ON PHOTOBOOKS Soirée dédiée aux livres photos Samedi 3 septembre 17H à Motoco bât.75
Pour son finissage, la BPM – Biennale de la Photographie de Mulhouse propose une soirée dédiée aux livres photographiques avec
le lancement des livres d’Anna Meschiari
et de Vincent Delbrouck, suivi d’une table
ronde et de la projection Before Instagram
de Philipp Anstett.
Vincent Delbrouck, CATALOGUE 17h – 18h
BOOK LAUNCH / LANCEMENT DE ARE WE ALONE ?
d’Anna Meschiari auto-édité, issue de sa recherche et exposition à Mulhouse
– avec les Bibliothèques-médiathèques de Mulhouse et le soutien
de Pro Helvetia dans le cadre de la BPM 2016 BOOK LAUNCH / LANCEMENT DE CATALOGUE de Vincent Delbrouck
auto-édité, issue de la résidence et exposition à Mulhouse
– Mulhouse Art Contemporain et Association
l’agrandisseur dans le cadre de la BPM 2016
18h – 19h TABLE RONDE SUR LES MODELES D’EDITIONS
Des milliers de livres photos sont auto-édités chaque année,
chaque photographe possède un ordinateur et il est facile de
produire un livre sur Internet, l’impression numérique
étant désormais accessible à tout le monde. Ce phénomène
a fait monté en puissance le créativité liée au livre photo,
médium à part entière. L’émergence des livres auto-édités a fait apparaître de nombreuses expérimentations sur les combinaisons
d’images et les agencements, Vincent Delbrouck et
Anna Meschiari en témoigneront. En parallèle,
des maisons d’édition photographiques adoptent une ligne éditoriale
exigeante et pointue comme cela est le cas pour
Poursuite édition ou Médiapop Edition. TABLE RONDE SUR LES MODELES D’EDITIONS Vincent Delbrouck, CATALOGUE,
Anna Meschiari, ARE WE ALONE ?,
Pascal Amoyel, NOT ALL, Poursuite édition, Arles
Philip Anstett, BEFORE INSTAGRAM, Médiapop Edition, Mulhouse.
Philippe Schweyer, Médiapop Edition, Modérateur : Dominique Bannwarth, pour Mulhouse Art Contemporain, partenaire de la BPM 2016
Suivi par la projection Before Instagram de Philipp Anstett Photographies issues du livre paru chez Médiapop édition, des inédits et ++++ VISITES COMMENTEES DES EXPOSITIONS EN PRESENCE DES PHOTOGRAPHES Samedi 3 septembre 11H Bibliothèque Grand’Rue
Visite de l’exposition Are We alone ? par la photographe Anna Meschiari Dimanche 4 septembre 15H Musée des Beaux-arts de Mulhouse
Visite de l’exposition « L’autre et le même » avec les
photographes Vincent Delbrouck et Pascal Amoyel. INFORMATIONS PRATIQUES L’AUTRE ET LE MÊME Musée des Beaux-Arts Mulhouse 4 juin – 4 septembre
DELPHINE BEDEL (NL), VINCENT DELBROUCK (BE), LIVIA MELZI (BR), PASCAL AMOYEL (FR), YAAKOV ISRAEL (IS),
EMILIE SAUBESTRE (FR), ARCHIVES DE PAUL-RAYMOND SCHWARTZ (FR), ARCHIVES HÉLÈNE DISERENS (CH) Commissariat d’exposition : Anne Immelé
4 Place Guillaume Tell, 68100 Mulhouse Tel : 03 89 33 78 11
Ouvert tous les jours, sauf mardis et jours fériés de 13h à 18h30 ARE WE ALONE ? Bibliothèque Grand-Rue Mulhouse 4 juin – 3 septembre ANNA MESCHIARI (CH) Commissariat d’exposition : Marie Du Pasquier
19 Grand Rue, 68100 Mulhouse Tel : 03 69 77 67 17
Ouvert du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 14h à 18h
Les samedis de 10h à 12h et de 14h à 17h30 Motoco 13 rue de Pfastatt 68200 Mulhouse
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Les derniers jours jusqu’au’18 juillet 2016 Cette exposition est organisée par la Réunion des musées nationaux – Grand Palais et la Fondation Calouste Gulbenkian.
