Dans la nef de Saint-Germain-des-Près peinte
par Hippolyte Flandrin

Jusqu’au 25 février 2019 au Centre Pompidou
Le Centre Pompidou propose une traversée inédite
et un panorama complet de l’un des mouvements
fondateurs de l’histoire de l’art moderne :
le cubisme (1907-1917).

Première exposition consacrée au cubisme en France
depuis 1953, le projet trouve son originalité dans la
volonté de renouveler et d’élargir à d’autres artistes la
vision traditionnellement concentrée sur ses deux inventeurs,
Georges Braque et Pablo Picasso.
Ces pionniers, bientôt suivis
par Fernand Léger et Juan Gris, réservaient leurs créations
expérimentales et novatrices à la très confidentielle galerie
d’un jeune marchand alors inconnu, Daniel-Henry Kahnweiler,
quand des artistes tels Albert Gleizes, Jean Metzinger,
Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert
et Sonia Delaunay assuraient à l’époque la diffusion
du mouvement auprès de la critique et du public en participant
aux Salons parisiens.

L’exposition met ainsi en valeur la richesse, l’inventivité
et le foisonnement de ce mouvement qui ne se limite pas
uniquement à la géométrisation des formes et au rejet de
la représentation classique mais dont les recherches radicales
et l’énergie créatrice de ses membres sont aux sources de
l’art moderne.
Riche de 300 œuvres et de documents significatifs
du rayonnement du cubisme, l’exposition est articulée
chronologiquement en quatorze chapitres.
S’en détachent des chefs-d’œuvre, comme le

Portrait de Gertrude Stein (1906) ou
Ambroise Vollard (1909)
et Daniel-Henry Kahnweiler (1910) par Picasso ainsi
que des ensembles de peintures et de sculptures jamais
réunies. Le parcours de l’exposition vise à mettre en valeur
l’évolution à rebondissements du cubisme en remontant
aux sources primitivistes et à la fascination des cubistes
pour Gauguin et Cézanne. Le parcours reflète la progression
formelle du mouvement, d’une première étape cézannienne
– illustrée par la présence de l’exceptionnelle nature morte
de Picasso Pains et compotier sur une table (1909) –

vers une transcription analytique hermétique (1910-1912)
puis transformée en version plus synthétique (1913-1917),
qui marque ainsi le retour de la représentation et de la couleur.
Grâce à des prêts prestigieux du Kunstmuseum de Bâle,
du Musée national Picasso et du Museum of Modern Art
de New York, la part la plus révolutionnaire du cubisme –
l’invention des papiers collés, des collages et des constructions

de Braque, Picasso, Gris et Henri Laurens -, est superbement
représentée par des grandes icônes de l’art du XXème siècle,
telles la Nature morte à la chaise cannée de Picasso (1912)
ou sa Guitare en tôle et fils de fer (1914). D’autres aspects
illustrent l’importance et le prestige de la constellation cubiste :
ses liens avec le milieu littéraire sont retracés dans une salle
dédiée aux critiques et aux poètes, incarnés par les portraits

les plus marquants de Max Jacob ou d’Apollinaire réalisés
par le Douanier Rousseau et Marie Laurencin, les éditions
Kahnweiler de livres cubistes ou la collaboration entre les
Delaunay et Blaise Cendrars autour de
La Prose du Transsibérien en 1913.

La tragédie de la Grande Guerre (1914-1918) qui mobilise
ou exile les artistes et leurs soutiens est retracée par des
œuvres des artistes présents au front
(Raymond Duchamp–Villon, Fernand Léger) ou qui
sont restés à l’arrière, parce qu’ils étaient étrangers
(Pablo Picasso, Cartes à jouer, verres, bouteille de rhum,
« Vive la France »,1914-1915). Ces œuvres témoignent de
l’inévitable stérilisation du mouvement frappé par l’histoire.
La fin du parcours de l’exposition présente à la fois la
renaissance des rescapés comme Georges Braque
(La Musicienne, 1917-1918) et l’impact exercé parle
cubisme sur ses contemporains (Henri Matisse), ses héritiers
abstraits (Piet Mondrian, Kasimir Malevitch) ou
contestataires (Marcel Duchamp), tous tributaires de la révolution
cubiste.
Grâce à un parcours qui éclaire pour le grand public les
concepts clés, les outils et les procédures qui ont assuré
l’unité du cubisme, l’exposition met en lumière le caractère
expérimental et collectif de ce mouvement dont l’esthétique
révolutionnaire est à la fois la matrice et le langage même de
la modernité.
Commissariat : Brigitte Leal
Directrice adjointe, musee national d’art moderne, Paris
Christian Briend, Chef du service des collections modernes,
musee national d’art moderne, Paris
Ariane Coulondre Conservatrice, collections modernes,
musée national d’art moderne, Paris
Chargee de production: Dorothée Lacan
Scenographe Corinne Marchand
L’exposition est organisée en partenariat avec le
Kunstmuseum, Bâle.
Elle y sera présentée du 31 mars au 5 aout 2019.
Podcast France Culture l’art est la Matière

Jusqu’au 14 janvier 2019 à la Fondation Vuitton
A l’occasion du centenaire de la mort d’Egon Schiele,
Jusqu’au lundi 21 janvier 2019 pour Jean-Michel Basquiat
la Fondation Louis Vuitton a choisi de présenter l’artiste
autrichien au côté de Jean-Michel Basquiat. dans deux
expositions voisines.

