elisabeth – Page 169 – une dilettante

Carla = Cécilia ?

Ne trouvez-vous pas que la nouvelle épouse du président des français, Carla Bruni ressemble quelque peu au portrait de La Dame à l’hermine (Cecilia Gallerani), huile sur bois, 1488-1490. Musée de Cracovie, Pologne, peint par Léonard de Vinci ?La toile représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan, qui fut d’abord son tuteur et le protecteur de Léonard. La peinture est l’un des quatre portraits de femme peints par Léonard de Vinci, les trois autres étant le portrait de Mona Lisa, celui de Ginevra de Benci et celui de la Belle Ferronière . En dépit de nombreux dommages, elle est néanmoins en meilleur état que plusieurs autres peintures de De Vinci.
Léonard a rencontré Cecilia Gallerani à Milan en 1484, lors de l’épidémie de peste, alors que tous deux habitaient au Castello Sforzesco, le palais de Ludovic Sforza, le More. Jeune et belle, âgée de seulement 17 ans, Cecilia était la maîtresse du duc.
La légende veut que dans la Vierge aux rochers, Léonard a peint l’ange à l’image du visage de Cecilia, alors qu’elle était une inconnue pour lui. Il ne l’aurait rencontrée qu’après.
Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine. Ce pourrait être également un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay. Ou encore un élément de la mode de l’époque, la jeune femme étant représentée avec un seul collier, alors que son protecteur et commanditaire de la toile la couvrait de bijoux. À proprement parler, l’animal du tableau semble ne pas être une hermine mais plutôt un furet blanc.
La peinture a été acquise par Adam Jerzy Czartoryski, le fils d’Izabela Czartoryska et d’Adam Kazimierz Czartoryski en Italie en 1798 et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. L’inscription dans le coin haut gauche de la peinture,
« La Bele Ferioniere.Leonard d’AWinci. », a été probablement ajoutée par un restaurateur peu de temps après son arrivée en Pologne. Léonard, comme c’était l’usage à cette époque ne signait pas ses toiles. Les artistes s’incluaient dans leurs tableaux, dans la représentation d’un personnage, en général caché parmis d’autres, mais très souvent, regardant le spectateur. En 1939 elle a été saisie par les nazis et envoyée au musée Kaiser Friedrich à Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général de la Pologne, a demandé qu’elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accrocha, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la seconde Guerre mondiale, elle a été découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle est revenue en Pologne et est actuellement exposée au musée Czartoryski à Cracovie.
Le film polonais Vinci (2004) a pour sujet un vol du tableau.

Léonard De Vinci, La Dame à l’Hermine

Ce n’est pas l’histoire d’une toile mystérieuse mais plutôt celle d’un secret de fabrication. En 2014, le laboratoire parisien Lumieres Technology révèle que La dame à l’hermine de De Vinci a donné beaucoup de mal à l’artiste, qui à dû s’y reprendre à trois fois avant d’arriver au résultat que l’on connait. A l’origine, le portrait se passait de cette hermine mystérieuse, symbole politique, ajoutée puis retravaillée, obligeant le peintre à modifier la position du bras de son personnage ainsi que d’autres détails plus discrets.
Dama_1

Grünewald le Rhénan

Derniers jours à voir absolument
du 8/12/2007 au 2/3/08 à Colmar et à Karlsruhe Étrange lacune : bien qu’il figure parmi les chefs-d’oeuvre de la Renaissance, aucune exposition n’avait encore été consacrée au retable d’Issenheim. Ni même, en France, à son auteur. Comment Mathis Gothard Nithard, peintre franconien, actif dans le diocèse de Mayence, que la postérité retiendra sous le nom de Matthias Grünewald (1475/80-1528), a-t-il peint cette oeuvre hallucinante d’expressivité et de force pour les Antonins d’Issenheim ? Dans quels contextes artistique, religieux et social, une telle commande s’inscrit-elle ?
Ce sont des éléments de réponse qu’apportent le musée Unterlinden de Colmar et la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe. Le premier dispose du chef-d’oeuvre absolu de l’artiste, la seconde de quatre tableaux et un dessin – pour un catalogue raisonné limité à 25 panneaux peints, tous d’inspiration religieuse, et 37 dessins. Il convient d’emblée de lever une équivoque : il ne s’agit en rien d’une rétrospective Grünewald, quoique plusieurs originaux aient été rassemblés – la Kunsthalle réunit 9 peintures et 6 dessins, Colmar ajoute 14 dessins à son retable. Mais pour qui ira de Karlsruhe à Colmar, de Colmar à Karlsruhe, les contours de l’artiste apparaîtront plus précisément. La Kunsthalle s’attache à restituer l’esprit de ce début du XVIe siècle riche d’une nouvelle vision naturaliste de l’art – celle des Dürer, Holbein, Cranach, Altdorfer… -, tandis qu’Unterlinden se concentre sur son retable avec 50 dessins et sculptures.
Concernant ce dernier, Pantxika De Paepe, conservateur en chef d’Unterlinden, et Philippe Lorentz, historien d’art médiéval, commissaires de l’expo colmarienne, bousculent les idées reçues. A commencer par celle de la réalisation non-simultanée des peintures de Grünewald et des sculptures de Nicolas de Haguenau. Il était jusqu’alors admis que le sculpteur strasbourgeois avait travaillé en 1490, soit 20 ans avant que le peintre n’exécute ses panneaux.

