Catégorie : Art

Musée d’art moderne et contemporain, Genève
10, rue des Vieux – Grenadiers CH-1205
Genève
www.mamco.ch
Cycle Des histoires sans fin, séquence été 2014, 25 juin — 21 septembre 2014
Tatiana Trouvé

Le Mamco présente « The Longest Echo/L’Écho le plus long« , une exposition de Tatiana Trouvé (née en 1968 à Cosenza (Italie), vit et travaille à Paris) qui réunit un ensemble de travaux développés par l’artiste depuis le milieu des années 2000 jusqu’à aujourd’hui. Sans être une rétrospective, L’Écho le plus long propose un vaste choix d’oeuvres qui occupe en totalité les deux premiers étages du musée et qui se concentre sur un ensemble de séries structurant ce travail.

La constitution d’un espace en prise avec le développement de phénomènes psychiques est au coeur de l’oeuvre de Tatiana Trouvé. Le Bureau d’Activités Implicites, ou B.A.I., commencé en 1997, et déjà montré au Mamco en 2004, en fut le premier élément. Il s’est développé en différents « Modules », qui sont autant de lieux de travail et de concentration dont on ne sait précisément si la fonction consiste à produire des pensées ou à recenser les traces de l’activité de l’artiste. Cette recherche s’est poursuivie dans la réalisation de Polders, espaces en réduction se greffant à des espaces déjà là : énigmatiques, combinant des éléments faisant référence à des univers hétérogènes (sport, médecine, musique…), les Polders (présentés au 1er étage) portent l’empreinte d’une expérience rêvée.

De semblables échanges entre espaces physiques et psychiques sont aussi à l’oeuvre dans les dessins de Tatiana Trouvé, dans la série Intranquillity, notamment, qui présente des architectures intérieures dont l’étrangeté est immédiatement perceptible : quelque chose, quelqu’un, semble avoir disparu ou tout au moins fait défaut, ce dont témoignent la disposition des lieux et la coexistence des objets. Ici, comme dans ses installations, l’artiste nous engage à croire que la réalité d’un lieu, sa vérité, ne peuvent se réduire à ce que l’on en voit, que dans leurs déploiements (titre d’une autre série de dessins) et dans leurs plis, les espaces ne sont ni stables ni fixes, mais frémissants et flottants. Une large place est d’ailleurs accordée au travail graphique de l’artiste dans cette exposition.
Ainsi sur le Plateau des sculptures, au premier étage du Mamco, une vaste structure métallique inventée par Tatiana Trouvé permet l’exposition d’une quarantaine de dessins de grand format et envahit l’ensemble de l’espace. C’est la première fois qu’un tel dispositif est conçu et montré.
Tout se passe donc comme si, pour Tatiana Trouvé, non seulement les lieux disposaient d’un inconscient, mais aussi comme si l’espace et le temps présents n’étaient guère plus
qu’un fragment d’un espace et d’un temps beaucoup plus étendus.
Ses oeuvres parmi les plus récentes en portent encore directement la marque,
comme 350 points à l’infini (un champ magnétique perturbé où des fils à plomb pointent dans des directions différentes),

I Tempi Doppi (qui propose une vision stéréoscopique du temps à travers deux ampoules reliées l’une à l’autre, la première allumée et la seconde éteinte), ou encore I Cento Titoli (une sculpture qui dispose de cent titres, pour cent ans…).
La construction de l’oeuvre de Tatiana Trouvé est comparable à la croissance d’un monde structuré par la redistribution, l’altération, la modification et le redéploiement permanent des éléments qui le composent. Car les forces créatrices de la mémoire sont au coeur de cette oeuvre : mémoire du vécu, des pensées, des projets, des formes…
Pour le Mamco, Tatiana Trouvé a élaboré, en fonction de l’identité architecturale du lieu, un nouveau et ample visage de cet univers en perpétuelle métamorphose.
L’Ombre du jaseur (d’après Feux pâles)
Au quatrième étage l’exposition : L’Ombre du jaseur (d’après Feux pâles), présentée à l’occasion de la rétrospective Philippe Thomas au printemps, est prolongée.
En 1990, Philippe Thomas est invité par le capc Musée d’art contemporain de Bordeaux à concevoir l’exposition Feux pâles. Sous couvert de son agence les ready-made appartiennent à tout le monde, il voit dans l’invitation du musée l’occasion d’élever le principe de fiction développé dans ses travaux précédents à la hauteur de l’institution, lieu neutre d’un savoir scientifique, généralement peu suspecté de partialité.
L’Ombre du jaseur présentée par le Mamco, n’est pas une reprise littérale de l’exposition-oeuvre Feux pâles – proposition aujourd’hui vouée à l’échec – mais se conçoit comme une exposition dans l’ombre de la première.
Dans l’espace consacré aux Collections aux Collections du 3e étage, le Mamco propose un accrochage inédit.