Amadeo de Souza-Cardoso Titre inconnu (Coty) vers 1917 technique mixte 94 x 76 cm Lisbonne, CAM / Fundação Calouste Gulbenkian Photo Paulo Costa En 1908, lorsqu’il s’installe à la Cité Falguière (Montparnasse),
il se lie avec certains artistes qui, comme lui,
se situent en marge des mouvements programmatiques,
notamment Modigliani et Brancusi. Le petit village de Manhufe au Nord du Portugal, imprègne
l’univers visuel d’Amadeo et se retrouve au long des multiples étapes de son travail. Il ne s’agit pas seulement de paysages
ou de représentations de la nature ; ce lieu renferme ce qu’Amadeo considère comme sien, un paysage naturel
mais aussi mental. Il intègre dans tout son processus créateur ce qui pourrait être perçu comme des thèmes traditionnels :
objets du quotidien, paroles de chansons populaires et poupées folkloriques, instruments de musique régionaux,
montagnes, forêts, châteaux imaginaires et intérieurs familiers.
Ces éléments sont représentés selon des solutions stylistiques où se combinent cubisme, futurisme, orphisme et expressionnisme.
La seconde édition de la BPM, Biennale de la photographie
de Mulhousese tient
jusqu’au 4 septembre 2016. Direction artistique : La direction artistique de cette manifestation est confiée
à Anne Immelé, photographe et Docteur en art.
Anne Immelé exerce une activité de commissariat d’exposition,
qui prend appui sur les recherches théoriques, engagées depuis son Master en Arts Visuels à l’Université
Laval de Québec, Canada (1997) et une thèse de Doctorat en Arts, soutenue en 2007 à l’Université
de Strasbourg. En 2015 est paru Constellations photographiques aux éditions médiapop. Anne Immelé, vit et travaille dans l’espace Rhénan, elle enseigne à la HEAR, Haute école des arts du Rhin. Musée des Beaux-arts Mulhouse une visite guidée par Anne Immelé le 17 juillet
Vincent Delbrouck
Une édition spéciale de NOVO que vous pouvez consulter en ligne ici est consacrée à la BPM La BPM initie un parcours photographique entre
les communes de Hombourg, Ottmarsheim et Chalampé avec des photographies installées dans l’espace public.
La BPM est un festival transfrontalier (France, Allemagne, Suisse)
dont la volonté est de défendre la photographie contemporaine
autour d’un temps fort et fédérateur.
La BPM présente des artistes internationaux ainsi que
des nouveaux talents autour d’un thème qui se renouvelle
lors de chaque édition.
Le thème de cette édition est « l’Autre et le même ».
Pensée comme une invitation au voyage, cette manifestation permet
au spectateur de se questionner sur le rapport à l’Autre,
aux territoires et à la découverte.
La BPM invite aussi des photographes en résidence.
En 2015, elle a organisé deux résidences, Pascal Amoyel
celle de Pascal Amoyel et celle de Vincent Delbrouck
(en partenariat avec Mulhouse Art Contemporain).
Leurs photographies sont exposées pendant la BPM.
La BPM offre la possibilité à des jeunes photographes de faire une première exposition individuelle. Vincent Delbrouck
C’est aussi le cas, en 2016 pour Anna Meschiari
et pour Rebecca Topakian.
