Vue de l’entrée de l’exposition photo elisabeth Itti
Lewis Carroll et les surréalistes au Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg – MAMCS et
Illustr’Alice au Musée Tomi Ungerer (à venir sur mon blog)
les 2 expositions jusqu’au 26 FÉVRIER 2023
Commissaire : Barbara Forest, conservatrice en chef du Patrimoine au MAMCS
et Fabrice Flahutez, professeur à l’Université Jean-Monnet de Saint-Etienne, spécialiste du surréalisme.
Scénographie de l’exposition : Martin Michel
Identité visuelle de l’exposition : TANDEM
En guise de préambule à l’exposition SurréAlice, l’artiste anglaise Monster Chetwynd fait pénétrer le visiteur dans la gueule d’un chat monumental au sourire du Cheschire. Réinventant le pays des merveilles dans un décor du cabaret de l’enfer à Paris dont l’étage servait de lieu de réunion des surréalistes pour les célèbres séances de sommeils médiumniques, elle invite le spectateur à franchir un seuil. Inquiétant pour certains, enivrant pour d’autres, ce passage prend la forme de la tête d’un animal, suggérant d’emblée les changements de points de vue, de langage et de rapports aux temps et à l’espace qui vont s’imposer dans l’exposition comme c’est également le cas chez Carroll.
Lewis Carroll : miroir magnétique des surréalistes
La première traduction d’Alice’s Adventures in Wonderland en français suit de très près sa publication en anglais (1865). Il faudra cependant attendre les années 1930 pour qu’Alice in Wonderland fasse pleinement son entrée dans la culture française à la fois comme un classique de la littérature jeunesse et comme une référence chez les avant-gardes. Alice in Wonderland est en effet publié dans pas moins de dix traductions pour enfants entre 1930
Dorothea Tanning
Le pays des merveilles
Dorothea Tanning, Petite Musique de Nuit 1943
Courtesy Tate Collection
«Tranchons-en : le merveilleux est toujours beau, n’importe quel merveilleux est beau, il n’y a même que le merveilleux qui soit
André Breton, le manifeste de 1924
beau ».
La recherche du merveilleux par tous les moyens est donc au coeur des préoccupations du surréalisme. Il est à la fois la manifestation de la beauté, mai
également, et comme l’indique Aragon, de la liberté. À la source du merveilleux, il y aurait l’inconscient, s’exprimant à travers le rêve et que les surréalistes ont à charge de convoquer.
Le dépaysement associé au rêve et au merveilleux trouve dans le récit d’Alice in Wonderland, un terrain d’expérimentation et d’investigation unique. Chaque chapitre est une rencontre cocasse dans une situation inattendue avec des animaux et des fleurs, bouleversant la partition des règnes, le darwinisme, le naturalisme et la Genèse.
Les surréalistes se passionnent pour les cabinets de curiosité et collectionnent un bestiaire insolite ou bariolé, chiné dans les marchés aux puces et brocantes. Dans La Maison de la peur de Leonora Carrington, les gravures de Max Ernst révèlent des personnages mi-homme-mi-cheval tandis que Rachel Baes invite les visiteurs de son exposition avec une image de chauve-souris, son portrait métaphorique.
Les spécimens de la collection du Musée Zoologique de Strasbourg choisis suivant les espèces présentes dans les récits de Lewis Carroll, du crocodile au lapin et du chat au flamant rose entre autres, rappellent cet engouement commun pour une nature productrice d’affect poétique et de rêveries d’ailleurs.
Le corps imprévu
Les surréalistes n’ont pas seulement été séduits par la forme narrative et onirique des récits de Lewis Carroll. Ils ont également trouver dans la figure d’Alice l’incarnation de la femme-enfant mais aussi du corps en perpétuelle métamorphose. À la fois jeune, innocente, naïve mais aussi révoltée, effrontée, combattive et joueuse, Alice sera une figure tutélaire de la plasticité des corps et de l’esprit. Elle est, en ce sens, une source d’inspiration et de transgression des identités.
