Catégorie : Art

 le Stilj sur France culture en podcast
Jusqu’au 29.05.2016
Le programme que BOZAR organise dans le cadre de la Présidence des Pays-Bas, témoigne du rôle novateur qu’ont joué l’art et l’architecture de l’avant-garde néerlandaise, vu dans un contexte européen. Par la même occasion, l’exposition établit un pont entre De Stijl et la création actuelle. En se référant au vocabulaire de De Stijl, et plus particulièrement à celui de Theo van Doesburg, dont le rayonnement a été capital, un dialogue s’établit entre l’architecture, l’urbanisme, le design, la littérature et les nouvelles technologies actuelles. C’est une opportunité pour les Pays-Bas de pouvoir mettre en évidence leur tradition culturelle, qui a toujours été ouverte au monde et à l’avenir, et qui se présente telle une véritable source d’inspiration à l’intérieur d’un contexte éminemment européen.

VAN DOESBURG, Une nouvelle expression de la vie, de l’art et de la technologie
Au cours de la Première Guerre mondiale, un des mouvements artistiques les plus importants de l’époque vit le jour aux Pays-Bas. C’est dans la revue De Stijl que le groupe se manifesta d’abord. Piet Mondrian
et Theo van Doesburg (1883-1931) en furent les fondateurs et inspirateurs. Van Doesburg devint un des représentants majeurs de ce nouveau courant qui aura un impact énorme sur l’avant-garde européenne.
Comme Piet Mondrian, Theo van Doesburg , était convaincu qu’un art nouveau mènerait à un monde nouveau et meilleur. Ils ambitionnaient une réforme radicale de l’art qui irait de pair avec les changements scientifiques et sociaux.

La Nouvelle Plastique ou le Néo-Plasticisme est un art abstrait et géométrique dans lequel l’harmonie et l’équilibre priment, un art qui transgresse les frontières et qu’on retrouve également dans l’architecture, le design, la typographie, etc. Sous la conduite dynamique de Theo van Doesburg, les idées de De Stijl se propagèrent à toute allure à travers l’Europe et on assista à des pollinisations croisées avec d’autres courants artistiques.

C’est ainsi que l’art abstrait, l’architecture moderne et le design ont connu un développement en profondeur et durable.
Aussi, peut-on dire que De Stijl aura été l’apport le plus important des Pays-Bas à l’art du XXe siècle.

Cette exposition kaléidoscopique, conçu par la commissaire Gladys Fabre, présente Théo van VAN DOESBURG, Une nouvelle expression de la vie, de l’art et de la technologie :
Doesburg tel un propagandiste nomade. Une personnalité fascinante, éternellement à la recherche d’une esthétique nouvelle et dynamique qui, en interaction avec la science et la technologie contemporaines, et tout en tenant compte de la complexité de la vie ainsi que de l’attitude des avant-gardistes, pourrait réformer le monde.
L’exposition débute en 1917 avec l’explicitation de l’art et des idées du mouvement De Stijl. La revue et le courant artistique éponyme (1917-1927) ont été fondés en 1917 à Leyde. La publication peut être considérée comme le reflet exact des intentions de Van Doesburg qui voulait diffuser l’esthétique néo-plastique ainsi que sa propre esthétique, caractérisée par une liberté absolue en constante évolution. On découvre toutes les facettes de l’oeuvre multiple de l’artiste : les expressions néo-plastiques et dadaïstes (réalisées sous le pseudonyme I. K. Bonset), ensuite, en rupture avec Mondrian, l’Élémentarisme (1924-26) et finalement l’Art concret (un collectif groupé autour de l’art géométrique abstrait fondé en 1930 par Van Doesburg) .
L’accent sest également mis sur les collaborations fructueuses entre Van Doesburg et d’autres artistes éminents de l’avant-garde. L’exposition montre des oeuvres des premiers membres du De Stijl :
Mondrian, Bart van der Leck, Vilmos Huszar, J.J. Oud, Gerrit Rietvelt, Cornelis van Eesteren, Georges Vantongerloo et de certains contemporains tels El Lissitzky, Kurt Schwitters, Hans Richter, Hans Arp, Domela, Vordemberge, Gildewart, Jean Hélion, Carlsund etc…

Cette manifestation se focalise sur l’importance accordée à l’interdisciplinarité et au processus interactif qui contribuera au développement d’un style nouveau, en accord avec une nouvelle façon de vivre, qui réunisse en même temps l’art et l’architecture, le cinéma, la poésie, la littérature, le design, la typographie, etc. La dynamique créative de
l’avant-garde occupera donc la place d’honneur. Une dynamique qui, à travers différentes esthétiques et idéologies politico-culturelles et à partir des principes fondamentaux du Néo-Plasticisme, jettera les bases de l’art futur non plus individuel mais
universel.
L’exposition se compose de plus de cent tableaux, dessins, photographies, revues, publications, meubles, maquettes et de reproductions de plans d’architecture.
La plupart de ces oeuvres provient de musées néerlandais. Il est important qu’une grande
partie du patrimoine artistique néerlandais soit exposé à Bruxelles.
Ce sera une occasion unique car l’oeuvre de Theo van Doesburg et l’avant-garde néerlandaise n’ont jamais connu de grande rétrospective en Belgique.