« Aucune preuve convaincante n’était avancée. De telles commandes étaient toujours conçues dans leur globalité, en totale interdépendance entre sculpture et peinture », indique Pantxika De Paepe. Qui ne croit pas non plus à la version d’un Grünewald peignant à Issenheim, le regard hanté par les souffrances des malades frappés du terrible mal des ardents dont se nourrirait sa représentation du Christ en croix.
Très romantique, certes, mais il semble plus probable que Grünewald, travaillant de concert avec Nicolas de Haguenau, ait été accueilli dans l’atelier de ce dernier. Les panneaux du retable sont d’ailleurs en tilleul, très prisé des sculpteurs, quand les peintres privilégiaient l’épicéa. Grünewald se serait simplement servi auprès du sculpteur. Le retable serait donc né à Strasbourg avant d’être acheminé à Issenheim.
Avec 160 oeuvres, la Kunsthalle offre le plateau le plus conséquent, et souligne l’exceptionnelle dramaturgie du corps souffrant propre à Grünewald – Cranach ou Dürer, à côté, semblent fades. « C’est lui qui va le plus loin », observe Pantxika De Paepe. Moins tonitruante, l’exposition colmarienne se révèle émouvante : les dessins préparatoires nous font entrer dans le processus de création du peintre.
« On quitte Grünewald à jamais halluciné », écrivait Huysmans. Il n’y a là, depuis, rien à ajouter. Serge Hartmann les DNA Un magnifique catalogue intitulé « Regards sur un chef-d’oeuvre » rédigé par Pantxika De Paepe et Philippe Lorentz a été créé pour l’occasion, j’ai eu le plaisir d’avoir une dédicace très personnelle de la part de l’auteur. curieusement c’est Lucifer l’ange déchu
qui a été choisi pour la 1e de couv,
cela change des madones de la renaissance
quoique celle de Grünewald soient belles

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Commentaires1. Le 10 décembre 2007 à , par lobitahallucinante d’expressivité et de force…
ce sont des paroles qui conviennent parfaitement à l’oeuvre de ton artiste..

.2. Le 11 décembre 2007 à , par elisabeth« Pantxika De Paepe. Qui ne croit pas non plus à la version d’un Grünewald peignant à Issenheim »
Pourtant j’ai vu de mes yeux dans l’ancien couvent des Antonins, l’endroit même, où Grünewald aurait peint le retable, c’est suffisament haut de plafond, pour que l’on puisse y croire

.3. Le 24 février 2008 à , par elisabethwww.latribunedelart.com/E…

Courbet c'est du c*l ?

Courbet c’est du c.l ?

Voilà la conversation que tenaient mes voisins de table, dans un bistrot des Champs Elysées,
Le premier :
– J’ai vu Courbet avec ma copine
L’autre ;
– Et tu as aimé ?
– non pas trop
– pourtant c’est du cul non ?

Courbet ce sont de superbes nus en effet, grandioses,

la femme à la vague, la femme au perroquet, la bacchanale, les 2 amies, tout le monde connaît l’origine du monde, et ses tribulations, on a pu voir les 2 toiles qui servaient de cache à Khalil Bey et à Jacques Lacan. Mais pas seulement, il se frotte aux scènes de genre, à la nature morte, au portrait, à toutes les catégories académiques pour mieux les transgresser. Son « Enterrement » relève autant du portrait de groupe que de la scène d’histoire, on pense à David. Son « Atelier » allie l’allégorie et le manifeste. Ce qui est absolument formidable c’est que l’on peut observer ces 2 immenses toiles à loisir, alors qu’à Orsay il faut tendre le cou de façon démesurée.
On est saisi par la véracité de sa peinture devant les

« Vagues » par le choix des matières. Ces paysages de la Loue, pour qui connait la région, sont si authentiques, presque abstraits, se rapprochant quelque peu des toiles d’Anselm Kiefer, ayant parcouru longuement cette région, j’en étais émue. Elles évoquent par leur facture l’Origine du Monde

La belle irlandaise, Jo aurait pu poser pour l’origine du monde,

avec sa chevelure flamboyante, rappelant les belles rousses de JJ Henner, allégorie de la vanité avec son miroir, emblème du doute de soi ? Il ne s’est jamais désaisi d’une des versions de ce portrait.
Je me souviens d’une exposition au musée Courbet à Ornans « les Nus et les Nues« , (actuellement au Petit Palais) je m’amusais à jouer les voyeuses, en épiant la réaction du public, car certaines toiles jugées choquantes étaient cachées derrière un rideau, belle mise en scène, certains s’attardaient, d’autres passaient rapidement leur chemin, d’autres revenaient sur leur pas…

On apprend que « l’homme blessé », un nu féminin à l’origine, puis un homme enlaçant sa compagne, mais lorsque celle-ci l’a abandonné, a été transformé en homme solitaire, Courbet recouvrant l’infidèle avec un pan de manteau et une dague. Il a gardé cette toile toute sa vie.
Ses paysages de chasse sont d’une grande beauté.

L’hallali du cerf, véritable scène de bataille, est le dernier tableau peint par Courbet.

La truite renvoie à une autre toile de Soutine , peinte pendant son exil, mais aussi une allégorie de la destinée de l’artiste.
Les autoportraits digne de Rembrandt. L’autoportrait, servant d’affiche à l’exposition montre l’état d’esprit de l’homme, angoissé, par son présent, son avenir d’artiste et d’homme, loin de la jovialité légendaire de Courbet

Le 05 janvier 2008 à 11h, par Alain

C’est une très belle présentation de l’expo. Cela me met en appétit avant d’y aller bientôt. Pas de temps à perdre car cela se termine le 28 janvier.
Courbet était souvent mal perçu à son époque, et même encore aujourd’hui. Etait-ce dû à son fort caractère ou à des toiles très osées ? Certainement les deux. C’était un provocateur.
Il reste un de nos plus grands peintres français.