Le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne accueille un ensemble exceptionnel d’oeuvres en provenance de la Galerie nationale Trétiakov, à Moscou.
Quelque 70 peintures retracent les grandes heures de l’école de paysage russe des années 1855 à 1917, du début du règne d’Alexandre II à la révolution d’Octobre.
Jusqu’au 5 octobre 2014
D’un continent l’autre, alors qu’à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne on célèbre les peintres de l’Amérique du 19e siècle, le musée cantonal de Lausanne expose les chefs d’oeuvre du musée Trétiakov de Moscou.

Si l’apport de l’école russe à la modernité débute pour beaucoup avec l’avant-garde des années 1910, la rupture avec l’art académique se situe dès le milieu du XIXe siècle. Une nouvelle génération d’artistes refuse de se soumettre au diktat de l’Académie impériale des Beaux-Arts à Saint-Pétersbourg. Abandonnant les sujets bibliques et mythologiques, elle part à la découverte des moeurs et des paysages russes, elle revisite son passé dans le contexte fortement politisé de l’affirmation d’une identité nationale, de l’abolition du servage et de la croyance portée par l’intelligentsia d’une contribution décisive à la construction d’une société moderne et démocratique.
Dans ce contexte de profondes mutations, le paysage joue un rôle déterminant. Avec la peinture de genre, c’est lui qui, pour les contemporains, se révèle le meilleur traducteur de l’« âme » et de la « terre » russes. À l’époque de la plus grande expansion territoriale de la Russie, les peintres explorent les mers, les montagnes et les forêts du vaste Empire. Ils observent les cieux, le défilé des saisons de l’aube à la nuit, ils s’attachent à la représentation des coutumes paysannes, des architectures rurales et citadines. Rejetant les paysages italianisants en vogue jusqu’alors, la nouvelle école s’inspire des réalismes historiques (l’école hollandaise du XVIIe siècle) et contemporains (l’école de Düsseldorf, l’école de Barbizon, l’impressionnisme). Ces courants nourrissent stylistiquement une vision de la nature certes réaliste, mais aussi à forte dimension narrative et symbolique.

La peinture de paysage de cette époque présente une mosaïque complexe et frappe par sa diversité, par les fortes individualités artistiques qui la représentent et par le dynamisme de son développement. On y distingue le paysage lyrique ou « paysage d’humeur » (Savrassov, Kaménev, Lévitan, Polénov), les prolongement du paysage romantique (Aïvazovski, Vassiliev, Kouïndji), la tendance naturaliste et documentaire (Chichkine), et enfin la tendance académique (Lagorio, Bogolioubov, Mechtcherski).
Entretenant des liens étroits avec les écrivains de l’âge d’or de la littérature russe (Tchékhov, Tolstoï, Tourgueniev, Dostoïevski), et avec les musiciens du Groupe des Cinq (Rimski-Korsakov, Borodine, Moussorgski), mais aussi avec une nouvelle génération de critiques d’art (Vladimir Stassov), les artistes représentés dans l’exposition sont membres ou entretiennent des liens étroits avec la Société des expositions artistiques ambulantes, instrument de diffusion de leur art auprès d’un plus large public. Les Ambulants organisent des expositions qui s’arrêtent dans les principales villes de l’Empire : outre Saint-Pétersbourg et Moscou, Orel, Kiev, Kharkov, Kichiniov, Odessa, Varsovie, entre autres. Leurs oeuvres sont collectionnées par un nouveau type de mécènes, issus non plus de l’aristocratie, mais de la bourgeoisie d’affaires ou industrielle moscovite, tels Savva Mamontov, qui rassemble autour de lui les artistes dits du Cercle artistique d’Abramtsévo, ou Pavel Trétiakov, le plus grand collectionneur d’art réaliste russe. Trétiakov fonde la première galerie d’art national russe, qu’il offre à la ville de Moscou en 1892.
La Galerie nationale Trétiakov, organisateur de l’exposition à découvrir à Lausanne, est aujourd’hui, avec le Musée d’Etat russe de Saint-Pétersbourg, la plus grande collection d’art russe au monde.
Commissaires de l’exposition : Tatiana Karpova, vice-directrice de la Galerie nationale Trétiakov à Moscou, et Catherine Lepdor, conservatrice en chef au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne
Quelques thèmes et leurs représentants principaux :
La forêt