Pascal Amoyel Programmation BPM Pascal Amoyel, Delphine Bedel, Vincent Delbrouck, Alicja Dobrucka, Yaakov Israel, Marc Lathuilliere, Franck Pourcel, Anna Meschiari, Livia Melzi, Rebecca Topakian, Emilie Saubestre, Archives de Paul- Raymond Schwartz et d’Hélène Diserens. Yaakov Israel Programmation associée
Katrin Bauer & Yannic Heintzen, Axel Hoedt, Sarah Lena Meierhofer, Alisa Resnik,
à la Filature jusqu’au 10 juillet, Anne-Sophie Stolz,
Petra Warrass. Musée des Beaux-arts Mulhouse une visite guidée par Anne Immelé le 17 juillet
Livia Melzi
jusqu’au 4 septembre
L’AUTRE ET LE MÊME
les sites des artistes DELPHINE BEDEL (NL), VINCENT DELBROUCK (BE), LIVIA MELZI (BR), PASCAL AMOYEL (FR), YAAKOV ISRAEL (IS), EMILIE SAUBESTRE (FR),
ARCHIVES DE PAUL-RAYMOND SCHWARTZ (FR),
ARCHIVES HÉLÈNE DISERENS (CH) 4 Place Guillaume Tell, 68100 Mulhouse Ouvert tous les jours, sauf mardis et jours fériés de 13h à 18h30 Du 1er juillet au 31 août : de 10h à 12 h et de 13h à 18h30 03 89 33 78 11
a
a Bibliothèque Grand-rue Mulhouse
– 4 septembre ARE WE ALONE ? ANNA MESCHIARI (CH)
Commissariat d’exposition : Marie Du Pasquier 19 Grand Rue, 68100 Mulhouse A partir du 4 juillet jusqu’au 3 septembre : Ouvert du mardi au vendredi de 10h à 12h et de 14h à 18h Les samedis de 10h à 12h et de 14h à 17h30 03 69 77 67 17
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The Selected Gifts, 1974-2015 – Première présentation d’un travail photographique en plusieurs parties de l’artiste américaine Roni Horn à la Fondation Beyeler 11 juin 2016 – 1 janvier 2017 Roni Horn, The Selected Gifts, (1974–2015) (detail), 2015-2016, 67 photographs, 13 x 13 / 19 inches (width variable), Courtesy the artist and Hauser & Wirth
C’est en deux étapes que la Fondation Beyeler se consacre cette année à l’œuvre polymorphe de l’artiste américaine Roni Horn. On pourra, à partir du 11 juin 2016, voir pour la première fois dans le Souterrain The Selected Gifts, 1974-2015, (lire en ligne) un travail photographique de l’artiste composé de nombreux éléments. Le 1er octobre, l’exposition Roni Hornouvrira ses portes, prolongeant ainsi la présentation du mois de juin. Cette exposition restera en place jusqu’au 1er janvier 2017.
Depuis le début de sa carrière à la fin des années 1970, Roni Horn, née à New York en 1955, utilise des moyens d’expression d’une grande diversité visuelle et matérielle : elle réalise des dessins, des photographies, des textes, des livres d’artiste et des sculptures. Certains thèmes reviennent dans un grand nombre de ses travaux. Citons avant tout la question de la faculté de transformation et de la pluralité de l’identité, ainsi que la démonstration par des moyens artistiques des divergences entre l’essence des choses et leur aspect visuel. Roni Horn accorde toujours une fonction majeure à la manipulation délibérée et en même temps ludique du langage et du texte. détail The Selected Gifts, 1974-2015, une œuvre rassemblant 67 photographies différentes, est présentée pour la première fois depuis le 11 juin 2016. Comme son titre suffit à l’indiquer, il s’agit de clichés de cadeaux que Roni Horn a reçus au cours des 40 dernières années, approximativement depuis le début de sa carrière artistique. Ils regroupent aussi bien des livres, qu’une lettre d’amour, des dessins et des photos d’amis, un œuf de dinosaure fossilisé ou un cygne empaillé. Ils sont immortalisés isolément par la photographie, fixés par un regard « objectif » et tirés dans cinq formats de hauteur identique (33,0, 35,6, 40,6, 45,7 ou 48,3 x 33 cm). À quelques exceptions près, ces objets si divers sont reproduits grandeur nature. Les photographies des cadeaux sélectionnés ont une fonction documentaire. En même temps, elles constituent – surtout considérées dans leur intégralité – un portrait possible de l’artiste, reflété par le choix des donateurs.
L’exposition Roni Horn, que l’on pourra voir parallèlement à la présentation des Selected Gifts, 1974-2015à partir du 2 octobre 2016, réunit des ensembles d’œuvres choisis, nouveaux pour certains, qui englobent son œuvre aussi bien dessinée que sculptée. Cette exposition est conçue dans un dialogue étroit entre Roni Horn et Theodora Vischer, Senior Curator de la Fondation Beyeler, et est élaborée tout spécialement pour les locaux du musée.
