Bâle – Page 3 – une dilettante

Charmion von Wiegand

Au Kunstmuseum Basel, neubau jusqu'au 13.8.2023, exposition Charmion von Wiegand (1896-1983)
Commissaire : Maja Wismer avec Martin Brauen

L’artiste

Portrait of American abstract painter Charmion von Wiegand (1896 – 1983) as she poses in her studio with several of her paintings, August 16, 1961. (Photo by Arnold Newman Properties/Getty Images)

Au printemps 2023, le Kunstmuseum Basel présente une exposition monographique de Charmion von Wiegand (1896-1983), journaliste, critique d’art et peintre américaine. Il s’agit de la première rétrospective depuis près de quarante ans et de la toute première exposition institutionnelle en Europe. Celle-ci s’étend de ses débuts comme correspondante dans le Moscou post-révolutionnaire des années 1930 jusqu’à son oeuvre picturale tardive. À travers 49 peintures et esquisses ainsi que des documents variés, l’exposition retrace le parcours d’une artiste tombée dans l’oubli ayant manifesté une ouverture à d’autres cultures et un intérêt pour la diversité.

Reconnaissance

Au milieu du XXe siècle, Charmion von Wiegand bénéficie d’une reconnaissance en tant qu’artiste associant les principes de l’abstraction géométrique aux formes et aux couleurs du symbolisme d’Extrême-Orient.
Née à Chicago, elle grandit tour à tour en Floride, en Arizona, puis à San Francisco et à Berlin avant de s’installer à New York en 1915. Membre active des cercles littéraires des années 1920, elle est familière de la scène new-yorkaise. Reporter dans le Moscou soviétique des années 1930, elle se fait un nom comme critique d’art pour différentes publications. Sa percée artistique survient en 1945 lorsqu’elle présente une oeuvre dans l’exposition visionnaire The Women organisée à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim. S’ensuit sa première exposition individuelle dans une petite galerie new-yorkaise renommée en 1947.

L’influence de Piet Mondrian

En 1941, après sa critique du pamphlet Five on Revolutionary Art dans lequel Piet Mondrian est qualifié de « véritable artiste révolutionnaire », Charmion von Wiegand contacte l’artiste qui vient d’émigrer aux États-Unis. Cette rencontre aura de profondes répercussions sur le parcours de Charmion von Wiegand. D’une part, elle introduit Mondrian dans la société new-yorkaise et écrit des articles sur son travail, d’autre part elle corrige ses textes et réalise des esquisses pour le premier état de Victory Boogie-Woogie (1942–44), une peinture inachevée de Mondrian. Le peintre néerlandais influence également son oeuvre pictural. Son vif intérêt pour l’approche artistique de Mondrian renforce sa conviction que l’abstraction géométrique ne doit demeurer purement formelle, mais peut également restituer une idée.

Mondrian Circle

                           Charmion von Wiegand, Night Rhythm, 1948
                           Huile sur toile, 76 x 50 cm
                     Fondazione Marguerite Arp, Locarno Photo: Roberto Pellegrini

Cette révélation se reflète notamment dans ses « tableaux urbains » qu’elle exécute après le décès de Mondrian en 1944. À cette époque, elle fréquente un groupe d’artistes américains connu sous le nom de « Mondrian Circle » auquel appartient également Fritz Glarner, un peintre suisse en exil. Vassily Kandinsky et Hans Arp constituent d’autres références artistiques majeures dans son travail. Charmion von Wiegand se libère bientôt de la réduction chromatique rouge, jaune, bleu. Dans le même temps, elle recourt à une palette élargie afin d’exprimer sur la toile son intérêt pour les écrits d’Helena Petrovna Blavatsky, fondatrice de la théosophie. Charmion von Wiegand éprouve une fascination pour ses réalisations consacrées aux codes couleur bouddhistes et aux formes géométriques, en particulier les mandalas.

Spiritualité et bouddhisme

                                        Charmion von Wiegand
                                       The Ascent to Mt. Meru, 1962
                                       Gouache sur papier, 59.4 x 46.7 cm
                                       Solomon R. Guggenheim Museum, New York

À partir des années 1950, Charmion von Wiegand s’adonne à la pratique spirituelle du bouddhisme tibétain. Elle nourrit son intérêt pour la théosophie en approfondissant ses connaissances de l’art tibétain à travers l’étude d’ouvrages ethnologiques. Par la suite, elle joue un rôle décisif dans la création d’un Tibet Center à New York. Bouddhiste pratiquante, elle s’intéresse désormais à l’élaboration d’un vocabulaire artistique lui permettant également d’employer forme et couleur comme supports d’expression de la spiritualité. Charmion von Wiegand développe ainsi un langage pictural en faveur d’un
« bouddhisme transculturel moderne », comme l’écrit Haema Sivanesan dans le catalogue de l’exposition.

L’exposition Charmion von Wiegand présente 49 peintures et travaux sur papier issus de prêts suisses et internationaux. La majorité de ces oeuvres provient de la succession de l’artiste. D’autres prêts d’oeuvres ont été consentis notamment par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, le Seattle Art Museum et le Walker Art Center de Minneapolis.

Charmion von Wiegand
Programmes & événements

Charmion von Wiegand, le bouddhisme tibétain et le mandala de Kalachakra
24.7. – 13.8.2023, Neubau, Eventfoyer
Pendant les heures d’ouverture régulières
En collaboration avec le monastère de Namgyal, Dharamsala (Inde), un mandala de sable Kalachakra (en sanskrit : « roue du temps »), l’un des plus complexes de son genre, sera réalisé au Kunstmuseum Basel. À partir du 24 juillet, les visiteurs pourront suivre le processus de création complexe. Lors du finissage de l’exposition le 13 août, le mandala sera dissous et « remis » au Rhin en présence du public et dans un acte rituel.
La réalisation du mandala sera accompagnée par le commissaire invité Martin Brauen, auteur entre autres du livre Mandala : Sacred Circle in Tibetan Buddhism (2009).

Informations pratiques

Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 8
CH-4010 Bâle
Téléphone +41 61 206 62 62
Fax +41 61 206 62 52
info@kunstmuseumbasel.ch

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lun fermé

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Sommaire de juin 2023

La Dentelière de Vermeer en prêt au Louvre Lens
Pendant près d’un an, le musée du Louvre prête sa précieuse Dentellière de Vermeer au Louvre-Lens. Le chef-d’œuvre est visible gratuitement dans la Galerie du temps.

29 juin 2023 : Manet / Degas
24 juin 2023 : Fondation Vasarely
22 juin 2023 : BASQUIAT X WARHOL, À QUATRE MAINS
17 juin 2023 : Shirley Jaffe Forme et expérience
14 juin 2023 : Doris Salcedo, suite
12 juin 2023 : Destins Communs, Omar Ba
11 juin 2023 : Basquiat, The Modena Paintings
07 juin 2023 :Janet Cardiff & George Bures Miller Dream Machines
05 juin 2023 :Mémoires et gestes, une soirée de performances
03 juin 2023 :LE TEMPS S’ENFUIT SANS DISPARAÎTRE
01 juin 2023 :Découvrez le musée Moco à Amsterdam

Shirley Jaffe Forme et expérience

Atelier de Shirley Jaffe, Paris, 13 octobre 2008
Tableau à l’arrière-plan : Shirley Jaffe, Bande Dessinée en Noir et Blanc, 2009
© Bibliothèque Kandinsky, Centre Pompidou, MNAM-CCI / Jean-Christophe Mazur © 2023, ProLitteris, Zurich

Jusqu'au 30.7.2023, le Kunstmuseum Basel | Neubau présente Shirley Jaffe
Commissaires :
 Olga Osadtschy (Kunstmuseum Basel),
 Frédéric Paul (Musée national d’art moderne Centre Pompidou)

Introduction

Le Kunstmuseum Basel présente Shirley Jaffe. Forme et expérience. Il s’agit de la première rétrospective consacrée à cette peintre américaine obstinée et audacieuse qui devint un modèle pour nombre de jeunes artistes. C’est à Paris, où elle s’installe dans les années 1950, qu’elle élabore son propre langage formel au fil des années. L’exposition conçue en coopération avec le Centre Pompidou de Paris et le Musée Matisse de Nice donne à voir 113 oeuvres allant de ses débuts marqués par l’expressionnisme abstrait jusqu’aux grandes peintures géométriques caractéristiques de son oeuvre.