Ivan Chichkine (1832-1898.) est surnommé le « patriarche de la forêt » par ses contemporains. Principal représentant de la tendance objective du réalisme, son art, épique, monumental, résolument optimiste, repose sur une analyse scientifique de la nature. Son langage est clair et précis. Son sujet de prédilection est la forêt de chênes ou les conifères, qui restent toujours verts. Sa saison favorite est l’été, et le moment de la journée qu’il préfère est le midi. Son monde repose sur des valeurs pour lui fondamentales: la terre, le pays natal, le peuple, la splendeur de la vie.
La mer

Figure tutélaire, Ivan Aïvazovski (1817-1900, ) bâtit sa réputation sur sa virtuosité exceptionnelle dans la représentation de la mer, des tempêtes et des naufrages. D’une productivité hors du commun (il a peint près de 6’000 tableaux, le plus souvent monumentaux), il porte à travers tout le XIXe siècle l’héritage du néoclassicisme et du romantisme. La mer est ainsi pour lui à la fois une métaphore du caractère imprévisible des revirements du destin et le symbole d’une puissance qui ne se laisse pas dompter, celle d’un peuple à la conquête de sa liberté.
Le ciel

Isaak Lévitan (1860-1900,) est un des principaux représentants du paysage lyrique ou « paysage d’humeur ». Proche ami de l’écrivain Anton Tchékhov, ils sont liés par leur appréhension lyrique de la nature, leur vénération de la beauté, du mystère du monde. La peinture de Lévitan, extrêmement construite et statique dans ses formes, nerveuse dans son traitement, résulte d’observations synthétisées en atelier. Son caractère émotif et solennel se traduit par la juxtaposition de larges coups de pinceau et une appréhension par larges surfaces colorées.
Les Nocturnes

Arkhip Kouïndji (1842-1910,), un des peintres les plus originaux de sa génération, est fasciné par la manière dont le nature est transfigurée par l a lumière. On l’a baptisé
l’« adorateur du soleil et de la lune ». Le traitement synthétique des formes, la transformation du volume en silhouette, le renforcement des contrastes de lumière et de couleur, apparentent ses paysages au clair de lune à des panneaux décoratifs ou à des décors de théâtre qui en font un précurseur de l’art nouveau, un compagnon de route des symbolistes.
Le printemps

Avant Alekseï Savrassov (1830-1897,), la nature russe n’était pas considérée comme digne d’être représentée. On lui préférait les paysages d’Italie. Savrassov est l’inventeur du « motif » du printemps, non plus saison des émois amoureux, mais métaphore privilégiée du renouveau, des changements politiques et sociétaux tant espérés à l’époque de l’abolition du servage. Ce motif connaîtra après lui une grande fortune, répété en peinture d’Igor Grabar à Mikhaïl Larionov, en musique de la Sniégourotchka – La Demoiselle des neiges – de Nikolaï Rimski-Korsakov au Sacre d’Igor Stravinski.
L’été

Ilia Répine (1844-1930,) est le plus connu des peintres ambulants, mouvement dont il est le fer de lance et la vitrine à l’étranger. Son oeuvre a été influencée par l’impressionnisme français durant son séjour à Paris. Fin coloriste, brillant observateur des physionomies, il est amoureux de la vie dans toutes ses manifestations.
Ses scènes champêtres de la vie à la datcha lui vaudront les remontrances de son
ami l’écrivain Lev Tolstoï pour qui l’artiste doit se mettre au service de la société,
oeuvrer à son éducation et contribuer à son élévation morale.
Comme un air de Camille Monet avec ses enfants.
 
L’hiver

De la génération qui suit celle des premiers peintres ambulants,
Boris Koustodiev (1878-1927,) est un des élèves d’Ilia Répine. Il adhère à l’Union des artistes russes, association moscovite où la peinture acquiert une diversité de couleurs
accrue, et s’affranchit des tons lourds et sombres pour devenir plus aérienne, plus
solaire. Ces peintres, dont les oeuvres résonnent en mode majeur, frappent par
leur vivacité morale, leur regard optimiste sur le monde et leur foi dans l’avenir. Les
oeuvres hivernales de Koustodiev entretiennent de grandes affinités avec l’art des
miniatures laquées de Palekh.
42 artistes sont exposés.
L’exposition est organisée avec le soutien généreux du Consulat honoraire de la
Fédération de Russie à Lausanne, à l’occasion du 200e anniversaire de l’établissement
de relations diplomatiques entre la Russie et la Suisse.
Audio-guide  : En français et anglais, gratuit