Gladys Fabre est historienne de l’art, commissaire
d’expositions et auteur de nombreux ouvrages, spécialisée en l’art de l’avant-garde et du
modernisme.
En tant que commissaire et adviseur scientifique, elle a réalisé différentes expositions internationales  en France, en Allemagne, en Espagne, en Suisse et
aux État Unis.
PALAIS DES BEAUX-ARTS – BOZAR
WWW.BOZAR.BE | +32 (0)2 507 82 00

Le musée Calouste-Gulbenkian (Museu Calouste Gulbenkian en portugais) est un musée situé à Lisbonne. L’institution fut fondée selon les dernières volontés de l’homme d’affaires arménien Calouste Gulbenkian, afin d’abriter et de présenter au public ses collections privées composées de plus de 6 000 pièces dont 1 000 font partie de l’exposition permanente.

Né en 1869 à Scutari, Calouste Gulbenkian était un homme d’affaires important qui fit fortune dans le domaine des industries pétrolières. Collectionneur d’une sensibilité et d’une connaissance exceptionnelles, il vécut les treize dernières années de sa vie à Lisbonne où il décéda en 1955. Manifestant le souci de voir les œuvres d’art qu’il avait rassemblées pendant près de quarante ans réunies sous un même toit, il institua une fondation portant son nom, dont les statuts furent approuvés en 1956. Situé à l’intérieur de l’un des plus beaux parcs de la capitale portugaise, le Parc de Santa Gertrudes, à l’intersection des avenues Berna et António Augusto de Aguiar, le Musée Calouste Gulbenkian fut inauguré en 1969. Le bâtiment, signé Atouguia, Cid et Pessoa, constitue une référence de l’architecture muséologique portugaise, avec de nombreuses ouvertures vers l’extérieur, permettant au visiteur d’établir un dialogue permanent entre la nature et l’art.
Visite virtuelle

En 1983 a été adjoint au musée un centre d’art moderne qui a été pendant de nombreuses années le seul d’importance au Portugal. Aujourd’hui encore, il joue un rôle important en organisant des rétrospectives et en soutenant l’activité artistique. On peut y découvrir quelques-uns des maîtres de la peinture portugaise des années 1910 à nos jours comme Eduardo Viana, Amadeo de Souza-Cardoso ou José de Almada Negreiros dont le musée conserve le célèbre Portrait de Fernando Pessoa au café Irmãos Unidos.

La répartition et l’articulation des galeries d’exposition permanente, toutes situées au premier étage, autour de deux patios, ont été orientées par une systématisation chronologique et géographique qui a été à l’origine de deux circuits indépendants correspondant aux deux époques traitées par le musée : le premier circuit est consacré à l’art classique et oriental (Égypte, Mésopotamie, arts d’Islam, Arménie…) tandis que le second est consacré à la sculpture et la peinture européenne, du XIe au XXe siècle.

L’éclectisme de l’ensemble reflète les préférences du collectionneur, qui s’est laissé guider en permanence par ses goûts personnels.
Le circuit se déploie à travers les galeries réservées à l’Égypte, à la Grèce et à Rome (en passant par l’Assyrie), à l’Orient islamique ainsi qu’à l’Extrême-Orient.

Les œuvres de la première salle témoignent de différents moments historiques et artistiques de la civilisation égyptienne, de l’Ancien Empire jusqu’à l’Époque romaine. L’art égyptien est représenté notamment par une riche collection de statuettes et de statues funéraires polychromes, une barque solaire en bronze (Djedher) de la XXXe dynastie et un masque de momie en argent doré. Des témoignages de l’art mésopotamien et gréco-romain, et en particulier une sélection de monnaies grecques et de médaillons d’Aboukir suivie d’un monumental bas-relief assyrien en albâtre provenant du palais de Nimrud (IXe siècle av. J.-C.), sont exposés dans la galerie suivante. On peut également admirer une tête féminine en marbre blanc attribuée au sculpteur grec Phidias (Ve siècle av. J.-C.)

C’est peut-être en raison de ses origines que Calouste Gulbenkian révéla un intérêt particulier pour la production artistique de l’Orient et acquit de nombreux objets : des céramiques, des tapis, des tissus, des enluminures, des reliures et des lampes de mosquée. Ces pièces qui reflètent les tendances les plus variées des arts perse, turc, syrien, caucasien, arménien et indien, du XIIe au XVIIIe siècle, sont exposés dans la galerie de l’Orient islamique avec un choix exceptionnel de faïences d’Iznik ornées de tulipes, de jacinthes ou d’œillets, de tapis turcs et persans, de lampes de mosquées émaillées du XIVe siècle.

