elisabeth – Page 120 – une dilettante

Tatlin – un nouvel art pour un monde nouveau

En montrant Vladimir Tatline (1885-1953), le Museum Tinguely à Bâle consacre sa grande exposition estivale à une personnalité artistique légendaire. Tatline est en effet l’une des figures majeures de l’avant-garde russe. La dernière grande rétrospective consacrée à ce formidable rénovateur de l’art remonte à presque vingt ans.

On peut voir à Bâle les toiles des débuts, les imposants contre-reliefs, les reconstitutions de la tour révolutionnaire et de l’appareil à voler Letatlin. Ses principaux travaux destinés au théâtre clôturent l’exposition. Plus de 100 chefs-d’œuvre, provenant pour la plupart de grandes collections à Moscou et Saint-Pétersbourg, permettent ainsi de redécouvrir cet artiste hors pair qui marqua le début du XXe siècle.

Vladimir Tatlin, Matrose (autoportrait) 1911

technique: tempera on canvas Dimensions: 71.5 x 71.5 cm
Gallery: Russian Museum, St. Petersburg, Russia

Vladimir Tatline commence sa carrière comme marin. Jusqu’en 1913, la pratique de son art se cantonne aux domaines de la peinture et du dessin. Dans ses jeunes années, il s’intéresse à l’ancienne peinture russe sur icônes ainsi qu’à l’art populaire, et seulement après aux courants d’avant-garde en Russie et en Europe de l’Ouest, notamment à Paris. Toute son œuvre ultérieure trouve son fondement dans la peinture. Ses premiers tableaux sont largement représentés dans l’exposition : avec ses aplats colorés et décoratifs, son style rythmé par les courbes, marqué par la présence forte de contours sombres et clairs, Tatline parvient à une synthèse bien à lui de la tradition russe et de l’avant-garde française.

Vladimir Tatlin - composition nu féminin 1913 — Vladimir Tatlin – composition nu féminin 1913

Contre-reliefs
En 1914, Tatline fait le pas de la peinture d’avant-garde à l’art révolutionnaire, anticipant ainsi sur les changements politiques qui, déjà « dans l’air », éclateront en 1917. Des reliefs picturaux et contre-reliefs d’angle réalisés par Tatline (avant la révolution d’Octobre), et qui constituent sa contribution la plus importante et la plus radicale à l’art moderne, seulement peu sont conservés. Les quelques exemplaires originaux existant encore aujourd’hui, conservés à Moscou et Saint-Pétersbourg, ainsi qu’un vaste aperçu des reconstitutions d’après photos permettent de visualiser cet aspect essentiel de l’histoire de l’art. Les contre-reliefs de Tatline entendent rompre totalement avec toutes les pratiques artistiques bourgeoises et se conçoivent comme une « contre-attaque » au sens d’un surplus d’énergie. Selon un propos de Konstantin Umansky en 1920, le « Tatlinisme » serait l’affirmation de la mort du tableau en tant que tel : « Les trois dimensions sont trop à l’étroit sur la surface de la toile. »
« Nous ne croyons plus à l’œil, et nous voulons le contrôler par le toucher », proclamait Tatline en 1920. Avec les contre-reliefs, il invalidait les lois de la peinture et créait ainsi en quelque sorte un nouveau genre artistique, une nouvelle approche du matériau mis en œuvre. Tatline devient ici poète des matériaux, qu’il affranchit de leur fonctionnalité liée à la représentation.

Son art se caractérise aussi par l’économie ciblée des moyens utilisés. Ses contre-reliefs d’angle renferment une notion d’action ; ils simulent une impression d’apesanteur pleine de tension. Ils sont sans point d’appui et une sorte de gréement remplace la plinthe des statues traditionnelles. Le principe de composition relève d’éléments clairement antistatiques : une mise en scène jouant avec la gravité et l’anéantissement de celle-ci. Il s’agit là de distance, d’espace intermédiaire – un espace à la fois réel et imaginaire. Tatline place son art de façon littéralement matérielle dans l’espace de l’actualité ; avec des formes plastiques expérimentales, il produit du présent.

Révolution, architecture et utopie : la Tour Tatline

Rares sont les œuvres d’art du XXe siècle à revêtir un statut aussi légendaire que le projet de Monument à la Troisième Internationale que Tatline élabora en 1919-1920. La réalisation de cette construction (haute de 400 mètres) fut néanmoins empêchée par la guerre civile, mais aussi par le manque de ressources matérielles et les limites technologiques de l’époque. Le monument – placé parallèlement à l’axe de la Terre avec quatre volumes intérieurs tournent plus ou moins vite autour de leur propre axe selon des rythmes et des lois cosmologiques – devait incarner le siège du gouvernement d’un nouvel ordre social, avec une hiérarchie juste. Les volumes tournants de la « Machine mondiale » de Tatline symbolisent la révolution au sens littéral. En 1920, Nikolaï Punin célébra le projet comme un « événement international dans le monde de l’art » et y vit « la synthèse organique des principes de l’architecture, de la sculpture et de la peinture ». La tour construite aurait été la prolongation logique des principes temps-espace que Tatline avait développés dans ses contre-reliefs : elle aurait permis une nouvelle approche de l’espace, d’un certain point de vue presque comparable à l’expérience de voler. La Tour Tatline servit de catalyseur à la discussion menée par des personnalités comme Léon Trotski ou Anatoli Lounatcharski sur la conception de la vie, de l’art et de l’État dans la jeune Union Soviétique après la Révolution ; aujourd’hui, elle est le véhicule par excellence d’inspirations et d’interprétations fortes.