Claude Cahun multiplie les mises en scène où le déguisement et le travestissement lui permettent d’interroger la question du genre. De jeunes artistes femmes, comme Leonora Carrington, Alice Rahon ou Gisèle Prassinos, sont même surnommées du nom de l’héroïne de Lewis Carroll. Cela traduit l’attachement du groupe à ce personnage à la fois réel et fictionnel. À la muse, la diabolique, ou à l’incarnation d’Eros, ils ajoutent la femme-enfant, amie des animaux et de la nature. Leonora Carrington et Dorothea Tanning réagissent chacune à leur manière à cette personnification, plaçant la femme-enfant dans un univers plus angoissant que merveilleux. Au jeu des faux-semblants, le miroir de Lewis Carroll prodigue aux surréalistes, à commencer par Aragon, un formidable instrument de dédoublement et de déformation du corps, mais aussi de réflexion sur la volatilité du réel et de ses représentations. 
Magritte et Paul Nougé exploitent ses effets subversifs, confondant le reflet du réel, ses systèmes de représentation et ses apparences. Enrico Baj utilise des brisures de miroir comme autant de ruptures dans l’intégrité du corps. Le miroir, objectivation de la présence, sera aussi du côté de l’inconscient et la traversée du miroir est synonyme de mise en évidence des zones cachées de l’inconscient et de la psychanalyse et notamment dans la figure du rétracté de Brauner.
Enrico Baj
Le non-sens et l’absurde
Chez Lewis Carroll comme chez les surréalistes, les écarts entre le réel et sa représentation se doublent d’un écart entre les choses et leur nom. Lewis Carroll, qui est avant tout un spécialiste de logique mathématique et d’algèbre à Oxford, a un goût immodéré pour le travail sur le langage. Certains textes sont des morceaux d’anthologie de mots-valises et de créations langagières étonnantes. Les exemples sont nombreux. Lorsqu’Alice parle trop vite, fait des erreurs et veut se corriger, la Reine lui lance :
L’ÉCOLE DES MODERNITÉS À L’INSTITUT GIACOMETTI
«C’est trop tard. Une fois que l’on a dit quelque chose, cela se fixe par là-même et l’on doit en subir les conséquences».
Le non-sens apparaît cependant avec le plus d’évidence dans La Chasse au Snark, Une agonie en huit chants,
Victor Brauner, le poichat qui navole 1964
récit sous forme de poème publié en 1876. Les personnages, menés par l’Homme à la cloche, et dont les noms commencent tous pas un B, cherchent une créature dangereuse, le Snark, sans savoir à quoi elle ressemble. La genèse du poème est « absurdement » performative. Carroll est en effet parti du dernier vers (« Parce que le Snark était un Boojum, voyez-vous »), puis il a inventé son histoire en remontant vers le début. La fin est donc dans le commencement.
L’absurde, arme douce de la contestation du régime victorien, inspire les artistes et les poètes surréalistes. Le non-sens, incessant, plaît à ceux qui aspirent à un renouvellement complet de l’entendement et au démembrement du langage. De 1927 à 1931, Magritte réalise la majeure partie de ses « peintures à mots ». L’orthodoxie de la langue et de ses usages conventionnels y sont systématiquement remis en cause.
Roland Topor Alice à la Neige – Marcel Duchamp le Trébuchet
Des langues sont imaginées par Brauner et Duchamp excelle en jeux de mots et jeux d’esprit dans ses notes comme dans ses titres. Le non-sens qui naît parfois des télescopages de sonorités de mots incongrus réunis dans une phrase produit un humour caustique, voire noir qui formera le terreau sur lequel s’enracine le surréalisme. Dans L’Anthologie de l’humour noir, c’est le chapitre du « Quadrille des Homards » qui est sélectionné par Breton pour évoquer Lewis Carroll. Roland Topor 
n’hésite pas à placer Alice et ses amis dans une improbable classe de neige tandis que Marcel Duchamp conçoit le Trébuchet, qui n’est qu’un portemanteau mural posé à même le sol, pour induire la chute du visiteur distrait. Le titre et l’objet jouent ensemble de double-sens, de quiproquos drôles et ludiques à la manière des mots-valises de Carroll.
Et pour échapper à l’atmosphère de la France de Vichy, c’est le jeu de cartes, à jouer ou divinatoire, qui va être la principale activité des stratagèmes collectifs. Assignés à la Villa Air-Bel près de Marseille, les surréalistes reprennent le jeu du tarot et le transforment, élisant Alice comme une figure du jeu.
