Catégorie : Etranger

 Jusqu’au 14 mars 2021 au Musée Tinguely de Bâle
Commissaire : Lisa Grenzebach.

Depuis le 2 décembre 2020, Katja Aufleger (*1983, Oldenbourg, Allemagne,
vit à Berlin) présente au Musée Tinguely sa première exposition individuelle
en Suisse.

L’artiste y montre de fragiles sculptures, de dangereux produits chimiques, ainsi que des travaux vidéo réalisés ces dix dernières années.
Aufleger crée de délicates installations et des films à l’aide de matériaux transparents comme le verre et le plastique, de liquides colorés, mais aussi de composants immatériels à l’instar du son et du mouvement. Ces objets semblent à première vue familiers et attirants, mais en les observant plus attentivement, il s’avère que des tensions indéterminées, voire dangereuses, habitent ces œuvres. À travers ces ambivalences, l’artiste critique l’institution et questionne les structures et les systèmes du pouvoir.

L’exposition« GONE » s’accompagne d’une publication qui
propose pour la première fois une vue d’ensemble de son travail.
Délicieusement ludique, l’imagination de l’artiste, tout en nous ravissant avec des couleurs flashy, nous entraine à la réflexion et à la méfiance. Elle est aussi présente à la Galerie Stampa de Bâle.

Destruction potentielle

Trois ballons en verre remplis d’un liquide transparent sont suspendus
par des câbles d’acier au plafond de la grande salle du Musée Tinguely.

Il s’agit de NEWTON’S CRADLE (2013/2020), un pendule à poids surdimensionné. En temps normal, on le trouve en modèle réduit posé sur un bureau. On peut alors mettre en mouvement ses cinq petites billes de métal et les observer osciller : il s’agit de la démonstration de l’énergie cinétique. Quiconque serait tenté de reproduire ce même mouvement dans la salle d’exposition avec le pendule en verre de Katja Aufleger provoquerait des destructions considérables en raison de la présence de trois composants de nitroglycérine à l’intérieur de ces contenants cassables

Des travaux vidéo comme modèles de conception plastique

Tandis que cette explosion demeure un potentiel théorique, la vidéo LOVE AFFAIR (2017) montre du verre éclatant véritablement.

Des corps lumineux y sont filmés en plan rapproché devant un fond noir. Une forte détonation brise soudain le silence: un projectile après l’autre détruisent les lampes. La décharge électrique reste cependant prisonnière de la boucle infinie et prend la forme d’une respiration à la fois irrégulière et rythmée variant de l’attrait au danger. D’abord attrayant et familier, l’art de Katja Aufleger déploie toute sa force à l’instant destructeur de la transformation, qu’il soit réel ou suggéré. Dans ces univers visuels dénués de toute présence humaine, les objets se fondent en un Autre désirable doublé d’une part sombre. Aufleger sonde l’étendue de questions profondément humaines et existentielles, des relations intimes jusqu’aux lois de la nature. Comme dans la vie quotidienne, les ambivalences dont elle use ne sont souvent qu’à peine éloignées les unes des autres.

THE GLOW

Le travail vidéo THE GLOW (2019) donne à voir des appâts en mouvement dans des bassins de piscines. Plusieurs films tournés sous l’eau se succèdent rapidement, modifiant constamment la perspective, l’environnement, l’incidence de la lumière et l’appât. On y entend un cliquetis ou un clic rythmé correspondant parfois aux mouvements puis redevenant asynchrone. Il s’agit d’extraits de films de tutoriels de pêche à la ligne dans desquels des pêcheur.euse.s y présentent l’effet séduisant des appâts. Ces poissons en caoutchouc s’apparentent aux figures d’un amusant théâtre de marionnettes ou aux avatars animés d’un monde numérique.
L’esthétique tremblante propre aux jeux vidéo caractérisant ces films d’amateurs tournés dans un décor architectural sous-marin aux carrelages bleus et dépourvu de présence humaine revêt une dimension à la fois apocalyptique et humoristique.