Avec la redécouverte de l’œuvre de Tatline depuis les années 1960, le modèle non conservé a été reconstruit en différentes variantes : les deux les plus remarquables (celles de Moscou et de Paris) sont à Bâle dans un face-à-face spectaculaire. Elles permettent en outre de mieux comprendre la réception de l’œuvre de Tatline et les critères qui président à sa genèse.

Le vol de Letatlin
Dans les années 1920, Tatline se mit en quête d’une dimension physique et spatiale du vol. Aux rêves individuels d’une société collectivement normée, il conféra en 1929-1932 une expression avec sa sculpture volante et visionnaire nommée Letatlin. Pour l’artiste, qui avait un penchant pour la mystification, voler revenait à une expérience humaine ancestrale que l’évolution lui avait fait perdre et qu’il voulait désormais restituer à l’homme moderne. L’appareil volant Letatlin, singulière synthèse d’art, de technique et d’utopie, est la fois apogée et résultat d’une recherche plastique et de ses limites, qui commença avec les contre-reliefs à l’époque du tsarisme et dont la pensée se prolonge, dans des proportions monumentales, avec la tour révolutionnaire. La sculpture volante renferme un riche potentiel d’associations possibles et peut aussi être interprétée comme une métaphore de l’accélération, comme vecteur d’extension des idées – voire comme un deus ex machina de la modernité. Le rêve de Tatline ne s’est pas concrétisé ; Letatlin n’a jamais pris son envol à ce jour.

Le théâtre comme scène d’un monde nouveau
Toute sa vie durant, Tatline s’intéressa au théâtre. Sa passion pour le Vaisseau fantôme de Richard Wagner est étroitement liée à sa biographie. Il essaya de transposer des paysages musicaux et marins, équivalents du romantisme tardif et du rayonnisme, dans une peinture aux tonalités fortes, pleines d’accents dramatiques. Son travail pour le théâtre culmine dans sa mise en scène en 1923 du métarécit futuriste de Velimir Khlebnikov Zangezi. Tatline décida pour ce faire de « placer une construction matérielle à côté de la construction des mots ». Le matériau linguistique de la poésie et le matériau palpable des arts plastiques exprimaient pour lui la même énergie universelle. L’expérience avant-gardiste Zangezi fascina, car elle constituait à elle seule une véritable synesthésie, tout entière faite de rapports et de correspondances entre les sons, les couleurs, les textures et la lumière.
Si Tatline fascine aujourd’hui, c’est que son œuvre a toujours voulu la transformation sans jamais omettre le contexte social général, et aussi parce que son œuvre, il y a de cela presque un siècle, posa les fondements de courants qui n’ont rien perdu de leur actualité et de leur vitalité inspirante. Sans craindre de se frotter à des domaines qui lui étaient étrangers, Tatline – qui aimait le travail collectif – fut le maître de l’interdisciplinarité et de la synthèse des choses et des matériaux, des formes de présentation et des aspects esthétiques, et ce d’une manière inédite jusqu’alors.

Le Museum Tinguely de Bâle expose jusqu’au 14 octobre 2012 plus de 100 œuvres prêtées par de grands musées internationaux : la Galerie Tretiakov, le Musée du théâtre Bakhrouchine, les Archives nationales de la Littérature et de l’Art, le Musée d’Architecture Chtchoussev ainsi que le Musée du Théâtre d’art académique de Moscou ; le Musée Russe de Saint Pétersbourg ; le Musée d’Histoire, d’Architecture et d’Arts plastiques de Kostroma ; le Museum de Wiesbaden ; le Zeppelin Museum de Friedrichshafen ; le Österreichisches Theatermuseum de Vienne ; le Centre Georges Pompidou de Paris ; l’Annely Juda Fine Art et la Grosvenor Gallery de Londres ; le State Museum of Contemporary Art – Costakis Collection de Thessalonique ; les musées de Penza et Athènes.

Commissaire et catalogue
L’exposition, dont le commissaire est Gian Casper Bott, est accompagnée d’un catalogue présentant l’œuvre et la vie de Vladimir Tatline sous l’éclairage nouveau de la recherche actuelle ; il propose des contributions de Simon Baier, Gian Casper Bott, Dmitrii Dimakov, Jürgen Harten, Yevgraf Kipatop, Nathalie Leleu, Maria Lipatova, Anna Szech, David Walsh et Roland Wetzel (éditions anglaise et allemande, 240 pages, 200 ill., Hatje Cantz Verlag, 52 CHF, édition allemande ISBN 978-3-9523990-0-2 / édition anglaises : ISBN 978-3-9523990-1-9).

Musée Tinguely | Paul Sacher-Anlage 2 | Case postale 3255 CH-4002 Bâle | Téléphone + 41 61 681 93 20 | Téléfax + 41 61 681 93 21
Horaires: Du mardi au dimanche 11 – 18 h | Fermé le lundi
texte et images © presse courtoisie Musée Tinguely

Xenia Hausner "Flagrant Délit"

Le Musée Würth France Erstein présente, jusqu’au 2 septembre 2012, l’exposition
Xenia Hausner. « Flagrant délit » Collection Würth et prêts.