À la fin de ce circuit se trouve la galerie d’art de la Chine et du Japon, avec un grand nombre de porcelaines, de pierres dures, d’objets laqués et de tissus. Le mécène était attiré par les estampes japonaises,

les paravents laqués et la porcelaine chinoise des périodes tardives (XVIIe et XVIIIe s), caractérisée par des motifs décoratifs très colorés et assez exubérants (lions, dragons verts, etc.).

Le second parcours est consacré à l’art européen, avec des sections présentant des livres manuscrits enluminés, des ivoires, des peintures, des sculptures, des médailles, des tapisseries et des tissus, ainsi que des pièces de mobilier, d’orfèvrerie et de verrerie. Ces objets illustrent les manifestations artistiques qui se sont affirmées dans différentes régions, du XIe siècle jusqu’à la moitié du XXe siècle.

Cette section débute par un ensemble d’ivoires français du XIVe siècle et de livres manuscrits enluminés, suivis d’une sélection de sculptures et de peintures du XVe au XVIIIe siècle. L’école flamande est représentée par Jean de Liège, Rogier van der Weyden et Dirk Bouts. Les artistes italiens sont illustrés par Domenico Ghirlandaio (Portrait de jeune fille), des vues de Vittore Carpaccio, Giovanni Battista Moroni. Le XVIIe siècle est surtout représenté par des peintres du Nord : Frans Hals, Jacob van Ruisdael et pour terminer, Rembrandt (Portrait de vieillard) et Pierre Paul Rubens avec le Portrait d’Hélène Fourment que Gulbenkian acquit en 1925 au musée de l’Ermitage de Leningrad, à une époque où le gouvernement soviétique, friand de devises, vendait les collections réunies par Catherine II de Russie.

L’art européen de la période de la Renaissance est illustré par des tapisseries de Mantoue et de Bruxelles, par une petite collection de médailles de grande valeur, comprenant un ensemble considérable d’œuvres de Pisanello, par un nombre restreint de livres imprimés, ainsi que par un ensemble de sculptures parmi lesquelles on distingue les œuvres d’Antonio Rossellino et d’Andrea della Robbia.

Calouste Gulbenkian, qui vécut longtemps à Paris, voua une attention particulière à l’art français qui occupe une place d’honneur dans les salles du musée. Les galeries du XVIIIe siècle réunissent des peintures de Nicolas de Largillierre, de Louis-André-Gabriel Bouchet (Cupidon et les Trois Grâces), d’Hubert Robert (deux études représentant les jardins de Versailles), de Jean Honoré Fragonard, de Nicolas-Bernard Lépicié, de Marc Nattier, de Maurice Quentin de La Tour, de Nicolas Lancret (Fête galante) ainsi qu’un petit tableau d’Antoine Watteau, entre autres.

On trouve également des sculptures de Jean-Baptiste II Lemoyne, de Jean-Baptiste Pigalle, de Jean-Jacques Caffieri et de Jean-Antoine Houdon, auteur de la statue en marbre « Diane », l’un des chefs-d’œuvre de la collection. On peut également admirer des tapisseries provenant des manufacture des Gobelins, de Beauvais et d’Aubusson ainsi qu’un ensemble de meubles des époques Régence, Louis XV et Louis XVI créés par des artistes tels que Charles Cressent, Jean-François Oeben, Jean-Henri Riesener, Georges Jacob, Martin Carlin et Claude Séné. Les collections se composent également de pièces d’orfèvrerie, œuvres des meilleurs orfèvres français tels que François-Thomas Germain, Antoine-Sébastien Durant, Louis-Joseph Lenhendrick, Jacques Roettiers et Henry Auguste ainsi que des porcelaines de Sèvres.

Le XVIIIe siècle est également mis à l’honneur dans l’espace spécialement consacré au grand peintre vénitien Francesco Guardi, avec 19 tableaux représentant des vues (vedute) et des « caprices » qui mêlent architectures réelles et imaginaires, exécutés à partir de 1760. Cet ensemble, unique au monde, illustre Venise à l’époque de sa splendeur, de ses fêtes opulentes et de ses régates sur fond de lagune ou de Grand Canal. Une de ses vedute s’inspire notamment du projet de Andrea Palladio pour le second pont sur le Rialto.

La salle réunit également des exemplaires des portraitistes anglais les plus réputés, comme Thomas Lawrence et Thomas Gainsborough. Joseph Mallord William Turner (Quillebeuf, Le Naufrage), avec ses motifs marins et précède les dernières salles du musée où se trouve exposé l’art du XIXe siècle. Très sensible à la nature, Gulbenkian collectionnait les peintures de l’École de Barbizon, avec des œuvres de Jean-Baptiste Corot, de Jean-François Millet, de Stanislas Lépine, de Théodore Rousseau, de Charles-François Daubigny et de Henri Fantin-Latour. Le courant impressionniste est représenté par des œuvres d’Eugène Boudin, d’Édouard Manet (La Bulle de savon), d’Auguste Renoir, de Claude Monet ou d’Edgar Degas (Autoportrait).

