Catégorie : Photographie

C’est à la Filature de Mulhouse jusqu’au 10 mai
Il nous offre une oeuvre globale, associant projet
photographique et performance scénique.
Chorégraphe, danseur, mais aussi plasticien
et photographe, Josef Nadj, apparait comme sorti du
cadre du tableau de Magritte, le Baiser. (les amants)

Josef Nadj livre une brève performance d’une rare
densité : chaque mouvement, chaque action, chaque instant
résonne avec son parcours, personnel et artistique, transfiguré
dans une épure empruntée à Beckett.Tel un mime, sa silhouette
massive s’anime en quelques mouvements de tai-chi.

Josef Nadj a conçu une exposition photographique
foisonnante. Chacun des clichés accrochés aux abords
de la boîte raconte une histoire, où une grenouille
tient la vedette.
Elle est à appréhender comme un spectacle
suspendu. Chaque image recèle une mémoire en soi, connue
de l’artiste seul : s’y côtoient des objets trouvés retenus pour
leur puissance suggestive, des références patrimoniales
qui ne cessent de l’inspirer et toutes sortes de souvenirs.

Ces clichés suggèrent, parallèlement à la brièveté de la
performance, un rapport au temps qui s’étire sur plusieurs
années, de la recherche des formes à la composition
des images, du choix de la technique à la prise
de vue effective.
Hommage personnel et transversal à l’Atlas
demeuré inachevé de l’historien d’art allemand
Aby Warburg, Mnémosyne s’apparente à
une oeuvre d’art totale, à la fois installation,
performance et exposition, dont il reste pour
chacun une image, ultime, qui interroge à la
fois notre regard et notre mémoire :
qu’avons-nous vu ?
extrait du texte de Marylène Malbert
d’après un entretien avec Josef Nadj
club sandwich
jeu. 2 mai 12h30
visite guidée + pique-nique
inscription 03 89 36 28 28
apéro photo
ven. 10 mai 19h15
visite guidée + apéritif
inscription 03 89 36 28 28
 

Jusqu’au 21 avril 2019 à la Fondation François Schneider
à Wattwiller
Ils sont marcheurs dans l’immensité montagneuse, consignent
la nature en sculpture, plongent dans les océans, résident avec
les populations réfugiées. Ils sont encore dessinateur d’algorithme,
photographe ethnologue, peintre de la désolation ou plasticien
de la fragilité. La cuvée 2017 du concours Talents
Contemporains est composée de 8 lauréats,
Edouard Decam, Cristina Escobar, Sara Ferrer, Claire
Malrieux, Camille Michel, Maël Nozahic, Benjamin Rossi et
le collectif Sandra & Ricardo.
Initié en 2011 dans une démarche philanthropique, le concours
Talents Contemporains soutient la création contemporaine et
des artistes de tous horizons géographique, générationnel et
aux pratiques diverses. Sur le thème de l’eau, envisagé de maintes
façons, les artistes explorent les problématiques pouvant être
environnementales, sociétales, plastiques, philosophiques,
anthropologiques et une quantité infinie de sujets.
6 à 8 lauréats sont récompensés chaque année.
Peu à peu une collection originale s’est dessinée, rassemblant
vidéo, installation pérenne, peinture, dessin, sculpture,
photographies, art numérique. Elle présente des moutons
embarqués, des poissons sculptés, des larmes de cristal,
des océans de mots.
Si les artistes peuvent nous accompagner dans des voyages
infinis, inviter à l’introspection ou la dénonciation ils sont
souvent préoccupés, et le questionnement sur la notion de trace pourrait bien être
le trait d’union entre chacun des lauréats de la 7ème édition.


Arpenteur infatigable dans les extrémités des Pyrénées,
Edouard Decam enregistre les architectures que
l’homme laisse sur son passage, notamment des barrages à la
structure fascinante.

Cristina Escobar raconte la trajectoire d’hommes et de femmes
réfugiés en Italie, ils tracent sur une carte de la Méditerranée
leur voyage. Elle matérialise le chemin de chacun avec 40 objets
de marbre, leurs « trophées ».