Xenia Hausner In Flagranti, 2003 Flagrant délit

Née à Vienne en 1951, Xenia Hausner est la fille du peintre Rudolf Hausner, figure emblématique du réalisme fantastique et de l’École de Vienne. Xenia Hausner a suivi des études de scénographie et a longtemps travaillé dans le domaine du spectacle vivant avant de se consacrer exclusivement à la peinture en 1992.
Encore une exposition où la couleur est reine.
Une image peut en cacher une autre …
Flagrant délit d’expressionisme, même si l’artiste s’en défend et renvoie le visiteur à sa propre interprétation
L’exposition propose une plongée dans un univers où le portrait – et tout particulièrement le portrait féminin – règne en maître. Naviguant entre peinture et mixed-media, l’artiste élabore des compositions photo-réalistes de grand format aux couleurs chaudes et vives. Son oeuvre est le fruit d’un dialogue créatif entre la peinture et la photographie, celle-ci remplaçant le croquis et servant de travail préparatoire, d’étude de caractères ou de support de collage.
Xenia Hausner réalise, dans ses tableaux, de véritables mises en scène théâtrales, voire cinématographiques : elle plante un décor (imaginé et composé dans son atelier), installe ses modèles, et raconte une histoire (Nine Elven). Les accessoires, les couleurs, les matières font l’objet d’une attention toute particulière et participent à la représentation.
L’atmosphère séductrice qui s’en dégage interpelle le spectateur. Captivé par l’expressivité des regards des personnages qui lui font face, le regardeur devient voyeur : il est, dès lors, le témoin d’états d’âmes, de moments d’intime solitude, d’intime tension, où se mêlent tour à tour l’échange, la tendresse, la violence ( Pensée Sauvage 2011), les faits divers à la manière de Warhol sont très éloquants. (L’imprévu 2010)
Un moment très étrange l’artiste, gantée au chevet d’un mourant, qu’elle dit être un acteur, un berger allemand se dressant comme guettant le dernier souffle, un décor théâtrale de rideaux ouverts sur un ciel bleu.
Dans la réalité c’est l’évocation de la mort de son père, Rudolf Hausner (1914-1995) qui fut l’une des grandes figures du réalisme fantastique et dont certains tableaux majeurs figurent, eux aussi, dans la collection Würth. Xenia Hausner : « C’est mon histoire. Mais ce n’est pas le lit de mon père. C’est un acteur allemand connu qui joue le rôle du mort…
En parallèle une autre toile, où elle étreint ce père (acteur) portant le même vêtement, comme un dernier adieu.

Xenia Hausner Détail Rosemaies Baby 2002

Le voyage, les relations entre le modèle et l’artiste, entre l’artiste, son art et le spectateur, la brutalité du quotidien, la photographie, le cinéma, la beauté de la femme sont autant de thèmes majeurs dans l’oeuvre de Xenia Hausner. Xenia Hausner manipule l’ambiguïté, derrière ses montages dérivant de films que l’on devine (RoseMaries baby 2002) ou encore cette scène de plage, une maternité, avec un poisson, menace ou poésie ? l’ambiguïté sexuelle (Fieber 2007) est aussi présente, dans ses sublimations des corps féminins épanouis ou dans des attitudes équivoques.
visites guidées gratuites
Catalogue de l’exposition
Xenia Hausner. Flagrant délit. Collection Würth et prêts
Format : 28 x 22,5 cm, 144 pages
Édition bilingue français/allemand
Catalogue édité par Swiridoff Verlag / Musée Würth France Erstein
Prix : 52 ¤
Avec des contributions de Rainer Metzger, Michaël Haneke, Peter-Klaus Schuster.
Photos courtoisie du musée Wurth.

Sommaire de Juillet 2012

02 juillet 2012 : Miguel Chevalier l’obsédé du Pixel
08 juillet 2012 : Philippe Parreno à la Fondation Beyeler
14 juillet 2012 : 14 juillet 2012
21 juillet 2012 : Hommage à l’absente
23 juillet 2012 : Collection Merzbacher – Le mythe de la couleur – Van Gogh, Picasso, Kandinsky
29 juillet 2012 : Asger Jorn – un artiste libre
30 juillet 2012 : L’Art d’aimer de la séduction à la volupté

L’Art d’aimer de la séduction à la volupté

« Sans imagination, l’amour n’a aucune chance. »

Romain Gary

Troisième lieu de référence qui s’inscrit avec bonheur dans le circuit lémantique,
le Palais Lumière d’Evian. Son exposition d’été, tout à fait originale et hors des sentiers battus traite d’un thème universel : l’Art d’Aimer, de la Volupté à la Séduction, sous toutes les formes et à tous les modes. Un histoire d’amour à travers le regard des artistes.
Dominique Marny, Raphaële Martin-Pigale, Robert Rocca, commissaires de l’exposition se sont associés pour concocter cette carte du Tendre, co-auteurs du catalogue et avec la mise en scène de Frédéric Beauclair.

