Caravage à Rome, amis et ennemis au musée
Jacquemart-André à Paris
jusqu’au 28 janvier 2019

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L’art est la matière
La grande galerie connaissance des arts

LE PARCOURS DE L’EXPOSITION
SECTION 1 – LE THÉÂTRE DES TÊTES COUPÉES
Le thème de Judith décapitant Holopherne eut un
grand succès dans la Rome de la fin du XVIe siècle et le
début du XVIIe,  Chef-d’oeuvre incontestable de la peinture,
il révèle le talent de Caravage sur la scène romaine de la fin du
Cinquecento. Reprenant un sujet biblique abordé par le théâtre,
le peintre met en scène un drame observé de près, en gros plan.
La jeune et courageuse veuve qui lui coupe la tête semble à
peine perturbée par le spectacle du sang et de son trépas.
À ses côtés, une vieille servante pose un regard impitoyable
sur la scène. Caravage oppose la jeune et la vielle femme,
la beauté de la jeunesse et les signes du temps, dans un
contraste destiné à perdurer dans des contextes différents.
SECTION 2 – MUSIQUE ET NATURE MORTE
Le Joueur de Luth de Caravage
Malgré la sophistication des effets associés à la
représentation des éléments naturels, la musique est le
thème principal de l’oeuvre : le jeune homme, avec son
regard languide et sa chemise entrouverte, joue du
luth et entonne un madrigal amoureux. C’est un hommage
aussi à la musique du luth, un instrument plus
raffiné que le théorbe, mais abandonné, justement à
cause de « la grande difficulté rencontrée pour savoir
bien jouer du luth ».
Ce tableau est à l’origine d’une tradition de peintures
représentant de jeunes chanteurs à l’attitude plus ou
moins mélancolique, occupés à chanter comme les
bergers de la poésie antique.

SECTION 3 – PEINDRE D’APRÈS UN MODÈLE VIVANT
Le Jeune Saint Jean-Baptiste au bélier
Dès le début du XVIIe siècle, la nouveauté d’une telle image a
entraîné des identifications avec des sujets anciens et des interprétations
allégoriques. Le tableau eut beaucoup de succès et fut imité à maintes
reprises car l’image de saint Jean dans le désert offrait aux peintres
de l’époque l’opportunité d’appliquer l’étude du nu masculin à un sujet
sacré.

SECTION 4 – LES CONTEMPORAINS
Durant le procès intenté par Giovanni Baglione contre
Caravage en 1603, on demande à ce dernier de citer les peintres
contemporains qu’il apprécie et qu’il considère comme des
« hommes de valeur ». Cette liste précieuse est l’un des rares témoignages
directs de ce qu’un peintre aussi controversé, qualifié de
« naturaliste » à la moitié du siècle, pense de la peinture de son époque,
même si Caravage ici mélange sans aucun doute ses idées sur l’art à
une exigence plus pressante : se défendre contre les accusations.
Il ne s’agit pas d’un extrait d’un traité artistique, mais d’une déposition
devant le juge.
Caravage cite les peintres les plus influents de la scène romaine,
le Cavalier d’Arpin, Federico Zuccari, Roncalli,  Annibal Carrache,
la confrontation directe se produit au début du siècle dans la chapelle
Cerasi.
Si les oeuvres des peintres cités par Caravage sont présentes tout au
long du parcours de l’exposition, on peut voir deux exemples significatifs
de ce débat. L’Adoration des Bergers d’Annibal Carrache appartient à sa
période romaine et montre sa relation avec la tradition de la Renaissance,
que le grand peintre de Bologne a maintenue tout au long de sa vie ;

la Résurrection du Christ de Baglione est une esquisse de l’oeuvre de
l’église du Gesù de Rome, qui lui aura valu les libelles sarcastiques de
Caravage et de ses amis pour lesquels il leur intente le célèbre procès.
SECTION 5 – IMAGES DE LA MÉDITATION
Les disciples de Caravage étaient Bartolomeo Manfredi, Jusepe de Ribera,
Francesco (dit Cecco) del Caravaggio, et en moindre mesure le
Spadarino et Saraceni, auxquels on peut ajouter Orazio Borgianni,
Orazio Gentileschi, Antiveduto Gramatica et Giovanni Baglione.
Tous ces peintres sont présents dans l’exposition et certains dans
cette section, avec des oeuvres significative,  ils témoignent d’une
expérimentation commune sur le thème de la figure isolée, la capacité de
bien représenter un personnage unique, l’une des spécialités de
Caravage et des peintres qui l’admiraient.

