une dilettante

«L’art n’est pas chaste, l’art ne devrait pas être mis en contact avec les ignorants, l’art est dangereux » Picasso.

A t‘il vraiment prononcé cette phrase ?

Il considère que son art était une conquête quotidienne de l’inconnu, il n’établit aucune hiérarchie entre les styles et les siècles, il a analysé, modifiant, s’appropriant  thèmes et personnages, les œuvres des grands maîtres du passé.

 L’exposition  s’articule autour du panthéon artistique de Picasso dans 10 salles avec 210 œuvres exposées.

Les autoportraits, les modèles, les couleurs, les natures mortes, les nus, la confrontation avec l’antiquité et les maîtres classiques,

les comparaisons sont loin d’être toutes pertinentes. Et lorsqu’elles fonctionnent, on se dit que beaucoup d’autres auraient pu être proposées :

En tant qu’alsacienne j’aurais aimé voir sa crucifixtion d’après  le retable de Matthias Grünewald, en étant bien consciente que, comme pour les Ménines il n’est pas question de déplacer, l’œuvre phare d’un musée, que cela techniquement est impossible. Il est bien plus facile d’envoyer La Joconde à Dubaï.

 

« Il n’y a ni passé ni futur en art, si un art ne peut pas vivre au présent, il n’a aucun intérêt. » les cartels citent Picasso comme il se doit dans chaque salle.

La première avec les portraits est remarquable,  Rembrandt las, Gauguin exotique, Yo Picasso éclatant de jeunesse maîtrisant déjà son art.

 La salle des vanités, natures mortes et bodegones (nouveau mot à mettre dans mon jargon culturel et que je replace avec délectation ici …)
L’intrusion de la dimension sacrée dans la représentation des objets du quotidien peut être entendu comme les paroles de Ste Thérèse d’Avila  « Dieu circule dans les casseroles »

Chardin l’a prise à son compte, puis Cézanne, deux artistes que Picasso a beaucoup observés. Les natures mortes sont ici  merveilleusement présentées, c’est un vrai ravissement de voir les pommes de Cézanne et la composition de JBS Chardin, Zurbaran   aussi avec sa petite toile sublime : une tasse sur un plateau en argent, une fleur sur un guéridon.Dans le thème des natures mortes, il y a l’œuvre dominante de Picasso, joyeuse «  le chat et le homard » 
 Pour les Ménines il y a une excellente déclinaison de la préparation de l’œuvre, de son approche, avec un émouvant portrait en pied de l’Infante, qui fait penser au portrait de  Maya, par sa fraîcheur . Curieusement, devant les Ménines de Picasso, il n’y a pas
grand monde, le cartel annonçant le guide audio se trouve ailleurs, aussi le public, considère que c’est une oeuvre sans intérêt. 
Je vais y retourner mercredi pour m’attarder sur les œuvres que je n’ai pas pu approcher et approfondir. 
 J’ai revu avec beaucoup de plaisir des toiles de maîtres espagnols admirées au Prado, compatriotes de Picasso  Les variations picasiennes sur le « Déjeuner sur l’herbe » de Manet à Orsay, sont très convaincantes et plaisantes, tantôt il y rajoute des personnages, tantôt il en soustrait, mais surtout il souligne la verdeur, d’un personnage, se représentant à la place du modèle masculin.

La Grande Couronne
Oeuvre majeure de l’exposition de Daniel Firman à ARTE, La grande couronne a été spécialement créée en 2008 pour les Ateliers de Rennes / Biennale d’art contemporain, où elle a été présentée au Couvent des Jacobins, lieu des fiançailles historiques d’Anne de Bretagne et de Charles VIII en 1491.
Daniel Firman évoque ainsi l’alliance du Duché de Bretagne et du Royaume de France, un événement majeur dont les conséquences économiques et politiques ont davantage marqué l’histoire collective que l’intimité des deux souverains.
Monumentale chorégraphie de personnages, La grande couronne évoque ainsi un développement collectif et se compose de cinq fois trois personnages en résine, disposés en trois strates. Comme toujours chez Daniel Firman, la figure est traitée sur un mode réaliste.
Chacun dans une posture différente, arc-boutés les uns sur les autres dans un surprenant équilibre, les personnages apparaissent masqués et portent des vêtements blancs contemporains, renvoyant aussi bien à l’achromie du mariage qu’à une considération sociale actuelle sur les nouveaux territoires apparus au cours de l’urbanisation récente.
Daniel Firman pense ainsi chacune de ses sculptures comme un
« environnement-système » faisant dialoguer les idées et les formes. Il envisage le corps humain comme l’interface de l’individu avec le monde, comme le vecteur de la présence et de l’action de l’individu dans un univers à la fois banal et en transformation. Daniel Firman est né en 1966 à Bron, France. Après des études aux Beaux-arts de Saint-Etienne et d’Angoulême, il s’intéresse de près à la sculpture conventionnelle. A partir de 1998, il se tourne vers un langage formel unique en son genre. Ses oeuvres font régulièrement l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger. Daniel Firman vit et travaille aujourd’hui à Paris
L’intérêt de Daniel Firman pour la physique et l’énergie des corps, pour le mouvement et son rapport à l’espace se traduit par un travail de sculpture au centre duquel la figure revient de manière récurrente. Envisagée à chaque fois comme un « personnage », prise dans un élan chorégraphique et narratif, la figure est traitée sur un mode réaliste qui incite le spectateur autant à se projeter dans l’oeuvre qu’à s’en tenir à distance. Chargés d’objets quotidiens, entravés par leurs vêtements, simplement arrêtés ou encore en équilibre dans l’espace, ces personnages grandeur nature traduisent des situations physiques et morales parfois déroutantes et excessives, à même de transformer la perception d’un lieu. Alliant hasard et conception, corps et esprit, suspens du temps et mouvement, ses oeuvres sont conçues à partir de techniques et de processus divers : performance, moulage, photographie, image électronique, construction ou encore recyclage…