Biographie

Shirley Jaffe (1923–2016), née Shirley Sternstein dans le New Jersey, étudie à la Cooper Union à New York. En 1949, elle s’installe à Paris en compagnie de son mari, le journaliste Irving Jaffe, grâce au G.I. Bill destiné aux soldats vétérans américains. Son mariage ne tient pas longtemps, mais elle reste en France. Bientôt, elle fréquente de nombreux artistes américains parmi lesquels Al Held, Norman Bluhm, Kimber Smith, Sam Francis, Joan Mitchell et le Canadien Jean-Paul Riopelle installés dans la capitale française après-guerre. Ses tableaux expressionnistes abstraits de l’époque, à l’instar d’Arcueil Yellow (1956), évoquent des formations géologiques. En même temps que l’épanouissement de la gestualité, sa touche et sa palette gagnent en complexité (p. ex. East Meets West, 1962).

Shirley Jaffe Arcueil Yellow, 1956 Huile sur toile, 199 x 197 cmCentre Pompidou, Musée nationale d’art moderne, Paris © 2023, ProLitteris, Zurich
Photo: Centre Pompidou, RMN-Grand Palais / Audrey Laurans

La période baloise

En 1958, Darthea Speyer organise une exposition des oeuvres de Shirley Jaffe avec celles de Sam Francis et de Kimber Smith au Centre culturel américain de Paris. Par l’entremise de Sam Francis, Shirley Jaffe fait la connaissance du commissaire Arnold Rüdlinger. Directeur de la Kunsthalle Bern (1946–1955) et de la Kunsthalle Basel (1955–1967), celui-ci transforme et modernise durablement le paysage artistique suisse. Arnold Rüdlinger présente les tableaux de Shirley Jaffe dans plusieurs expositions collectives et fait l’acquisition de deux de ses oeuvres pour la légendaire collection privée
« La Peau de l’Ours » créée à Bâle en 1955 par sept amateurs d’art et pour laquelle il assure la fonction de conservateur. En 1964, l’ensemble des oeuvres de cette collection sont exposées à la Kunsthalle Basel.

Dans le même temps, Shirley Jaffe présente son travail dans différentes galeries suisses : chez Handschin à Bâle et chez Klipstein & Kornfeld à Berne. En 1969, une de ses peintures entre pour la première fois dans une collection française publique. À partir de 1985, le Musée national d’art moderne acquiert des oeuvres de l’artiste. Suite à une importante dation posthume d’oeuvres de Shirley Jaffe en 2019, le Centre Pompidou possède le plus riche ensemble institutionnel de son oeuvre. La majeure partie des archives de l’artiste sont, quant à elles, conservées à la bibliothèque Kandinsky.

Rupture avec l’expressionnisme abstrait …

Dans les années 1960, Shirley Jaffe se détourne de l’expressionnisme abstrait de ses débuts. Ce tournant dans son oeuvre commence en 1963 lors d’un séjour à Berlin-Ouest où elle passe un an et demi, grâce à une bourse de la Fondation Ford, avant de revenir à Paris. Dans ses peintures, elle introduit des formes simples, bien distinctes, dont la géométrie contraste avec une gestualité puissante. Le recours à une palette très vive comme dans The Big Square (1965) met en évidence la structure de ses tableaux.

Kunstmuseum Basel, © 2023, ProLitteris, Zurich Photo: Jonas Hänggi
Shirley Jaffe Big Square, um 1965 Huile sur toile, 204 x 190 cm

Changement radical

Un changement encore plus radical survient à partir de 1968 : Shirley Jaffe renonce dorénavant à toute gestualité pour faire place à une géométrie ordonnée et à des couleurs mates. Des compositions frontales formées d’aplats voient le jour. Boulevard Montparnasse (1968) illustre bien cette évolution.

En 1969, Shirley Jaffe s’installe dans un petit atelier de la rue Saint-Victor dans le 5e arrondissement (le Quartier Latin) où elle vivra et peindra jusqu’à son dernier souffle en 2016. De nombreux artistes lui rendent visite au fil des ans, dont Polly Apfelbaum, Beatriz Milhazes et Sarah Morris. En osant se détourner radicalement de l’expressionnisme abstrait et s’engager dans une nouvelle voie, elle devient un modèle et une référence pour les générations suivantes qui découvrent son oeuvre à la galerie parisienne Nathalie Obadia notamment.

Shirley Jaff Untitled, 1968 Huile sur toile, 162 x 114 cm
Galerie Nathalie Obadia, Pairs / Brussels © 2023, ProLitteris, Zurich Photo: © Bernard Huet / tutti image

Vers un style personnel

À partir des années 1970, Shirley Jaffe commence à développer une écriture personnelle aux contours ciselés. Cette phase de création se caractérise par des formes libres dérivant de la géométrie classique et formant chacune leur propre plan coloré. Si des lignes se trouvent sur une surface colorée, elles ne débordent ni sur la couleur, ni ne se recoupent. Vers la fin de cette période, Shirley Jaffe tente en outre de se libérer du cadre rectangulaire.

Introduction du blanc

À partir de 1983, son oeuvre est entièrement placée sous le signe du blanc qui isole d’abord les formes les unes des autres pour leur conférer davantage d’indépendance (p. ex. Sailing, 1985). Durant cette phase de création, l’artiste explore également la manière dont le blanc contribue à la répartition dynamique des aplats sur la toile. Des formes auparavant disjointes se rencontrent désormais dans des constellations géométriques osées.
Le blanc ne se veut pas une couleur de fond, ses nuances variant au fil des tableaux : jamais cette couleur n’est composée à l’identique.
Shirley Jaffe complète ses oeuvres de longues lignes courbées ou anguleuses parcourant plusieurs plans colorés qui renforcent ainsi une impression de superposition (p. ex. All Together, 1995).
Enfin, à partir de 1995 puis 2001 en particulier, des variations de densité chromatique apparaissent à l’intérieur des formes. Des traces de pinceaux ou des éléments colorés diffus fracturent désormais le chaos ordonné des tableaux de même que les aplats parfaitement homogènes.

Shirley Jaffe All together, 1995 Huile sur toile, 240 x 254 cm
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris
© 2023, ProLitteris, Zurich
Photo: © Centre Pompidou, RMN Grand-Palais, Philipp Migeat

Notes d’atelier

L’exposition s’accompagne de notes d’atelier de l’artiste, qui a scrupuleusement consigné la lente exécution de ses oeuvres, ainsi que des documents d’archives provenant de sa succession privée.

Ces deux dernières années, le Kunstmuseum Basel a fait l’acquisition de deux peintures de Shirley Jaffe : Medrano (1958) et Big Square (1965). Le musée dispose ainsi d’une oeuvre de jeunesse et d’un travail exécuté au début du tournant vers l’élaboration de son écriture personnelle. Le Kunstmuseum possède en outre quatre travaux sur papier de la fin des années 1950.