On peut également citer le préraphaélite Edward Burne-Jones avec Le Miroir de Vénus (1871)

Dans la collection Gulbenkian, la vision artistique du XIXe siècle est soulignée par la présentation de sculptures de Jean-Baptiste Carpeaux, Antoine-Louis Barye, Jules Dalou, Auguste Rodin.

La visite du musée s’achève dans la salle 12 consacrée à l’Art nouveau où est présenté un ensemble de bijoux, parures, verreries, ivoires de René Lalique, considéré unique au monde. Lalique fut l’unique artiste moderne dont Calouste Gulbenkian devint le client et l’ami ; il acquit 169 de ses créations entre 1895 et 1937.

Ce musée est une pure merveille, entouré d’un parc où il fait bon flâner

 

au Bozar de Bruxelles jusqu’au 22.05.2016
Daniel Buren, artiste français de renommée internationale est connu pour ses interventions in situ, caractérisées par la présence d’un motif récurrent constitué d’une alternance de bandes blanches et colorées. Le caractère spécifique et la nature souvent éphémère des travaux de Daniel Buren (80% de ses oeuvres n’existent plus !) rendent impossible l’idée d’une rétrospective classique de son oeuvre.

Avec cette exposition intitulée Une Fresque, Daniel Buren propose une réponse originale à cette problématique. Cette exposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et des oeuvres choisies de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle. Ces artistes qui ont marqué son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu’à Pierre Huyghe et bien d’autres.

En outre, une oeuvre spécifique, sous la forme d’un film réalisé par l’artiste, propose un vaste panorama de ses travaux des années ’60 à nos jours, et plus particulièrement de ses interventions éphémères. Cette véritable ‘fresque’ aux multiples écrans est constituée d’images d’archives, d’extraits de films, de commentaires et d’interviews…
En marge du circuit d’exposition, Daniel Buren va réaliser une intervention dans le Hall Horta en relation avec l’architecture du Palais des Beaux-Arts.
Daniel Buren a conçu et imaginé Une Fresque spécifiquement pour les espaces du Palais des Beaux-Arts, en collaboration avec le commissaire Joël Benzakin.
Cette exposition se veut une étape incontournable dans le parcours récent de Daniel Buren.

Daniel Buren a également à son actif des oeuvres permanentes, conservées dans des collections publiques et privées les plus prestigieuses. L’une des plus célèbres étant Les Deux Plateaux (1986), une gigantesque installation de 3000 m² dans la cour d’honneur du Palais-Royal, à Paris. Il a ainsi investi, entre autres, le Centre Georges Pompidou en 2002, le Guggenheim de New York en 2005, et plus récemment, la nef du Grand Palais lors de Monumenta 2012.

Depuis 1967, Daniel Buren utilise pour ses interventions un motif récurrent inspiré des stores des magasins et bistrots parisiens : une alternance de bandes verticales blanches et colorées, chacune d’une largeur de 8,7 cm. L’artiste cherchait un signe, un outil visuel, capable de s’imposer dans et en dehors du musée. La rue ou les espaces d’exposition de toute nature sont ainsi devenus ses lieux d’intervention privilégiés, les bandes alternées n’ayant de signification que par le rapport qu’elles entretiennent avec le site où elles sont installées. L’erreur serait de ne les considérer que pour elles-mêmes, car elles ne sont qu’un moyen destiné à révéler un lieu et opérer le nécessaire déplacement du regard voulu par l’artiste.

Cette exposition est avant tout construite à partir du point de vue de l’artiste, de ses réponses particulières à la possibilité – compte tenu des exigences de son travail – de
« figurer » une traversée, un parcours dévoilant les relations qu’il entretient avec son époque et les différentes tendances de l’art, ou plus largement de la culture, qui ont intéressé ou influencé sa pratique. Travaillant in situ, Daniel Buren continue d’affirmer sa spécificité au travers de nombreuses interventions, la plupart du temps éphémères, qui constituent la majorité de ses travaux. Comment, dès lors, rendre compte de la richesse de ses réalisations et de leurs rapports aux contextes de leurs apparitions, qu’elles soient éphémères ou pérennes ? Cette simple question a immédiatement soulevé les problèmes posés par l’idée d’une rétrospective et de son impossibilité, comme l’avait très bien montré son exposition au Centre Georges Pompidou, « Le Musée qui n‘existait pas », en 2002.
Une Fresque cherche à répondre, d’une manière active, non chronologique et comme souvent, surprenante, à ces questions. Construite autour d’un dialogue entre l’artiste et le commissaire de l’exposition, Joël Benzakin, elle s’articule autour de deux grandes propositions : une ‘exposition collective’ et un film.