Fondation Beyeler,
Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen Heures d’ouverture de la Fondation Beyeler:
tous les jours 10h00–18h00, le mercredi jusqu’à 20 h
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Dirigée depuis peu par Léa Guzzo, la Fondation François Schneider
(podcast sur France Inter) provoque l’imaginaire grâce au fil conducteur
de sa programmation : l’eau. Cette exposition sera sans nul doute
source de nouveaux regards sur cet élément. Elle est accompagnée
d’un magnifique catalogue de 104 pages. L’eau est le fil
conducteur de notre programmation. suite :
Harry Gruyaert n’a réalisé que tardivement que le littoral l’avait attiré toute sa vie, au point de réunir ses rivages dans un livre plusieurs fois réédité.
Harry Gruyaert ,France, Baie de Somme, Fort Mahon plage, 1991 Harry Gruyaert : Belge, pionnier de la couleur dans la
photographie documentaire, membre de la coopérative
Magnum Photos, son livre Rivages qui est un
bestseller comme son exposition rétrospective à la
Maison européenne de la photographie. Les sujets lui
importent moins que de voir le paysage comme un
matériau à organiser dans le cadre. Naoya Hatakeyama :
Un des rares photographes japonais à travailler en
couleur, amateur de paysages industriels et
urbains, il est représenté dans de
prestigieuses collections. Ce travail est une
commande réalisée entre Crau et Camargue,
deux paysages voisins de la côte
méditerranéenne, dont il a comparé les
vapeurs industrielles, et les paysages de
marais, à la demande des Rencontres
d’Arles.
Pour lutter contre la douleur de l’âme, Arno Rafael Minkkinen inflige toute sorte de postures à son corps, dans une recherche de beauté absolue qui n’aurait que la nature pour équivalent. Arno Rafael Minkinnen : Une vie d’autoportraits, toujours réalisés
seul, pour démontrer à sa mère la beauté de son corps, alors qu’elle l’a
rejeté pour être né avec un bec de lièvre. L’alliance passée avec la
nature, notamment de sa Finlande natale, constitue une oeuvre
gigantesque, aussi magnifique que sourdement douloureuse, qui nous
réjouit mais dont on peut douter qu’elle l’apaise.
Ce n’est que quarante ans après l’avoir inventée que Brian Griffin a trouvé le parfait usage de sa machine à faire des portraits à travers l’eau. Brian Griffin : Très grand portraitiste à l’humour pince sans
rire, cet Anglais n’a cessé de bousculer le genre du portrait pour
des commandes d’entreprises aussi bien que de pochettes de
disques rock et pop. Son contact hors du commun lui permet
d’obtenir de ses sujets les poses les plus incongrues. Sa réponse
à la commande passée par la société gestionnaire de l’eau en
Islande n’échappe pas à sa fantaisie. Gonzalo Lebrija propose une promenade en voilier, dont on ne sait où la dérive nous mène en l’absence de barreur.
une vidéo Gonzalo Lebrija : La mer est paisible, le vent modéré,
tout semble calme. Jusqu’où et pourquoi ce bateau
dérive-t-il sans barreur ? C’est la question fascinante
et peu à peu angoissante posée par la vidéo de cet
artiste mexicain aux multiples talents de plasticien. Pourquoi 2 billets ? parce qu’il est difficile de choisir entre les différents artistes, parce qu’ils sont tous de grande qualité, et je vous invite à découvrir
leurs autres photos exposées à la Fondation François Schneider.
Fondation François Schneider, 27 rue de la Première armée, 68700 Wattwiller, France
info@fondationfrancoisschneiner.org – 03 89 82 10 10 Autour de l’exposition….
2. Visites commentées en français et en anglais
Visite du dimanche à 15 h en français et 16h30 en Anglais (sur inscriptions à
info@fondationfrancoisschneider.org)
Les dimanche 10 juillet, 24 juillet, 21 août et 11 septembre 2016.
Tarifs : Visite gratuite pour l’achat d’une entrée (tarifs plein, réduit ou gratuit).