Maurice Denis - Amour et Psyché - Circa 1908

L’exposition sur 2 étages est déclinée en 8 paragraphes et salles. :
L’amour et ses mythes (Orient et Occident), l’amour courtois (Dame, chevalier et troubadour), L’art de la galanterie (pastorales et secrets d’alcôves), l’amour au quotidien (vie à deux, petits arrangements et plaisirs), Absence et fatalité, le Courrier du Cœur, Fantasmes sur grand écran, De l’intimité des couples,
L’art d’aimer offre à travers un choix de plus de deux cents peintures, dessins, photographies correspondances, illustrations, un panorama large et original des représentations de l’amour au fil de l’histoire de l’art et son évolution, en mêlant histoire des mentalités et des mœurs.
Parmi les artistes majeurs ont peut voir des œuvres de François Boucher, Gustave Courbet, Jean-Dominique Ingres, Auguste Rodin, Maurice Denis, Pablo Picasso, Marc Chagall, Georges Rouault, Léonard Foujita, Tamara de Lempicka, Jacques Henri lartigue, Robert Doisneau, Man Ray, Michel Haas, Pierre et Gilles. La construction du catalogue en 8 étapes thématiques suit un fil conducteur précis : la naissance de l’amour, l’attraction, la capitulation, la promesse, le tourment, l’échange, la complicité, la volupté.
Dès l’entrée, comme une mise en bouche : un bronze, le Baiser d’Auguste Rodin 1898/1918,

puis on pénètre dans l’antre oriental, avec l’un des mythes fondateur : Amour et Psyché, suivis d’Adam et Eve par Maurice Denis, puis la version Pierre et Gilles aux corps sublimés et aux beaux visages. Schéhérazade et ses raffinements, la traduction seconde des Mille et une nuits par le Docteur Mardrus, dans des illustrations magnifiques, sur fond de chuchotements des mots du cantique des cantiques, (tu es belle …) puis Meliès et le Palais des mille et une nuits.
Le parcours continue sur fond de musique tendre, nostalgique et lancinante : » .In the Mood For Love » qui vous poursuit et vous reste dans la tête longtemps après la visite.
Au XIIe siècle naît l’amour courtois en France. Considérée jusque là comme quantité négligeable, la femme va connaître l’une des plus belles périodes de son histoire. Influencés par les rites des cours arabo-andalouses, les troubadours s’éprennent de Dames mariées qui répondront à leur sentiment. L’amour doit se vivre hors du couple légitime: une façon d’exorciser des unions contractées par intérêt. Grâce aux romans courtois, ces histoires de chevalerie sont arrivées jusqu’à nous, sous leur forme initiale ou réinterprétées par certains auteurs. Jean Cocteau s’est approprié Renaud et Armide pour le théâtre ainsi que Tristan et Iseut pour le cinéma! (l’Eternel Retour).

François Boucher - La Leçon de Musique 1749

L’art de la galanterie (pastorales et secrets d’alcôve) se développe au XIXe s, les courtisanes connaissent leur heure de gloire, sous Napoléon III. Les lieux de rencontre se multiplient au XXe s, cafés, parcs, bancs publics accueillent les rendez-vous galants.

L’amour au quotidien (vie à deux, petits arrangements et plaisirs), mariage devenu simple acte d’état civil ou cérémonie religieuse, couple sans histoire, hétérosexuel, homosexuel, avec les plaisirs simples ou les débordements voluptueux.

Absence et fatalité : quiconque aime s’expose au tourment. Doute, jalousie, disputes, ruptures jalonnent les relations affectives. Pour symbolyser la fin du mariage de Johnny et Sylvie Vartan, Pierre et Gilles les ont représentés au centre d’une couronne mortuaire, avec une banderole où l’on peut lire « Amour Défunt » Une toile qui m’a particulièrement touchée, peinte par un inconnu, Jean Broc. Il y exalte l’amour d’Apollon pour Hyacinthe adolescent. Les deux amants jouaient au palet, quand un autre dieu : Zéphyr, autre amant d’Apollon, fou de jalousie, souffla sur le palet, le détourna de telle sorte qu’il frappa mortellement Hyacinthe au front. La toile le montre expirant dans les bras d’Apollon, lequel pleura son ami et le changea en fleur, la jacinthe.

Le Courrier du Cœur avec sa part d’indiscrétion, nous montrent des lettres poignantes rédigées pendant la guerre, des cartes postales naïves, des lettres enflammées, de personnages célèbres comme Edith Piaf, de Juliette Drouet à Victor Hugo, de Flaubert, de Colette, ainsi qu’un courrier de St Exupéry épris d’une belle inconnue qui ne répondit pas à sa flamme.

Puis les Fantasmes sur grand écran :
Le cinéma nous a montré de belles histoires, devenues des classiques, passionnées, émouvantes, tragiques, des baisers langoureux, des étreintes viriles, des acteurs couples à l’écran et dans la vie. La projection qui ne saurait manquer est celle de Jean Gabin et Michèle Morgan dans « Remorques », mais aussi parmi toutes ses oeuvres cinématographiques affichées « Hiroshima mon amour » et « In the Mood for Love »

De l’intimité des couples, des photos souvenirs de grands photographes, Man Ray, Jacques Henri Lartigue, Doisneau, Ronis, Boubat, Jahan, Dora Maar, tête à tête, promenade, moments tendres, photos dérobées. Intensité du regard des femmes-muses, aimées, adulées par leur photographe, photos devenues célèbres qui feront le tour de la planète.