vidéo 1 de l’auteur

Plus de 150 photographies qui dormaient dans l’atelier de Montrouge où résidait Robert Doisneau sont présentés dans notre région, soit à Strasbourg dans la salle d’exposition de la Maison de la Région, soit à Mulhouse, dans la Galerie de la Filature.
 Elles sont présentées jusqu’au 11 janvier 2009.
   Francine Deroudille et Anette Doisneau, filles de l’artiste, ont montré les archives mystérieuses qui dormaient depuis plus de 50 ans à l’atelier de leur père. Une cinquante de planches de contact accompagnées de petites feuilles de légendes, rangées dans un classeur métallique, environ 200 tirages vintages classés dans une boîte d’archives, un commentaire noté sur un petit carnet : commande de Braun en 1945, sans suite.
 Vladimir Vazak, grand reporter sur Arte, président du club de presse de Strasbourg , contacté par les deux oeurs, après avoir pris connaissance de ce trésor (sans suite), a raconté l’Alsace aux deux soeurs au lendemain de la guerre, les blessures, les secrets, les cicatrices encore aujourd’hui sensibles. La suite superbe s’est concrétisée par un ouvrage dont les auteurs sont Vladimir Vazak et Anka Wessang : Robert Doisneau – Alsace, été 1945, édité chez Flammarion.
On découvre un artiste à la palette d’écriture tout à fait étonnante, qui montre une réelle sensibilité aux paysages, à l’architecture, une attention particulière aux enfants, femmes, hommes croisés au cours de son périple alsacien. Robert Doisneau traverse les villages, attentif aux scènes de la vie quotidienne, réalisant des photos remarquables, avec des clair-obscur digne d’un Caravage, des ombres portées, des clins d’oeil, un tendresse portée à ses inconnus modèles d’un instant. Je n’avais jamais vraiment regardé ses photos, les amoureux de l’hôtel de ville, me paraissaient trop cliché, mais là je suis conquise, quel regard ! quel oeil !                                                        
J’ai choisi quelques photos, à l’attention de ma famille et de certains amis d’enfance. Les p Continuer la lecture de « Robert Doisneau – Alsace, été 1945 »

« Le noir est le refuge de la couleur ».

Gaston Bachelard

clic sur l'image pour l'agrandir

pour Marie-Jo et les autres ...

Bien avant d’être une couleur à la mode, le noir avait très mauvaise réputation. C’était la couleur de la mort et du deuil, celles de Satan et des sorcières, la couleur du pavillon des pirates et du drapeau des anarchistes, de l’uniforme des fascistes et des S.S, ou du blouson des jeunes rockers des années 1960. Pour les savants comme Newton qui, en décomposant la lumière avait trouvé toutes les couleurs de l’arc-en-ciel mais pas de noir, ou pour un peintre, comme Léonard de Vinci, le noir n’était même pas une couleur. Il n’était que le néant, les ténèbres à partir desquelles, selon la Bible, Dieu avait créé la lumière.
Michel Pastoureau sur France Inter

En janvier 1979, Pierre Soulages en travaillant sur un tableau ajoute, retire du noir pendant des heures. Ne sachant plus quoi faire, il quitte l’atelier, désemparé. Lorsqu’il y revient deux heures plus tard : « Le noir avait tout envahi, à tel point que c’était comme s’il n’existait plus « . Cette expérience marque un tournant dans son travail. La même année, il expose au Centre Georges Pompidou ses premières peintures monopigmentaires, fondées sur la réflexion de la lumière sur les états de surface du noir, appelé plus tard « outre-noir ».
 Quand j’ai commencé à peindre, j’avais 5 ans, j’aimais ça. Et ce qui surprenait les gens, c’est que je préférais, quand on me donnait des couleurs, tremper mon pinceau dans l’encrier… parce que j’aimais cette couleur, j’aimais le noir. » (Entretien avec Christophe Donner, Op. cit., 2007, p. 48)

• « J’aime l’autorité du noir. C’est une couleur qui ne transige pas. Une couleur violente mais qui incite pourtant à l’intériorisation. A la fois couleur et non-couleur. Quand la lumière s’y reflète, il la transforme, la transmute. Il ouvre un champ mental qui lui est propre. » (cité par Françoise Jaunin, art. cit.)

• « Après tout un arbre noir en hiver c’est une sorte de sculpture abstraite. Ce qui m’intéressait était le tracé des branches, leur mouvement dans l’espace…»

• « Je veux que celui qui regarde le tableau soit avec lui, pas avec moi. Je veux qu’il voie ce qu’il y a sur la toile. Rien d’autre. Le noir est formidable pour ça, il reflète. Les mouvements qui comptent ce sont ceux de celui qui regarde. » (Entretien avec Christophe Donner, Op. cit., 2007, p. 52)

En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville. Cette donation comprend 20 tableaux de 1951 à 2006 parmi lesquelles des œuvres majeures des années 1960, deux grands outre-noir des années 1970 et plusieurs grands polyptiques.

photo de l’auteur