2. Le 05 janvier 2008 à 13h, par elisabeth

Merci pour votre commentaire.
En effet il était provocateur, mais profondément artiste avant tout. Si l’on approfondit un peu, on peut émettre des doutes sur sa participation à la destruction de la colonne Vendome. Il a servi de bouc émissaire, payant le prix fort pour son caractère entier, sans fard, orgueilleux, inconscient aussi de l’ampleur choquante pour l’époque de ses innovations.

3. Le 05 janvier 2008 à 18h, par espace-holbein

Salut Elisabeth,
je m’aperçois que tu as parlé du grand Courbet, ce que je viens de faire aujourd’hui, moi aussi…
Malheureusement cette magnifique expo se termine. Dommage.
Bonne année à toi et à ton site !

4. Le 05 janvier 2008 à 19h, par Malou

Quelle présentation ! On sent ton enthousiasme . Merci pour ce texte enflammé .

5. Le 05 janvier 2008 à 22h, par espace-holbein

Comme tout cela débute avec des mots…grossiers…

6. Le 08 janvier 2008 à 15h, par Stak

Je ne serais pas aussi enthousiaste que vous à propos de Courbet, à part quelques chefs d’oeuvres indétronables (quelques autoportraits, et portraits des gens de la rue à ses débuts, et quelques nus) une grande part de son oeuvre est médiocre (scènes de forêt, scènes de chasses à la limite du ridicule) surtout lorsque l’on regarde le vrai génie antérieur : David ou Rembrandt.
Il était aussi un arriviste forcené, état qui se vérifie dans son oeuvre. Au départ (à mon avis sa meilleure période), il représente les gens et lui même avec une certaine intensité, un dandy quelque peu enragé, puis venant la notorieté, le confort s’installe et ses toiles en pâtissent terriblement selon moi.
Génie non, grand peintre peut être.

Soutine peintre maudit ?

N’y a t’il pas du Bacon dans son Grotesque ?

Certes sa date de naissance n’est pas précise, ni le contexte familial, dans lequel il évolue, tantôt parents indignes, tantôt petits bourgeois complaisants et ravis de la vocation artistique de leur fils. Toujours est-il qu’en 1908/10, il tourne délibérément le dos au shettel et à ses origines juives. Sa peinture expressive est saisissante, éblouissante de couleurs. Son amitié houleuse avec Modigliani lui permet de rencontrer Zborowski, qui lui propose un salaire.
Installé à Ceret dans les Pyrénées, sa santé et son humeur s’assombrissent. Ses paysages sont tourmentées à l’image de son psychisme. Puis grâce à sa rencontre avec Barnes sa vie est transformée.
Il est dit aussi que c’est grâce à sa découverte de Soutine que la renommée internationale de Barnes est assurée. Soutine peut alors oublier ses années d’infortune, il est devenu un peintre recherché. Paradoxalement il est saisi d’une fièvre autodestructrice, déchire un grand nombre de ses toiles. Après la mort de Zborowski il passe son temps près de Chartres, dans un climat paisible propice au travail. Il y peint la « truite et la sieste » inspirées de Courbet. Il peint force poulets, lapins, rouges bleus, des faisans, des paysages de tempête, des portraits d’enfants, des enfants de cœur, des natures mortes au violon, l’arbre de Vence. On connaît son bœuf inspiré de Rembrandt, mais aussi un carcasse d’agneau cadrée juste dans les côtes du haut, éblouissante de rouge, couleur de passion.
Je vous cite le texte suivant qui vous en parlera beaucoup mieux que moi :

Elie Faure dans « Ombres Solides », écrit en 1929, célèbre Soutine comme un peintre de « l’esprit (…) un peintre pur ».

Voici un montage video, d’une toute petite partie du texte, très riche, qui je le souhaite, vous donnera l’envie de pendre un billet pour un voyage en Elie Faure avec Chaïm Soutine et la Pinacothèque de Paris, mais aussi présenté au Kunstmuseum de Bâle à partir du 16 mars 2008. Je suis curieuse (à l’avance) de voir la présentation du Kunst, car celle de la pinacothèque est absolument parfaite à mes yeux, les toiles se révèlent et se dégustent sans hâte, dans l’intimité de leur présentation. Ici point de foule péremptoire.

Voyage_en_elie_faure
envoyé par belopolie

"J'embrasse pas"

La riposte des artistes au baiser de Sam Rindy
A Avignon, l’exposition « J’embrasse pas » décline tous les registres du baiser et dénonce le vandalisme