Lise Deharme la Dame de Pique ^
Des publications
SurréAlice
ISBN : 9782351252123
Prix envisagé : 35€
Pagination : environ 304 pages
Date de parution : 17/11/2022
Illustr’Alice
Introduction (Thérèse Willer)
Alice illustrée en France (Thérèse Willer)
Alice au pays de la caricature britannique (1865-2020) (Brigitte Friant-Kessler)
Informations pratiques
Musée d’Art moderne et contemporain (MAMCS)
1 place Hans-Jean-Arp, Strasbourg
Ouvert tous les jours de 10h à 13h et de 14h à 18h, sauf le lundi pendant la durée de l’exposition
Ateliers, lectures etc sur . http://www.musees.strasbourg.eu/
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Aujourd’hui, le Collège des Bernardins mobilise un collectif de chercheurs – explorateurs de cette nouvelle terre – autour d’une nouvelle chaire de recherche – action – pédagogique. Leur mission est de contribuer à renouveler nos paradigmes, nos imaginaires, nos affects afin d’apprendre à 
Des phénomènes étranges caractéristiques de son travail (nuages, rochers en lévitation, flammes) semblent avoir traversé l’écran pour envahir les vastes architectures voutées représentées sur les peintures.
Une sculpture en bronze montre un enfant portant un renard. Avec la silhouette mince du personnage et ses traits simplifiés, elle rappelle les pâtres des crèches de Noël, venant offrir leur présent, muet mais terriblement évocateur.
’une emprise plus forte encore que la violence physique, elle modèle les comportements, s’inscrit comme un invariant se transmettant de génération en génération. Si la haine entre les communautés a façonné l’identité nord-irlandaise elle a aussi durablement marqué le territoire. La vie s’est créée autour des peace lines, les « murs de la paix », apparus après août 1969. Présents dans les villes, ils séparent les habitants d’un même quartier, parfois d’une même rue.
», les messages peints avertissent le visiteur qu’il pénètre dans le fief des républicains ou des unionistes. Les murs parlent. Les tags marquent l’appartenance à des groupes dissidents, témoignent des soutiens aux emprisonnés, ou dénoncent le sentiment de colonisation ressenti : Brits out! (Les britanniques dehors !).
Stephen Dock a par ailleurs rassemblé dans un livre trente-six images d’une même cellule de prison – de ses quatre murs auxquels le regard se heurte et de son espace exigu d’enfermement qui témoigne de façon implacable des conditions de détention. Le livre 36 sortit en novembre 2022.
Dans le podcast ci-dessous en écoutant l’entretien de Raymond Stoppele avec Michel Forne. – Esquisse et dialogue autour d’une oeuvre. –
En quatrième et cinquième année, aux Beaux-Arts, j’ai fréquenté l’atelier dit de gravure avec comme finalité, le Diplôme National des Beaux-Arts que j’ai obtenu en 1976.
J’aime depuis toujours le papier, tous les papiers. C’est donc mon principal support. Toutes mes peintures sont réalisées à la peinture acrylique. Avec ma façon de travailler, j’ai besoin d’une peinture qui sèche vite, donc surtout pas de peinture à l’huile.
J’ai commencé à montrer mon travail alors que j’étais encore étudiant en école d’Art. Il y a eu ensuite une période assez longue, presque vingt ans, pendant laquelle tout en continuant à pratiquer, je n’ai plus rien montré. Je n’en éprouvais pas la nécessité.
J’ai l’immense chance depuis de nombreuses années de me rendre dans cette ville que l’on appelle « laSerenissima », Venise. Cela a commencé en 1978. J’ai été durant cinq années, l’assistant de mon maître d’atelier, Robert Simon qui enseignait la lithographie à la Scuola Internazionale di Grafica di Venezia durant les cours d’été. C’était à chaque fois, trois semaines de travail et d’échanges intenses avec de nombreux stagiaires qui venaient aussi bien d’Europe, comme des États-Unis, du Brésil, du Japon.