Quels en sont les liens ?
Une carrière fulgurante et une mort prématurée.
Au-delà de contextes historiques et artistiques qui
peuvent sembler éloignés, un certain nombre de points
rapprochent les deux artistes maudits.
La carrière de Jean-Michel Basquiat, comme celle
d‘Egon Schiele, (mon billet) se sont déroulées sur une période
très courte car elles ont été interrompues par une
disparition précoce : Basquiat meurt d’overdose à 27 ans,
après des tentatives ratées de désintoxication.
Schiele succombe à 28 ans à peine à la grippe espagnole,
qui décime l’Europe à la fin de la Première Guerre mondiale.
Podcast L’art est la matière
Egon Schiele, l’homme qui « peignait la lumière des corps
L’œuvre de Jean-Michel Basquiat, l’un des peintres
les plus marquants du XXe siècle, se déploie dans quatre
niveaux du bâtiment de Frank Gehry.

L’exposition parcourt, de 1980 à 1988, l’ensemble de la carrière
du peintre en se concentrant sur plus de 120 œuvres décisives.
À l’image des Heads de 1981-1982, pour la première fois réunies ici,
ou de la présentation de plusieurs collaborations entre Basquiat et
Warhol, l’exposition compte des ensembles inédits en Europe,
des travaux essentiels tels que Obnoxious Liberals (1982),
In Italian (1983) ou encore Riding with Death (1988), et des
toiles rarement vues depuis leurs premières présentations du vivant
de l’artiste, telles que Offensive Orange (1982), Untitled (Boxer)
(1982), et Untitled (Yellow Tar and Feathers) (1982).

Dès la sortie de l’enfance, Jean-Michel Basquiat quitte l’école
et fait de la rue de New York son premier atelier. Rapidement,
sa peinture connaîtra un succès à la fois voulu et subi.
L’exposition affirme sa dimension d’artiste majeur ayant
radicalement renouvelé la pratique du dessin et le concept d’art.
Sa pratique du copier-coller a frayé la voie à la fusion des
disciplines et des idées les plus diverses. Il a créé de nouveaux
espaces de réflexion et anticipé, ce faisant, notre société
Internet et post-Internet et nos formes actuelles de
communication et de pensée. L’acuité de son regard, sa
fréquentation des musées, la lecture de nombreux
ouvrages lui ont donné une réelle culture.

Mais son regard est orienté : l’absence des artistes noirs
apparaît avec une douloureuse évidence ; l’artiste
s’impose alors de faire exister, à parité, les cultures et
les révoltes africaines et afro-américaines dans son œuvre.
Le décès de Basquiat en 1988 interrompt une œuvre très
prolifique, réalisée en à peine une décennie, riche de plus
de mille peintures et davantage encore de dessins.
L’exposition se déploie sur près de 2500m2.
Elle s’organise chronologiquement, mais aussi par
ensembles d’œuvres définissant des thématiques
et dictant des rapprochements.

Pour Dieter Buchhart, « L’exposition suit sa création,
depuis ses premiers dessins et travaux monumentaux
jusqu’aux sérigraphies, collages et assemblages plus tardifs,
mettant en lumière son inimitable touche, son utilisation
de mots, de locutions et d’énumérations et son recours
à la poésie hip hop concrète. À l’existence de l’homme
afro-américain menacée par le racisme, l’exclusion,
l’oppression et le capitalisme, il oppose ses guerriers et héros. »
Le parcours proposé est chronologique.

Rez-de-Bassin (galerie 2)
L’exposition s’ouvre sur l’ensemble exceptionnel de trois
grandes Heads (Têtes) datant de 1981-1983. S’ensuit, autour
de la thématique de la rue – conçue comme atelier, source
d’inspiration, corps vivant – la présentation d’un ensemble
d’œuvres, majoritairement de 1981-1982, qui répercutent dans
leurs compositions l’énergie, l’intensité de l’environnement
urbain et son langage. Citons ici Crowns (Peso Neto).
Ce premier moment de l’exposition se conclut par les grands
personnages peints par l’artiste, les « prophètes » et le
portrait saisissant d’un policier noir
(Irony of Negro Policeman).