Des poèmes d’Eluard célébrant l’amour, de ses compagnes de ses amis, chacun est source de poésie.
Des dessins d’anonymes, des cachets postaux en or avec des symboles de phrases, des timbres postaux, un ensemble presque exhaustif compose cette magnifique exposition.
Quelques Focus sur Picasso et la « Capitulation du 29 juillet » sur Jean Cocteau et « la Belle et la Bête », sur la série « Intimités » de Félix Valloton.
Puis à la sortie le livre d’or où un visteur (?) a écrit : L’amour n’existe pas ! Pourtant les preuves dans cette exposition y sont pertinentes.
Jusqu’au 23 septembre 2012
visites guidées
Photos de l’auteur courtoisie du Palais Lumière

Asger Jorn – un artiste libre

Pour la première fois en Suisse romande, la Fondation de l’Hermitage consacre une exposition au peintre Asger Jorn (1914-1973).Considéré comme le plus grand artiste danois du XXe siècle, Jorn a joué un rôle majeur dans le développement des avant-gardes européennes de l’après-guerre. Cette manifestation s’inscrit dans la prolongation de l’exposition Impressions du Nord. La peinture scandinave 1800-1915 qui, en 2005, avait permis aux visiteurs de la Fondation de découvrir l’extraordinaire vitalité des peintres nordiques au XIXe siècle.

Partageant sa vie entre le Danemark, la France (il y séjourne dès 1936), la Suisse et l’Italie, Asger Jorn fonde, en 1948, avec d’autres artistes du Nord, le mouvement Cobra, dont le nom fait référence aux trois villes Copenhague, Bruxelles et Amsterdam. Dans le sillage du surréalisme, ils prônent la spontanéité, le retour à l’art populaire et au dessin d’enfant. La tuberculose qui frappe Jorn en 1951 précipite la fin de Cobra.

Asger Jorn Cobra avec Pierre Alechinsky et Christian Dotremont Le Grand Plum 1961

Après dix-huit mois passés au sanatorium de Silkeborg au Danemark, Jorn choisit, pour sa convalescence, l’air pur des montagnes et s’installe pour six mois dans un chalet de Chesières (Vaud). En Suisse, le Danois développe un langage nouveau, qui renoue avec les sensualités enveloppantes d’Edvard Munch, pionnier de l’expressionnisme moderne. Les années suivantes le conduiront à libérer progressivement et de la façon la plus radicale son art des modes et des influences, et à inventer une peinture saisissante, tantôt apaisée,
tantôt explosive, toujours colorée.

Son oeuvre puissante, élaborée au rythme de voyages incessants à travers l’Europe, s’ancre profondément dans la culture et la sensibilité scandinaves, tout en s’imprégnant des échanges qu’il entretient avec la scène artistique internationale. La tension entre une tradition nordique enracinée dans le Moyen-Age, et une aspiration à la perméabilité des frontières et à la vitalité d’une création collective, est au coeur de la fascination que Jorn exerce aujourd’hui.

Des titres intrigants, surréalistes et humoristiques parsèment son oeuvre, peinte au couteau, gravée ou en collages. Ses toiles plutôt sombres dans ses débuts, ne sont pas sans rappeler que Lausanne est la ville qui possède un très riche musée d’art brut, dont l’artiste se rapproche dans ses compostions, pour les illuminer,
dans la dernière période, de couleurs flamboyantes, que l’on peut admirer au sous-sol.

La rétrospective lausannoise couvre toutes les périodes, depuis les compositions de l’immédiat après-guerre, peuplées d’un bestiaire fantastique, jusqu’aux peintures lumineuses de la fin de sa vie, traversées de formes fluides et dynamiques. Réunissant quelque 80 peintures, l’exposition déploie en outre un bel ensemble de dessins, des estampes – entre autres l’emblématique Suite suisse, 1953-1954 –, ainsi que des sculptures, rendant compte de l’extraordinaire force expressive de Jorn dans la diversité des médiums.

L’exposition bénéficie de la participation exceptionnelle de nombreuses institutions, en premier lieu le Museum Jorn de Silkeborg, mais aussi le Louisiana Museum of Modern Art à Humlebaek, le Kunsten Museum of Modern Art à Aalborg, le ARoS Aarhus Kunstmuseum, le Statens Museum for Kunst de Copenhague, le Henie Onstad Kunstsenter à Høvikodden, la Kunsthalle Emden, le Centre Pompidou à Paris, les Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles, ainsi que de bon nombre de prestigieuses collections privées. Enfin, l’artiste belge de renommée internationale Pierre Alechinsky, qui a entretenu depuis Cobra – il fut à 24 ans le plus jeune membre de ce mouvement – une relation privilégiée avec Jorn, encourage activement ce projet en lui ouvrant sa collection et ses archives.

Asger Jorn La luxure lucide de l'Hyperestésie 1970

Commissariat général : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage
Catalogue : reproduisant en couleur toutes les oeuvres exposées, le catalogue réunit de nombreuses contributions (Pierre Alechinsky, Troels Andersen, Rainer Michael Mason, Frédéric Pajak, Dominique Radrizzani, Didier Semin, Dieter Schwarz et Sylvie Wuhrmann), ainsi qu’une anthologie de textes d’Asger Jorn, Christian Dotremont et Jacques Prévert.