Yvon Lambert, marchand d’art, devant les « lèvres » de l’artiste Bertrand Lavier, symbole de l’exposition. © CYRIL HIELY
Dès l’entrée, les lèvres géantes de Mae West réinterprétées « à la Dali » par Bertrand Lavier, vous accueillent. L’exposition s’intitule « J’embrasse pas ». Elle est née dans l’émotion, après l’affaire du baiser au rouge à lèvres apposé le 19 juillet par une jeune martégale comme un « acte d’amour » sur une toile blanche de Cy Twombly.
« Nous avons vécu cela comme un viol », explique Eric Mézil, directeur de la collection Lambert. « Puis, nous avons vu des artistes du monde entier se manifester ». L’exposition dévoile cette riposte des artistes. « J’embrasse pas, c’est l’avertissement qu’il faudra peut-être, un jour, afficher à l’entrée des musées, comme je casse pas, je vole pas », poursuit E. Mézil.
Un baiser sur un crâne, inquiétante vanité de Douglas Gordon. Des photos qui débusquent la nature tantôt sensuelle ou violente d’une bouche, l’ambiguïté dangereuse d’un baiser. Sur une toile géante d’Anselm Kiefer, une Kalachnikov vise la palette du peintre. L’évocation de la mise en danger des oeuvres et de leur surveillance se prolonge avec les silhouettes policières grandeur nature de Xavier Veilhan, ou le coeur en matraques de Kendell Geers.
Puis l’exposition conduit le visiteur vers le blanc et le monochrome, répondant par l’exemple à la question « Une toile blanche peut-elle être une oeuvre d’art? ». Un triptyque blanc de Rynan, souillé puis restauré il y a une dizaine d’années, laisse apparaître une trace qui ressort avec les années. Face à lui devait être exposé le triptyque de Cy Twombly, estimé à 2 millions de dollars. Il n’y est pas.
« On n’arrive pas à le restaurer, l’oeuvre est fichue », se désole E. Mézil.
En guise de conclusion, des oeuvres subtiles sur la mémoire de la trace, et un minuscle « oreiller pour la mort », sorte de requiem pour une oeuvre d’art.
Collection Lambert à Avignon. Du 28 octobre au 15 janvier. Rens : 04 90 16 56 20.
Carina Istre La Provence
Si ça ce n’est pas de l’opportunité !!!

Rindy Sam "accepte la sentence"

AVIGNON (AFP) — Entre « geste d’amour » et vandalisme, la justice a tranché vendredi en condamnant Rindy Sam, connue depuis l’été pour avoir laissé la trace de son rouge à lèvres sur une toile immaculée du peintre américain Cy Twombly exposée à Avignon.
La jeune femme, âgée de 31 ans et de nationalité cambodgienne, a écopé d’une peine de 100 heures de travaux d’intérêt général alors que le représentant du parquet avait requis une amende de 4.500 euros et un stage de citoyenneté.
Le tribunal correctionnel d’Avignon a par ailleurs condamné la prévenue à indemniser les parties civiles, à hauteur de 1.000 euros pour le propriétaire de l’oeuvre et 500 euros pour la Collection Lambert qui l’exposait.
Elle devra également payer un euro symbolique à Cy Twombly, artiste de renommée internationale, qui s’était dit « horrifié » par le baiser laissé en juillet sur une de ses oeuvres exposées à Avignon par la Collection Lambert.
L’affaire n’est cependant pas encore terminée, les magistrats ayant renvoyé au 28 février leur décision sur les frais de restauration, pour lesquels la Collection réclame 33.440 euros.
« Consciente d’avoir dégradé le bien d’autrui », Rindy Sam, qui peint elle-même, « accepte la sentence ».
Pour autant, elle dit ne pas regretter son geste qu’elle décrit comme un « acte d’amour et artistique ».
Une attitude que l’avocate des parties civiles, Me Agnès Tricoire, interrogée par l’AFP, a jugé « choquante ». Pour la Collection Lambert, le jugement oppose d’ailleurs un « démenti cinglant » au « prétendu geste d’amour » de la jeune femme.
« Un baiser est un acte merveilleux; un coup de marteau est un acte violent », a estimé pour sa part Pierre Pinoncelli, spécialiste des « happenings » artistiques, connu pour ses coups de marteau sur des urinoirs de Marcel Duchamp. Habitant Saint-Rémy de Provence (Vaucluse), il dit avoir assisté au procès « en curieux ».

L’affaire du « bisou » a fait l’objet depuis l’été d’une importante médiatisation, amplifiée début octobre, lors du procès, par la dégradation d’un tableau de Claude Monet au musée d’Orsay .
Les deux parties se sont mutuellement reproché vendredi d’avoir orchestré cette médiatisation afin d’en tirer parti.
La Collection Lambert a ainsi dénoncé dans un communiqué
« la notoriété gagnée par la vandale au détriment de Cy Twombly, et l’élan de sympathie médiatique qu’elle a suscité en surfant sur une vague fort désagréable: celle du mépris de l’art contemporain »
.
La défense accuse au contraire la Collection de profiter de l’affaire via l’organisation d’une nouvelle exposition intitulée « J’embrasse pas » et présentée par Eric Mésil, directeur de la Collection Lambert, comme une « démarche didactique et pédagogique » pour comprendre ce qu’est le vandalisme.
Mais pour Me Jean-Michel Ambrosino, l’avocat de Rindy Sam, « la Collection surfe sur la vague médiatique »; la faiblesse des dommages-intérêts par rapport aux montants réclamés montre que « le magistrat l’a bien pris en compte ».
Le conseil considère d’ailleurs beaucoup trop élevé le montant des frais de restauration demandé par la Collection et regrette que le tribunal n’ait pas désigné d’expert judiciaire indépendant.
Selon lui, le montant réclamé pour la restauration se base sur un devis établi par la restauratrice exclusive de la Collection Lambert, et « il n’y a là aucune objectivité ».
Dans l’immédiat, Rindy Sam, qui élève deux enfants avec son RMI dans un logement HLM de Martigues (Bouches-du-Rhône), est prête à payer ce qu’on lui réclame.
« Je vais vendre des nems pour payer les amendes, au lieu d’acheter de la peinture », a-t-elle dit.
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Rouge à Lèvres sur une toile = Syndrome de Stendhal ?