3.Nuit des étoiles
Le samedi 5 août de 21h à 23h
21h visite commentée de l’exposition photographique Eaux troubles, Eaux calmes en écho à la Nuit des Etoiles et dès 22h installez-vous sur notre terrasse et laissez-vous happer par la lumière fulgurante des étoiles filantes ! Sur réservation uniquement à info@fondationfrancoisschneider.org
Tarifs : Visite gratuite pour l’achat d’une entrée (tarifs plein, réduit ou gratuit).
4. Ateliers
Le jeudi 28 juillet : ateliers enfant (6-12 ans) 14h-16h suivi d’un goûter
Sur réservation uniquement à info@fondationfrancoisschneider.org
Tarifs : 3 euros
Le dimanche 14 août : une visite ludique + atelier destinés aux enfants et aux adultes accompagnants de 14h-17h avec un goûter
Tarifs : Visite gratuite pour l’achat d’une entrée (tarifs plein, réduit ou gratuit) + 3
euros pour l’enfant
5. Journée événement Le jeudi 14 juillet : En attendant le Feu – Venez passer une journée à la Fondation !
Tarifs : Visite gratuite pour l’achat d’une entrée (tarifs plein, réduit ou gratuit)
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Jusqu’au 11 septembre 2016 à la Fondation François Schneider à Wattwiller
1ere partie
Des artistes d’exception :
Exposition de photographies et vidéo de Philippe Chancel, Lucien Clergue, Jean Gaumy, Brian Griffin, Harry Gruyaert, Naoya Hatakeyama, Mazaccio & Drowilal, Arno Rafael Minkkinen, Gonzalo Lebrija, Martin Parr, Hiroshi Sugimoto, Alain Willaume. « L’eau est l’élément constitutif de la vie. Impure elle en devient effrayante, absente elle peut être l’objet de conflits, généreuse elle est réjouissance et abondance. Cette contradiction accompagne sa nature essentielle. Pour l’artiste qui cherche une dimension poétique dans la photographie ou la vidéo, l’eau est un matériau difficile, un véritable défi. Là encore on a à faire à une dualité : l’eau, laneige, la brume, la cascade, la vague, sont graphiquement trop plates, trop fluides, trop lisses, pour devenir matière visuelle, autre que de belles images de nature qui n’affirment pas la singularité d’un regard et que l’on caricature sous l’appellation “cartes postales”. Cette exposition confronte le regard de 12 grands artistes, photographes et vidéastes, qui dépassent ces difficultés dans des essais visuels où l’eau, liquide, solide ou gazeuse, joue un rôle de premier plan. Documentaires, introspectifs, graphiques, contemplatifs, ces différents projets montrent une diversité étonnante d’utilisation de cet élément si familier qui devient ici un acteur exceptionnel de l’image. En photographie tous les sujets sont bons. Les plus difficiles sont ceux qui s’éloignent de l’événement ou de la représentation en trois dimensions, les plus virtuoses sont ceux qui traitent de l’immatériel. Ces deux aspects sont réunis ici autour d’artistes d’exceptions qui nous font osciller d’eaux calmes en eaux troubles et inversement.» François Hébel, Commissaire de l’exposition
(textes de ) Sur les côtes japonaises la mer a fait des ravages, ce dont témoigne Philippe Chancel mêlant photos spectaculaires et leur géolocalisation. Philippe Chancel Fukushima, Fukushima, 2011
Philippe Chancel : Après avoir longtemps documenté le monde de l’art,
ce photographe français cherche de nouvelles formes de traduction visuelle de régions du monde elles-mêmes particulières. Tous ses projets remportent un grand succès sous forme de livres et d’expositions, Corée du Nord, pétromonarchies et ici le tsunami qui a frappé le Japon. Les photos sont accompagnées de leur géolocalisation, confrontant ainsi la brutalité des faits à l’enjeu planétaire.
Les nus de Lucien Clergue surgissant de l’eau ou séchant au soleil de la Camargue
ont ému plusieurs générations. Lucien Clergue (expo au Grand palais en février 2016) : Ses nus en Camargue ont connu un très grand succès
dans les années 1960. Ils étaient l’illustration d’une joie de vivre et
d’une libération des meurs. Picasso dessina les couvertures de ses
premiers livres où ces photos illustraient des poèmes de Paul Eluard.