CONFÉRENCES À 18H30 entrée libre
Je 4 septembre:
Entre devoir de réalisme et désir de modernité.
La littérature russe à la fin du XIXe siècle et au début du XXe, par Jean-Philippe Jaccard,
professeur ordinaire de littérature et de civilisation russes à l’Université
de Genève
Je 11 septembre:
Un art nouveau à la redécouverte de la Sainte-Russie;
photographies en Russie, 1840-1914, par Dominique de Font-Réaulx,
conservateur en chef au Louvre, directrice du Musée Eugène-Delacroix
photos et texte courtoisie du musée cantonal des Beaux Arts de Lausanne

L’ exposition de la Fondation de l’Hermitage à Lausanne : Peindre l’Amérique Les artistes du Nouveau Monde (1830 -1900)  est visible jusqu’au 26 OCTOBRE 2014
 

A l’occasion de son 30ème anniversaire, la Fondation de l’Hermitage présente une exposition exceptionnelle consacrée à la peinture américaine du XIXe siècle. Centrée autour des genres du paysage, du portrait et de la nature morte, cette manifestation réunit un ensemble d’œuvres réalisées entre 1830 et 1900, et pour la plupart présentées pour la première fois en Europe. Encore peu connue du grand public européen, la peinture américaine, dont l’essor fut considérable au XIXe siècle, est présentée au travers de plus de 90 œuvres.

Le paysage est à l’honneur, avec les artistes de la Hudson River School (Thomas Cole, Jasper F. Cropsey, Albert Bierstadt, Frederic E. Church et Thomas Moran) et du mouvement luministe (John Kensett, Fitz Henry Lane).
Aux côtés de plusieurs portraits d’Amérindiens peints par George Catlin, sont également réunis des scènes de la vie quotidienne et des portraits réalisés par Thomas Eakins et Richard C. Woodville.
Enfin, des tableaux de William M. Harnett, John F. Peto et John Haberle illustrent le renouvellement profondément original du genre de la nature morte.
Un magnifique ensemble de photographies regroupant des paysages et des portraits d’Amérindiens complète la présentation.

La grande majorité des œuvres provient de musées américains de premier plan (Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie, National Gallery of Art de Washington, Terra Foundation for American Art de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, …), ainsi que d’importants musées européens (Museo Thyssen-Bornemisza à Madrid, Musée d’Orsay et Musée du Quai Branly à Paris, musée cantonal de Lausanne …).

De dimensions généralement plus modestes, ces toiles sont peintes dans des tonalités douces qui renforcent leur ambiance intime et contemplative. Leur précision extrême, probablement influencée par la photographie naissante, va de pair avec une facture lisse où les coups de pinceau deviennent presque invisibles. Véritables sujets des tableaux, les modulations de lumière sont rendues avec une infinité de nuances dans des ciels immenses, des brumes diffuses ou des reflets aquatiques. Sous l’oeil des peintres luministes, la nature est désormais apaisée.

Enraciné dans la tradition picturale hollandaise et anglaise, le portrait connaît un essor considérable en Amérique aux XVIIIe et XIXe siècles. Dans un contexte peu favorable à l’expression artistique, le portrait est, dans un premier temps, une des seules formes d’art permettant aux peintres de vivre de leur talent. La naissance de la jeune nation stimule en effet la réalisation de portraits patriotiques, en particulier ceux des Pères fondateurs. De même, la classe marchande émergente commande une multitude de portraits destinés à orner les intérieurs bourgeois.

Si le paysage joue un rôle essentiel dans la construction du sentiment artistique national, il en va de même pour la peinture de la vie quotidienne, dans tout ce qu’elle a de plus prosaïque. Un des objectifs des artistes est d’affirmer la rupture avec les traditions européennes par la représentation d’activités et de personnages américains : travaux agricoles, commerces, réunions politiques, trappeurs, bateliers ou encore cow-boys. Le choix des artistes de montrer des scènes familières répond aussi au souhait de toucher un public moins élitiste, qui se reconnaît dans ces évocations des réalités ordinaires et qui retrouve dans ces tableaux les valeurs morales qui cimentent la nation.

La peinture de genre ne s’intéresse guère aux aspects plus sordides de la réalité américaine, sans doute parce qu’il n’existait pas de marché pour ces sujets. Quand ils sont représentés, les Noirs sont bien souvent cantonnés dans des rôles de second plan. Le sort misérable des immigrés à New York est lui aussi rarement abordé par les artistes. Quant aux Indiens, de nombreuses peintures détaillent leur mode de vie traditionnel dans des paysages grandioses, mais les bouleversements dramatiques que connait leur société sont passés sous silence.