Ce syndrome est appelé ainsi à la suite de l’écrivain français Stendhal qui a vécu une expérience similaire lors de son voyage en Italie, à l’étape de Florence, en 1817. Il écrit alors :

« J’étais arrivé à ce point d’émotion où se rencontrent les sensations célestes données par les Beaux Arts et les sentiments passionnés. En sortant de Santa Croce, j’avais un battement de cœur, la vie était épuisée chez moi, je marchais avec la crainte de tomber. »
Stendhal n’a rien fait pour s’en prémunir puisque s’asseyant sur un banc de la place, il lut un poème pour se remettre, et vit que ses visions empiraient à la lecture de cette somme de culture ambiante dans les lieux : il fut épris et malade à la fois de tant de profusion.
Ce syndrome ne fut pas décrit comme un syndrome spécifique avant 1979. La psychiatre italienne Graziella Magherini, officiant à l’hôpital central de la ville, a observé et décrit plus de 100 cas similaires parmi les touristes de Florence, le berceau de la Renaissance. Sa description figure dans un livre éponyme qui classe les cas de manière statistique selon leur provenance et leur sociologie. En résumé :
* les touristes provenant d’Amérique du Nord et d’Asie n’en sont pas touchés, il ne s’agit pas de leur culture;
* les touristes nationaux italiens en sont également immunisés; ils baignent dans cette atmosphère depuis leur enfance;
* parmi les autres, sont plus touchées les personnes vivant seules et ayant eu une éducation classique ou religieuse, indifféremment au sexe.
Les phrases précédentes sont réductrices et devraient s’interpréter selon l’acception « individus ayant reçu une éducation de la civilisation de Y » plutôt que « individus provenant de Y ».
Le facteur déclenchant de la crise est le plus souvent lors de la visite de l’un des 50 musées de la ville, où le visiteur est subitement saisi par le sens profond que l’artiste a donné à son œuvre, qui transcende les images et le sujet de la peinture; les réactions des victimes subjuguées sont très variables; des tentatives de destruction du tableau ou d’hystérie ont été observées. Les gardiens de musée sont au courant de cette particularité locale et surveillent les comportements atypiques de leurs hôtes, surveillance sans excès toutefois.
On trouve aussi la dénomination de « Syndrome de Florence » (« Syndrome de Stendhal » étant la dénomination officielle) Nos participants au voyage de Florence sont ainsi prévenus ….
Peut-on associer le comportement de Sam Rindy au syndrome de Stendhal ?
Rouge à lèvres sur une toile: procès à Avignon
Sam Rindy, la femme qui a déposé un baiser rouge sur une toile blanche de Cy Twombly
4.500 euros d’amende ont été requis contre la jeune femme qui avait taché une toile de Cy Twombly avec du rouge à lèvres
Rindy Sam est poursuivie pour « dégradation d’oeuvre d’art ». Elle devait comparaître le 16 août en audience de reconnaissance de culpabilité mais elle a refusé de plaider coupable pour ce chef.
La jeune femme avait embrassé fin juillet à Avignon une toile toute blanche du peintre US, qui fait partie d’un triptyque évalué à deux millions d’euros.
Estimant que le geste de Rindy Sam s’apparente à « une sorte de cannibalisme ou de parasitisme », le représentant du parquet a également demandé au tribunal correctionnel d’Avignon, comme peine complémentaire, qu’elle soit condamnée à un stage de citoyenneté.
Le tableau est la propriété d’Yvon Lambert, fondateur de la collection Lambert. Elle était présentée à l’occasion d’une exposition intitulée « Blooming », consacrée à Cy Twombly et organisée par la Collection Lambert du 10 juillet au 30 septembre.
La toile initialement d’une blancheur immaculée, fait partie d’un triptyque lu-même inclus dans un polyptique de onze éléments, « Les trois dialogues de Platon« , datant de 1977.
Le directeur de la Collection Lambert et commissaire de l’exposition, Eric Mézil, avait dénoncé un « viol » de l’oeuvre d’art. Selon lui, « Le rouge à lèvres contient des matières grasses, des produits chimiques et le rouge est la couleur la plus violente: ce rouge est indélébile ».
Quand la passion rend fou
Rindy Sam, peintre cambodgienne, venue spécialement de Martigues, où elle réside, pour assister à l’exposition n’avait pas pu résister à l’attrait de l’oeuvre. Tombée en arrêt devant la toile et après avoir demandé à son fiancé de la photographier bras grands ouvert devant cette dernière, elle s’est mise, dans un éclat de bonheur, à l’embrasser.
Une véritable étreinte pour cette dame qui assure avoir vécu un acte d’amour d’une grande pureté:
« J’ai déposé un baiser. Une empreinte rouge est restée sur la toile. Je me suis reculée et j’ai trouvé que le tableau était encore plus beau… », a-t-elle confié. « J’assume mon acte. Il est beau; cette toile blanche m’a inspirée. On me dit que c’est interdit de faire des choses pareilles, mais c’était totalement spontané ».
a déclaré Rindy Sam, qui conteste avoir commis une dégradation d’oeuvre d’art.
au 13 h de France 2 du 9 octobre sous la rubrique

Edward Munch – La vie, l'amour, la peur et la mort

A nouveau la Fondation Beyeler frappe un grand coup à l’occasion de son 10° anniversaire, en présentant 130 oeuvres , 80 dessins et gravures couvrant toutes les périodes de création de l’artiste peintre et graveur Edvard Munch. Visible jusqu’au 15 juillet. Cette manifestation constitue ainsi la plus grande exposition Munch jamais organisée hors de Norvège. La reine Sonja de Norvège présente pour l’inauguration, a avoué avoir découvert à cette occasion certaines oeuvres de l’artiste norvégien. En effet, certaines d’entre elles appartiennent à des collectionneurs privés et sont présentées pour la première fois. Et la reine d’insister sur l’importance de l’art et d’Edvard Munch pour les Norvégiens.