Cette exposition de Daniel Buren constitue donc une étape incontournable pour une plus large compréhension de son travail, des enjeux esthétiques qu’il affirme et de la richesse insoupçonnée de ses nombreuses réalisations permanentes et éphémères dont la mémoire ne nous était jusqu’alors accessible qu’au travers de nombreuses publications.
Cette grande ‘fresque’ des travaux de Daniel Buren va permettre de mieux entrevoir la diversité, l’intelligence, la générosité et l’importance de son oeuvre.
Une « Exposition collective »

La quasi-totalité du parcours de l’exposition et des espaces qui lui sont attribués accueille un choix d’oeuvres, non exhaustif, de plus de 70 artistes du XXe et XXIe siècle, sélectionnées et disposées par Daniel Buren. Cette proposition est conçue comme une traversée visuelle et temporelle au cours de laquelle Daniel Buren instaure un dialogue entre son travail et les oeuvres sélectionnées. Elles ont marqué d’une manière ou d’une autre son propre parcours artistique, de Paul Cézanne, Fernand Léger à Pablo Picasso, en passant par Jackson Pollock, Sol LeWitt jusqu’à Pierre Huyghe et bien d’autres.
                                                     Sophie Calle
Daniel Buren :
« Chaque choix – celui d’un artiste et celui d’une oeuvre précise – a été décidé en suivant une ligne directrice articulée autour de mon propre parcours d’artiste. Je parle donc ici en termes d’admiration, d’influence, de rapprochement, d’interrogation, de stimulation et de projection, en traversant l’histoire de l’art de ces 150 dernières années. Toutes les oeuvres représentent des étapes essentielles dans ma pratique, aucune n’est anodine ou aléatoire, et je me permets d’insister sur l’apport essentiel que constitue chacune d’entre elles dans l’exposition ».

Le film
Le second axe important de cette exposition est constitué par un film de Daniel Buren, qui est à la fois document et oeuvre à part entière. Le film réunit une très large sélection de ses interventions, depuis le début de sa carrière jusqu’à aujourd’hui, au travers d’une minutieuse sélection d’images de ses travaux et de leur contexte, d’archives audio-visuelles d’expositions, d’entretiens, d‘interviews, de débats, d’extraits de films sur Daniel Buren, d’archives sonores, radiophoniques, de commentaires et d’interviews actualisés de personnalités de différentes disciplines parlant de leur rapport aux oeuvres de Daniel Buren. Un film qui est présenté comme un mur d’images où se croisent, sans brouhaha, une multitude d’images, fixes et animées, de paroles et de sons ; le déroulement d’un parcours artistique, vu par son auteur et ouvert simultanément à d’autres points de vues : par analogie, une véritable ‘fresque’.

Daniel Buren : « Le film qui s’intitulera ‘Une Fresque’, sera la première tentative de mettre en images une sorte de rétrospective la plus complète possible de mon travail depuis les années 60 à aujourd’hui. Comme j’ai déjà effectué plus de 2.600 expositions, il ne s’agira pas d’être exhaustif, mais de remettre en mémoire une majorité d’oeuvres détruites et permettre ainsi une perspective cohérente et la plus complète possible, aux spectateurs. Ce film comportera des images d’archives, des entretiens (anciens) et d’autres réalisés spécialement pour ‘Une Fresque’, des extraits de films, des extraits de vidéos, et tout autant d’images, de sons, s’étendant sur plus d’une cinquantaine d’années de travail… »
Performance ‘Couleurs Superposées’

23 avril 2016
Daniel Buren présentera sa performance Couleurs superposées au Palais des Beaux-Arts lors du week-end de ART BRUSSELS (22-24 april 2016).
Couleurs superposées a été initié à Genazzano en Italie en 1982 dans le cadre du projet collectif intitulé « La zattera di Babele » (Le radeau de Babel).
Travail réalisé en public, d’une durée d’une heure, et composé d’actions successives de collage et de décollage. Pendant une quarantaine de minutes, cinq acteurs collent sur un mur des papiers rayés de blanc et de couleurs en suivant les instructions de l’artiste et en faisant se superposer exactement les bandes blanches. Les spectateurs découvrent des couleurs et des formes qui apparaissent puis disparaissent lors de chaque nouvelle superposition. Durant les vingt autres minutes, les acteurs, toujours en suivant les indications de l’artiste, déchirent les papiers qui viennent d’être collés, faisant réapparaître les couches précédentes par fragments. Les spectateurs sont les témoins de l’évolution du travail, sur un tableau qui n’est jamais fini et dont les différentes étapes ne sont retenues qu’en souvenir.