Au moyen d’une installation minimaliste, Sara Ferrer dénonce
les conséquences de la pêche de masse et la surconsommation.

Les excès provoqués par la modernité et l’industrialisation
questionnent également Camille Michel. Ses photographies
documentent les métamorphoses du Groënland et le quotidien des
populations d’Uummannaq au nord-ouest du territoire.
(vue à la Filature de Mulhouse)

Avec Waterscape oeuvre générative, Claire Malrieux
fouille la notion d’anthropocène, l’impact de l’homme sur notre
écosystème.
Benjamin Rossi remonte encore plus loin dans l’histoire de
l’humanité, son terrain d’étude est l’actuelle forêt de Fontainebleau
autrefois occupée par la mer Stampienne. L’artiste en tire une
empreinte dont le négatif en verre soufflé évoque cette période.

Le collectif Sandra & Ricardo inspiré par le passage de l’eau
dans la vallée de Coa au Portugal, réputée pour ses gravures
rupestres paléolithiques, crée un bassin de milliers de sac emplis
d’eau, métaphore de la naissance de la civilisation.

Le loup qui se reflète dans une mare chez Maël Nozahic est quant
à lui le seul vestige vivant d’un monde figé.
Chacune des oeuvres exposées porte la trace ambivalente de l’homme,
et son action sur notre environnement, dans une forme de désespoir
lyrique. La sélection des artistes est le reflet d’une interrogation
plus globale sur les désastres écologiques omniprésents.
Le Grand Jury International de la 7ème édition était composé de :
Jean-Noël Jeanneney – Président du Jury ;
Daniel Lelong – Galerie Lelong (Paris & New York) ;
Rosa Maria Malet – Directrice de la Fondation Joan Miró (Barcelone) ;
Ernest Pignon-Ernest, Artiste plasticien,
dessinateur, photographe ; Fabrizio Plessi – Artiste représentant
l’Italie à la 42ème Biennale de Venise en
1986 ; Roland Wetzel – Directeur du Musée Tinguely (Bâle, Suisse).
Entrée et tarifs
Exposition du 9 février au 21 avril 2019
Le centre d’art contemporain est ouvert :
Mars – Septembre : du mercredi au dimanche de 11h à 18h
Octobre – Février : du mercredi au dimanche de 11h à 17h
Visites guidées pour les groupes sur demande
Fondation François Schneider
27 rue de la Première Armée
68700 Wattwiller – France

Jusqu’au 17 avril 2019
La Filature, la scène nationale de Mulhouse, présente
dans sa galerie la scène photographique contemporaine
du Cambodge. Cette exposition proposée par la directrice
de la galerie, Emmanuelle Walter, est orchestrée de main
de maître par Christian Caujolle qui a créé le festival
Photo Phnom Penh en 2008.

En 2008, Christian Caujolle crée le festival
Photo Phnom Penh. Chaque année, il expose des photographes
cambodgiens et occidentaux. Il tient aux croisements des regards
et aux échanges entre les continents. Il connaît parfaitement la scène
artistique cambodgienne : avec la danse et le cinéma, la photographie
est un des domaines les plus dynamiques.
Christian Caujolle est un passeur, il a une longue histoire avec
la Filature et le Cambodge où il a enseigné  la photographie.
En 1996, à ses débuts il y en avait 2, ajourd’hui il présente
une sélection de 5 photographes. Il a créé le Festival de la
photographie de Phnom Penh, il y a 10 ans.
Christian Caujolle : personne ne peut vivre de la photo,
dans ce pays, mais à chaque voyage, je sélectionne des
dossiers et mets un point d’honneur à présenter un
photographe dont ce sera la première exposition.

Il y a 40 ans au Cambodge
Le 17 avril 1975, les soldats khmers rouges
entrent dans Phnom Penh et, en trois jours, vident la ville
alors habitée par un million et demi de personnes.
En dehors de quelques fonctionnaires et dignitaires du
régime, la capitale devient une cité fantôme jusqu’à ce
que les troupes vietnamiennes en prennent le contrôle
le 17 janvier 1979. Ils trouvent une ville dégradée, sans
électricité, aux rues défoncées dans lesquelles ont poussé
des arbres, des immeubles dévastés.
Tous les photographes de cette exposition sont
issus de cette « histoire »-là.