L’exposition et le catalogue bénéficient du généreux soutien de et de la Fondation pour l’art et la culture.
Avec la Fondation Gianadda à Martigny qui présente la collection Merzbacher, c’est une immersion dans la couleur garantie.
DU 22 JUIN AU 21 OCTOBRE 2012
photos de l’auteur courtoisie de l’Hermitage

Collection Merzbacher – Le mythe de la couleur – Van Gogh, Picasso, Kandinsky…

La grande exposition d’été de la Fondation Pierre Gianadda est consacrée à une des plus importantes collections privées européennes appartenant aux très discrets Werner et Gabrielle Merzbacher. Depuis des décennies, ce couple suisse rassemble des oeuvres qui traduisent son intérêt exclusif pour la couleur. Pendant longtemps, cette collection a été un secret bien gardé. Mais en 1998, les Merzbacher ont accepté de montrer leur collection au Musée d’Israël à Jerusalem pour les cinquante ans de l’Etat d’Israël.
La Fondation Pierre Gianadda est la première fondation privée à accueillir la collection Merzbacher. Depuis lors la collection a été présentée au Japon en 2001, à Londres en 2002, à Zurich en 2006, au Louisiana Museum of Modern Art en 2010.

Vincent van Gogh - Pelouse Ensoleillée Place Lamartine 1888

Avec plus de cent oeuvres de quelque cinquante artistes, parmi les plus importants de la période du XIXe et du XXe siècles, cette exposition montre d’une façon exhaustive l’évolution de cette partie de l’art moderne.
Une immersion dans la couleur, qui vous reste longtemps au fond des yeux.

,Maurice de Vlaminck Les Ramasseurs de Pomme de Terre vers 1905-1907, Huile sur toile

Il y a trente ans que Léonard Gianadda et Werner Merzbacher se connaissent, Presque depuis les débuts de la Fondation Pierre Gianadda à Martigny. Léonard a été longtemps demandeur, Werner Merzbacher souvent prêteur. Une estime et une confiance réciproque ont rendu cette exposition non seulement possible, mais presque naturelle.
Une enfance massacrée et sa rédemption pour l’art. Peut-on faire ce raccourci en parlant de Werner Merzbacher et de la collection qu’il a rassemblée avec sa femme Gabrielle ? Chacune de ces peintures pourrait être un antidote à la tristesse et à la dépression, un hymne à la joie de vivre. Les œuvres de la collection Mezbacher traduisent une passion pour la couleur et sa puissance lyrique.

Werner et Gabrielle Merzbacher rassemblent depuis plus de soixante ans les chefs-d’œuvre des mouvements qui ont libéré la couleur, le Fauvisme, l’abstraction, l’Expressionnisme. La collection fait une large place à Derain, Matisse, Kandinksy, des peintres qui ont fait changer la couleur.
Tout a commencé avec un noyau d’œuvres de très haute qualité réunies par les parents de Gabrielle Mayer autour de Picasso, Matisse, Van Gogh. Frappés au cœur par ces peintures, Werner Merzbacher, épaulé par sa femme Gabrielle, ‘est plongé avec passion dans le monde de l’art et des galeries…. Pour ne plus en ressortir.

Alexej von Jawlensky, Dame mit gelbem Strohhut, vers 1910, Huile sur carton, 87 — Alexej von Jawlensky, Dame mit gelbem Strohhut, vers 1910, Huile sur carton

Werner Merzbacher a une double réputation : celle d’acheter des œuvres en se laissant guider par son instinct, et d’avoir des coups de cœur durables et solides. Ceux qui le connaissant décrivent un homme d’une extrême vivacité et d’un goût très affirmé. Une très rare conjonction de circonstances, financières, historiques et personnelles, ont permis que la collection Merzbacher soit devenue pour les historiens de l’art ce petit miracle, une des meilleures collections au monde.

Werner Merzbacher est né en 1928 en Allemagne du sud. Son père, médecin, organise son départ en Suisse après la Nuit de Cristal, en novembre 1938, après laquelle les enfants juifs sont notamment interdits d’école. Enfant réfugié, Werner est placé dans une famille zurichoise. Ses parents ne réussissent pas à s’enfuir. Déportés, ils mourront à Auschwitz. En 1949, Werner Merzbacher obtient une bourse et émigre aux USA.
Là-bas, il épouse Gabrielle Mayer. Après un séjour en Alaska, où Werner Merzbacher fait son service militaire, le couple revient à New-York.
Werner entre dans le commerce de fourrure de son beau-père. Les trois enfants du couple naissent aux Etats-Unis. En 1964, la famille décide de revenir s’installer en Suisse, dans la région de Zurich où Werner avait vécu pendant la guerre et où Gabrielle est née. Werner Merzbacher devient le premier partenaire, puis en 1989, le seul propriétaire de l’entreprise Mayer and Cie AG.

Sonia Delauney Terck - le Bal Bullier 1913

Les Merzbacher ont formé leur goût dans les années 1960, en fréquentant les galeries new-yorkaises. Au début, ils achètent de la peinture mexicaine ou italienne, dans la veine du réalisme social. A la fin des années 1960, ils se tournent vers Vlaminck, Toulouse Lautrec, Friesz, mais aussi Monet, Sisley. Ils comprennent qu’ils sont attirés vers la couleur pure, sans savoir vraiment encore quelle est leur période préférée. L’achat de leur premier Schmidt-Rottluff est un tournant important. A partir de ce moment, le couple met en place une vraie stratégie d’achat des meilleures œuvres fauves et expressionnistes.

