une dilettante

« Mettre en place mon territoire
Contempler le monde
Positionner mon regard
Poser mon geste pictural
Eterniser l’éphémère »
Marie Paule Bilger

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Le choix de Marie Paule Bilger du titre, pour son exposition, à l’Espace Lézard de Colmar,  n’est pas anodin, la légèreté, la fragilité du support, l’éphémère de la floraison, pour nous rendre attentif à la beauté de la nature qui nous environne, beauté à laquelle nous ne prêtons pas suffisamment attention. Lorsque l’art si conforme, on imagine presque que c’est l’inverse.
Il y a 5 ans, elle a vu la couleur qui dégoulinait d’un verre, elle a aimé ceci et trouvé intéressant de continuer son travail en ce sens. Après les bestioles,  dit-elle, elle est revenue à la peinture. C’est en allant au Japon que ce rapport à la nature, en ayant travaillé sur l’animal auparavant, lui apparut  le même, des instants à vivre avec la nature, sa beauté.
Le choix du blanc est délibéré,  sans aucune transparence, en faisant l’expérimentation de la couleur, même sur des sacs de congélation.
Les trésors collectés dans la nature proposés sous forme d’herbiers frémissants, pour souligner la fragilité, l’éphémère des choses, mais aussi sa participation au combat écologique.
Il faut souligner autant la beauté, la délicatesse, que la qualité de son travail. Techniquement c’est une prouesse  assez exceptionnelle, c’est un travail d’anticipation, il faut peindre les premiers plans en premier, et finir par les arrières plans une technique difficile, comme celle de la peinture sous verre.
Cela montre la joie simple de la vision d’arbres en fleurs, qui emporte notre regard vers le haut, la rêverie et tout à la fois la prise de conscience de ce qu’il faut préserver. Préservation pourrait également être le thème de ses peintures sur sac de congélation.

« Vivre seulement pour l’instant, contempler la lune,
la neige, les cerisiers en fleurs et les érables rouges ;
chanter des airs, boire, se divertir et se laisser flotter
comme flotte la gourde au fil de l’eau… »
Dit du Monde flottant (Ukiyo Monogatari) d’Asai Ryoi
Dans une sorte d’herbier peint Marie-Paule Bilger représente sur cet objet industriel, courant et polluant, ce que la nature a de plus insignifiant et de plus beau à la fois : feuilles, graines, herbes, autant de choses qu’elle aime ramasser, collecter, représenter. Autant de choses tellement courantes qu’on a tendance à les oublier, à oublier qu’elles pourraient un jour disparaître, si on n’y prend pas garde, si on ne les préserve pas. Tout comme elle aime figer ses visions éphémères dans ses œuvres, Marie-Paule Bilger aime conserver ses sensations dans ces petits poèmes visant à dire l’évanescence des choses que sont les häikus.
A l’Espace Lézard, c’est déjà le printemps dans la grisaille de l’hiver.
Elle animera un atelier haïku pour les enfants de 8 à 10 ans les samedis 30 janvier et 20 février de 15 à 16 h. Places limitées sur inscription au 03.89.41.70.77.
Y ALLER du 15 janvier au 6 mars, du lundi au vendredi de 14 h 30 à 18 h 30, le samedi de 14 h 30 à 17 h 30. Entrée libre Espace Lézard, 2 bld du Champ de Mars, Colmar : 03 89 41 70 74
contact : @lezard.org/
http://www.lezard.org

photos de l’auteur
 

« Faut-il Crever pour être aimé dans le monde des étriqués ou chez les pâles sirs de Beaudrucherie »
James Ensor

Au hit-parade des artistes les plus bizarroïdes, le Belge James Ensor (1861-1949) mérite une médaille d’or. C’est en tout cas l’impression qui domine en admirant les 90 peintures et dessins réunis au musée d’Orsay. Masques grimaçants, squelettes se battant pour un hareng saur, en référence à son nom
‘Art  En Sor’, Jésus paradant à Bruxelles et des autoportraits parfois poignants : Ensor, dont les couleurs éclatantes rappellent l’impressionnisme ou le fauvisme, mais dont les sujets étranges annoncent le surréalisme avec des décennies d’avance, est inclassable dans le domaine de l’histoire de l’art. C’est un solitaire, non récupéré dans aucun mouvement. Cet isolement le rend aussi amer, critique, acerbe, voire revanchard dans sa peinture. Mais quelle leçon de peinture, les couleurs éclatantes, violentes, des tonalités crues de rouges,  jaunes,  mauves, verts,  bleus. Ses maîtres : Goya, pour le goût du fantastique, Bruegel pour les scènes de foule très détaillées. C’est un artiste de la cruauté. Sont rassemblés crânes, sculptures monstrueuses et surtout masques lui ayant appartenu. Les carnets et croquis permettent d’approcher l’univers burlesque d’Ensor.
Ensor a réalisé 112 autoportraits, lequel choir pour illustrer mon propos ?  Narcisse, ambiguë, chapeau fleuri, où il n’hésite pas à se ridiculiser, le pisseur, gravure où il est de dos et se soulage contre un mur, ou encore, l’entrée du Christ à Bruxelles, s’identifiant au martyr en proie aux critiques. Et comme s’il défiait la mort  dans beaucoup de toiles il se montre plusieurs fois sous forme de squelette. Novateur il a introduit les graffitis dans la peinture. Il participe à l’élaboration de son propre mythe. Il peint lors de ses débuts dans l’indifférence générale.
Il s’inspire de la boutique maternelle, un bric-à–brac baroque de coquillages, de chinoiseries, de souvenirs, de curiosités, des tenues  de sa grand’mère. Scatologique, (eau-forte, le roi au centre, l’armée bourgeoise à droite, le clergé à gauche, nourrissent le peuple de leurs excréments) satirique, agressif, étrange
« J’ai donné un style libre,(….) reflétant mes mépris,
mes joies, mes peines…) »