La figure de saint Jérôme permet à Caravage d’associer le thème
de la méditation à une réflexion sur la vieillesse.
Le chef-d’oeuvre conservé aujourd’hui à la Galleria Borghese
est généralement daté de 1605, mais on
ignore encore les circonstances de sa commande.
Il fait partie des tableaux essentiels pour comprendre
le style de la maturité de Caravage, dont l’influence a été déterminante
pour le caravagisme, notamment dans les premières oeuvres de Ribera

Le Saint François en méditation est représenté à genoux,
un crâne posé à ses pieds.
SECTION 6 – QUELQUES VISAGES À ROME AU DÉBUT
DU SIÈCLE
En 1624, les images d’artistes réunies auprès de l’Académie étaient
déjà au nombre de 53. Une liste de portraits d’« académiciens décédés »
dressée en 1617 compte, en plus des portraits de Carlo Saraceni et
d’Orazio Borgianni, celui de Caravage.
Son portrait, reprend les traits du peintre tel que nous les connaissons
d’après les descriptions littéraires, les autoportraits présents dans
ses peintures (du Martyre de saint Matthieu de la chapelle Contarelli
à l’Arrestation du Christ réalisée pour Ciriaco Mattei et aujourd’hui
conservée à Dublin) et, surtout, le dessin d’Ottavio Leoni.
Au cours de sa longue carrière de portraitiste, ce dernier a immortalisé
les visages de Rome au XVIIe siècle, des artistes aux amis en passant
par les grands protagonistes de la vie de la cité.

Giovanni Baglione Autoportrait – 1635-1640

SECTION 7 – LA PASSION DU CHRIST, UN THÈME
CARAVAGESQUE
L’évocation de la période romaine de Caravage serait
incomplète sans le thème des rivalités artistiques,
récemment abordées par des études approfondies et
documentées. L’un des événements les plus importants
est sans nul doute ce « concours » qui, vers 1605, aurait
opposé Caravage aux peintres Cigoli et Passignano
dans la réalisation d’un Ecce Homo pour
« monseigneur Massimi », qui aurait été gagné par Cigoli.
Le thème du « concours » illustre le contexte artistique romain
des toutes premières années du XVIIe siècle, tout en
proposant une observation attentive des deux oeuvres
qui en étaient au coeur.
SECTION 8 – LE TEMPS DE LA FUITE
A l’occasion de cette exposition, nous avons la chance de pouvoir
comparer, pour la première fois, la Madeleine dite « Klain »,
attribuée de longue date à Caravage, avec une autre version,
également de la main du maître. Cette version, découverte en 2015,
n’a encore jamais été exposée en Europe. Le tableau
n’a été exposé qu’une seule fois auparavant, à Tokyo, en 2016.
C’est  une occasion unique pour le public de les admirer ensemble

le musée Jacquemart a supprimé son vestiaire et fermé ses casiers,
aussi l’exposition se visite en manteau, sacs, sacs à dos, avec
la promiscuité des lieux, je vous laisse imaginer l’agrément
de la visite.

Jusqu’au 13 janvier 2019
La Fondation François Schneider a invité
L’Ososphère à inventer une conversation chorale et fluide
entre le numérique et l’eau.
Thierry Danet, commissaire de l’exposition

C’est une féérie aquatique, hypnotique,
on a du mal à se détacher de certaines oeuvres.
Il faut y passer de longs moments pour essayer d’en
percer le mécanisme. Certaines installations
sont impossible à photographier, aussi je vous
encourage à vous déplacer pour en savourer
toute la magie. Tout est poésie.
Si comme pour moi, le principe de mécanique
des fluides est de l’hébreu, cela n’a aucune
importance, c’est une exposition pour le plaisir
des yeux et des sens.

Déclencheur de cette exposition, l’oeuvre
Turbulences d’Étienne Rey a été créée pour la
Fondation François Schneider dans le cadre d’un projet
au long cours, soutenu par la Région Grand Est, la Fondation et porté
par L’Ososphère dont cet artiste est un sociétaire.
Cette oeuvre intègre « la turbulence et l’écoulement comme
« moteurs »  du dispositif plastique, générant au sein de l’installation
une activité qui repose sur des principes de mécanique des fluides
et joue de leur caractère imprédictible ».