Umbertto Boccioni Forme Plastiche di un Cavallo 1913/1914

La plupart des peintures acquises par le couple sont considérées aujourd’hui comme des chefs-d’œuvre dignes des plus grands musées. Quelques-uns de meilleurs artistes de la fin XIXe et du début du XXe siècle sont documentés en profondeur, avec plusieurs œuvres qui s’intéressent aux différents aspects de leur travail.
Véronique Ribordy
Le commissariat de l’exposition est assuré par Jean-Louis Prat.
Le catalogue de l’exposition Van Gogh, Picasso, Kandinsky… Collection Merzbacher.
Le mythe de la couleur, reproduit en couleurs toutes les œuvres exposées.
du 29 juin au 25 novembre 2012
tous les jours de 9 heures à 19 heures

Hommage à l’absente

Photographies de Léonard Gianadda dédiées à son épouse Annette

Le 8 décembre 2011, Annette Gianadda s’est éteinte, entourée de Léonard et de leurs enfants, François et Olivier. En hommage à celle qui a été la grande rencontre de Léonard Gianadda et un pilier aussi discret qu’essentiel de ses activités, une série de portraits effectués entre 1957 et 1961 est présentée à la Fondation Pierre Gianadda, dans la galerie du Foyer. La première rencontre a lieu le 25 février 1957, au bureau de l’Association des Intérêts de Lausanne (ADIL), où Annette travaille. Léonard y vient présenter et, il l’espère, vendre les photographies de Georges Simenon qu’il a suivi durant tout un après-midi à travers Lausanne. L’histoire ne retient pas le nombre exact de clichés acquis par la Ville mais bien que Léonard et Annette se sont trouvés ; et ne se sont plus quittés. La secrétaire de l’ADIL est tout autant enthousiasmée par le photographe que par ses images. C’est à un tel point réciproque que le lendemain déjà, Léonard photographie Annette et une amie dans sa chambre d’étudiant aux murs tapissés de photographies de voyage. Dès lors, les portraits de la fiancée puis de la jeune épouse s’intercalent avec régularité entre les grands reportages effectués sur les cinq continents. Le 14 octobre 1961, dans une petite église de Lutry, Annette et Léonard se disent oui pour la vie. Le mariage est suivi d’un voyage de noces hors normes : quatre mois aux Amériques, un billet d’avion de quinze mètres, aussi haut que le premier immeuble construit par l’ingénieur-architecte à Martigny. Les deux tourtereaux commencent leur périple aux Etats-Unis, puis, d’escales en escales, ils visitent le Mexique et le Yucatan, avec ses célèbres pyramides tronquées, la région d’Atitlan au Guatemala, le canal du Panama, l’Equateur, Cuzco et Lima au Pérou, La Paz en Bolivie, Rio et Brasilia au Brésil, les Antilles… Le retour se fait par les Etats-Unis. Annette est omniprésente dans les trois albums de photographies qu’ils constituent au retour. Pour différencier les trois volumes, ils choisissent des titres mnémotechniques qui disent tout : honey – moon – trip (miel, lune, voyage).

Cecilia Bartoli et Annette et Léonard Gianadda

Présentation discrète et touchante de photos des jeunes années.
Au sous-sol une vidéo montre le couple mécène, en compagnie de Cecilia Bartoli, lors de l’inauguration d’une maison à but social à Gianadda, offerte par la Fondation Annette et Léonard Gianadda.

14 juillet 2012

Philippe Parreno à la Fondation Beyeler

L’artiste français Philippe Parreno s’est fait connaître dans les années 1990, suscitant
l’enthousiasme de la critique par une oeuvre qui recourt à une grande diversité de supports, parmi lesquels le film, la sculpture, la performance et le texte. Considérant l’exposition comme un moyen d’expression à part entière, Parreno a cherché à redéfinir l’expérience qu’elle constitue en explorant ses possibilités d’« objet » cohérent, au lieu d’en faire un assemblage d’oeuvres disparates.

Pour sa présentation à la Fondation Beyeler, Parreno propose deux nouveaux films qui
s’intègrent dans une mise en scène guidant le visiteur à travers tout l’espace de l’exposition à l’aide d’une chorégraphie de sons et d’images.
Le premier film, Continuously Habitable Zones aka C.H.Z. (2011), est lié à un territoire et
présente des vues d’un jardin noir créé au Portugal en collaboration avec un paysagiste, Bas Smets. Un paysage a produit un film, et un film a produit un paysage. Le paysage est
pérenne; il est ce que l’image rejette.

Le deuxième film, Marilyn (2012), est le portrait d’un fantôme. Il la fait apparaître au cours d’une séance fantasmagorique dans une suite de l’hôtel Waldorf Astoria de New York où elle a vécu dans les années 1950. Le film reproduit sa présence au moyen de trois algorithmes: la caméra devient ses yeux, un ordinateur reconstruit la prosodie de sa voix, un robot recrée son écriture. La morte est réincarnée dans une image.

À l’entrée du musée, chaque visiteur reçoit un DVD sur lequel il retrouvera les deux films.
Les deux films du DVD contiennent une bande-son musicale composée par le musicien Arto Lindsay. Ces versions sont différentes de celles des films de l’exposition, tout comme un souvenir peut s’éloigner de la réalité.