« Il est pour nous un de nos meilleurs ambassadeurs ».
photo Jean Paul Domb
Pour les mauvaises nouvelles : point de catalogue en français, ni même de notice explicative habituelle, un supplément de 5 chf où de 3.50 € pour les détenteurs du passmusées.
Précurseur de l’art moderne, Il passe de l’impressionnisme à l’expressionnisme, il explore toutes les techniques. Le cri , fameux tableau volé, n’est pas présent puisqu’il ne quittera plus le musée d’Oslo, mais on peut voir une lithographie, sur laquelle Munch a écrit : » Ich gefühlt der große geschrei durch die Natur ». Voilà ce qu’il explique : je me promenais sur un sentier avec deux amis – le soleil se couchait – tout d’un coup le ciel devint rouge sang – je m’arrêtais, fatigué, et m’appuyais sur une clôture – il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fjord bleu-noir et la ville – mes amis continuèrent, et j’y restais, tremblant d’anxiété – je sentais un cri infini qui se passait à travers l’univers.. » LithographieLes autoportraits, dont celui appelé Autoportrait en enfer, Munch exprime sa vulnérabilité, dont il a eu la douloureuse expérience à travers la perte d’une phalange. Il en reparle du reste à Jappe Nilssen dans une lettre du 12 novembre 1908 : « Ce sont des blessures de Norvège — qui ont fait de ma vie une sorte d’enfer. » L’opposition étincelante entre la lumière et l’ombre surdimensionnée de l’arrière-plan, et ainsi que l’esquisse d’une entaille au cou qui sépare la tête rougeâtre du corps jaune sont le symbole de l’étroite arête qui sépare la vie et la mort. Le succès artistique et sa percée en Allemagne ne suffisent pas au cours de ces années à sortir Munch d’une profonde crise qui l’entraîne dans l’alcoolisme et les problèmes psychiques. auportrait en enferLes portraits d’enfant malade et de la mère éplorée, de jeunes filles, de jeunes femmes rousses ou blondes élégantes ou dénudées, portraits d’hommes en pied la plupart, homme mélancolique, Madone, baisers, couples amoureux hétéros, lesbiens amoureux, nus en pleurs, à genoux, couchés, vampires, noces, morts de bohémiens, paysages de printemps, d’été, d’hiver, de forêt, de montagnes, clairs de lune, tempêtes, peinture à l’huile, détrempe, gravure sur bois, lithographies, pastels, dessins, décors de scène qu’il a crée pour Ibsen, Munch a tout abordé dans un jaillissement de couleurs, mais aussi dans le noir des lithos et gravures. Des thèmes récurrents l’amour, le baiser, la maladie, l’angoisse, la mort.
Une toile vendue à Sotheby’s en 2006 au prix jamais atteint pour une toile de Munch de £ 5,5 millions, intitulée Jour d’été Linde-fries (fresque Linde) Un couple fantomatique, l’homme n’a pas de visage, on doute presque de son aspect humain, seul son bras enlaçant sa compagne semble réel. Elle est plus consistante, les yeux écarquillés dans un visage bleu coupé par le tronc de l’arbre. Visage que l’on retrouve souvent dans les gravures et lithographies. Curieuse composition, une surface herbeuse délimitée par une bande de sable, le bleu profond de la mer semble monter jusqu’au ciel, les feuilles gigantesques ressemblent à de monstrueuses ailes dentelées, flottant comme des voiles vertes. Le triangle blanc d’une voile, éclaire le centre du tableau, ainsi que le jaune d’une barque avec à son bord quelques personnages aux vêtements colorés, équilibrés par de curieux monticules, clairs, blancs et jaunes, qui représentent en fait des groupes de jeunes filles. On trouve le même groupe de jeunes filles élégantes, en bleu, jaune, rose, chapeautées, dans plusieurs autres toiles, qui elles semblent respirer le bonheur. Les curieux arbres de par leurs troncs partagent le tableau en 3 parties. Cette toile peinte en 1904/05 semble exprimer un épisode de la vie de Munch, l’amour fragile, éphémère, pour Tulla Larsen, qu’il refuse d’épouser, trop riche pour lui et sa condition de peintre, certainement aussi pour la mise en scène macabre, qu’elle lui imposa afin de provoquer chez Munch une demande en mariage. Jours d’été Linde-friesLa danseJeunes filles sur la Pier
l’exposition étant dense, cela demande une 2° voire une 3° visite, il y a une nocturne le mercredi soir jusqu’à 20 h.
à suivre
Commentaires1. Le 20 mars 2007 à , par holb Magnifique. Une visite en perspective…
Et toujours pas de catalogue en français (grr…). Une édition du catalogue est prévue en anglais, au moins ?
Il faut voir (revoir) le beau film de Peter Watkins « Edvard Munch, la danse de la vie », qui est une des plus belles réussites parmi les nombreuses biographies filmées de peintres qui existent : la caméra est parfois hésitante, comme s’il s’agissait d’un film documentaire ; la vie de Munch est entrecoupée d’ « interviews » de gens de l’époque, comme pris sur le vif. C’est assez troublant. Cela rend le peintre très présent, très proche, presque contemporain. Film de 1973.espace-holbein.over-blog….2.
Le 20 mars 2007 à , par elisabethLes éditions anglaises et allemandes sont en vente. On peut acquérir à retardement une édition française du catalogue de l’exposition précédente « Eros » (à réclamer auprès de la caisse) Il faut prévoir large, car l’exposition est immense, je n’ai pas encore tout vu au bout de 3 heures, j’y retourne bientôt. Le mercredi il y a une nocturne jusqu’à 20 h. Pour le film, j’ai pris bonne note. Peut-être te verrai-je cette fois ? ;-))) Le TVG circule à partir du 10 juin, les billets promotionnels sont en vente à partir du 10 avril. Qu’on se le dise, entre nous amateurs d’art…..