Dans Turbulences, Étienne Rey engage le récit dans son
geste plastique.
Comme dans une anticipation de moins en moins improbable,
il convoque l’écriture numérique et la machinerie pour recréer
une expérience poétique universelle, autant qu’intime et située,
celle de l’abandon à la contemplation du jeu de la lumière sur l’eau.
Geste doux et désespéré d’un artiste pour sauvegarder une émotion
qui pourrait disparaître avec l’évaporation des conditions naturelles
qui nous l’offrent.
Création originale pour la Fondation François Schneider.
 

Une oeuvre hypnotique de Joanie Lemercier Fuji, 2014.
Il définit un motif qu’il met en relation avec un espace.
Le design est celui de structures physiques, géométriques,
organiques, naturelles ou paysagères.
Créé au Japon en août 2014, à Takamatsu, Fuji est inspiré par
Le conte de la princesse Kaguya (Kaguyahime no monogatari)
et fait partie d’une série sur les volcans.
Le paysage du Mont Fujiyama y est dessiné dans un très grand
format sur lequel une projection de lumière va guider notre
perception de la réalité, jouant de l’intensité dramatique par
un jeu des verticalités et des fluidités passant notamment par
d’orageux climax.
Conception et visuels : Joanie Lemercier
Musique originale : Paul Jebanasam
Production : Juliette Bibasse
Joanie Lemercier site

Laurent Pernot, Tenir La Mer, 2015.
Sa poétique explore la mémoire à travers l’expérience du
flux du temps, de l’impermanence des choses, du visible et de
l’invisible rendus perceptibles par une certaine utilisation
des matériaux, de la lumière, de l’image et du mouvement.
À la fois familières et déjouant les apparences, ses oeuvres se
manifestent souvent dans un temps suspendu au-delà des actualités
et des chronologies, convoquant des récits et représentations du monde
qui traversent l’espace et les siècles, regardent les interactions
entre l’homme et la nature. Empreinte d’une douceur mélancolique
qui révèle le potentiel de la perte ou la disparition, son oeuvre induit
ainsi la sensation d’un monde flottant dont la fragilité nous menace.
Site de l’artiste : laurentpernot.net/fr
 
Herman Kolgen, Mémoire liquide.
Véritable sculpteur audiocinétique,
il tire son matériau premier de la relation intime entre le son
et l’image.
Kolgen travaille à créer des objets qui prennent la forme
d’installations, d’oeuvres vidéos et filmiques, de performances et
de sculptures sonores.
En exploration constante, il travaille à la croisée de différents
médias, élaborant ainsi un nouveau langage technique et une
esthétique singulière.
Les oeuvres de Herman Kolgen ont été présentées entre autres
à la Biennale de Venise [….
Site de l’artiste : kolgen.net

Stéphane Kozik, Water from Comets, 2014.
Dans cette installation pluridisciplinaire, l’eau, troublée d’un nuage
de peinture blanche, devient écran sur lequel est projetée une vidéo
de liquides en mouvement. Au fond du bassin, moteurs et pompes
« actionnent » l’eau afin de retrouver ses comportements vivants
en interaction avec la composition sonore diffusée par
six hauts-parleurs.
Les éléments du dispositif sont synchronisés afin de créer à partir
de cette eau, une nouvelle matière à la fois vivante et irréelle,
sorte de placenta qui bouillonne, gronde et fume.
La figure du bassin percute donc à la fois celle de l’écran et celle
de l’aquarium, dans un geste artistique « à partir de l’eau » qui
cherche à saisir quelque chose de la métaphysique de celle-ci
pour produire un récit ouvert.
Site de l’artiste : stephanekozik.be
 

Jacques Perconte, Fécamp-Fagnet (Haute-Normandie), 2017.
Son travail concentré sur le paysage, déclinant film linéaire
pour le cinéma et film génératif pour l’exposition,
performance audiovisuelle, photographie et installation,
consiste à ressaisir la nature, notamment dans le rapport
culturel et technique que nous construisons avec elle.