Fondateur des Rencontres de la photographie d’Arles, il est le premier
photographe français à être devenu membre de l’Institut de France. Martin Parr a connu son premier succès avec ses photos noires et blanches d’Anglais sous la pluie, confirmé avec ses photos en couleurs des plages populaires qui l’ont rendu célèbre.
Martin Paar, François Hébel, commissaire de l’exposition
Martin Parr (expo à la Filature de Mulhouse): L’humour sur ses contemporains a rendu
célèbre et très influent ce photographe anglais, membre de
Magnum Photos, qui se qualifie lui-même de “middle class
photographer” car il ne se distingue pas de ses sujets :
britanniques dans les intempéries ou sur les plages
populaires proches de Liverpool.
Le minimalisme des horizons marins d’Hiroshi Sugimoto est désormais un temps fort de l’histoire de la photographie.
Hiroshi Sugimoto, Mer celtique, Boscastle,1994
Hiroshi Sugimoto : Japonais, un des photographes
contemporains les plus admirés notamment pour ses
horizons marins, et ses salles de cinéma à l’écran immaculé.
Le dépouillement et la pause longue des prises de vue confèrent à ses photographies une grande plénitude.
Hiroshi Sugimoto évoque son apaisement dans la contemplation de la rencontre entre l’air et l’eau.
Alain Willaume démontrela cohérence du territoire européen qui confine à l’océan ou à de grands lacs dans ses nombreuses extrémités. Alain Willaume : Pendant trois ans à bord d’un camion, ce grand voyageur
membre du collectif
Tendance Floue, est allé à la rencontre des extrémités
de l’Europe, constituées en grande partie par les mers.
Son univers semble transformer la banalité en des
décors cinématographiques où l’on attendrait en vain
que la scène se joue. Les découpages dans les magazines people et les montages de Mazzacio et Drowilal constatent avec un oeil amusé combien la presse aime faire rimer célébrités et loisirs au bord de l’eau. Mazzacio et Drowilal : Ce couple de jeunes artistes
français, dont le pseudonyme semble être un nom de
scène, s’amuse de la redondance des situations dans
lesquelles la presse people montre les célébrités en
vacances, en jouant sur le comique de répétition dans
cette série de photomontages : surf, belles villas sur
des îles minuscules, golf… L’accumulation banalise
l’exceptionnel. C’est du travail que Jean Gaumy témoigne à travers la dureté de la vie de pêcheur, affirmant que l’on ne peut bien photographier la mer que lorsqu’elle est démontée.
Jean Gaumy, A bord du chalutier français «Koros» Jean Gaumy : Convaincu que seule une mer
démontée permet de montrer la difficulté du
métier de pêcheur en haute mer, ce membre de
Magnum Photos, qui a aussi photographié et filmé
dans des sous-marins, a reçu plusieurs prix pour la
publication de ce travail. Il a été nommé, pour son
travail de photographe, membre de l’Académie des
Beaux-Arts en 2016. à suivre …
je ne sais pas pourquoi certains textes refusent d’adopter la couleur
noire que je leur ai attribuée.
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Mulhouse Art Contemporain, dont le président est Dominique Bannwarth,
ouvre le bal d’ OFF16, avec CYRIELLE TASSIN. Cette exposition est présentée parallèlement à la Biennale de la Photographie de Mulhouse.
Présentée au marché: « OBSOLESCENCE », qui vient d’obsolète, figure de ces villes absurdes. Un agencement de blocs neutres rythme l’image de l’urbanisme d’hier ou de demain. De cette toundra, une ville émerge, entre fiction futuriste et agencement inexploitable réellement. Comme une solution envisagée de nos villes futures, entre pessimisme et volonté de trouver un concept de ville nouvelles, ces concepts tendent vers l’absurdité.
L’obsolescence, une ville établie qui perd déjà tout son sens. Dans une idée formellement réalisable qui s’épuise aussitôt. « CONSOMMABLE URBAIN », 24 cartes postales: sculptées à la surface des aliments, de fines incisions et perforations font émerger un paysage urbain insolite, d’un autre temps et d’une autre échelle.