Shirley Jaffe Medrano, 1958 Huile sur toile, 207.5 x 194 cm
Kunstmuseum Basel, © 2023, ProLitteris, Zurich Photo: Jonas Hänggi

Shirley Jaffe Oral (Art) History

Le projet Shirley Jaffe Oral (Art) History a invité des témoins de l’époque, amis et collègues de Jaffe, à jeter un regard sur la vie et l’oeuvre de l’artiste sous différentes perspectives. Une sélection du matériel ainsi obtenu est intégrée à l’exposition du Kunstmuseum Basel sous forme d’installation audio. L’ensemble du matériel de ce projet d’histoire orale est accessible sur le site web du musée.

Information pratiques

Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 8
Postfach, CH-4010 Basel
T +41 61 206 62 62
kunstmuseumbasel.ch

Doris Salcedo, suite

Plegaria Muda, 2008–2010. ( prière silencieuse)

Jusqu'au 17 septembre 2023,  la Fondation Beyeler consacre en tant que premier musée en Suisse une importante exposition individuelle à l’artiste colombienne Doris Salcedo (*1958)
L’exposition est placée sous le commissariat de Sam Keller, directeur de la Fondation Beyeler, et de Fiona Hesse, responsable de projet et Associate Curator à la Fondation Beyeler.

Introduction

Simultanément à son installation Palimpsest, 2013–2017, présentée à la Fondation Beyeler depuis octobre 2022, la Fondation présente huit séries d’oeuvres majeures datant de différentes périodes de son travail. Sur 1300 mètres carrés, l’exposition donnera à voir une centaine d’oeuvres, parmi elles des oeuvres clés en provenance de collections internationales de
premier plan ainsi que des oeuvres rarement exposées détenues dans des collections particulières. Les objets, sculptures et interventions in situ de Doris Salcedo ont pour thème les expériences et les répercussions de conflits violents dans le monde. Ses travaux ont souvent pour toile de fond des événements spécifiques mais leur portée et leur résonance sont universelles et imparables. Ils tournent souvent autour de réflexions sur la perte, la souffrance individuelle et la manière dont les sociétés gèrent le deuil collectif.

Le thème

Doris Salcedo a grandi à Bogota, la capitale colombienne qu’elle décrit comme un épicentre de catastrophes. Confrontée incessamment à l’effroi des structures de pouvoir politiques et de la détresse humaine de son pays natal, elle a développé une conscience sociale et politique marquée. Il en résulte des
oeuvres qui donnent forme aux émotions déclenchées par ces expériences. Au lieu de représentations simplistes, Salcedo quête les sentiments et les sensations que partagent les spectateurs·rices. Comme elle le dit elle-même :

« Ce que je cherche à tirer de ces travaux, c’est cet élément qui nous est commun. »
Doris Salcedo

Les oeuvres

Les oeuvres de Doris Salcedo nécessitent souvent des années de préparatifs, de recherches et de travail de terrain, débouchant sur des processus de conceptualisation complexes et minutieux. Les horreurs que thématise l’artiste ne sont jamais montrées directement. Au lieu de cela, elle choisit des matériaux et des moyens d’expression qui rendent visibles la terreur et l’effroi de manière oblique tout en étant porteurs de beauté et de poésie. Avec son travail, Doris Salcedo cherche à établir des ponts entre la souffrance et la détresse de l’existence humaine d’une part et les espoirs et les aspirations d’une autre.

Doris Salcedo
Solo Exhibition
Museum of Contemporary Art Chicago
21 February – 24 May 2015

OEuvre majeure de l’exposition, A Flor de Piel, 2011–2014, consiste en des centaines de pétales de rose cousus ensemble en un linceul filigrane dont les plis se drapent sur une vaste surface au sol. L’oeuvre a pour point de départ un crime commis contre une infirmière colombienne, qui avait été torturée à mort et dont le corps n’a jamais été retrouvé. Le titre A Flor de Piel est une expression espagnole proche de l’expression française « à fleur de peau » : avec sa double référence aux fleurs et à la peau, elle décrit des émotions d’une telle intensité qu’elles en deviennent clairement apparentes aux autres, par exemple par un
rougissement de la peau. Pour Salcedo, le geste consistant à suturer les pétales les uns aux autres est une part importante de l’oeuvre, qui rassemble ainsi les corps martyrisés et illustre la précarité et la fragilité de la vie.

Salle 3

Dans la salle suivante s’alignent les tables de Plegaria Muda, 2008–2010. En 2008, Salcedo se penche sur la criminalité des gangs à Los Angeles et constate que les victimes et les agresseurs partagent souvent des
contextes socio-économiques semblables et des circonstances pareillement défavorisées. Partant de cette observation, elle a empilé dos à dos et séparées par une couche de terre des paires de tables de la taille de cercueils. Chacune de ces paires symbolise l’une de centaines de dyades bourreau/victime dont les destins restent tragiquement liés. Évoquant un cimetière récemment aménagé, l’oeuvre reflète également la douleur des mères endeuillées de Colombie à la recherche de leurs fils disparus dans des fosses communes. Plegaria Muda, qui signifie « prière silencieuse », témoigne de l’importance universelle d’une
inhumation et d’un adieu personnels et dignes. L’herbe qui pousse à travers les plateaux des tables faits à la main, comme autant de lueurs d’espoir, exprime la conviction de Salcedo que la vie s’impose même face aux abus les plus terribles.

Salle 6

Disremembered, 2014/15 et 2020/21, illustre plusieurs aspects importants de l’oeuvre de Salcedo : il s’agit d’une sculpture presque immatérielle, à peine tangible, qui ne se révèle à nous que de près. Une étoffe de soie semblable à une chemise, conçue par Salcedo suivant le modèle de sa propre blouse, est traversée de très nombreuses petites aiguilles qui opposent quelque chose de menaçant à la délicatesse évanescente de la sculpture. En amont de ce travail, Salcedo a parlé avec des mères ayant perdu des enfants lors de violences armées dans des quartiers difficiles de Chicago. La douleur constante et inconsolable de ces femmes est symbolisée par les plus de 12’000 fines aiguilles piquées directement dans l’étoffe et clairement visibles en raison de la transparence de la sculpture.

Salle 4

Cette polarité entre délicatesse et violence est commune à beaucoup d’autres oeuvres de Salcedo.
Atrabiliarios, 1992–2004, montre ainsi des chaussures usées, insérées dans des niches aménagées dans la paroi d’exposition et recouvertes d’une peau animale tendue qui en opacifie la vue. Salcedo cherche ainsi à préserver la mémoire de leurs anciennes propriétaires : des femmes victimes de disparition forcée
en Colombie.

salle 5

La série Untitled, 1989, comporte plusieurs meubles de bois saisis dans du béton. Pour cette oeuvre, Salcedo a passé du temps avec les familles de victimes de la violence endémique et de la guerre civile en Colombie. Elle s’est saisie d’objets du quotidien des victimes, rendus inutiles par leur mort, pour symboliser leur absence.

Salle 8

Unland, 1995–1998, s’appuie sur des interviews menées dans le nord de la Colombie avec de jeunes orphelins qui avaient été témoins du meurtre de leurs parents. Les moitiés de tables reliées par un mélange de soie et de cheveux humains représentent l’équilibre fragile de familles déchirées par la violence.

Salle 1

Untitled, 1989–93, a été conçu en réaction à deux massacres commis en 1988 dans le nord de la Colombie dans les plantations bananières de La Negra et La Honduras. Les sculptures se composent de chemises de coton blanches coulées dans du plâtre et transpercées de barres d’acier. Faisant allusion à
l’absence du corps humain, les chemises évoquent la tenue de travail standard des ouvriers de ces plantations ainsi que la tenue mortuaire des défunts.

