicatesse la rêverie mélancolique d’une jeune fille, ses grands yeux ingénus, sa chevelure rousse déployée sur le dos et ses mains sagement posées sur les genoux – « peu d’œuvres ont réussi comme celle-ci à capter tout ce qui nous demeure inaccessible du monde intérieur d’un enfant », écrit à son propos Pierre Assouline –, ce tableau n’eut pourtant pas une vie facile. Dès sa conception, l’œuvre déplaît fortement à la famille Cahen d’Anvers, et plus encore à la jeune Irène, qui déteste ce portrait d’elle-même et le détestera toute sa vie. Le chef-d’œuvre, comble d’infamie, sera relégué dans un placard, avant d’être recueilli, en 1910, par la propre fille d’Irène, Béatrice, offert par sa grand’mère la Comtesse Cahen d’Anvers.
Renoir et les Cahen d’Anvers se séparèrent dans de mauvaises conditions. Mécontents du travail de l’artiste, ils firent accrocher ces 2 tableaux (le pendant étant les 2 sœurs Elisabeth et Alice – Rose et Bleu) dans les communs de leur hôtel. On ne pouvait être plus méprisant, il mirent du retard à régler Renoir, d’autant plus qu’aucun prix n’avait été fixé par avance. Finalement avec mauvaise grâce, ils lui firent remettre 1 500 francs (1880). C’était plus qu’il n’avait jamais touché, mais nettement moins que ce qui se pratiquait ailleurs. D’autant plus que les Cahen d’Anvers étaient parmi les commanditaires présentés les plus riches.
Fort déçu de tant de pingrerie Renoir en eut des accès de mauvaise humeur antisémite que seule put tempérer la présence du portrait d’Irène dans une expositionà la galerie Durand-Ruel deux ans après.
Pour la petite fille au ruban bleu ce fut le début d’une presque légende.
Irène Cahen d’Anvers se laissa épouser par le comte Moïse de Camondo, à 19 ans le 15 octobre 1891. Elle se sépara du comte Moïse de Camondo, se convertit au catholicisme pour épouser celui qui avait entraîné les chevaux des écuries des Camondo, le comte Charles Sampieri.
C’est ainsi que la toile retourna dans la famille Cahen d’Anvers.
Trois décennies plus tard, la guerre s’abat sur les Cahen d’Anvers et les nazis raflent familles et tableaux. Le portrait de Mademoiselle Irène Cahen d’Anvers, dont la valeur, entre-temps, est devenue inestimable, (tombe entre les mains de Goering, qui le cède à un certain Georg Bührle), riche industriel suisse d’origine allemande, pourvoyeur d’armes lourdes pour la Wermacht et gros acheteur de tableaux volés. Léon Reinach époux de Béatrice de Camondo tente en vain de récupérer le tableau.
Mais à la Libération, Irène Cahen d’Anvers, ex-de Camondo et désormais comtesse de Sampieri, découvre dans l’exposition
« Chefs-d’œuvre des collections françaises retrouvés en Allemagne » une liste d’objets d’art pillés, la trace de son Renoir, et entreprend de le récupérer. La spoliation est manifeste, pour un tableau aussi connu et maintes fois exposé, et dont les légitimes propriétaires, Béatrice et Léon Reinach, ont disparu dans les camps. Aussi Irène héritière de sa fille, récupère-t-elle son tableau, mais c’est pour s’apercevoir qu’il lui déplaît toujours autant..
L’ex-épouse de Moise de Camondo, Irène devenue catholique et comtesse de Sampieri, divorcée du compte Sampieri, échappa aux nazis. Elle récupéra la fortune des Camondo par l’héritage Reinach après la guerre, et la dilapida.
Pauvre Renoir ! Rarement œuvre fut plus haïe par son modèle ! En 1949, elle le met en vente dans une galerie parisienne. Un amateur, aussitôt, s’en porte acquéreur. C’est… Georg Bürhle. Le portrait reprend le chemin de la Suisse, en toute légalité cette fois, et c’est ainsi qu’il se trouve aujourd’hui à Zurich, à la Fondation Bührle.
Dans le film que je viens de voir sur France 5, la cession par Goering à Bührle semble moins sûre.

D’après les dernières informations connues, il semblerait que c’est Irène Cahen d’Anvers qui aurait mis elle-même son  portrait en vente. Ce serait à  cette occasion que Monsieur Emil Bührle s’en est porté acquéreur. Il aurait aussi rendu les oeuvres spoliées à leurs propriétaires ou héritiers.

Kunsthaus, la Collection Emil Bührle

En 2021, à l’occasion de l’ouverture de l’extension du Kunsthaus, la Collection Emil Bührle, collection privée de renommée internationale, entrera au Kunsthaus. Le projet prévoit de placer les 166 tableaux et 25 sculptures de cette collection près de la section consacrée à l’art moderne afin d’offrir au public une continuité temporelle dans la présentation, dans un espace d’environ 1000 m2 spécialement conçu pour elles. Le regroupement des collections du Kunsthaus et de la Fondation Bührle dans un seul espace donnera naissance au plus important pôle européen de peinture impressionniste française après Paris.

Pour Zurich et la Société zurichoise des beaux-arts, la participation active d’Emil Bührle aux destinées du Kunsthaus a toujours été précieuse. Des dons comme les monumentaux tableaux de nymphéas de Claude Monet ou la Porte de l’Enfer d’Auguste Rodin sont désormais des incontournables de la collection. En finançant l’aile destinée aux expositions, Emil Georg Bührle a permis dans les années 1950 la naissance d’une plateforme dédiée à des événements originaux, où aujourd’hui encore, le public entre directement en contact avec l’art. Le travail de médiation culturelle auquel cette spectaculaire collection privée donnera lieu abordera bien sûr l’histoire de l’art, mais envisagera également la problématique des recherches de provenance, en replaçant les activités de l’entrepreneur et collectionneur Emil Georg Bührle (1890-1956) dans le contexte de l’histoire suisse.