Ces îlots poussent ou subsistent dans un vide qui les préserve.
Sur une surface presque habitable, son échelle et son lieu nous interrogent pour laisser place au doute d’une réalité.
Face à cette fragilité – une construction fraîche, son flétrissement et son oxydation la menant à sa disparition, l’instant de la photographie préserve ce micro lieu aujourd’hui éteint et soupçonne le nôtre. CYRIELLE TASSIN est une artiste qui vit et travaille à Celles-sur-Ource, près de Troyes, en France. Diplômée des Arts appliqués, en design à Chaumont, elle a poursuivi sa recherche artistique à l’École Supérieure d’art de Lorraine de Metz Métropole (DNAP et DNSEP), tout en effectuant une année d’études à l’École Supérieure d’Art de Disseny à Castellon de la plana (Espagne). Son travail qui mêle photographie, dessin, gravure, vidéo, peinture et installation en grand volume, révèle les questionnements sociétaux actuels, entre fiction et solution, à travers l’absurde. TOUT S’EN VA Interview de Cyrielle Tassin par Florence Andoka NOVO – Mai 2016 page 20 édition spéciale Biennale de la photographie Comment l’installation, Obsolescence, s’inscrit-elle dans l’espace du marché couvert? Obsolescence est une pièce qui joue sur la notion d’échelle. Je pars d’éléments à échelle réduite que je multiplie, comme une construction qui deviendrait envahissante. Les photographies en grand format de ces villes miniatures forment un parcours dans les allées du grand marché. Au fil des images, dans le temps de la photographie, la ville est construite puis détruite. Je présente également au cours de l’exposition, la pièce Consommable Urbain, sous forme d’édition de cartes postales. Il s’agit de villes sculptées à la surface des aliments. Elles sont figées par la photographie avant leur dégradation. Qu’est-ce que l’obsolescence d’une ville ? Quel est le rôle de la photographie par rapport à la disparition de la forme réalisée ? A travers le temps, la ville devient obsolète, de part nos évolutions sociales et technologiques. J’aime apporter des solutions absurdes. Les villes nouvelles que j’invente sont potentiellement réalisables, mais dès lors que nous les construisons, elles deviennent inutilisables. Leur fonction s’épuise et produit une image qui est un reflet dystopique des villes réelles. A l’ESAL, à Metz, j’ai pu me perfectionner en photographie argentique et numérique, afin de gérer l’image de la conception à l’impression, néanmoins, je reste attachée au fait de ne pas saisir une image mais de la construire en créant un espace propre à l’objet réalisé. J’envisage également la photographie comme un archivage. Vos photographies entrent-elles en résonance avec la thématique officielle de la Biennale, « l’autre et le même » ? La sérialité est omniprésente dans mon travail. Je crée des villes qui sont visuellement similaires et uniques à la fois. La série renvoie également à ma propre exigence de tester toutes les possibilités jusqu’à l’épuisement des formes. Vidéo sur France 3 Marché du Canal Couvert
26 quai de la Cloche, Mulhouse ENTRÉE LIBRE
Les Mardis, jeudis et samedis
de 07H00 à 17H00
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jusqu’au 26 JUIN 2016 Autoportraits, de Rembrandt au selfie est la première exposition réalisée dans le cadre du partenariat entre le musée des Beaux-Arts de Lyon, la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe et les National Galleries of Scotland à Édimbourg.