Art multimédial et conceptuel

Pour matérialiser ses pensées, Katja Aufleger saisit la caméra vidéo ou façonne de l’argile avec ses mains. Néanmoins, pour obtenir des résultats précis, elle charge également des souffleur.euse.s de verre ou des programmeur.euse.s de concrétiser ses idées. Boucles, groupements et répétitions produisent des systèmes cycliques sans commencement ni fin. L’artiste démantèle des structures ou des méthodes familières, les libère de leur connotation évidente pour les doter de nouvelles possibilités. Elle crée des espaces de pensée qu’elle produit grâce à la conversion surprenante de matériaux.

À travers son travail, Aufleger critique l’institution, questionne les rôles et dépasse les frontières. Ainsi, les commissaires d’exposition présentent ses oeuvres d’art explosives au musée, tandis que les spectateurs deviennent les principaux protagonistes du jeu mental de l’artiste. Les titres de ses oeuvres sont des « added colors » au sens de Marcel Duchamp, c’est-à-dire des
« couleurs verbales» constituant un élément essentiel de  ses travaux. Ils ouvrent un horizon plus large et permettent des associations.

Katja Aufleger invitée au Musée Tinguely

L’exposition est située à proximité de Mengele-Danse macabre  (1986)
  de  Jean Tinguely.

Cette oeuvre tardive  traite de la  mort  et de l’extermination de manière évidente, tandis que « GONE » ne révèle son  impermanence qu’après coup. Les thèmes de l’art éphémère, de la  connaissance  du  changement  permanent  ou  de  l’implication du quotidien et des observateur.trice.s dans les arts visuels offrent  de  nombreux parallèles avec l’oeuvre de l’artiste aux machines.

La cabine téléphonique noire

D’autres travaux de cette artiste sont exposés dans la grande salle d’exposition à côté de la Grosse-Méta-Maxi-Maxi-Utopia (1987), ceuvre de Tinguely dans laquelle il est possible d’entrer, mais aussi au niveau inférieur du musée. Ils situent ainsi cette artiste contemporaine au sein du musée monographique consacré  au  cinéticien  suisse pour qui la seule constante  résidait  dans le changement permanent. C’est précisément cette tension – le moment précédant la transformation – à laquelle Katja Aufleger s’intéresse en particulier.

Vidéo de l’exposition

Informations sur le Musée Tinguely :

En raison de la situation actuelle concernant le coronavirus (COVID-19), le Musée Tinguely est fermé du 20 décembre jusqu’au 22 janvier.

Museum Tinguely
I Paul Sacher-Anlage 1 l 4002 Bâle
Durée de l’exposition:
2 décembre 2020 – 14 mars 2021
Horaires d’ouverture:
mar – dim, tous les jours 11h-18h

Site Internet : www.tinguely.ch

Rembrandt Harmensz. van Rijn  –
Brustbild eines Mannes in orientalischer Kleidung

Jusqu’au 14.02.2021, au Kunstmuseum Basel | Hauptbau
Commissaire : Bodo Brinkmann, Gabriel Dette
Commissaire invité : Gary Schwartz

La curiosité de Rembrandt Harmensz. van Rijn pour tout ce qui est étranger et son insatiable appétit de collectionneur sont déjà légendaires de son vivant. Artiste, collectionneur et citoyen, il entre en contact avec des oeuvres d’art, des objets d’usage courant et des individus de toutes les parties du monde connu à l’époque et s’en inspire pour son oeuvre.

L’exposition L’Orient de Rembrandt présentée à l’automne au Kunstmuseum Basel | Neubau explore ce monde des idées au travers d’une sélection d’oeuvres du peintre hollandais et de ses collègues artistes.

Rembrandt (1606-1669) et ses contemporains n’ont eu de cesse de peindre des objets de pays lointains : turbans et tapis, sabres et soieries. Leurs oeuvres d’art témoignent de la première mondialisation et illustrent l’influence de cultures étrangères dans les Pays-Bas du XVIIe siècle.
La soif de connaissance, le désir de collectionner et la fierté de posséder marquent cette époque significative pour l’histoire de l’art et constituent une source d’inspiration pour les peintres dans la réalisation de scènes d’histoire, de portraits et de natures mortes d’un genre nouveau. Toutefois, comme nous le constatons aujourd’hui, le revers de cette appropriation du monde demeurait absent des représentations ; le déséquilibre des forces entre les cultures se
traduisant également par l’esclavage, la violence, l’exploitation et les guerres commerciales.