La photographie est adoptée dès son arrivée sur le sol américain en 1840. Dans un pays où la fidélité à la nature est au coeur des préoccupations artistiques, elle apparaît comme le médium idéal pour transcrire la réalité de manière objective. Le portrait est très rapidement popularisé grâce aux nombreux studios qui s’ouvrent dans les villes et aux photographes ambulants qui sillonnent les campagnes. Dans la seconde moitié du siècle, des tentatives de recensement des Indiens sont également menées par le biais du portrait photographique. A partir de la guerre de Sécession, la photographie joue aussi un rôle de premier plan dans la pratique du reportage et du documentaire.

Tout au long du XIXe siècle, les Etats-Unis acquièrent et intègrent de nouveaux territoires à l’Ouest: la Louisiane en 1803, l’Oregon en 1846, les provinces mexicaines situées au nord du Rio Grande en 1848 ou l’Alaska en 1867. Afin de cartographier ces espaces immenses et d’inventorier leurs ressources, des missions d’exploration sont lancées par le gouvernement et par des entreprises privées. Des peintres, des dessinateurs, et plus tard des photographes y sont associés pour en documenter les découvertes. Albert Bierstadt parcourt ainsi le Colorado, le Wyoming, les Rocheuses, la vallée de Yosemite ou encore l’Alaska. Ses études de paysages lui serviront de points de départ pour des centaines de tableaux, souvent des vues idylliques témoignant des horizons infinis qu’il a pu observer. Thomas Moran participe à la mission d’exploration officielle conduite par

dans la région de Yellowstone en 1871. Ses peintures grandioses, ainsi que les photographies prises par William H. Jackson, marquent le public et plaident en faveur de la protection de ce site, qui deviendra le premier parc national de l’histoire en 1872. En quête de paysages spectaculaires et exotiques, Frederic E. Church et William Bradford vont même dépasser les frontières américaines. Church obtient ainsi un succès phénoménal avec ses paysages des Andes et de la côte du Labrador. Bradford est un des premiers artistes américains à peindre les glaces de l’Arctique, région qui le fascine au point de s’y rendre à de multiples reprises. George Catlin est, quant à lui, célèbre pour les centaines de portraits d’Indiens qu’il a réalisés en observant les tribus lors de ses nombreux voyages d’exploration dans les années 1830. Sa « galerie indienne », une exposition itinérante consacrée à la culture des Indiens, a été présentée à New York en 1837 avant d’être montrée dans les capitales européennes à partir de 1840. Elle offre un précieux témoignage d’une civilisation menacée de disparition.
L’exposition est accompagnée d’un ouvrage richement illustré, avec des textes de William Hauptman, historien de l’art, spécialiste de l’art américain du XIXe siècle et commissaire de l’exposition, ainsi que deux essais sur la photographie, par Corinne Currat et Dominique Hoeltschi, chargées de projets à la Fondation de l’Hermitage. Publié en coédition avec La Bibliothèque des Arts, Lausanne.
Vaut le détour, car pendant longtemps les peintres américains, étaient considérés comme des artistes de province, jusqu’à l’apparition du pop-art

VISITES COMMENTÉES PUBLIQUES
Les jeudis à 18h30 et les dimanches à 15h Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Sans réservation, nombre de participants limité

VISITES COMMENTÉES POUR GROUPES PRIVÉS
Des visites peuvent être organisées sur demande pour des groupes privés, en français, allemand ou anglais Prix : CHF 130.- (en plus des billets d’entrée) Maximum 25 personnes par groupe
Renseignements et réservations au +41 (0)21 320 50 01

VISITES COMMENTÉES AVEC EXTRAITS MUSICAUX Di 6 juillet à 11h, sa 30 août à 16h, di 21 septembre à 11h, sa 11 octobre à 16h Découvrez les liens entre peinture et musique, grâce à une visite commentée ponctuée d’extraits musicaux. Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Nombre de participants limité Sur réservation au +41 (0)21 320 50 01

CONFÉRENCES Jeudi 11 septembre à 18h30 Il était une fois l’Amérique. Le regard des peintres sur le Nouveau Monde par William Hauptman, historien de l’art, commissaire de l’exposition Jeudi 2 octobre à 18h30 La nostalgie de l’avenir : peindre des trompe-l’oeil dans l’Amérique du XIXe siècle par Jan Blanc, professeur d’histoire de l’art à l’Université de Genève Prix des conférences : CHF 12.- / CHF 10.- tarif réduit / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Sur réservation au +41 (0)21 320 50 01

NUIT DES MUSÉES de Lausanne et Pully Samedi 27 septembre de 14h à 2h du matin De nombreuses animations sont proposées autour de l’exposition : commentaires d’oeuvres, visites spéciales « les yeux fermés », atelier créatif pour les familles, chasse au trésor et balades à la découverte du parc de l’Hermitage, contes et légendes amérindiens, musique et restauration légère à l’américaine dans la cour, ainsi que la traditionnelle braderie de livres d’art, catalogues, cartes postales et affiches d’expositions. Prix : CHF 10.- / gratuit pour les moins de 16 ans Programme détaillé des animations et informations pratiques sur www.nuitdesmusees.ch
Photos courtoisie Fondation de l’Hermitage
quand le logiciel du Monde voudra bien les faire apparaître