Palimpsest

Dans la vaste installation, 2013–2017, Salcedo se penche sur le sort des réfugié·e·s et des migrant·e·s mort·e·s noyé·e·s ces 20 dernières années lors de la dangereuse traversée de la Méditerranée ou de l’Atlantique en quête d’une vie meilleure en Europe. Cinq années durant, elle a recherché les noms
des victimes qui apparaissent et s’estompent sur les dalles couleur sable des quelque 400 mètres carrés au sol que recouvre l’installation.

À propos de Doris Salcedo

Doris Salcedo est née en 1958 à Bogota en
Colombie, où elle vit et travaille encore aujourd’hui. Elle a étudié la peinture et l’histoire de l’art à l’Université de Bogota, puis au début des années 1980 la sculpture à l’Université de New York. En 1985, elle retourne en Colombie. Elle sillonne alors le pays à la rencontre de rescapé·e·s et de proches de victimes d’actes de violence et de brutalité. La sensibilisation provoquée en elle par ces échanges par rapport aux thèmes de la guerre, de l’aliénation, du manque de repères et du déracinement forme depuis la base de son travail . Salcedo a attiré l’attention avec des installations à grande échelle telles Untitled, 2003, Shibboleth, 2007, ou Plegaria Muda, 2008–2010. Untitled, 2003, réalisé pour la 8ème Biennale internationale d’Istanbul, se composait d’environ 1550 chaises en bois empilées entre deux bâtiments pour rendre compte de la
migration et de l’expulsion de familles arméniennes et juives d’Istanbul. Pour Shibboleth, 2007, à la Tate Modern à Londres, elle a conçu une longue faille crevassée parcourant le sol de la Turbine Hall, inscrivant ainsi dans l’espace de manière sensorielle les expériences de délimitation et d’exclusion sociales ainsi que de séparation. En 2015, le Museum of Contemporary Art Chicago a présenté une première rétrospective de son travail. Le musée de Glenstone dans le Maryland lui a consacré l’année dernière une exposition
individuelle.
À la Fondation Beyeler, Doris Salcedo a été représentée en 2014 dans une présentation de la collection incluant des oeuvres de la Daros Latinamerica Collection. Palimpsest a été présenté en 2017 au Palacio de Cristal du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid puis à White Cube à Londres.
Cette installation saisissante est donnée à voir à la Fondation Beyeler depuis l’automne dernier pour la première fois dans l’espace germanophone. La dernière oeuvre en date de Salcedo, Uprooted, 2020–2022, est actuellement présentée à la 15ème édition de la Biennale de Sharjah.

Informations complémentaires

Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG,
Baselstrasse 77, CH-4125
Riehen/Bâle, Suisse
https://www.fondationbeyeler.ch/fr/accueil

Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler :
tous les jours 10h00 – 18h00,
le mercredi jusqu’à 20h00,
le vendredi jusqu’à 21h00

Programmation associée «Doris Salcedo»

Notice de salle

Basquiat, The Modena Paintings

Jean-Michel Basquiat, Untitled (Woman with Roman Torso [Venus]), 1982
Acrylique et pastel gras sur toile, 241 x 419,7 cm Collection privée
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: Robert Bayer

Basquiat à Modène du 11 juin – 27 août 2023 à la Fondation Beyeler présente les
« Modena Paintings », huit toiles de grand format que Basquiat a peintes en 1982 dans la ville italienne de Modène pour un projet d’exposition qui n’a finalement jamais vu le jour

L’exposition est placée sous le commissariat conjoint de Sam Keller, directeur de la Fondation Beyeler, et d’Iris Hasler, Associate Curator à la Fondation Beyeler.

Introduction

13 ans après la grande rétrospective qu’elle avait consacrée à Jean-Michel Basquiat, la Fondation Beyeler accueille une nouvelle fois l’oeuvre de l’artiste new-yorkais. Elle présentera les « Modena Paintings », huit toiles de grand format que Basquiat a peintes en 1982 dans la ville italienne de Modène pour un projet d’exposition qui n’a finalement jamais vu le jour. Plus de 40 ans plus tard, la Fondation Beyeler réunit pour la première fois ces chefs-d’oeuvre, aujourd’hui détenus dans des collections privées aux États-Unis, en
Asie et en Suisse, parmi eux plusieurs des oeuvres les plus célèbres et les plus chères de Basquiat. C’est dans l’air du temps, après Basquiat et Warhol à la Fondation Vuitton et Basquiat et la musique à la Philharmonie de Paris, pour la Fondation Beyeler c’était une évidence.

le plus jeune artiste invité à la dOCUMENTA 7

Jean-Michel Basquiat (1960–1988) compte parmi les artistes majeurs du XXe siècle finissant. Au début des années 1980, il accède en peu de temps à une notoriété internationale, alors que la peinture figurative connaît une renaissance. Basquiat, une des personnalités les plus magnétiques du monde de l’art, débute dans l’underground new-yorkais en tant que poète graffeur et musicien avant de se consacrer pleinement à l’art. Sa peinture hautement expressive et débordante d’énergie lui vaut rapidement l’admiration du milieu.
Âgé de seulement 21 ans, il est le plus jeune artiste invité à participer à la Documenta 7 qui se tient à Kassel en été 1982. Encouragé par Andy Warhol, il devient une véritable célébrité artistique, fêtée dans le monde entier. Fils d’un père haïtien et d’une mère dont les parents venaient de Porto Rico, il est le premier artiste noir à percer dans un milieu artistique dominé par des protagonistes blancs·ches. Outre Andy Warhol, Basquiat collabore avec Keith Haring, Francesco Clemente, Debbie Harry et d’autres artistes et
musicien·ne·s. Jusqu’à son décès soudain en août 1988, il produit en moins d’une décennie un vaste oeuvre comptant plus de 1’000 tableaux et objets ainsi que 3’000 oeuvres sur papier.

Un nouveau langage visuel

Après l’âge d’or de l’art conceptuel et de l’art minimal dans les années 1960 et 1970, Basquiat parvient à imposer un nouveau langage visuel figuratif et expressif. Ses oeuvres, peuplées de personnages évoquant ceux des bandes dessinées, de silhouettes de squelettes, d’objets étranges du quotidien et de slogans poétiques sont puissantes et somptueusement colorées. Elles font converger des motifs issus de la culture pop et de l’histoire culturelle, entre autres des domaines de la musique et du sport, ainsi que des thèmes
politiques et économiques, pour aboutir à des commentaires critiques de la société de consommation et de l’injustice sociale, en particulier du racisme.

Première exposition personnelle

Jean Michel Basquiat et Emilio Mazzoli

La première exposition personnelle de Basquiat se tient en 1981 à la Galleria d’Arte Emilio Mazzoli à Modène, à l’époque encore sous le pseudonyme SAMO© qu’il inscrivait à la bombe aérosol sur les wagons et les parois du métro new-yorkais et qui datait de sa collaboration avec le graffeur Al Diaz. Le jeune artiste avait capté l’attention du galeriste italien Emilio Mazzoli quelques mois auparavant dans l’exposition collective « New York / New Wave » organisée par Diego Cortez au P.S. 1 Contemporary Art Center (aujourd’hui MoMA PS1) à
Long Island City. Emilio Mazzoli avait alors mis à la disposition de Basquiat
un espace de travail et du matériel pour lui permettre de créer de nouvelles oeuvres. Au début de l’été 1982, à l’invitation de Mazzoli, Basquiat retourne à Modène pour sa première exposition européenne sous son vrai nom.