 BOZAR Palais des Beaux-Arts,
Rue Ravenstein 23 , 1000 Bruxelles
Ouvert : Mardi à dimanche, 10h > 18h (Jeudi : 10h > 21h)
Fermé : Lundi
Tickets: € 12-10 (BOZAR-friends)
Combitickets:
Daniel Buren + Theo Van Doesburg : € 16-14 (BOZAR-friends)
Comme un jeu d’enfant Daniel Buren à Strasbourg

à la Fondation Fernet Branca jusqu’au 27 mars 2016



Si la vue de torses nus masculins des Muses de Didier Paquignon, dans l’âge mûr vous interpelle, voire vous renvoie à votre propre déclin, la bonne solution est de vous limiter
au rez-de-chaussée du musée. (encore que vous auriez tort !)
L’approche féminine du dessin du corps donne une résonance particulière plus tendre et vient en contrepoint de l’exposition joyeuse des corps d’hommes semi-vêtus de Didier Paquignon, au premier étage.
Pierre Jean Sugier y a réuni 3 artistes dont la créativité avec des techniques anciennes,
prennent des chemins vers des formes rayonnantes, par le dessin, la broderie, l’aquarelle.
Métamorphoses est la glorification du corps, par ses fragments, ses traces, son langage,
dans l’espace temps, son évocation.
C’est la rencontre de trois artistes femmes, chacune dans la spécificité de son art.

L’idée de Pierre Jean Sugier, directeur du centre d’art Fernet Branca, était de traiter du dessin, en réunissant 3 artistes, tout en insistant
sur le fait qu’elles sont artistes, indépendamment de la question sexuée. L’exposition
montre du dessin dans différents médium, collages, découpage, crayon, aquarelle, fusain
peinture, tissus, bois, broderie, avec des références au végétal, à l’animal.

Le titre « Métamorphoses » illustre l’importance du dessin pour ces trois artistes.
L’examen attentif de leur vision sur la nature et le corps, révèle une chimérique abstraction, n’apparaissant que par la grâce du dessin.
Au travers des corps et des plantes découpées de Frédérique Lucien, nos sens se transforment, et laissent surgir l’illusion d’un regard déformé sur la réalité. Nous sommes ici dans la matière même, celle qui aspire à laisser se confondre le sujet et sa perception. On accède ici à ces transformations, transportés par une « véritable poésie des lignes ».
Chez Gabriele Chiari, le dessin est résolument le couronnement d’une recherche d’absolu. La forme émerge du souvenir, se répandant dans la couleur, prenant corps dans le papier, par le format et au sein de l’espace. L’âme devient ici matière, on perçoit la main qui trace le trait, l’énergie du geste qui construit la pensée. L’aquarelle devient alors matière organique faite de mille et une cellules distinctes. Elle se fonde dans une entité, et semble se réaliser sous nos yeux comme une alchimie corporelle et physiologique

La pratique de l’aquarelle de Gabrielle Chiari, est à la manière de Pénélope, déterminée à avancer le jour, pour mieux défaire la nuit et recommencer le lendemain. La contemplation de paysages floraux est une source indirecte pour elle, ainsi que l’usage dans sa pratique de vaporisateurs, d’arrosoir, de tuyaux en tous genres.

.Véronique Arnold, quant à elle, enrichit son œuvre par la construction d’installations reliant entre eux objets, contenus conceptuels, poésies, dessins…
Nous entrons ici dans un univers linguistique et charnel, d’où émerge le dessin appliqué sur des papiers uniques et rares, ou à même des broderies précieuses, symboles de la protection d’un corps absent, et pourtant si présent.

 

Le travail de Frédérique Lucien peut-être considéré comme la colonne vertébrale de l’exposition, les aquarelles de Gabrielle Chiari dans le geste, et les traces dans les broderies de Véronique Arnold, s’unissent et interrogent l’intime du corps, on a déjà vu son travail délicat érudit et poétique, évoquant le mythe du potier Dibutade, et de sa fille dans l’exposition « Dessins d’ombres » au musée des beaux Arts de Mulhouse

Pierre Jean Sugier souhaitait passer de l’abstraction à la figuration, moyennant ce lien.
Très vite le travail présenté dépasse la simple utilisation de technique et vient déborder sur
la sculpture, la céramique et l’installation.
Le geste de l’artiste portant son regard sur le monde, son observation, le souvenir, la forme, la définition du dessin.
En réunissant ces 3 artistes, c’est une façon d’ouvrir le regard, de permettre le dialogue entre elles, d’enrichir le regard.

Ouverture :
Du mercredi au dimanche 13h-18h
de plus amples détails sur Bâle en français
Découverte de l’exposition «Métamorphoses» à la Fondation Fernet Branca de Saint Louis grâce à une visite guidée en compagnie de son directeur Pierre-Jean Sugier. Fondation Fernet Branca
68300 Saint-Louis
Office de Tourisme du Pays de Saint-Louis Huningue
Renseignements :
03 89 70 04 49
Horaires : Dimanche 20 Mars 2016 à 9h45
Tarifs : 20€ sur réservation
Attention, places limitées, inscription obligatoire à l’Office de tourisme du Pays de Saint-Louis.

La Collection Frieder Burda compte de nombreuses œuvres où figurent des arbres, ou qui ont pour sujet la forêt.