Gaëtan Robillard, En recherchant la vague, 2013.
L’installation transpose le rivage d’une île au coeur de l’exposition
et c’est le récit de la vague, son scénario, que Gaëtan Robillard
tente de retranscrire ici par le dispositif numérique. Au centre est
projeté un océan mathématique qui affronte le rocher.
Le domaine est constitué de millions de particules, dont le mouvement
est calculé image après image, par un processus logiciel.
La caméra parcourt la géométrie de l’île. Plus tard
une voix émane et étudie le paysage. Elle questionne le transport et la
forme de la vague. Les objets résiduels et les équations sont remis au
mur. Si la scénarisation de la nature et le calcul numérique
composent la séquence, d’autres modes de relation au motif
succèdent au film. Le travail de Gaëtan Robillard confronte ici,
par ses modèles, la mathématisation du monde et le désir de
l’affranchi qu’incarne la singulière situation insulaire.
Production : Le Fresnoy
Partenaires : Laboratoire en mathématique Paul Painlevé,
Université Lille 1, et EPI SIMPAF Inria Lille Nord Europe
Fondation François Schneider
27 rue de la Première Armée
68700 Wattwiller – France
Contact
info@fondationfrancoisschneider.org
+33 (0)3.89.82.10.10
Entrée et tarifs
Le centre d’art contemporain est ouvert
du mercredi au dimanche de 11h à 17h
Visites guidées pour les groupes sur demande
un petit guide vous est donné à l’entrée qui vous
permettra de vous situer et comprend la totalité
des artistes et oeuvres. (je n’ai pas cité tout le monde)

extraits des textes de l’Osophère

Jusqu’au 16 décembre au Séchoir
« Delphine Gutron et Sandrine Stahl, toutes deux artistes
résidentes du Séchoir, présentent un ensemble de travaux sur
papier, réalisés à 4 mains. Cet exercice assez rare leur permet
de nouvelles conjugaisons entre formes et matières, une autre
façon de travailler les harmonies.

Le médium utilisé, l’encre, est celui de l’immédiateté car son
séchage rapide nécessite un geste sûr. De ce mélange de maturité
technique et d’instinct libre naissent des formes – familières ou
oniriques, intrigantes et légèrement mouvantes, qui se confrontent
et s’emmêlent.
Bien sûr, ces étonnantes créations ont une tonalité aquatique.
Méduses, bulles, organismes des profondeurs, filaments, flore
ondoyant par les courants, sensations et émotions de bord de mer.
Un voyage pictural où chacun pourra projeter sa propre
représentation du biotope marin.
Mais cette première lecture se double d’une autre impression,
celle d’assister à une mise en forme de nos plus intimes
déambulations mentales, rêveries indistinctes, ruminations
vagues mais essentielles.

Les très belles qualités esthétiques de ce travail à double auteur
reposent sur les contrastes. Filets colorés bleu / vert, scintillant
ça et là de complémentaires jaune / orange qui agissent comme
des rehauts sur les formes grises travaillées en lavis.
Matières qui s’entrechoquent lorsque les dilutions se rencontrent
et se superposent ou lorsqu’une touche de sel vient oxyder ces tracés.
Contours, lueurs et épaisseurs campent une composition,
aussi précise et pourtant aérienne que le ballet lent et gracieux
de spécimens marins évoluant entre deux eaux. »
Patrick Vandecasteele

Après ce beau texte de présentation je m’interroge :

Du vient ce titre ambigu ? Un monde érotique, des paysages,
des lieux, des souvenirs ?
De retour de voyage, Sandrine Stahl remontant du Sud,
Delphine Gutron revenant de Bretagne, elles ont l’habitude
de confronter leur croquis de vacances.
Bien qu’ayant été dans des endroits très différents, il s’est avéré
que beaucoup de points communs, étaient dans les croquis des
2 artistes. Des montagnes, des roches, des cailloux, des algues, sans
avoir utilisé les même couleurs, elles sont interloquées par la
spontanéité du motif.

Delphine était partie à la Baie des Trépassés et
Sandrine à Isola Rossa. Cela a été l’occasion de
confronter leur pratique, bien que leur technique
ne soit pas la même, Sandrine pratiquant la peinture
et Delphine la gravure. Ce fut un heureux échange technique,
un travail à quatre mains, en aller/retour, sur le même support.
Neuf grandes encre, deux petites, un diptyque, seize
estampes, trois grands monotypes.

Elles ont croisées leurs techniques et leurs univers, côte à côte,
au point où elles n’arrivent presque plus à définir qui à fait quoi.
En dehors des gros traits propres à chacune, les dessins s’entremêlent.
Le choix s’est porté sur une unité dans les couleurs et les formes
les plus simples, à la composition légère, la spontanéité,
privilégiant les blancs.