 Il s’exerce aussi à faire vibrer la lumière dans ses toiles,
en peignant un univers brûlant, fantastique, grimaçant,
caricatural, une symphonie de couleurs tranchées.
Ses sujets, les natures mortes, la musique, la médecine,
la mise en scène de ses critiques et détracteurs.

Soudain reconnu, à la fin de sa vie, nommé baron par le roi,
il n’est pas dupe, mais apaisé Il assiste en 1930 à l’inauguration
d’un monument à sa gloire. Une radio annonce par erreur son
décès, en 1942 il va se recueillir devant sa propre statue.
Musée d’Orsay jusqu’au 4 février 2010
scan provenant du catalogue

Le Musée allemand Von-der-Heydt de Wuppertal (Rhénanie-du-Nord-Westphalie) et le Musée Marmottan-Monet, à Paris, ayant conclu un accord, chacun accueille une cinquantaine d’oeuvres prêtées par l’autre. Des Monet sont partis en Allemagne. En échange, Marmottan présente une anthologie des avant-gardes allemandes de la première moitié du XXe siècle et ceci jusqu’au 20 février 2010
Trois ensembles se distinguent : celui du groupe Die Brücke (« le pont »), fondé à Dresde en 1905, et dont Ernst Ludwig Kirchner fut le héros ; celui du Blaue Reiter (« le cavalier bleu »), qui s’est créé à Munich en 1911 autour de Vassily Kandinsky et de Franz Marc ; et, dans les années 1920, la nouvelle objectivité, qu’incarne Otto Dix.
D’emblée on est saisi par la profusion, presque l’agression des couleurs,  des nuances d’orange et de rouge, des tourbillons de courbes bleues, des ciels jaunes pâles, des obliques outremers, des triangles coupants. La raillerie, l’ironie, le sacrilège sont sous-entendus. C’est une occasion rare d’admirer des toiles de premier plan.
Voici ce qu’en dit Philippe Dagen
 » Pour Kandinsky, Jawlensky, Marc ou encore August Macke, la couleur est exaltation. Lyrique, panthéiste, elle célèbre les filles fleurs, les couchants, une nature pure. Ces peintres sont beaucoup plus proches de Monet, qui les reçoit, que ne le sont Kirchner et les siens, qui se placent sous l’autorité d’Edvard Munch. Opportunément, celui-ci ouvre le parcours : un terrible portrait de jeune fille vêtue et chapeautée de rouge, allégorie de l’angoisse. « 

Edvard Munch (1863-1944)Jeune fille au chapeau rouge, vers 1905
« La concentration expressive et tendue de la forme et les couleurs saturées à dominantes rouge et noir confèrent à ce portrait d’enfant un sentiment d’angoisse et une évocation particulièrement pessimiste et inquiète dela destinée humaine. (…) Ce portrait peint avec une extrême économie de moyens témoigne d’une grande hardiesse plastique. » [Christine Poullain]


Un vrai choc :
Emil Nolde (1867-1956) Le Pont, 1910
Un pont qui, pourrait être peint par Monet, où les violets du pont et les jaunes de l’eau se juxtaposent comme dans une leçon sur les couleurs complémentaires, un parapet bleuté, sous un ciel rose, avec des flammèches rougeoyantes parsemé de bleu, qui forme une perspective avec l’eau dans les mêmes pigments , le vert de la forêt et le rivage 
À la Beauté , 
« L’Hommage à la Beauté d’Otto Dix, tableau de 1922, met en spectacle avec ironie cette défaite et cet effacement de l’Expressionnisme. Le peintre en personne est au centre. Costume élégant, toilette soignée. Ce dandy tient dans une main l’écouteur d’un téléphone. Arrière-fond, un décor artificiel de style néo-classique, avec un salon de danse où un musicien noir rythme du jazz à la batterie. »  [Lionel Richard)à la laideur
Otto Dix (1891-1969) Leonie, 1923 est une lithographie en couleurs
L ’image est une caricature, Léonie est laide, c’est du pur réalisme, le visage est détaillé au scalpel, sans complaisance, de savant glacis et rehauts rouges  en font un portrait saisissant annonciateur des troubles à venir.