Mak Rémissa a cinq ans au moment où les Khmers rouges
entrent dans Phnom Penh. Il est aujourd’hui le plus connu
de photographes cambodgiens. Il est le seul témoin de la
période des années 70, il a été interné dans un camp
d’enfants, tout petit. Cette période de sa vie dont il n’a jamais
parlé, et dont il ne parle pas, a donné lieu a un travail,
touchant et émouvant, de composition.

Il a créé des petites scènes de silhouettes de papier découpé,
qui sont des reconstitutions de scènes dont il avait vaguement
le souvenir, lors de l’invasion de la ville de Phnom Penh
par les vietnamiens, les gens qui fuyaient dans les rues, qui
sortaient des hôpitaux avec des perfusions.
De façon étrange, il fait brûler des noix de coco, sur la terre,
dans le jardin de sa mère, créant une fumée, qui enveloppe
les silhouettes, composant une atmosphère insolite dans
ses photographies.
Il est représenté par la Galerie Lee à Paris.

 Philong Sovan ré-éclaire avec le phare de sa petite
moto les personnages et les scènes qu’il découvre la nuit
dans les rues cambodgiennes. Il est né en 1986 à 70 km
de Phnom Penh, dans une famille très modeste.
Comme la plupart de ses camarades, il exerce de petits
métiers pour payer ses études.
Il est représenté par la Galerie Lee à Paris.
Sophal Neak est née en 1989 dans un village de la
province du Takeo, dans une modeste famille de
riziculteurs. On ne voit pas les visages de ceux qu’elle
photographie, elle les fait poser en cachant leurs visages
derrière l’objet de leur travail ou de leur commerce.
Elle dit que l’homme n’est rien d’autre que l’activité
qu’il exerce, qu’il ne pourra s’extraire de sa condition,
de son milieu. Elle est représentée par la
galerie Les Douches à Paris.

Ti tit est né à Battambang en 1991. Il est adepte des
réseaux sociaux comme toute la jeunesse cambodgienne,
et tient un blog. Il poste des images avec lesquelles il joue.
Il est à la fois engagé, ironique, tord le vrai et le faux.
Il n’hésite pas à évoquer avec sa photographie des sujets
tabous au Cambodge comme la sexualité.
Il se prend lui même comme modèle, écrit sur son corps,
questionne la jeunesse et son identité.

Sokchanlina Lim est né en 1991. Il vit et travaille à
Phnom Penh. Dans la série présente à Mulhouse,
il installe dans la nature une grande plaque de tôle.
Deux formes de beauté s’affrontent : celle de la nature libre
et mouvante et celle du métal façonné par l’homme.
Il parle peut-être des obstacles posés par l’homme qui ne
peut plus circuler librement dans un monde entravé par
les problèmes migratoires, climatiques et économiques.
Les photographies sont présentées en grand format et
en vidéo.
« 40 ans après. La photographie au Cambodge aujourd’hui »
l’exposition sera présentée du 30 juin au 25 août 2019 à la
Galerie La Salle des Machines, à la Friche la Belle de Mai
à Marseille.
Brigitte Patient, Chroniqueuse à France Inter était
présente au point presse à Mulhouse, vous pouvez écouter
sous ce lien Regardez, voir  le podcast du compte rendu.