Atelier de Modena

Jean-Michel Basquiat
Boy and Dog in a Johnnypump, 1982
Acrylique, pastel gras et peinture à l’aérosol sur toile, 240 x 420,4 cm
Collection privée
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: Daniel Portnoy

À Modène, Mazzoli dispose d’un entrepôt qui sert aux artistes de passage pour travailler. Ainsi, plusieurs années durant Mario Schifano séjourne régulièrement à Modène pour y peindre. Lorsque Basquiat arrive, il tombe sur plusieurs reliquats du travail de Schifano : outre des tableaux achevés, il trouve aussi des toiles apprêtées et des toiles vierges. Attiré par leurs dimensions exceptionnelles, il les utilise pour ses propres tableaux. Il produit ainsi un groupe d’oeuvres de chacune plus de deux mètres sur quatre, plus grandes
que et différentes de tout ce qu’il avait peint jusque là. En apposant l’indication « Modena » et sa signature au dos des toiles, il les désigne comme un groupe d’oeuvres cohérent.
Mais des désaccords opposent les galeristes Annina Nosei, qui représente Basquiat à New York depuis fin 1981, et Emilio Mazzoli, entraînant l’abandon du projet d’exposition à Modène. Dans une interview accordée au New York Times en 1985, Basquiat revient sur son deuxième séjour à Modène et exprime sa
frustration :
« Ils ont organisé les choses de telle manière que je doive produire huit tableaux en une semaine », et il compare son travail dans l’entrepôt à
« une usine, une usine malsaine. J’ai détesté. »

Au final, Mazzoli règle Basquiat pour les oeuvres produites et l’artiste retourne à New York.

Projet abandonné

Les huit tableaux peints à Modène trouvent finalement de nouveaux propriétaires par l’entremise d’Annina Nosei : Bruno Bischofberger en acquiert quatre (Profit I, Boy and Dog in a Johnnypump, Untitled [Woman with Roman Torso (Venus)], The Guilt of Gold Teeth) et les autres passent dans diverses collections à l’international. Aujourd’hui, les huit toiles se trouvent dans différentes collections particulières aux États-Unis, en Asie et en Suisse. Certaines d’entre elles se sont recroisées dans le cadre de rétrospectives,
d’autres n’ont que rarement été montrées en public. Le projet de la Galleria d’Arte Emilio Mazzoli n’a pas encore fait l’objet de recherches et de mises en lumière approfondies. Et pourtant, non seulement les tableaux produits à Modène figurent parmi les plus importants de l’oeuvre de Basquiat et les oeuvres les plus chères de tout l’art contemporain, mais le projet d’exposition finalement abandonné constitue lui aussi un événement particulier dans la carrière de l’artiste. Pour la première fois, les tableaux de Modène sont
réunis au sein d’une présentation unique à la Fondation Beyeler – 40 ans plus tard, le projet d’exposition est ainsi enfin réalisé.

Sam Keller explique

Sam Keller, directeur de la Fondation Beyeler, explique :
« Tous les ‹ Modena Paintings › se trouvent aujourd’hui dans des collections privées. Certains d’entre eux ont été donnés à voir dans le cadre d’expositions consacrées à Basquiat, mais jamais encore ils n’avaient figuré ensemble et côte à côte dans une même présentation ainsi que l’avait prévu Basquiat à l’origine. Grâce à notre bonne collaboration de longue date avec la famille Basquiat et les collectionneurs de Basquiat, nous sommes parvenus à réunir
toutes les oeuvres et à rattraper ainsi un moment
d’histoire de l’art. »

Le cycle de Modène

Jean-Michel Basquiat Untitled (Angel), 1982
Acrylique et peinture à l’aérosol sur toile, 244 x 429 cm
Collection privée
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: Robert Bayer

Untitled (Devil), 1982
Acrylique et peinture à l’aérosol sur toile, 238,7 x 500,4 cm
Collection privée
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: © 2023 Phillips Auctioneers LLC. All Rights Reserved.

Les « Modena Paintings » partagent plusieurs caractéristiques en termes de motif et de style : les huit tableaux sont tous dominés par une figure monumentale, souvent noire, sur fond de larges traits de pinceau à la gestuelle expressive. Untitled (Angel) et Untitled (Devil), opérant comme un quasi diptyque, donnent à voir les figures titulaires d’un ange et d’un démon sous forme de portraits en buste, les deux bras levés – posture pouvant être comprise aussi bien comme implorante que triomphante, et qui non
seulement se répète dans d’autres images du cycle mais apparaît de manière récurrente dans l’oeuvre de Basquiat. Le squelette suggéré à coups de traits horizontaux sommaires dans Untitled (Devil) de même que le crâne aux orbites et aux cavités nasales profondes caractérisent également les figures dans Boy and Dog in a Johnnypump et The Field Next to the Other Road. Parmi les autres signes distinctifs des personnages de Basquiat figure un ornement placé au-dessus de leur tête, parfois auréole et parfois couronne d’épines, qui apparaît également dans Untitled (Woman with Roman Torso [Venus]) et Profit I.
Comparées aux autres oeuvres du groupe, ces deux dernières présentent tout comme The Guilt of Gold Teeth une plus grande densité des « griffonnages » si typiques de Basquiat. The Guilt of Gold Teeth, avec ses mots cryptiques, ses combinaisons de chiffres et ses symboles de dollar, préfigure déjà certaines
évolutions plus tardives de l’oeuvre de l’artiste. Avec Untitled (Cowparts), qui donne à voir une vache plus grande que nature aux énormes yeux ronds, le cycle se boucle dans la mesure où les épais traits de pinceau blancs utilisés pour accentuer le corps noir dans Untitled (Angel) soulignent ici les contours de
l’animal.

Le geste pictural

Jean-Michel Basquiat Profit 1, 1982
Acrylique, pastel gras, feutre et peinture à l’aérosol sur toile, 220 x 400 cm
Collection privée, Suisse
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: Robert Bayer

À l’exception des deux tableaux Profit I et The Guilt of Gold Teeth, dans lesquels la combinaison d’acrylique, de peinture aérosol et de crayon à l’huile établit un dialogue avec le dessin, le groupe d’oeuvres met l’accent sur le geste pictural. Le collage visuel d’images et de mots habituellement si typique du travail de Basquiat n’apparaît que peu dans les oeuvres réalisées à Modène.

Jean-Michel Basquiat
The Guilt of Gold Teeth, 1982
Acrylique, pastel gras et peinture à l’aérosol sur toile, 240 x 421,3 cm
Nahmad Collection
© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York
Photo: Annik Wetter

Dans l’ensemble, le répertoire de Modène est moins morcelé et se concentre sur des compositions plus vastes et expansives. Le corps humain et animal y occupe le premier plan. Contrairement aux oeuvres antérieures, celles de Modène ne
donnent pas à voir d’impressions des rues de la grande ville. On retrouve dans plusieurs des huit toiles les mêmes tonalités, ainsi dans les vastes fonds plats, de même que l’utilisation semblable et répétée de traits de pinceau rouge écarlate pour appuyer les figures représentées. Basquiat avait pour habitude de travailler sur plusieurs toiles en parallèle car les différentes couches de couleur avaient besoin de temps pour sécher.

Catalogue

Un catalogue est publié au Hatje Cantz Verlag, Berlin, en allemand et en anglais, retraçant le développement du concept d’exposition initial jusqu’à son abandon en 1982 et consacrant un court texte à chacun des tableaux créés à Modène.
Il comprend des textes de Dieter Buchhart, Iris Hasler, Fiona Hesse, Michiko Kono, Regula Moser, Demetrio Paparoni et Jordana Moore Saggese.