L’exposition présente un peu plus de 120 oeuvres au total, parmi lesquelles figurent aux côtés de peintures nombre de gravures, dessins, miniatures, cartes et ouvrages. Parmi ces oeuvres, une centaine sont des prêts consentis par d’importantes collections muséales et particulières du monde entier

Les Sources

Une autre source importante se trouve au sein même de la collection du Kunstmuseum Basel qui possède un témoignage de jeunesse majeur de la confrontation de Rembrandt avec le thème de l’exposition : David présentant la tête de Goliath au roi Saül, peinture réalisée en 1627.

En outre, le Kupferstichkabinett (cabinet des arts graphiques) dispose d’un fonds de l’oeuvre gravé de Rembrandt remarquable tant sur le plan qualitatif que quantitatif. La généreuse donation d’un ensemble de 150 feuilles consentie par le collectionneur bernois Eberhard W. Kornfeld a contribué à l’élargir considérablement ces dernières années. Plus d’une douzaine de ces feuilles sont visibles au sein de L’Orient de Rembrandt.
Une présentation d’Ariane Mensger se tenant simultanément à l’entresol du Hauptbau montre au public d’autres pans de cet exceptionnel ensemble de la collection.

Le parcours de l’exposition

Avec turban et robe en soie :
l’Orient à domicile

L’expansion du commerce vers d’autres continents n’a pas seulement
engendré une très grande prospérité pour une partie de la bourgeoisie
de la République néerlandaise ; l’augmentation des connaissances et la
disponibilité des marchandises ont également assuré la présence, intellectuellement par l’érudition ou physiquement par les objets, de pays
éloignés de l’Europe. La présence de l’exotique a également influencé les
habitudes et la mode aux Pays-Bas – ainsi que la peinture. Les motifs des
cultures étrangères ont trouvé leur place dans les scènes de genre, les
portraits ou les portraits historiés. Ils ont servi de symboles de statut
social, évoquant la position et la prospérité financière de leur propriétaire.

Les voies de la prospérité.
Commerce et guerre

L’intérêt pour les pays lointains et la disponibilité d’objets exotiques s’explique
par la circulation mondiale des marchandises que les Pays-Bas ont
développée au XVIIe siècle. Les représentations picturales consacrées au
thème du commerce n’étaient pour la plupart ni réalistes ni documentaires ;
elles ne prétendaient pas rendre avec précision une scène quotidienne,
ni présenter un événement historique de manière factuelle. Elles répondaient
davantage à des préoccupations représentatives ou décoratives.
Ceci s’appliquait même à la figuration des conflits armés en cours – la face
cachée du commerce mondial.

La connaissance du monde.
Collectionner et rechercher

L’expansion du commerce sur tous les continents a entraîné un élargissement des connaissances et du savoir dans le monde. Une multitude de livres et de cartes décrivent et révèlent des terres lointaines. Amsterdam devient le centre de l’édition. Les portraits d’érudits figurés entourés de
livres soulignent un idéal d’éducation, qui forme un contrepoint à la passion pour le négoce. Des objets tels que des coquillages exotiques deviennent
des pièces de collection convoitées par la bourgeoisie pour ses cabinets de curiosités. Les natures mortes et les peintures d’intérieurs mettent en évidence l’exotisme et le luxe.

Le rotin. Une étude de cas

Les épices orientales et la porcelaine chinoise importées ne sont pas
les seules à jouir d’une grande popularité aux Pays-Bas : l’inventaire d’un
magasin d’Amsterdam datant de 1664 recense un approvisionnement de
pas moins de 1 700 baguettes en rotin ! Le bois léger et robuste de ce
palmier très répandu en Indonésie (qui constituait en ce temps-là les
Indes orientales néerlandaises) était idéal pour fabriquer des cannes.
Mais l’armée l’a aussi utilisé : le commandant habillé à la dernière mode
sur le tableau de Simon Kick exposé ici présente fièrement son bâton
d’officier en rotin brûlé. Des objets similaires sont encore fabriqués
aujourd’hui pour être utilisés dans diverses disciplines d’arts martiaux.