Exposition à voir absolument
horaires d’ouverture de la Galerie
(entrée libre)
du mardi au samedi 11h-18h30 +
dimanche 14h-18h + les soirs de spectacles
La Filature, Scène nationale – Mulhouse
 

C’est une exposition pensée par Anne Immelé,
en résonance visuelle avec l‘univers de Tarkovski
Invitée par Pierre Jean Sugier directeur de la
Fondation Fernet Branca,
où elle dialogue avec les photos de Dove Allouche
(Le temps scellé, Collection du FRAC Alsace),
et le sculpteur Pierre-Yves Freund,
Exposition visible jusqu’ au 05.05.19

Le temps et la mémoire sont deux aspects majeurs
du cinéma d’Andreï Tarkovski.
l’image est nécessairement poétique, elle a pour vocation
d’exprimer la vie à travers le passage du temps.
La dimension contemplative du rapport au paysage,
l’importance de l’eau sous toutes ses formes, l’imbrication
de différentes temporalités et l’errance sont autant
d’éléments que l’on retrouve dans la pratique photographique
d’Anne Immelé.

L’exposition s’articule en 3 parties, en référence à trois films
du cinéaste russe.
La 1ere partie est introduite par la projection d’un extrait
de Solaris de Tarkoski,
C’est le noir et blanc qui domine, une alternance de photos
de paysages, certaines nouvelles, certaines collées à même le mur.
Des images pleines de poésie, à la mélancolie douce.
Le lac gelé, symbolise le temps arrêté, retenu, les craquelures
renvoient à l’évolution du temps.
Pierre-Yves Freund, montre une installation, en rapport
avec l’eau miroitante de Solaris. Dans une cuve du thé noir,
une peau se crée en surface, elle s’évaporera au fil de l’exposition.
Le temps semble retenu dans la substance du liquide, comme
dans la photographie.

Une 2e partie de photos extraites de la série Wir
où Anne Immelé mélange les photos noir & blanc
avec la couleur, la gamme chromatique est liée aux films
de Tarkovski et au travail de PY Freund, des sculptures
en plâtre teinté, contenues dans des bas en nylon, en un geste
répété, où il donne à chaque fois une forme différente,
avec l’empreinte de ses mains.
« Un instant imaginé à nos yeux »

Un rapport à l’éphémère , à l’instantanéité, mis en relation
avec les photos d’Anne Immelé.
Dans 2 petites salles toujours les photos d’Anne Immelé
bien agencées, pour garder une respiration, certaines produites
dans l’atelier.Le film de Tarkoski, le Miroir, autobiographique,
un flux d’images raconte son enfance, la guerre d’Espagne.
Anne Immelé y associe des images d’enfants, mais aussi
l’idée du rêve, des couleurs douces, on ne sait pas si on se trouve dans
la réalisation ou dans la fiction.
L’image de l’affiche, est entre la photo fixe et le mouvement,
une certaine idée du travelling, du flux. Une impression
que l’arbre bouge, on en sent le frémissement.


Une sélection de photos produites pour l’exposition
par rapport à la nature, pour rechercher des ambiances
créer du mystère, en rapport avec son cinéaste de prédilection.

Les photos de Dove Allouche sont en lien direct avec
Stalker de Tarkovski. Il est retourné sur les lieux du tournage
du film, pour en photographier les endroits.
La hauteur des images a été définie par l’artiste, afin
que l’on s’approche d’elles pour en voir les détails
et y retrouver les éléments forts du film.

Docteur en art, Anne Immelé exerce une activité de
commissariat d’exposition, qui prend appui sur les
recherches théoriques, engagées depuis son Master en
Arts Visuels à l’Université Laval de Québec, Canada (1997).

Elle a développé une réflexion sur la mise en espace de la
photographie et sur le médium de l’exposition en lui-même.
Ses recherches curatoriales font suite à une thèse de
Doctorat en Arts, soutenue en 2007 à l’Université
de Strasbourg, parus sous le titre
« Constellations photographiques » chez
Médiapop éditions. Sa recherche sur les enjeux de la
photographie contemporaine se traduit aussi par des
publications d’articles dans la revue Art Press.
Anne Immelé, vit et travaille dans l’espace Rhénan,
elle enseigne à la HEAR, Haute école des arts du Rhin.
Fondation Fernet Branca
2, rue du Ballon
68 300 Saint-Louis – Alsace
+33 3 89 69 10 77
www.fondationfernet-branca.org
Horaires d’ouverture :
du mercredi au dimanche de 13 heures à 18 heures