Informations pratiques

Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG,
 Baselstrasse 77, CH-4125 
Riehen/Bâle, Suisse

Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler :
 tous les jours 10h00 – 18h00,
 le mercredi jusqu’à 20h00,
 le vendredi jusqu’à 21h00

Accès
Depuis la gare SBB ou DB
tram n°2 descendre à Messeplatz
puis prendre le tram n°6 direction Grenze
descendre à l'arrêt Fondation Beyeler

Janet Cardiff & George Bures Miller Dream Machines

The Forty Part Motet

Au musée Tinguely de Basel du 7 juin au 24 septembre 2023
Commissaire de l'exposition: Roland Wetzel               
Assistante: Tabea Panizz
À partir du 1er juillet 2023, l'exposition sera augmentée extra muros d'une installation au sein de la Druckereihalle Ackermannshof (Bâle).

Les Travaux

Le couple d’artistes canadiens Janet Cardiff (*1957) et George Bures Miller (*1960) crée des installations stimulant tous les sens. Leurs installations sonores et leurs performances multimédias, vont crescendo. À travers l’exposition Dream Machines, le Musée Tinguely propose, pour la première fois en Suisse, un large aperçu de leur œuvre : des premiers travaux sonores interactifs jusqu’aux installations dystopiques et immersives plus récentes. Leurs travaux rendent hommage à des pratiques culturelles riches d’une longue tradition à l’instar du cinéma, du théâtre ou de la musique. Du 7 juin au
24 septembre 2023, le musée invite le public à un voyage et à une immersion dans des univers oniriques et poétiques en explorant in situ leurs œuvres multimédiales mises en scène avec détail. Le travail du couple met en avant l’interaction et la participation du public dans leurs installations, mettant en scène des environnements où le visiteur se trouve non seulement spectateur, mais également acteur. Leurs créations nous invitent à nous immerger dans un univers sonore éclectique, qui interagit avec l’espace et les images, mélangeant les références culturelles et historiques dans un dialogue fluide entre l’art et le spectateur.

À partir du 1er juillet 2023, l’exposition sera augmentée extra muros d’une installation au sein de la Druckereihalle Ackermannshof (Bâle).
(image ci-dessus)

La réalité augmentée

La carrière de ce couple d’artistes, longue de plus de trente ans, débute par des ‘promenades audio’ adaptées à un lieu spécifique avec des walkmans ou des discmans. À partir de l’an 2000, il développent une forme particulière de réalité augmentée en élargissant d’une dimension leurs promenades au moyen de différents lecteurs vidéos : une expérience décrite par les participant.e.s comme une sorte de cinéma interactif qu’on expérimente avec le corps. Les installations présentées au Musée Tinguely invitent également le public à participer et à plonger dans des univers oniriques.

Pour ce faire, Cardiff et Miller adoptent différentes approches techniques afin de créer des expériences sonores variées. To touch (1993), The Cabinet of Curiousness (2010) et

Experiment in F# Minar (2013) jouent avec la possibilité d’activer le son par le mouvement. Le contact ou l’ombre d’un corps donnent vie aux œuvres et libèrent des bruits du quotidien, des mélodies, des compositions musicales ou des voix chuchotées.

La création

L’œuvre de Cardiff & Miller se nourrit d’une fascination pour des pratiques culturelles imaginatives comme l’écriture et la narration, le cinéma, le théâtre (de marionnettes), l’opéra et la musique.

Tous deux travaillent délibérément avec l’inconscient et les rêves qui autorisent des associations d’idées imaginaires et souvent disruptives. The Instrument of Troubled Dreams (2018) permet ainsi de composer sa propre bande originale de film. Les touches du mellotronne – une forme primitive analogue du sampler – produisent une variété de sons numériques :

mellotronne

du crépitement de la pluie, en passant par un chant et un morceau d’orgue, jusqu’à des aboiements de chien ou à des échanges de tirs. Une intrigue imaginaire peut ainsi être racontée de manière combinée ou séquentielle. En revanche, The Muriel Lake Incident (1999) nous plonge de nouveau dans une salle de cinéma miniature. Les casques audio ne restituent pas uniquement le son du film projeté: le système audio binaural rend le son dans l’espace tout en créant l’illusion d’être assis au milieu d’un public de cinéma produisant de légers bruits, chuchotant ou mangeant du popcorn. Le récit narratif s’efface au profit des spectateur.trice.s qui prennent part activement à la scène.

L’apothéose macabre

Les deux artistes témoignent de leur fascination pour l’autonomie des machines dans l’œuvre de Jean Tinguely et le considèrent comme l’une de leurs influences majeures. Comme dans la présentation de la collection au Musée Tinguely, l’installation The Killing Machine (2007) requiert de presser un bouton rouge pour déclencher un spectacle pour ainsi dire encore plus sinistre. Inspiré de la nouvelle La Colonie pénitentiaire (1919) de Franz Kafka, deux bras robotisés entreprennent une danse macabre en malmenant une victime imaginaire allongée sur un fauteuil de dentiste à l’aide de leurs aiguilles acérées. Dans Sad Waltz and the Dancer Who Couldn’t Dance (2015), la machine oblige une marionnette à danser maladroitement.

escape room

Des installations spatiales comme Opera for a Small Room (2005) ou Escape Room (2021) permettent enfin aux visiteur.euse.s de pénétrer entièrement dans les univers créés par Cardiff & Miller pour fuir la réalité. Aménagés à l’aide d’une multitude de petits éléments et détails, ces espaces donnent l’impression que leurs habitant.e.s peuvent surgir à chaque instant. Des effets sonores et lumineux mis en scène avec soin donnent vie à la pièce, stimulent l’imagination et évoquent des rêves oubliés depuis longtemps.

The Forty Part Motet (2001)

Du 1er juillet au 10 septembre, une pièce majeure sera visible au sein de l’imprimerie du Ackermannshof à Bâle: The Forty Part Motet (2001), une installation musicale majeure de Janet Cardiff. Cette installation sonore repose sur une composition vocale spirituelle: le motet Spem in Alium (vers 1570) pour huit chœurs à cinq voix de Thomas Tallis. Le duo d’artistes a enregistré individuellement les voix de quarante chanteur.euse.s sur différentes pistes audio afin de les restituer à l’unisson. Disposés en ovale, quarante haut-parleurs représentant autant de choristes restituent la sculpturalité du son dans l’espace.

Ce projet d’exposition est une coopération avec le Lehmbruck Museum de Duisbourg. Au printemps 2022, l’exposition y a été présentée à l’occasion de la remise du prix Wilhelm Lehmbruck au couple d’artistes en 2020 qui fut également décerné à Jean Tinguely en 1976.

Informations pratiques

Musée Tinguely
I Paul Sacher-Anlage 1 l 4002 Bâle

Vernissage: mardi 6 juin 2023 à 18h30

Vidéo

Heures d’ouverture:
mardi- dimanche 11h-18h, jeudi 11h-21h,
pendant la semaine de la foire ART Basel
9h-19h, jeudi 9h-22h

Site Internet : www.tinguely.ch

Réseaux sociaux : @museumtinguely 1 #museumtinguely #cardiffmiller #dreammachine

Sommaire du mois d’avril 2023

30 avril 2023 : Jean Michel Basquiat Soundtracks
22 avril 2023 : Roger Ballen. Call of the Void
13 avril 2023 : Vermeer l’unique
12 avril 2023 : Le Martyre de sainte Catherine de Simon Vouet
09 avril 2023 : Petit mot de Pâques

Roger Ballen. Call of the Void

Roger Ballen - L'Appel du vide est au Musée Tinguely de Basel jusqu'au 
29 octobre 2023
L'exposition a été réalisée par Andres Pardey en collaboration avec l'artiste et sa directrice artistique Marguerite Rossouw.