Cette exposition a été présentée successivement à la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe (où je l’ai manquée) du 31 octobre 2015 au 31 janvier 2016, puis au musée des Beaux-Arts de Lyon (où j’ai couru) du 25 mars au 26 juin 2016, et enfin à la Scottish National Portrait Gallery à Édimbourg du 16 juillet au 16 octobre 2016. Elle bénéficie d’un soutien exceptionnel de l’Union européenne, dans le cadre du programme Creative Europe coordonné par l’Agence exécutive pour l’Éducation, l’Audiovisuel et la Culture de la Commission européenne. Autoportrait de Rembrandt avec Saskia
L’exposition rassemble plus de cent-trente oeuvres – peintures, dessins, estampes, photographies, ainsi que sculptures et vidéos – appartenant aux riches collections des trois institutions, complétées par quelques prêts provenant de collectionneurs privés lyonnais et, pour la partie contemporaine, du Zentrum für Kunst und Medien de Karlsruhe, ainsi que du Musée d’art contemporain de Lyon. Son propos, dont le cadre chronologique s’étend de la Renaissance au XXIe siècle, est d’interroger la pratique de l’autoportrait par les artistes en tentant de dresser une typologie et en mettant en lumière les questionnements portés par ce genre spécifique. Elle vaut réellement que l’on s’y attarde.
Foujita et EL Kirchner Autoportrait
Il s’agit de s’intéresser en particulier aux formes les plus diverses prises par celui-ci, jusqu’aux autoportraits mis en scène, utilisés dans d’autres types de compositions ou simplement allusifs. Un accent particulier est mis sur les productions des scènes artistiques allemandes, écossaises et lyonnaises. Albrecht Dürer, la Vierge du Rosaire
Près de l’arbre le personnage tient à la main un document signé Dürer
qui a ainsi introduit son autoportrait dans un tableau religieux.
L’exposition s’articule en sept sections thématiques, interrogeant les grandes typologies de l’autoportrait et leurs évolutions au fil du temps : le regard de l’artiste, l’artiste en homme du monde, l’artiste au travail, l’artiste et ses proches, l’artiste mis en scène, l’artiste dans son temps et le corps de l’artiste. Certains artistes mettent leur reflet dans une carafe en étain, dans des natures mortes, d’autres dans un double autoportrait, reflété dans un miroir, d’autres encore déguisés en musicien, (Watteau) s’intègrent dans des portraits de groupe, de famille, de couple.
Rembrandt dans la lapidation de St Etienne a introduit son portrait, seul personnage qui regarde le spectateur détail l’autoportrait sous le bras droit levé de St Etienne
Une vidéo de Marina Abramovic, un portrait de Jan Favre, l’inévitable Cindy Sherman,
Robert Mappelthorpe, pour voir les selfies d’Ai WeiWei il faut consulter une tablette….
C’est une exposition qui montre bien que l’on invente jamais rien, et que les anciens, savaient très bien se « selfier », l’époque contemporaine ne fait qu’utiliser les nouveaux moyens techniques, sans l’inventivité des anciens. Friedrich Mosbrugger, les Camarades (1828-1829)
Actuellement on ne peut plus voir un monument, une sculpture, une toile, un tableau, sans que des perches à selfies, des appareil photo ou des téléphones, vous gâchent le plaisir de la contemplation et la vue. Surtout les téléphones ou Ipad, que leurs utilisateurs, manipulent longuement pour prendre la « meilleure » photo, regardent le résultat, puis éventuellement recommencent leur photo, tout en oubliant de regarder l’oeuvre en live.
Il faut encore compter avec les modèles photographiés devant, qui s’ingénient à prendre
les poses les plus ridicules et demandent de ce fait, une infinie patience de notre part, si nous désirons un cliché sans parasites !
Répondant à ma suggestion de bien regarder l’oeuvre en détail, un visiteur m’a répondu
qu’il ne manquera pas de le faire, sur son téléphone, Ipad ou ordinateur !
L’exposition est accompagnée de la publication d’un catalogue scientifique édité en français, en anglais et en allemand.
Une installation est présente en conclusion du parcours pour inviter les visiteurs à réaliser leur propre autoportrait, tandis qu’une composition crée un gigantesque portrait aléatoire formé par la combinaison de toutes ces images. Le public est invité à poursuivre cette expérience en ligne et sur les réseaux sociaux.
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Fondation Beyeler Calder
Brian Griffin : Très grand portraitiste à l’humour pince sans
La sérialité est omniprésente dans mon travail. Je crée des villes qui sont visuellement similaires et uniques à la fois. La série renvoie également à ma propre exigence de tester toutes les possibilités jusqu’à l’épuisement des formes.
détail l’autoportrait sous le bras droit levé de St Etienne