Ma première rencontre avec les oeuvres de Lee Ufan date de 2004, présentées à la Fondation Fernet Branca, grâce à Jean-Michel Wilmotte, architecte de renommée internationale et grand connaisseur de la culture coréenne, qui a réussi la rénovation et transformation des anciennes usines, en centre d’art contemporain. Dans l’intimité du lieu, elles dégageaient une sérénité contagieuse.
La Fondation présente actuellement et jusqu’au 31 août, les oeuvres d’un ancien élève, puis assistant de Lee Ufan, un compatriote coréen  » Lee Bae »

Charles Ray. Sculptures 1997–2014
au Kunstmuseum Basel et Museum für Gegenwartskunst
du 15 juin au 28 septembre 2014
Commissaire : Bernhard Mendes Bürgi


L’Américain, Charles Ray, est un des sculpteurs majeurs de notre temps. Après un siècle de dominance de l’abstraction sculpturale, il travaille la nouvelle figuration plastique.
Le Kunstmuseum Basel et le Museum für Gegenwartskunst présentent, en collaboration avec l’Art Institute of Chicago, une vue d’ensemble de son travail depuis 1997. On retrouve des oeuvres telles que Unpainted Sculpture (1997) ou Boy with Frog (2009), mais aussi des nouvelles sculptures telles que Mime ou School Play, toutes deux de 2014, et qui sont l’aboutissement d’un processus s’inscrivant dans la longue durée.

Dans la tradition antique des bas-reliefs, Charles Ray, pieds nus, apporte à sa femme elle aussi pieds nus, un petit beaucoup de fleurs. Transposition d’une scène contemporaine et intime, tirée de l’album de famille. Réalisé en atelier, en fibre de verre, d’après des études photographiques,  la lumière provenait du côté gauche. Light from the left, joue poétiquement sur le fait, que sa femme se dresse à gauche sur la scène et apporte la lumière dans l’univers de l’artiste.

Young Man, 2012, un jeune homme qui se dresse dans un léger contraposto, mais qui s’éloigne du canon classique, avec un peu de graisse aux hanches, une barbe et la bouche entrouverte. La scupture est polie et reflète l’environnement et les visiteurs qui font partie de l’oeuvre.
Charles Ray, né en 1953 à Chicago, vit depuis 1981 à Los Angeles. Au centre de son univers fascinant, on trouve des principes sculpturaux et des questionnements liés à la proportion, la dimension, l’espace, le poids, l’intérieur, l’extérieur, moins que des considérations narratives. Après un siècle de dominance de l’abstraction sculpturale, il travaille – comme Katharina Fritsch( Zurich) ou Jeff Koons  (fondation beyeler)– la nouvelle figuration plastique, à l’exemple de sa statue en acier peinte en blanc Boy with Frog (2009) installée jusqu’à récemment sur la Punta della Dogana à Venise.


Associée à une réalisation époustouflante, la sculpture, dont il est impossible d’imaginer combien son poids est considérable, comporte une dimension intemporelle. On ne saisit pas au premier coup d’oeil que c’est de l’art contemporain, tant elle fait référence à l’antique.
Le Kunstmuseum Basel organise en collaboration avec l’Art Institut of Chicago pour la première fois depuis 2006, une grande exposition muséale de l’artiste américain, en se concentrant sur son travail entre 1997 et 2014.
Ses oeuvres précédentes, réalisées entre 1973 et 1993, ont été montrées en 1994 à travers l’Europe dans des expositions à Malmö, Londres, ainsi qu’aux Kunsthalle de Berne et Zurich. Elles ont présenté le cheminement de Ray depuis les performances liées à une mise à l’épreuve de soi et ses interactions, avec les éléments plastiques des années 1970, dont la trace est conservée par des photographies, jusqu’à Family Romance (1993), un groupe de personnages comprenant des parents et leurs deux jeunes enfants, troublants par leur taille identique, et qui se trouve aujourd’hui au Museum of Modern Art, New York.(vu au Palazzo Grassi)
Aux USA, ont eu lieu des expositions comparables en 1998/99 à New York, Los Angeles et Chicago, dans lesquelles furent aussi présentées des sculptures créées après la tournée européenne, comme Unpainted Sculpture (1997), aujourd’hui dans la collection du Walker Art Center, Minneapolis.