Sa situation au cœur d’un parc, dans la Lichtentaler Allee, son architecture emblématique qui réserve un rôle à la nature environnante dans toutes les expositions, font du Musée Frieder Burda un lieu pratiquement prédestiné à montrer des œuvres abordant ce thème.
Il est intéressant d’observer la diversité des approches de ce sujet par les différents artistes et la manière tout à fait individuelle dont chacun d’eux s’exprime sur la toile.
L’arbre a de tout temps été un sujet chargé d’un fort poids symbolique, il fascine l’homme et invite tous les artistes, que ce soit dans la poésie, la musique ou les arts plastiques, à s’intéresser à lui.
Dans les arts plastiques, le travail que Piet Mondrian a consacré pendant des décennies au thème de l’arbre permet de suivre l’évolution de l’impressionnisme à l’abstraction. La nature de l’arbre, sa verticalité, ses ramifications horizontales conduisent comme sous le coup d’une logique irréfutable aux célèbres grilles modulaires du peintre néerlandais.
Joseph Beuys agit lui différemment. En 1982, il plante 7000 chênes dans l’espace urbain de Kassel lors de la documenta 7, afin que cette intervention écologique et artistique modifie durablement le milieu urbain.
En 1998, Christo et Jeanne-Claude réalisent le projet « Wrapped Trees » et enveloppent pour plusieurs semaines 178 arbres à proximité directe de la Fondation Beyeler. Le regard est ainsi comme arrêté, ce qui accorde alors aux arbres une attention jusqu’ici inégalée.

Les œuvres ayant pour sujet l’arbre qui ont été choisies ici dans la
Collection Frieder Burda permettent elles aussi d’identifier des approches et intentions tout à fait distinctes selon les artistes.
Dans la série de Gerhard Richter réalisée en 1991, comme chez Piet Mondrian, on peut suivre le passage de la représentation figurative au croquis coloré purement abstrait. Il est intéressant de constater, si l’on suit le numérotage du catalogue raisonné, que les travaux intitulés « croquis » ont contrairement à ce que l’on pourrait supposer, été réalisés après le seul tableau figuratif de la série « Bühler Höhe ».

« Tree of Life » de Sigmar Polke figure avec l’ironie qui caractérise cet artiste la fusion symbolique de l’homme et de l’arbre. L’Homme sous forme d’Arbre. Imperturbable, enraciné. La cime de l’arbre est une face (lunaire) humaine, le cycle de la vie n’est pas encore achevé : il s’agit bien d’un arbre de vie.

Chez Baselitz, la forêt, décor typiquement allemand, s’alourdit d’une dimension historique.
« Der Wald auf dem Kopf » (La forêt sur la tête) fut en 1969 son premier tableau en motif inversé, et à une époque où l’on voulait prendre ses distances avec la génération précédente et son pesant passé politique, la « forêt germanique » était associée à la propagande nazie. Dans les tableaux de Baselitz faisant partie de la
Collection Frieder Burda, le groupe de frênes « Eschenbusch II » barre le chemin, tandis que les fourrés de « o.T. (Wald) » restent infranchissables. Le renversement du motif ajoute à l’incertitude quant au but poursuivi. C’est ainsi que Baselitz cherchait sa voie entre l’abstraction et le figuratif.

Les œuvres de

, Axel Hütte et Susanne Kühn sont un exemple de la conception peut-être typiquement allemande de la forêt romantique et idéalisée. La vue d’une forêt entière (de conte de fées) éveille immédiatement chez le spectateur des associations et des souvenirs différents de celle d’un arbre unique.

Ce n’est pas la représentation lourde de symboles d’un arbre en particulier qui est ici mise en avant, mais bien plus une atmosphère particulière. On entend le craquement des branches, l’odeur de la mousse flotte dans l’air… mais peut-être finit-on par ne plus voir la forêt à force d’arbres?
photos courtoisie musée Frieder Burda

Jusqu’au 29 février 2016 Picasso.mania est organisée au  Grand Palais Galeries nationales (entrée square Jean Perrin)
« Vous continuerez longtemps à peindre ?
– Oui, parce que pour moi, c’est une manie. »
interview à Marseille, 11 mai 1959, citée dans Picasso, Propos sur l’art, Gallimard

La vingtaine d’expositions (monographiques ou collectives) qui, depuis 1973 se sont attachées à l’étude de la postérité de l’oeuvre de Pablo Picasso témoignent de son impact sur la création contemporaine.
A la fois chronologique et thématique, le parcours de l’exposition du Grand Palais retrace les moments de la réception critique et artistique de l’oeuvre de Picasso, les étapes de la formation du mythe associé à son nom.
Des natures mortes cubistes aux Mousquetaires des expositions d’Avignon de 1970 et 1973, le parcours de l’exposition est ponctué d’oeuvres de Picasso, issues des collections du Musée national Picasso-Paris, du Musée National d’art Moderne, ainsi que des collections de la famille de l’artiste. Leur présentation s’inspire des accrochages réalisés par l’artiste dans ses ateliers, et des expositions qu’il a lui-même supervisées