Le paysage de la Bible
Le jeune Rembrandt et ses modèles

Rembrandt et ses collègues peintres plaçaient leurs représentations des épisodes de l’Ancien ou du Nouveau Testament dans un paysage qui, avec ses
rochers et ses collines gris-brun, semblait en tout cas différent des plaines
verdoyantes du nord des Pays-Bas. Ce décor était peuplé d’hommes
portant des turbans et de femmes souvent magnifiquement habillées de
costumes colorés. Ici aussi, l’imagination était au pouvoir, bien que les
couleurs et les motifs, notamment des soieries, aient pu correspondre
aux modèles réels des tissus orientaux du XVIIe siècle.

La lumière dans le temple.
Rembrandt à Amsterdam et ses suiveurs

Dans les années 1630, Rembrandt et d’autres peintres ont souvent choisi
des thèmes bibliques placés dans un intérieur peu éclairé, qu’il s’agisse
de l’étable de Bethléem ou d’un temple. Là aussi, ils ont utilisé des motifs
exotiques tels que des turbans, des vêtements ou des épées pour rendre
la scène plus authentique.

Dans ces oeuvres, l’Orient est rarement le
théâtre d’une splendeur imaginaire, mais un lieu mystique : la sagesse de
Dieu s’y révèle au peuple d’Israël, ou bien le mystère chrétien du Salut
s’accomplit en son sein. Sous les sombres voûtes, Rembrandt déploie
un magistral jeu de lumières avec des rayons réfléchis par des surfaces métalliques. Cet effet sert non seulement à définir l’espace à l’intérieur
de la scène, mais aussi à souligner certains éléments de sa signification.

Le goût des autres
L’assimilation de l’Orient par Rembrandt

La fascination pour l’Orient dans les Pays-Bas du XVIIe siècle n’était pas
seulement basée sur le plaisir esthétique procuré par de beaux et luxueux
objets. Il était également associé au monde de la Bible, à la fois onirique
et positivement connoté, tel qu’il se manifeste dans les peintures de
Rembrandt. La splendeur des vêtements et la préciosité des images orientalisantes contrastent avec l’austérité puritaine du calvinisme.
Dans cet intérêt pour les mises en scène orientalisantes,
l’attrait pour le merveilleux, l’extraordinaire, est alors manifeste.

L’ ‹ Orient › est l’Autre, une idée abstraite de ce qu’il est possible de vivre,
une surface de projection pour les besoins humains auxquels la vision rationaliste de l’Occident, particulièrement prégnante dans le protestantisme, n’offrait aucune place.

De ses propres yeux ?
Authenticité et cliché

Dans le cas des histoires bibliques, les costumes ou les décors orientalisants
servaient à créer une certaine ambiance. La question de savoir
dans quelle mesure ces motifs correspondaient à la réalité n’avait que
peu d’importance. Les paysages et les portraits prétendaient parfois
figurer une région ou une personne réelles.

Cependant, dans les Pays-
Bas du XVIIe siècle, seuls quelques tableaux fournirent une représentation
fiable des régions lointaines et de leurs habitants. On ne recherchait
visiblement pas l’authenticité dans la description d’un pays et de ses
habitants.

Inde environs 1800

De nombreuses peintures ont plutôt confirmé les clichés existants.
Les oeuvres d’art originales de l’Orient, comme les miniatures de
l’Inde ou de la Perse, ont reçu peu d’attention. Elles étaient rarement
collectionnées et seuls quelques peintres néerlandais, dont Rembrandt,
s’y sont intéressés.

Kunstmuseum Basel
St. Alban-Rheinweg 16 / Téléphone +41 61 206 62 62
info@kunstmuseumbasel.ch / kunstmuseumbasel.ch

Visites guidées en français
Dim 22.11., 27.12., 24.1., 14–15h
Frais : Entrée + CHF 5

Jusqu’au 24.01.2021, au Kunstmuseum Basel | Hauptbau
Commissaire : Ariane Mensger

Après une première donation substantielle d’eaux-fortes de Rembrandt en 2007, le
collectionneur bernois Eberhard W. Kornfeld offre 31 oeuvres supplémentaires au Kunstmuseum
Basel. Environ 70 feuilles provenant de ces deux donations sont présentées dans le cadre de l’exposition
Eaux-fortes de Rembrandt à l’entresol du Hauptbau parallèlement à la grande
exposition temporaire
L’Orient de Rembrandt.