Lithographie 3 couleurs
bibliothèque Grand Rue
Peintre, mais aussi écrivain, dramaturge et poète, Oskar 
(1904-1916) Prônant l’unité des arts, les artistes de la Sécession et de la Wiener Werkstätte (1903-1932) inventent alors à Vienne des formes douces et végétales, qui prolifèrent aussi bien en art qu’en architecture. L’irruption d’Oskar
En 1919, il obtient un poste de professeur à l’Académie des beaux-arts,
proximité des musées de Dresde. Cela lui vaut la réprobation d’artistes Dada
L’artiste tente de concrétiser ainsi un fantasme, par ailleurs
réalisent des sculptures saisissantes de réalisme grâce à des procédés techniques complexes. Le haut degré de réalisme atteint par leurs œuvres crée une illusion d’authenticité physique, et l’effet produit est si convaincant qu’il nous semble faire face à des alter ego en chair et en os. Les œuvres de ces artistes ont eu par la suite une influence déterminante sur les développements qu’a connu la sculpture au cours des cinquante dernières années. Des artistes comme Daniel Firman se sont inscrits dans le fil de cette pratique et l’ont perpétuée. Véritables miroirs de la condition humaine, ces œuvres révèlent la perception changeante de l’image de l’humain aux XXe et XXIe siècles.
La sculptrice américaine Carole A. Feuerman dont les célèbres nageuses, introverties et volontaires, semblent avoir atteint une parfaite harmonie intérieure, fait œuvre de précurseur. Par la suite, dans les années 1990, de nombreux artistes se sont mis à utiliser le style hyperréaliste de manière inédite et personnelle. Au lieu de créer l’illusion d’une corporéité parfaite, prise dans son entièreté,
ils se sont concentrés sur des parties spécifiques du corps, s’en servant pour véhiculer des messages à tonalité humoristique ou dérangeants, comme c’est le cas par exemple dans l’œuvre de Maurizio Cattelan où des bras tendus, pris isolément du corps, font référence à des événements politiques de l’histoire récente.
Vu sous un certain angle, le buste de Lily semble être un portrait entier mais lorsque nous changeons de perspective, on découvre qu’il s’agit en réalité d’un fragment. Les sculptures de Jamie Salmon, réalisés avec une minutie surprenante de détails, jouent avec l’idée d’inachevé et introduisent une rupture par rapport à l’esthétique du réalisme. À l’ère du numérique, ses corps fragmentés mettent en lumière la difficulté de distinguer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas.
En créant de grands portraits sculptés d’artistes de renom tels qu’Andy Warhol ou Frida Kahlo, l’artiste japonais Kazu Hiro crée un rapport de forte intimité avec ses personnages emblématiques. Hiro sculpte les couches de silicone de l’intérieur vers l’extérieur, et réussit ainsi à faire affleurer les émotions enfouies de ses personnages. Le piédestal supportant l’immense tête de Warhol est porteur d’une part d’ambiguïté. La stabilité et la résistance de son matériau sont altérés par sa forme, la sculpture se dissout en effet dans sa partie inférieure en un amas fluide.
Dans les années 1990, l’artiste australien Ron Mueck révolutionne la sculpture figurative avec ses œuvres aux formats inhabituels. En jouant sur l’échelle de ses personnages de manière radicale, il place l’accent sur des thèmes existentiels tels que la naissance ou la mort. Des artistes tels que Sam Jinks et Marc Sijan capturent quant à eux la fragilité de la vie à travers leurs représentations de la physionomie humaine – représentations qui, bien que de taille réduite, n’en sont pas moins incroyablement réalistes. En revanche, les œuvres surdimensionnées de Zharko Basheski produisent un effet de distanciation, qui nous force à adopter une nouvelle perspective.
Au cours des dernières décennies, les innombrables progrès scientifiques et les nouvelles perspectives induites par les communications numériques ont conduit à un changement radical de notre compréhension de la réalité. Influencés par la réalité virtuelle, des artistes comme Evan Penny et Patricia Piccinini se sont mis à observer les corps en partant de perspectives déformées. Tony Matelli quant à lui a choisi de défier les lois de la nature, tandis que Berlinde De Bruyckere questionne la mort et le caractère éphémère de l’existence humaine en présentant des corps contorsionnés. La valeur de la vie et le sens profond qui lui est attaché sont au cœur de l’approche hyperréaliste de la sculpture.