Le ballenesque

Le Musée Tinguely présente avec Roger Ballen. Gall of the Void, une exposition qui constitue la huitième édition de la série « Danse macabre», en référence à l’œuvre tardive de Jean Tinguely Mengele – Danse macabre (1986).

Le point de départ de ce face à-face est à nouveau très différent : alors que Anouk Kruithof. Universal Tongue (2022) avait retenu le motif de la danse et Bruce Conner. Light out of Darkness (2021), celui de l’apocalypse, Roger Ballen nous soumet le caractère dérangeant, troublant, de ses photographies et installations. Son œuvre interroge le psychisme humain et pose des questions, au public aussi, sur l’être et le devenir. Les œuvres de l’artiste sud-africain exposées du 19 avril au 29 octobre 2023 à Bâle englobent la photographie, la vidéo et l’installation, le tout dans une ambiance très typique pour le photographe, ce qu’il appelle le ballenesque.

Biographie

Roger Ballen, né en 1950 à New York, vit et travaille à Johannesburg, en Afrique du Sud. Il est l’un des photographes les plus en vue et les plus singuliers de notre époque. Son travail avait commencé par des portraits d’habitants et villages sud-africains – directs, frontaux, sans fard -,

il se poursuit depuis 20 ans avec des images réalisées de plus en plus souvent en studio, sans rien avoir perdu de leur force originelle. Ses photographies noir et blanc carrées, montrent toutes sortes de choses, qui sont à la fois inscrites dans la composition et pourtant singulièrement autonomes : meubles, murs avec des dessins, fils métalliques, masques, animaux empaillés, membres d’animaux, rats vivants, oiseaux, serpents, chiens, chats, mannequins, et humains aussi mais désormais plus rarement.

Les images ainsi créées évoquent des déambulations dans l’inconscient – sombres, mystérieuses, parfois mêmes inquiétantes ou effrayantes. Déjà dans les portraits des années 1990, ce n’était ni la beauté ni l’harmonie qui l’intéressaient, mais plutôt le côté dérangeant, non conforme, propre aux personnes issues du précariat blanc de l’arrière-pays sud-africain. Les visages et corps de cette période sont marqués par les histoires vécues, alors que les photos ultérieures montrent les rapports entre les objets de manière à susciter une ambiance très particulière.

La Cabane

Ces dernières années, Roger Ballen a créé son propre style avec ce qu’il appelle le ballenesque, un caractère qui sous-tend ses œuvres. C’est cet aspect inconfortable, bizarre et inquiétant qu’il confère de plus en plus à ses installations. Pour ses photographies, il conçoit des scènes en atelier, qu’il présente désormais aussi dans des expositions. Ce faisant, il effectue un déplacement remarquable de la photographie vers l’espace, qui, au sein de l’exposition au Musée Tinguely,

aboutit dans une cabane spécialement construite pour l’occasion. Cette habitation très simple constitue l’arrière-plan de plusieurs de ses scènes élaborées par Ballen. Il est possible de rentrer dans la cahute, où l’ambiance ballenesque se perçoit, se vit et se sent directement.

« En s’approchant de la cabane située au milieu de l’espace d’exposition, on se retrouve au centre de multiples photographies en noir et blanc issues des séries Asylum of the Birds et Roger’s Rats. En termes un peu simplistes, ces rats et ces oiseaux ont symbolisé le bien et le mal, l’obscurité et la lumière, tout au long de l’histoire de l’humanité. Les oiseaux assurent le lien entre le ciel et la terre, tandis que les rats sont injustement associés à la saleté, à la maladie et à l’obscurité. Chaque espèce possède sa propre mythologie, et lorsque l’on insuffle ces imaginaires à une photographie, les possibilités de création de significations plus profondes liées à la condition humaine sont illimitées. » Roger Ballen

Photos & vidéos

Pour l’exposition à Bâle, Roger Ballen a retravaillé l’une de ses dernières séries de photographies de rats prises avec un appareil analogique. Une sélection de ces images est ainsi exposée pour la première fois, ainsi qu’une autre, avec des oiseaux, en regard.

Deux vidéos, Ballenesque (2017) et Roger the Rat (2020), élargissent ici à nouveau la sphère artistique. Chez Ballen, le fragile, le questionnement, le vacillement, l’inquiétant, le flou, l’indéterminé sont autant d’éléments fondamentaux.

Ces œuvres permettent de s’immerger en les contemplant, de rêver, de s’évader : on y trouve l’ordre et le chaos, tout autant que l’inspiration et la peur.

Le catalogue

À l’occasion de l’exposition Roger Ballen. Cali of the Void au Musée Tinguely, l’éditeur Kehrer publie un catalogue en anglais avec des textes de Roger Ballen, Andres Pardey et une préface de Roland Wetzel, avec environ 40 illustrations. Disponible à partir du 13 juin à la boutique du musée au prix de 35 CHF (ISBN 978-3-96900-127-1).

Le Inside Out Centre for the Arts

Le Inside Out Centre for the Arts, fondé par Roger Ballen, a ouvert ses portes en mars 2023 à Johannesburg en Afrique du Sud. La programmation de ce nouveau lieu culturel est axée sur des thèmes spécifiquement liés au continent africain. Il présentera des expositions d’un point de vue purement esthétique et psychologique. Le Inside Out Centre animera également un programme dynamique de conférences éducatives, de tables rondes, de masterclasses et de présentations autour de l’exposition en cours, ainsi que des sujets liés aux arts et à la culture.

L’exposition inaugurale End of the Game est consacrée à la décimation de la faune africaine, conséquence des expéditions de chasses et du braconnage depuis les années 1800. Utilisant photographies documentaires, objets anciens et extraits de films ainsi que les photographies et installations de Ballen, l’exposition met en évidence l’importance historique et le contexte de ‘l’Âge d’Or’ des expéditions de chasse africaines menées par les colonialistes et les figures de proue occidentales – telles que Churchill, Théodore Roosevelt, le Roi Edward VIII et Hemingway – qui ont eu lieu à partir du milieu du 19e siècle. La démarche de Ballen explore les rapports psychologiques profonds que l’homme entretient avec le monde naturel.

Informations pratiques

Musée Tinguely
I Paul Sacher-Anlage 1 l 4002 Bâle
Tram n° 2 jusqu’à Wettsteinplatz
puis bus 31 ou 38 arrêt musée Tinguely

Heures d’ouverture:
mardi – dimanche, tous les jours 11h-18h, jeudi 11h-21h

Sites Internet :
www.tinguely.ch I www.insideoutcentreforthearts.com
Réseaux sociaux : @museumtinguely 1 #museumtinguely

PICASSO. Artiste et modèle – Derniers tableaux

Picasso et son modèle

Dans le cadre des commémorations internationales du 50ème anniversaire de la disparition de Pablo Picasso (1881–1973), la Fondation Beyeler présente du 19 février au 1er mai 2023 une sélection concentrée de dix toiles tardives de l’artiste en provenance de la Collection Beyeler, de l’Anthax Collection
Marx et d’autres collections privées.
Commissariat de Raphaël Bouvier

Dernières salves

Au cours de la dernière décennie de sa vie, alors qu’il est déjà âgé de plus de 80 ans, l’artiste espagnol poursuit de manière hautement productive son oeuvre audacieux. Avec une énergie irrépressible, au cours de cette ultime période il produit souvent plusieurs oeuvres par jour, faisant preuve d’une saisissante
puissance créatrice, comme s’il cherchait à combattre l’âge et la diminution attenante de ses capacités de création artistiques et corporelles. Parmi les nombreux travaux des années 1960 et du début des années 1970 figure un important groupe d’oeuvres dans lesquelles Picasso se consacre au sujet de l’artiste et du modèle. Dans ces oeuvres hautement expressives, il explore d’une part l’image (de soi) de l’artiste et d’autre part l’acte et le processus de création.