Unpainted Sculpture fait office de prélude à cette exposition : une voiture accidentée, une Pontiac, que l’artiste à réduite en morceaux en l’état, afin d’en copier chaque élément par des pièces en fibre de verre, puis il a reconstruit l’ensemble accidenté, méticuleusement à la recherche de la perfection. La sculpture repeinte en gris pale, apparaît comme un objet baroque, perdant la morbidité et la violence de son passé.

                               Charles Ray Aluminum Girl 2003

En outre, le visiteur est confronté par une figure féminine grandeur nature Aluminum Girl (2003), une statue sans socle en aluminium peinte en blanc, que l’artiste a justement réalisé, en parallèle de son travail sur Unpainted Sculpture, d’abord en bois peint.
La réflexion de Ray sur le canon de la figure humaine, qu’il associait jusqu’alors aux mannequins synthétiques des vitrines, acquière sous cette apparence sculpturale-ci, un air sublime qui la fait ressembler à l’antique. Pourtant, ce n’est nullement une figure idéale, elle possède la présence vivante d’une jeune fille lambda. Cette réalisation fait office, tout en perpétuant la longue tradition de la sculpture figurative,  d’oeuvre charnière dans le travail de Ray.
Les sculptures récentes sont façonnées dans un bloc massif d’acier inoxydableou d’aluminium et ne présentent plus de surface peinte : Shoe Tie (2012), la statue présentant un homme nu accroupi qui rattache des lacets imaginaires ;

Sleeping Woman (2012), la représentation d’une sans-abri, tombée dans un profond sommeil, allongée sur un banc, dans les rues de Santa Monica et la sculpture exposée la plus récente,

Mime (2014), la représentation d’une personne qui semble être endormie. Cela nous renvoie aux gisants.
Presque chacune des 15 sculptures exposées au Kunstmuseum et au Museum für Gegenwartskunst nécessite une salle entière pour trouver sa place, car chacune – après des années de travail et de nombreuses tentatives – est un élément solitaire sculptural et tout à la fois une nouvelle étape dans la confrontation artistique de Ray avec le monde.

Au Gegenwarthkunst, Hand Holding Egg, 2007
est une petite main d’enfant en porcelaine qui tient une petite coquille d’oeuf vide : « Semblable à un viel os poli par le temps qu’on trouverait dans le désert, l’oeuf est vide et l’animal, est parti, depuis longtemps » Charles Ray.


C’est un travail minutieux, qui allie la précision et le finissage de l’antique au réalisme du contemporain

Catalogue
Essais de Michael Fried, Richard Neer, James Rondeau et Anne M. Wagner, ainsi que de courts textes d’accompagnement par Charles Ray dans le catalogue, 160 p., 69 ill., 24 x 30 cm, Hardcover, éditions allemande et anglaise, Verlag Hatje Cantz.
Publication rendue possible grâce au soutien de Glenstone
Conférences dans le Kunstmuseum, Vortragssaal
17.09.2014, 18h30, Anne M. Wagner
23.09.2014, 18h30, Richard Neer 26.09.2014, 19h00, Charles Ray, Künstler-Reden #26
Exposition à l’Art Institute of Chicago
Charles Ray : Sculpture, 1997–2014. 17 mai – 4 octobre 2015

jusqu’au 26 octobre 2014

De Picasso à Neo Rauch en passant par Richter, Polke et Baselitz : le Musée Frieder Burda et la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden célèbrent ensemble les 10 ans d’existence du Musée Frieder Burda avec une grande exposition anniversaire présentant des pièces maîtresses d’une collection n’ayant cessé de grandir depuis 40 ans.

Fasciné par la couleur et ses possibilités d’expression émotionnelle, Frieder Burda commença il y plus de 40 ans à collectionner des oeuvres d’art. Entre-temps, sa collection rassemble quelque mille pièces d’art moderne et contemporain. Pour marquer ses 10 ans d’existence, le Musée Frieder Burda présente les pièces maîtresses de la collection dans le cadre d’une grande exposition anniversaire. Tout comme lors de l’exposition inaugurale en 2004, les oeuvres choisies sont à nouveau montrées dans les salles mêmes du musée, et dans la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden voisine, preuve du partenariat privilégié rassemblant la mission culturelle publique et l’engagement privé pour l’art.
Les commissaires de l’exposition sont Götz Adriani et Helmut Friedel.

Le Musée Frieder Burda, conçu par l’architecte new-yorkais Richard Meier et couronné par plusieurs prix d’architecture, a été inauguré en 2004 et ne cesse depuis de soulever l’enthousiasme des visiteurs en présentant la collection ou de prestigieuses expositions temporaires. Situé au coeur d‘un parcours culturel et artistique qui s’étend le long du célèbre parc de la Lichtentaler Allee, l’édifice éclatant de blancheur réunit de manière unique l’art et la nature grâce à de larges surfaces vitrées permettant de fascinantes perspectives.