Edward Munch suite

Par elisabeth, 27 juin 2007 à

Quelle ne fut pas ma surprise de constater que 9 extraits de la Reinhardt Fries provenant de la Nationale Galerie de Berlin, ont été exposés au foyer de la Fondation Beyeler alors qu’ils n’y figuraient pas lors de ma première visite . Ces toiles peintes à la détrempe ont un éclat particulier et sont beaucoup plus lumiseuses que la grande fresque (Linde-Fries) collection particulière, peinte à l’huile.
J’ai eu l’impression que certaines toiles n’y étaient plus. Les toiles de Munch dégagent un grand sentiment de détresse dans leur ensemble, tout compte fait je leur trouve beauoup de maladresse dans leur composition.
Vous pouvez lire ici un point de vue d’un grand amateur de Munch, ici un autre amateur tout aussi éclairé.

Une visite à la fondation Beyeler est toujours un moment privilégié, je ne la quitte jamais sans avoir fait une pose sur le canapé blanc en face des Nymphéas, où l’on voit le parc se miroiter dans le plan d’eau, à travers la grande baie vitrée, un autre tour dans la salle Giacometti. A force de les voir toujours là, j’ai le sentiment d’être riche de toutes ces oeuvres. La nature est en plein épanouissement, verte et dense.

L’exposition est prolongée jusqu’au 22 juillet 2007.

Commentaires

1. Le 28 juin 2007 à , par holbein

Ah le fameux canapé blanc (et Debussy en prime)…

2. Le 29 juin 2007 à , par elisbeth

C’était le 1° jour des soldes …. j’en ai profité pour acheter certains anciens catalogues que la Fondation Beyeler bradait à 10 €.
Les visteurs sont tous massés pour Munch et délaissent le canapé blanc, aussi c’est un moment bien savoureux si on peut y rêver avec ou sans Debussy.

3. Le 02 juillet 2007 à , par elisabeth

Evidemment cela n’est pas comparable avec le musée de l’Orangerie que j’ai visité il y a quelques jours.
www.musee-orangerie.fr/ho…

4. Le 03 juillet 2007 à , par elisabeth

Chris n’oublie pas jusqu’au 22 juillet, en passant par Weil am Rhein. J’exige un compte rendu ….

Vente aux enchères Pierre Levy

Grands industriels de la bonneterie à Troyes, originaires d’Alsace (Guebwiller) Pierre (1927-2002) et Denise Lévy ont passé leur vie à constituer une exceptionnelle collection d’art bâtie au fil des rencontres et des amitiés.De gauche à droite : Florence Marinot, fille du célèbre verrier, Pierre Lévy, André Derain et Maurice Marinot.

Tout débute en 1937 et leur rencontre avec Maurice Marinot (1882-1960), peintre et verrier troyen. C’est aussi le point de départ de leur passion pour l’art et leur quête de collectionneur.

Pierre Lévy dira un jour de Marinot : « C’est avec lui que nous avons appris, non seulement à regarder les œuvres d’art, mais à vivre avec elles. » Une autre rencontre importante eut lieu vers 1945, avec le peintre André Derain.

« Il a su m’expliquer la magie de la peinture » dira l’industriel troyen. Les Lévy vont devenir son ami et le soutenir durant les dix dernières années de sa vie en lui achetant de nombreuses œuvres.
A travers cette collection, Pierre Levy montre son penchant pour la tradition et sa réticence à l’égard de l’abstraction. L’homme aimait les peintres du mouvement fauve : Derain bien sûr, mais aussi Vlaminck, Othon Friesz, Van Dongen, ou Dufy. M et Mme Lévy ont également réuni des œuvres de la génération des artistes de l’entre-deux guerres tels que : Charles Dufresne, Boussingault, Dunoyer de Segonzac, de la Fresnaye, etc. Avec affection, ils soutenait également des peintres de l’école de Paris, moins connus, comme Isaac Dobrinsky.
Le collectionneur est amené à s’intéresser également au processus créatif des artistes et donc à rassembler des fonds de documentations important (autographes, lettres, livres, etc.).
En 1976, les époux donnent à l’Etat français les trois quart de leur collection, soit environ deux mille œuvres ayant trait à l’art français de 1850 à 1950, mais aussi à l’art africain. Cette collection sera l’occasion de créer un important Musée d’Art Moderne à Troyes en 1982. Plus de 900 objets qui étaient encore dans leur maison de Bréviandes, non loin de la cité troyenne, ont été proposés aux enchères les 2, 3 et 4 février par Maîtres Boisseau et Pomez.
Hold-up en 2002