(Galerie Georges Petit à Paris en 1932, Palais des Papes à Avignon en 1970 et 1973).
Aux grandes phases stylistiques (cubisme, oeuvre tardif…), aux oeuvres emblématiques de Pablo Picasso
(Les Demoiselles d’Avignon, Guernica) répondent des créations contemporaines présentées dans des salles monographiques (David Hockney, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Martin Kippenberger…) ou thématiques,
regroupant des oeuvres mêlant techniques et supports les plus variés (vidéos, peintures, sculptures, arts graphiques, films, photographies, installations…).
Les montages Polaroïd, les images vidéos multi-écrans de David Hockney font écho au cubisme de Picasso, à son exploration d’un espace polyfocal. Au début des années 60, les artistes Pop, de part et d’autre de l’Atlantique (Lichtenstein, Errό…) s’emparent des portraits des années 30 par lesquels s’est fixée l’image archétypale de la peinture de Picasso. L’Ombre (1954) est à l’origine de la série de quatre tableaux
qu’entreprend Jasper Johns en 1985 (Les Quatre saisons rassemblées, sont présentées dans l’exposition).

Témoignant de l’impact de l’image publique de Picasso sur l’imaginaire des artistes du XXe siècle, à deux reprises, en 1988 et en 1995, Martin Kippenberger interprète les portraits photographiques de Picasso et de Jacqueline réalisés par David Douglas Duncan.
Les variations, inspirées par Les Demoiselles d’Avignon et par Guernica, démontrent la place occupée par ces peintures dans l’histoire de l’art moderne et, au-delà, dans l’imaginaire collectif (ces deux oeuvres ne sont pas présentées dans l’exposition compte tenu de leur déplacement impossible).

Acte de naissance du modernisme pictural, Les Demoiselles d’Avignon ont fait l’objet de variations, (par Faith Ringgold, Robert Colescott…), qui commentent la dimension ethnocentrée, masculine, de cette modernité dont l’oeuvre est devenu l’emblème.
D’une lecture historique de Guernica par Emir Kusturica à la révélation du rôle symbolique joué par sa transposition en tapisserie ornant les murs du conseil de sécurité des Nations Unies (Goshka Macuga, The Nature of the Beast, 2009), de l’utilisation du tableau de Picasso dans la lutte des artistes américains
opposés à la guerre du Vietnam aux manifestations de rue qui en brandissent l’image, une salle montre comment Guernica s’est muée en icône sociale et politique universelle.
Pour une exposition à la Whitechapel Gallery en 2009, intitulée The Nature of the Beast, Goshka Macuga a intégré une tapisserie de 1955, reproduction à échelle 1/1 de la peinture de Picasso contre la guerre, Guernica réalisée en 1939. Cette tapisserie avait été commandé par Nelson Rockefeller puis déposée aux Nations Unies en 1955, juste au dehors du Conseil de Sécurité au Siège de l’Organisation des Nations Unies. En 2003, elle est couverte d’un voile bleu télévisuel, lors du discours de Colin Powell sur les armes de destruction massive conduisant à la guerre en Irak. Pendant l’année que dura l’installation, Goshka Macuga a invité des associations à organiser réunions et discussions autour d’une table circulaire placée devant la tapisserie. La seule condition était qu’ils fournissent de la documentation sur leur sujet, de sorte que la collection d’archive de la Whitechapel croît de façon exponentielle

A la faveur d’expositions qui l’ont réinscrit au coeur de la création contemporaine (A New Spirit in Painting, Royal Academy of Arts, 1981) ou qui en ont éclairé le sens (Das Spätwerk. Themen :1964-1972, Bâle, 1981 ;
The Last Years, Guggenheim Museum, 1984), les oeuvres des dernières années de Picasso sont redevenues sources d’inspiration. Son éclectisme stylistique, son
« cannibalisme » des maîtres anciens, la libre facture des peintures tardives ont inspiré la génération d’artistes révélée au début des années 80 (Georg Baselitz, Jean-Michel Basquiat, George Condo, Julian Schnabel, Vincent Corpet…).
L’installation vidéo de Rineke Dijkstra, I see a Woman Crying (Weeping Woman, 2009-2010) illustre la présence de l’oeuvre de Picasso dans l’imaginaire actuel, dans ses expressions les plus variées, du cinéma aux images numériques, de la vidéo à la bande dessinée.

commissaire général: Didier Ottinger, conservateur général du Patrimoine, directeur adjoint du Musée national d’Art moderne – Centre Pompidou
commissaires: Diana Widmaier-Picasso, historienne de l’art
Emilie Bouvard, conservatrice du Patrimoine au Musée national Picasso-Paris
scénographie : agence bGc studio, Giovana Comana et Iva Berthon Gajsak
ouverture : Lundi, jeudi et dimanche de 10h à 20h.
Nocturne le mercredi, vendredi et samedi de 10h à
22h. Fermé le mardi.