Les points forts de l’exposition anniversaire sont l’expressionnisme allemand, avec des oeuvres de Ernst Ludwig Kirchner, August Macke et Max Beckmann, des Picasso de la période tardive ainsi que des exemples de l’expressionisme abstrait américain représenté par Jackson Pollock, Willem de Kooning et Mark Rothko. La collection se penche aussi particulièrement sur des artistes allemands de renom international tels que Gerhard Richter, Georg Baselitz, Markus Lüpertz et Sigmar Polke, dont une sélection de chefs d’oeuvre est exposée.

Parallèlement, l’exposition montre les dernières tendances de la peinture et photographie, représentées dans la collection notamment par des oeuvres de Gregory Crewdson, Axel Hütte, Karin Kneffel et Neo Rauch.
Parallèlement un hommage est rendu à l’architecture de Richard Meier dans le cadre d’une exposition particulière dans la galerie du musée.
Seront en outre exposés, à partir du 23 septembre 2014, les tout derniers travaux issus de l’Atelier d’art pour les enfants, conçus dans le musée pour offrir aux enfants une approche de l’art compréhensible, active et riche en découvertes.
Götz Adriani, qui assure conjointement avec Helmut Friedel le commissariat d’exposition, déclare, parlant de la sélection des oeuvres :
« La merveilleuse collection Frieder Burda pousse pratiquement à créer des lignes de force dans l’exposition et à mettre en scène des confrontations passionnantes. L’un de ces points forts sera la peinture de Gerhard Richter dans la grande salle du musée, où sont exposées des oeuvres majeures datant de toute la période de création de ces 50 dernières années.

La dernière période de Picasso occupe une place particulière dans la partie du musée dite « mezzanine ». Götz Adriani poursuit : « dans les salles supérieures, en partant de l’expressionnisme allemand et d’oeuvres de Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner ou August Macke, nous confrontons l’expressionisme abstrait américain des années 50, soit des oeuvres centrales de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning ou Clyfford Still, aux tendances figuratives du Pop Art qui apparurent directement après, celles d’un Robert Rauschenberg, d’un Malcolm Morley et d’un Bill Copley. »

Dans les salles de la Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Helmut Friedel concentre son choix essentiellement sur les pièces les plus importantes de l’art allemand dans la Collection Frieder Burda. La salle principale est consacrée à Sigmar Polke,

elle-même suivie de salles occupées par des tableaux et sculptures de Georg Baselitz et Eugen Schönebeck, puis d’une petite pièce avec des travaux de membres du groupe Zero, Adolf Luther, Heinz Mack et Günther Uecker. Des travaux de Markus Lüpertz, William N. Coplex et Arnulf Rainer, tout comme quelques oeuvres représentatives d’artistes de la nouvelle génération, tels Neo Rauch ou Karin Kneffel, sont exposés dans d’autres petites pièces.

Point fort enfin, une salle abrite certains des premiers tableaux de Gerhard Richter et des sculptures de Isa Genzken. Helmut Friedel s‘est penché d’une part sur les conditions architecturales différentes pour l’exposition de tableaux offertes par l’imposte de la Kunsthalle, édifice historique, et se distinguant du lumineux ouvrage de Richard Meier.

Au-delà, c’est la collection elle-même qui le fascine, reflet de l’histoire de la peinture allemande depuis l’après-guerre. « Dans la collection Frieder Burda, » déclare-t-il, « c’est l’esprit de l’ancienne RFA qui est représenté de manière inimitable, avec tout son lourd passé mais surtout avec tout son optimisme. L’ère Adenauer, la République de Bonn sont inséparables de la réussite économique tout comme des premières leçons encaissées en retour. » Dans ce contexte, Helmut Friedel a suivi la trace des diverses spécificités et lignes de liaison des oeuvres peintes, telles qu’elles traversent la collection Frieder Burda : de l’intégration du matériel dans la surface du tableau, en commençant par le groupe Zero aux frontières fluides entre figuration et abstraction chez Richter, au caractère sémiologique chez Polke et jusqu’à la brutalité chez Rainer.
Museum Frieder Burda
· Lichtentaler Allee 8 b
· 76530 Baden-Baden Telefon:
+49 (0) 72 21/3 98 98-0 · Fax: +49 (0) 72 21/3 98 98-30
· www.museum-frieder-burda.de
 
Heures d’ouverture
du mardi au dimanche
10 h 18 h
fermé le lundi sauf férié
passmusées
photos de l’auteur et courtoisie du musée Frieder Burda