Kees Van Dongen (1877-1968)
Nu de jeune fille, 1906
 « Ce tableau montre une femme nue, de face, à mi corps, dont la nudité sensuelle et librement dévoilée est mise en valeur par une lourde chevelure qui la révèle et l’encadre, peinte dans des accords chromatiques audacieux bleu sombre et rouge, qui contrastent avec la clarté lumineuse du corps aux formes généreuses et à l’insolence heureuse. » [Christine Poullain]
Alexej von Jawlensky (1864-1941)
Les Yeux noirs, 1912
 « Die Schwarzen Augen montre en miroir dans un visage dessiné par de larges cernes noirs comment l’artiste met en correspondance la réalité du monde extérieur et sa vision intérieure. Libéré de tout élément accessoire, le visage de la femme aux yeux noirs n’exprime que le nécessaire, impérieux semble-t-il, son regard tendu et profond renforcé par le rouge des joues, le jaune du front, devenu sujet même du tableau. » [Christine Poullain]Alexej von Jawlensky (1864-1941) Jeune fille aux pivoines, 1909
 « Mädchen mit Pfingstrosen montre le portrait à mi-corps d’une femme à l’expression méditative, la tête légèrement penchée sur le côté, les yeux mi-clos. La couleur de sa veste et de son chapeau posée en larges touches et hachures rouge vif semées de petits points noir et blanc entre en harmonie dissonante et puissante avec le vert jaune de son visage et de ses avant-bras et le vert acide du fond. Il émane de ce portrait aux tons stridents, et de manière paradoxale, une intériorité silencieuse qui évoque fortement la nécessité spirituelle prônée par Kandinsky. » [Christine Poullain]
–––
Il faudrait tous les citer, Kandinsky, Pechstein, Nolde, Jawlensky, Münter, Marc et Macke, Felixmüller, Dix et Grosz, Max Beckmann, Delaunay, Karl Schmidt-Rottluff, Eberslöh, Oppenheimer, Kees van Dongen, Heckel, Dufy, Müller, Kokoschka, Kirchner, Morgner, Georges Braque, qui nous enchantent et nous abreuvent par le lyrisme des couleursA l’origine du musée se trouvent les collections privées de deux cités prospères de la sidérurgie et du textile, Elberfeld et Barmen, qui fusionnent en 1929 seulement pour fonder Wuppertal. En achetant largement, en organisant des expositions, en conjuguant leurs forces, les banquiers von der Heydt et les industriels locaux défendent très tôt l’art de leur temps. Ils exposent même les Munichois du Blaue Reiter dès 1910, avant la fondation du mouvement. Rien d’étonnant : à Essen, Düsseldorf ou Cologne, il en va de même. Les collectionneurs, dans l’empire de Guillaume II, sont infiniment plus actifs et avant-gardistes que ceux de notre IIIe République – y compris pour ce qui est du postimpressionnisme et du fauvisme parisiens. En 1914, il y a des Dufy, des Van Dongen et des Braque à Wuppertal. Il n’y en a pas un dans un musée français.
Cette tendance se maintient constamment jusqu’en 1933. Le nazisme lui est fatal. Il y a d’abord les saisies de la campagne contre l’art dit « dégénéré », puis les destructions de la guerre. Insultes, pillages, bûchers : de 1937 à 1945, le Musée de Wuppertal perd 1 680 oeuvres, dont 531 sont détruites.
Dès 1910, longtemps avant qu’Elberfeld et Barmen ne soient réunis pour former la ville actuelle de Wuppertal, le musée d’Elberfeld et le Barmer Kunstverein commencèrent à exposer et collectionner les oeuvres des expressionnistes et de leurs successeurs. Des dons importants de collectionneurs privés, au premier rang desquels August et Eduard von der Heydt, vinrent enrichir ces fonds. En dépit des nombreuses pertes occasionnées par les confiscations d’oeuvres « dégénérées » par le régime nazi en 1937-1938, l’actuel musée Von der Heydt peut s’enorgueillir, grâce à des dons et acquisitions significatives, de posséder à nouveau une collection exceptionnelle d’art expressionniste. Les oeuvres des représentants de la Nouvelle Objectivité constituent un autre point fort des collections. (source musée marmottan)