Autoportrait, cliché et caricature

Picasso tête d’homme

Oscillant entre autoportrait, cliché et caricature, certains des tableaux donnent à voir l’artiste en chemise rayée, convoquant ainsi aussi l’image déjà élevée au rang de mythe de Picasso. Cependant, comme une forme de contre-image à son apparence personnelle, il représente souvent l’artiste sous les traits d’un
homme barbu. Par ailleurs, Picasso présente le plus souvent l’artiste peignant directement devant le modèle, à l’encontre de sa propre pratique de travail – il peignait toujours de mémoire. Dans cette constellation, le modèle féminin nu, dont la représentation oscille également entre idéalisation et caricature, est exposé au regard de l’artiste. Avec ces oeuvres, la question reste ainsi ouverte de savoir dans quelle mesure Picasso exalte ou ironise sa fixation sur le nu féminin et l’appropriation visuelle du corps féminin. Son impressionnante série d’images du peintre et de son modèle soulève ainsi aussi des questions concernant le traitement personnel et artistique du corps féminin par l’homme et la possibilité de représenter ce corps dans le contexte actuel.

L’oeuvre tardive de Picasso

le peintre, buste de profil

L’exposition s’appuie sur une sélection de tableaux représentatifs de l’immense oeuvre tardive de Picasso pour entreprendre de retracer le cheminement et d’interroger la pertinence actuelle des explorations de l’artiste, qui tournent autour du processus créatif, des relations que structurent les regards croisés entre peintre et modèle, de la représentation de l’artiste
masculin et de la mise en scène visuelle du modèle féminin.

Picasso dans la Fondation Beyeler

Avec son inventivité picturale foisonnante, Pablo Picasso a marqué l’art du XXe siècle d’une empreinte singulière. La Fondation Beyeler possède plus de trente de ses oeuvres et abrite une des plus belles collections de Picasso au monde. Parmi les protagonistes de l’art moderne, Picasso est ainsi l’artiste le plus
fortement représenté dans la Collection Beyeler. Les oeuvres couvrent une période allant du travail cubiste précoce de l’année 1907 aux travaux tardifs des années 1960. Une quinzaine d’autres chefs-d’oeuvre de Picasso de la Collection Beyeler et de l’Anthax Collection Marx sont présentés dans les salles de la
collection qui font suite à l’exposition, proposant ainsi un vaste panorama de l’oeuvre de Picasso.

Célébration Picasso 1973-2023

Célébration Picasso 1973-2023 : 50 expositions et évènements pour célébrer Picasso
2023 marque le cinquantième anniversaire de la disparition de Pablo Picasso et place ainsi l’année sous le signe de la célébration de son oeuvre en France, en Espagne et à l’international. Célébrer aujourd’hui l’héritage de Picasso c’est s’interroger sur ce que cette oeuvre majeure pour la modernité occidentale
représente aujourd’hui. C’est montrer sa part vivante, accessible et actuelle.

La Fondation Beyeler

Le musée situé à Riehen près de Bâle est réputé à l’international pour ses expositions de grande qualité, sa collection de premier plan d’art moderne classique et d’art contemporain, ainsi que son ambitieux
programme de manifestations. Conçu par Renzo Piano, le bâtiment du musée est situé dans le cadre idyllique d’un parc aux arbres vénérables et aux bassins de nymphéas. Le musée bénéficie d’une situation unique, au coeur d’une zone récréative de proximité avec vue sur des champs, des pâturages et des vignes, proche des contreforts de la Forêt-Noire. La Fondation Beyeler procède avec l’architecte suisse Peter Zumthor à la construction d’un nouveau bâtiment dans le parc adjacent, renforçant ainsi encore l’alliance harmonieuse entre art, architecture et nature.

ERNST BEYELER ET PABLO PICASSO, MOUGINS, 1969
Photographe inconnu

Ma visite

Se rendre à la Fondation Beyeler, c’est comme aller à un rendez-vous d’amour, le cœur palpite, cheminant dans le sentier arrière de la Fondation, comme pour un pèlerinage, pressée de pénétrer dans le lieu, savourant à l’avance le plaisir que l’on sait trouver dans l’endroit. En revenir par le même sentier, rempli de l’émotion de la visite, se remémorant l’exposition, prolongeant indéfiniment le plaisir.
A force d’y aller, je crois que les œuvres m’appartiennent, je m’y sens comme chez moi.
Lorsqu’une œuvre de l’immense collection est absente pour un moment, je m’inquiète : aurait-elle été vendue ?
Dans ma naïveté et mon attachement je me suis enquis, à Art Basel, en voyant les oeuves phare exposées, auprès d’Ernst Beyeler, fondateur d’Art Basel, si elles étaient en vente.

« Jamais me répondit-il, c’est juste pour le plaisir des yeux. »

Sommaire du mois de février 2023

Wayne Thiebaud Flood Waters LAC Fondation Beyeler actuellement

17 février 2023 : ALCHIMIA NOVA – Anne Marie Maes
14 février 2023 : Espèce d’animal ! Un bestiaire contemporain
14 février 2023 : Un bestiaire contemporain au Séchoir suite
10 février 2023 : La roue = c’est tout, Nouvelle présentation de la collection Tinguely
08 février 2023 : Vagamondes
02 février 2023 : Jean Tinguely : l’Éloge de la folie
01 février 2023 : Trésor national : le musée d’Orsay s’enrichit d’un exceptionnel tableau de Caillebotte

L’artiste

Reconnaissance

L’influence de Piet Mondrian

Mondrian Circle

Spiritualité et bouddhisme

Charmion von WiegandProgrammes & événements

Informations pratiques

HORAIRES BÂTIMENT PRINCIPAL & NOUVEAU BÂTIMENT

HORAIRES D’OUVERTURE PRÉSENTS

Introduction

Biographie

La période baloise

Rupture avec l’expressionnisme abstrait …

Changement radical

Vers un style personnel

Introduction du blanc

Notes d’atelier

Shirley Jaffe Oral (Art) History

Information pratiques

Introduction

Le thème

Les oeuvres

Salle 3

Salle 6

Salle 4

salle 5

Salle 8

Salle 1

Palimpsest

À propos de Doris Salcedo

Informations complémentaires

Introduction

le plus jeune artiste invité à la dOCUMENTA 7

Un nouveau langage visuel

Première exposition personnelle

Atelier de Modena

Projet abandonné

Sam Keller explique

Le cycle de Modène

Le geste pictural

Catalogue

Informations pratiques

Les Travaux

La réalité augmentée

La création

L’apothéose macabre

escape room

The Forty Part Motet (2001)

Informations pratiques

Le ballenesque

Biographie

La Cabane

Photos & vidéos

Le catalogue

Le Inside Out Centre for the Arts

Informations pratiques

Picasso et son modèle

Dernières salves

Autoportrait, cliché et caricature

L’oeuvre tardive de Picasso

Picasso dans la Fondation Beyeler

Célébration Picasso 1973-2023

La Fondation Beyeler

Ma visite

Charmion von Wiegand
Programmes & événements