Une salle de la collection permanente de la Fondation Beyeler est consacrée à deux
nouvelles séries de dessins liés aux films. Une série d’une trentaine de dessins à l’encre
montre dix perspectives du paysage de C.H.Z. Une autre série comprend des textes écrits
par le robot de Marilyn sur du papier à lettres de l’hôtel Waldorf Astoria.

Textes écrits par le robot de Marilyn sur du papier à lettres de Waldorf Astoria

Dans le jardin d’hiver, à l’entrée de la salle de projection des films, sont accrochées deux
Marquees, telles des excroissances lumineuses de l’architecture de Renzo Piano.

Enfin, deux installations sonores donnent au spectateur l’impression que le musée prend vie.
La première installation fait sortir les bandes-son des films de la salle de projection pour les transporter dans le jardin d’hiver. Pour la deuxième installation, des nénuphars soniques flottent aux côtés de vrais nénuphars dans le bassin qui jouxte l’entrée du musée, laissant le son de la « bête végétale » de C.H.Z. s’échapper dans le jardin.

Philippe Parreno est né en 1964 à Oran en Algérie. Il vit et travaille à Paris. Il a présenté
récemment des expositions individuelles à la Serpentine Gallery de Londres (2010), au CCS, Bard College de New York (2010), au Centre Georges Pompidou de Paris (2009), à l’Irish Museum of Modern Art de Dublin (2009) et à la Kunsthalle Zürich de Zurich (2009).

Philippe Parreno Sam Keller Michiko Kono

Cette exposition a pour commissaires le directeur de la Fondation Beyeler Sam Keller et Michiko Kono, Associate Curator.
Pour accompagner le film C.H.Z., un nouvel ouvrage publié chez Damiani, Bologne, contient des reproductions des dessins, des arrêts sur image tirés des films, des photographies aériennes et des contributions de Philippe Parreno et de Nancy Spector, Deputy Director et Chief Curator du Guggenheim Museum, New York.
CHF 48, ISBN 978-88-6208-253-2
jusqu’au 30 septembre 2012
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
Heures d’ouverture: tous les jours de 10 h à 18 h, le mercredi jusqu’à 20h.
photos 1 2 3 courtoisie Fondation Beyeler
4 5 6 photos des photos

Miguel Chevalier l’obsédé du Pixel

C’est le thème récurrent dans le travail de Miguel Chevalier. L’idée simple qu’il veut développer, c’est « comment être de son temps » (il y parvient sans peine avec brio). A chaque époque les artistes utilisent les moyens de leur époque, ce n’est pas qu’il n’aime pas la peinture, mais il trouvait que c’était extrêmement difficile de régénérer dans les années 80, un propos fort, dans le champ de la peinture. Aussi il a préféré aller dans un terrain semi-vierge, en explorateur et présenter à l’Espace Malraux de Colmar (et dans le monde entier) une exposition, intitulée, « Power Pixels 2012 » – dans l’air du temps-, avec la sensation de vivre son époque à plein pixels, et comment développer un univers poétique avec les outils d’aujourd’hui.
Dans l’annexe « Fractal Flowers » trois sculptures de graine virtuelle extraite de l’oeuvre de réalité virtuelle Herbarius 2059 (Sculpture en stéréolithographie, résine dans boite en plexiglas transparente, (35 x 35 x 35 cm) .

Puis sur grand écran, le logiciel toujours en flux continu montre ces fleurs en mouvance, en devenir, ce n’est pas une répétition en boucle, mais un flux qui ne revient jamais, tout à fait fascinant.
Une vidéo montre le travail de Miguel Chevalier, où il dévoile les mystères de sa fabrication absolument fabuleuse.
Il a constitué lui même ses propres outils, qui n’existent dans aucun circuit du commerce. Il a su intégrer et faire siennes toutes les grandes découvertes technologiques. Il démontre comment par son travail, ses mondes virtuels peuvent régénérer les idées tout en ayant une filiation avec l’histoire de l’art. L’impressionnisme, le pointillisme, les aplats, l’illusionnisme optique, le dripping, les installations se trouvent dans ses œuvres.

Il les développe dans l’espace public de façon monumentale, permettant aux passant d’intégrer l’art et la couleur dans leur quotidien.
A l’espace Malraux, les visiteurs sont partie intégrante de l’œuvre et inter-agissent avec elle en se déplaçant. Leurs mouvement latéraux selon la distance agissent sur la
« Danse du Pixel » grâce à des capteurs, en changeant de couleurs en augmentant les pixels ou en les diminuant, une vague picturale incessante, défilant à l’infini et sans cesse renouvelée. C’est en quelque sorte un trompe l’œil, un mur mouvant, donnant l’illusion d’obéir aux visiteurs.

Une application Iphone « Bee Tag » permet de lire les messages codés en pixels.
En parallèle de l’œuvre sont montrée d’autres oeuvres telles que
« Tapisserie en laine et soie » « Pixels of Art » “Pixels Op Art » « Carré Magique ».

Son travail n’est plus fondé sur l’agrandissement de la trame comme Jacquet ou le pop art, mais sur l’agrandissement du pixel, sur la trame du pixel, devenue une écriture à part entière, une touche picturale. C’est un catalyseur de nouvelles formes d’expression qui nous aide à repenser le monde. C’est un travail absolument passionnant, fascinant et poétique.
Je vous invite à consulter son site très complet qui montre un panorama de ses œuvres, à utiliser les applications Iphone, en parcourant l’exposition.