Aller au musée Tinguely, est un plaisir sans nom, un cheminement vers l’art. Depuis le Schifflände, vous empruntez un petit chemin qui grimpe à travers des boutiques anciennes, aux vitrines de scribes, qui présentent des plumes anciennes, des plumes d’oies authentiques, des encriers de collections, dans le quartier de l’ancienne université de mathématiques, aux villas bourgeoises, à la hauteur de la cathédrale, gothique comme la cathédrale de Strasbourg, vous descendez les hautes marches des escaliers, pour aller jusqu’à l’embarcadère situé en contrebas, au bord du Rhin. Là vous prenez le bac, qui à la force du courant, par un ingénieux système de filin, vous transporte sur l’autre rive. Puis vous cheminez au bord du Rhin, en croisant, joggueurs, poussettes, amoureux, passants, arrivés au Parc de la Solitude, une sculpture de Niki de St Phalle, puis le bassin avec la fontaine de Tinguely, vous avez le choix,  vous faites une pause au bistrot chez « Jeannot » (entendez par là Tinguely) pour attaquer de pied ferme le musée Tinguely.
 L’exposition actuelle est consacrée à Robert Rauschenberg et à sa complicité avec Jean Tinguely et Niki de St Phalle.
«J’éprouve de la sympathie pour les objets abandonnés, je fais donc de mon mieux pour les sauver.»

Rauschenberg nourrissait de fait une affection viscérale pour ce type de détritus.
Le Museum Tinguely présente jusqu’au 17 janvier 2010 une série d’œuvres en métal peu connues de Robert Rauschenberg. Adepte du recyclage, Rauschenberg a inventé de nouvelles manières d’utiliser ce que les autres jettent au rebut, donnant aux détritus une seconde vie extrêmement révélatrice. Dans son studio jonché d’objets disparates, il a choisi une approche sans détour en créant les Gluts (1986–89 et 1991–95), sa dernière série de sculptures. Pendant près de dix ans, Rauschenberg s’est régulièrement rendu au Gulf Iron and Metal Junkyard, situé non loin de chez lui, près de Fort Myers, en Floride, dans le but d’y collecter des éléments métalliques comme des panneaux de circulation, des pots d’échappement ou des grilles de radiateurs. Il a ensuite incorporé ces éléments à ses assemblages poétiques et pleins d’humour, où l’ensemble devient plus important que la somme des parties.
L’exposition a été organisée par la Collection Peggy Guggenheim à Venise, où elle fut montrée pour la première fois pendant l’été 2009. Elle rend hommage à cet artiste de génie un an après sa mort. Le commissariat de l’exposition a été assuré par Susan Davidson, conservatrice au musée Guggenheim de New York, et David White, conservateur à l’Estate of Robert Rauschenberg. Parallèlement à Gluts, le Musée Tinguely présente une exposition consacrée à la collaboration entre Robert Rauschenberg et Jean Tinguely au début des années 1960.
A propos de la série Gluts, Susan Davidson raconte que, dans les années 1980, le travail artistique de Rauschenberg s’est de plus en plus orienté vers l’exploration des propriétés visuelles du métal. Qu’il s’agisse d’assembler des objets métalliques glanés à droite, à gauche ou d’expérimenter de nouvelles manières de sérigraphier ses photographies sur des supports en aluminium, en acier inoxydable, en bronze, en laiton ou en cuivre, Rauschenberg cherchait à exploiter les possibilités des matériaux: réflexion, texture, sculpture et développement de thématiques diverses. Les premières œuvres créées dans cette nouvelle matière sont les Gluts. La série a été inspirée par une visite à Houston à l’occasion de l’exposition « Robert Rauschenberg, Work from Four Series: A Sesquicentennial Exhibition », organisée au musée d’Art contemporain de la ville. Au milieu des années 1980, l’économie du Texas était en pleine récession en raison d’une surabondance (glut en anglais) de l’offre sur le marché pétrolier. Rauschenberg a pris conscience de la misère économique de la région tandis qu’il collectait des panneaux de stations essence et des éléments automobiles et industriels endommagés qui jonchaient le paysage. À son retour à son studio, sur l’île de Captiva, en Floride, il a transformé ces détritus métalliques en reliefs muraux et en sculptures qui rappellent les pièces des Combines. Lorsqu’on l’interrogeait sur la signification de Gluts, Rauschenberg répondait:

«Nous vivons à une époque de surabondance. L’avidité est sans limite. Je ne fais que l’exposer, j’essaie de réveiller les gens. Je veux simplement confronter les individus avec leurs ruines […] Les Gluts sont des sortes de souvenirs sans nostalgie. À mes yeux, elles doivent permettre aux gens de regarder tout objet du point de vue des potentialités qu’il contient.»

Rauschenberg a choisi ces objets non seulement pour leur dimension quotidienne, mais aussi pour leurs propriétés formelles. Pris individuellement ou collectivement, ces matériaux constituent la base même de son langage artistique.
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