La gravure –technique

De son vivant déjà, Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) jouit d’une grande estime non seulement grâce à ses peintures, mais aussi à ses gravures à l’eau-forte. Pour nombre d’amateurs d’art, ces eaux-fortes relèvent même d’un véritable exploit : le maniement unique de cette technique graphique par Rembrandt – l’intervention de différents procédés, le traitement
répété des matrices et les variations presque infinies en résultant – fait de chaque gravure une pièce de collection convoitée. Les premières collections virent d’ailleurs le jour dès le XVIIe siècle et, aujourd’hui encore, des épreuves rares et de qualité atteignent des sommes considérables sur le marché de l’art.

Le donateur

Eberhard W. Kornfeld (vidéo), commissaire priseur et collectionneur bernois, est un connaisseur averti de Rembrandt. Depuis ses débuts à la maison de ventes aux enchères Gutekunst und Klipstein à la fin des années 1940, il se consacre à cet artiste et constitue sa propre collection d’eaux fortes de Rembrandt. 

En 2007, il lègue la plus grande partie de ce fonds au Kupferstichkabinett
(cabinet des arts graphiques) du Kunstmuseum Basel dans le cadre d’une donation substantielle. Une seconde donation a lieu en 2019.
Kornfeld, qui dispose toujours d’un droit de jouissance à vie sur ces oeuvres, confie qu’il ne se passe pas une semaine sans qu’il ne sorte
les eaux-fortes pour les étudier.
L’exposition, qui présente les 31 oeuvres de la seconde donation pour la première fois au public, rend hommage à cet engagement renouvelé et
désintéressé en faveur de la Öffentliche Kunstsammlung (collection publique bâloise). Ces oeuvres s’accompagnent d’eaux-fortes provenant à la fois de la première donation et des fonds du musée. Il s’agit là de souligner à quel point les différents pans de la collection se complètent bien.

L’exposition

Le total d’environ 70 feuilles sélectionnées pour l’exposition offre un panorama qui rend manifeste sous toutes ses facettes la remarquable habileté de Rembrandt comme graveur. Des exemples choisis révèlent les filigranes des récentes acquisitions qui jouent un rôle important pour l’évaluation et la datation des gravures aujourd’hui. D’autres exemples montrent la
provenance de ces oeuvres issues en partie de collections célèbres

L’autoportrait aux yeux hagards

Cet autoportrait Signé et daté, – RHL 1630, Eau-forte et burin – 50 x 43 mm,- d’une taille à peine plus grande qu’un timbre poste, a un côté très spontané et fascinant. Quand on regarde une reproduction, on constate que la gravure supporte très bien l’agrandissement, bien que l’oeuvre soit minuscule, cela est du au génie de l’artiste, cette force qu’il a de rendre en peu de traits et d’économie de moyens, beaucoup d’intensité dans ce regard hagard, L’estampe s’intitule aussi Autoportrait aux yeux écarquillés et Rembrandt au bonnet la bouche ouverte, les yeux et la bouche attirant particulièrement l’attention. Rembrandt réalise un gros plan sur son visage qui occupe presque tout l’espace, déborde même du cadre, surgissant devant le spectateur. L’expression de stupeur, d’étonnement feint peut-être, ou de moquerie, est saisissante. Elle est accentuée par la torsion et le rejet de la tête en arrière. De plus, la position en diagonale et l’éclairage dirigé de haut en bas en diagonale également contribuent encore à dynamiser l’ensemble.
Cette étude d’expression devant le miroir est, comme Rembrandt à la bouche ouverte, davantage expérimentale que les autoportraits des débuts. L’artiste s’en inspira pour exécuter la tête du personnage effrayé dans La Résurrection de Lazare, vers 1632.

La parution d’un catalogue comprenant une interview du donateur ainsi que l’ensemble des 31 oeuvres de la seconde donation accompagne l’exposition.

Kunstmuseum Basel | Hauptbau
St. Alban-Graben 8, Postfach
CH–4010 Basel

Horaires