De quoi sera fait l’avenir de la sculpture hyperréaliste ? Quel pan du mouvement sera-t-il à même d’appréhender l’essence de la frontière toujours plus perméable entre l’homme et la technologie ? Dans le flot continu d’images numériques se reflètent les nouvelles formes de construction de l’identité, qui aboutissent dans les One Minute Sculptures d’Erwin Wurm, à la reproduction perpétuelle par le visiteur ou au modèle de postures défiant la raison. Des visions fictionnelles ou des réalités absurdes se substituent aux sujets issus du quotidien et permettent de mieux comprendre ce nouveau monde de l’entre-deux« hypernaturel » et jusqu’alors inconnu.
Vies silencieuses pastel
La pandémie a permis à Jacques Thomann de se poser, de réfléchir, de mettre à jour 3 ouvrages ordonnant plus de 50 années de dessins, peintures, carnets de voyages. Un travail rétrospectif qui rend compte d’une forte liberté de l’écriture picturale, de la couleurs, ainsi que des sujets des plus éclectiques. (catalogue)
Le Parlement
L’exposition du Musée Würth s’ouvre sur les origines, avec de nombreuses productions anonymes provenant pour beaucoup de fonds privés de médecins et des documents du début du XXe siècle touchant à la folie. Le corps, sujet douloureux et complexe, y est particulièrement interrogé – ce qui ne sera pas sans influencer les artistes modernes comme Georg Baselitz, ici présenté par le tableau Ira, particulièrement inspiré par les distorsions anatomiques fréquentes dans l’art brut et par certains artistes internés. Encre, mine de plomb, crayon de couleur et aquarelle sont les matériaux privilégiés.
Emil Nolde – premier artiste à intégrer la Collection Würth, dans les années 1960 – dialogue quant à lui avec des travaux art brut de Paul Goesch,(Dieu le père) victime du programme d’extermination des malades mentaux T4 mis en vigueur sous le IIIe Reich, et Theodor Wagemann (dit Theo). Cette mise en regard, qui se voulait humiliante et répressive lors de l’exposition Art dégénéré en 1937, montre ici toute la magnificence et de l’un et des deux autres.
Elle souligne la place d’importance qu’occupe la manifestation nazie dans l’histoire de l’art brut : ce fut elle qui mit pour la première fois sur le même plan des oeuvres d’aliénés, autodidactes et ignorés de tous, et des oeuvres d’artistes d’avant-garde reconnus.
Dubuffet fut celui qui sortit l’art brut des hôpitaux psychiatriques en élargissant le champ de ses prospections extra muros et en rendant visibles ses découvertes. La deuxième section de l’exposition, placée sous son nom, embrasse toute la diversité des voix à la fois uniques et marginales adoubées par le collectionneur lors des premières expositions dans l’immédiat après-guerre, et ouvre sur les générations futures. On y trouvera de nombreux tableaux : des personnages hauts en couleur d’Aloïse Corbaz, une série de Benjamin Bonjour, plusieurs pages de la saga de Henry Darger, des copies de médailles d’Émile Josome Hodinos, des silhouettes de Carlo Zinelli, et encore Sylvain Fusco, Eugène Gabritschevsky, Giovanni Battista Podestà.
En France, il admire les productions de Guillaume Pujolle, d’Auguste Forestier, d’Augustin Lesage et de Fleury Joseph Crépin. Il fait également la connaissance de Gaston Chaissac, dont la durable amitié et la relation épistolaire seront fondamentales pour sa pensée. Le projet initial de publication – un calendrier précis dès 1947 prévoit de traiter l’art autodidacte, asilaire, médiumnique, populaire, primitif, le dessin d’enfant, le tatouage et le graffiti – se transforme en une ébauche de collection, qui prendra au fil du temps valeur d’inventaire d’un art qui se cherche. Dubuffet ne sait pas encore, en allant à la rencontre des « hommes du commun à l’ouvrage », qu’il va constituer un véritable musée expérimental, personnel, proche du cabinet de curiosités regorgeant d’objets trouvés. Des objets que leurs auteurs eux-mêmes n’auraient pas imaginé conserver et réalisent sans conscience même de leur valeur artistique.
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