258 tableaux volés retrouvés à Paris

Stéphane Albouy | 05.11.2003

LEUR CALVAIRE avait duré des heures. En mai 2002, plusieurs membres de la famille d’un riche collectionneur installés dans l’Aube avaient été séquestrés par un commando d’hommes armés. Prises au piège dans leur propriété de Bréviandes, près de Troyes, les victimes avaient été frappées et menacées de mort par leurs agresseurs. Bien renseignés, ces derniers n’étaient repartis qu’après avoir acquis la certitude qu’ils avaient fait main basse sur la totalité du butin qu’ils étaient venus chercher : une collection privée composée de dizaines de toiles de maîtres. Pierre Lévy, décédé quelque temps avant l’attaque, avait donné une importante partie de ses tableaux à l’Etat à la fin des années 1970. Mais ses proches conservaient toujours de nombreuses toiles, notamment dans une cave spécialement aménagée et creusée dans le parc de la demeure. « Une équipe extrêmement dangereuse et violente » Un an et demi après le « saucissonnage » de Bréviandes, la police judiciaire et la gendarmerie viennent de retrouver la totalité du butin à Paris. Après plusieurs mois de surveillance, les enquêteurs de l’Office central pour la répression du banditisme (OCRB) et leurs collègues de l’Office central de lutte contre le trafic de biens culturels (OCBC), ont interpellé trois hommes qui s’apprêtaient à « déménager » l’imposante collection. Dans une camionnette garée avenue George-V, dans le VIII e arrondissement, les policiers ont découvert 258 oeuvres provenant pour l’essentiel du braquage de mai 2002. Cette saisie record, aujourd’hui à l’abri dans les locaux de la direction centrale de la PJ, à Nanterre, comporte entre autres deux toiles de Dufy et une de Picasso. Ces interpellations s’inscrivent dans la continuité d’un autre coup de filet, réalisé en septembre 2002. A l’époque, les enquêteurs avaient arrêté un groupe de truands spécialisés dans le « saucissonnage ». Parmi ces suspects figurait un membre du clan Hornec, une famille de la banlieue sud de Paris dont plusieurs membres sont fichés au grand banditisme. Fabrice Hornec, 34 ans, avait été écroué avec plusieurs complices, mais aucune oeuvre d’art n’avait été retrouvée lors de cette première opération. Un de ses cousins, Thierry Hornec, âgé de 40 ans, fait partie des trois hommes arrêtés en possession des tableaux lundi dernier. « Il est difficile d’estimer la valeur marchande des biens retrouvés, commente un enquêteur. Il y en a pour plusieurs millions d’euros, mais, outre le fait d’avoir récupéré ce butin, nous sommes surtout très contents d’avoir mis hors d’état de nuire durant quelque temps une équipe extrêmement dangereuse et violente. » Deux kilos de cocaïne et des armes de poing ont été également saisis lors des interpellations.

Le Parisien Cet article a été publié dans la rubrique Les Faits Divers

Succession Pierre Lévy, Objets
envoyé par interencheres

Succession Pierre Lévy, Dobrinsky
envoyé par interencheres
Autres vidéos de la vente

Commentaires1. Le 09 février 2007 à 19h, par elisabethGrand merci à Gaston L pour ses précisions.
2. Le 10 février 2007 à 17h, par Louvre-passionJe ne connaissais pas ce couple de collectionneurs qui ont eut le bon goût de léguer leurs oeuvres d’art aux musées.
Merci pour cette découverte.
3. Le 12 février 2007 à 17h, par CarolineMoi non plus, je n’avais jamais entendu parler de Pierre et Denise Lévy. Peut être parce qu’ils sont alsaco-champenois et que le monde de l’art en France est un peu (euphémisme !) trop centré sur Paris. Merci de combler cette lacune !
4. Le 14 février 2007 à 22h, par MalouNe manquez pas de visiter le beau musée d’Art Moderne de Troyes **
On peut y voir la collection léguée par Pierre et Denise Lévy

Des artistes et un collectionneur – Pierre Levy

Pierre Lévy est né à Guebwiller (68) le 11 avril 1907, il a commencé sa collection d’oeuvres d’art à la veille de la Seconde Guerre mondiale. Sa réussite dans ce domaine n’a d’égal que le succès qu’il a rencontré dans l’industrie de la bonneterie où son groupe était le 1° en Europe.
Sa collection, ne comprend pas moins de 4 000 pièces dans des domaines aussi variés que les sculptures sumériennes, égyptiennes, grecques, chinoises, romanes, la céramique, la verrerie, l’art primitif, les bronzes de Louristan

le livre illustré, la peinture, le dessin, l’estampe et la scupture du XIX° et XX° siècle. Je vous recommande son livre ainsi que la visite du

MUSEE D’ART MODERNE – Palais Episcopal-Troyes (XVIe-XVIIe)

(Donation Pierre et Denise LEVY, industriels bonnetiers troyens)

Place Saint-Pierre –
Tel: 03 25.76.26.80

Dans l’ancien palais des évêques, ce musée rassemble quelque 2000 œuvres représentant les grands courants picturaux du début du siècle, de Courbet (1850) à De Staël (1950) avec une prédilection pour les mouvements fauve et expressionniste. Quelques noms évocateurs : Vlaminck, Derain, Matisse, Dufy, Modigliani, Rouault, Van Dongen, Delacroix, Daumier, Maillol, Picasso, Cézanne, Seurat…

Ne pas manquer : rare collection de verreries (flacons, coupes, vases transparents à décor émaillé, gravé, taillé… ou encore en verre bullé, craquelé avec décors intercalaires) du célèbre Maurice Marinot (verrier troyen) et bel ensemble d’Art africain, l’une des sources d’inspiration de la peinture moderne.

Ouvert de 11h à 18h sauf lundi et jours fériés.