Rez-de-Chaussée (galerie 4)
Ce second temps de l’exposition est marqué par un ensemble
d’une trentaine de dessins de têtes réalisés majoritairement
en 1982 par l’artiste. Cet accrochage fonctionne comme une
immense composition de visages occupant tout le champ
de vision du regardeur ; il souligne l’importance du dessin
chez Basquiat.

Plus loin, l’énergie graphique de la douzaine d’œuvres
présentées au même étage exprime toute la rage, la contestation,
la révolte de Basquiat. Elle est symbolisée par de grandes figures
afro-américaines – boxeurs ou combattants – qui sont aussi ses
héros personnels : Untitled (Sugar Ray Robinson) (1982),
St. Joe Louis Surrounded by Snakes (1982), Cassius Clay (1982)…

L’introduction de lettres, de chiffres, de signes et de textes en
fond accuse la complexité des compositions, comme dans Santo #1 (1982),
Self-Portrait with Suzanne (1982), Untitled (1982),
Portrait of the Artist as a Young Derelict (1982).
Niveau 1 (galerie 5)
« Héros et Guerriers » ouvrent cette séquence. Une figure frontale
de boxeur noir, Untilted (Boxer) (1982), chef-d’œuvre iconique,
fait le lien avec la section précédente. Les personnages héroïsés
se parent d’auréoles, de couronnes, ou de couronnes d’épines…
La figure émancipatrice de Samson apparaît dans
Obnoxious Liberals (1982). Le parcours se poursuit avec
des toiles liant une histoire longue et des archétypes avec
l’environnement direct de l’artiste, dans des compositions nourries
de récits et d’écritures fragmentaires, comme Price of Gasoline
in the Third World (1982) ou Slave Auction (1982), qui traite
directement de la traite des esclaves. Autre tableau clé, In Italian
(1983) témoigne du talent de coloriste de Basquiat.
Le dernier temps de la galerie 5 s’organise autour de la musique
et tout particulièrement de la figure du saxophoniste de jazz
Charlie Parker, un des héros de Basquiat. Cinq œuvres reviennent
sur une figure légendaire qu’il considère comme un alter-ego :
CPRKR (1982), Horn Players (1983), Charles the First (1982),
Discography (One) (1983), Now’s the Time (1985).

Niveau 1 (galerie 6)
La salle réunit six toiles où l’écriture joue un rôle central,
dont Museum Security (Broadway Meltdown) (1983) et Hollywood
Africans in Front of the Chinese Theater with Footprints of
Movie Stars (1983) qui représente le peintre entouré d’amis.
Niveau 1 (galerie 7)
À l’écart, l’espace de la galerie 7 permet notamment de regrouper
une suite de quatre œuvres – Lye (1983), Flash in Naples (1983),
Napoleonic Stereotype (1983) – composées à partir d’un motif
similaire : une grille sur laquelle viennent se poser les figures,
empruntées à l’histoire, l’histoire de l’art ou le contexte immédiat
de l’artiste.
Niveau 2 (galerie 9)
Deux ensembles majeurs sont proposés dans cette salle.
Le premier réunit autour du monumental Grillo, 1984, un groupe
apparenté, dont Gold Griot. S’y expriment des références à une culture
africaine réinterprétée et véhiculée par la diaspora, où la figure noire
s’impose, omniprésente.
Le second ensemble est consacré à la relation entre
Jean-Michel Basquiat et Andy Warhol. Portrait réalisé en 1982
par Basquiat, Dos Cabezas, 1982, inaugure cette fascination
mutuelle et introduit à un ensemble d’oeuvres réalisées à quatre
mains à partir de 1984. Warhol et Basquiat collaborent en mêlant
librement dessin et sérigraphie. Mind energy (1984), OP-OP (1984)
ou encore Eiffel Tower (1985) figurent ici.

Niveau 2 (galeries 10 et 11)
Les dernières salles s’organisent en deux sections, l’une se centre
sur de grands formats de 1985-1987, mêlant acrylique, pastel gras
et collages. Des procédés graphiques qui semblent empruntés
aux techniques musicales de l’échantillonnage créent une surface dense,
des compositions éclatées, suggérant une multiplicité de lectures.
L’autre section, dont l’intitulé Unbreakable (Incassable) reprend
le titre d’une œuvre de 1987, rassemble quelques-unes des dernières
productions de l’artiste, dont l’impressionnant

Riding with Death (1988). La toile témoigne de l’héritage pictural
complexe de l’artiste, où se conjuguent des références à l’art de la
Renaissance, à la peinture d’icône, aux courants les plus radicaux
du XXe siècle, mais où s’affirme surtout un sentiment de désarticulation
dans une course furieuse et désespérée vers le néant.
Podscast Jean-Michel Basquiat, le peintre-boxeur

Jusqu’au 21 janvier 2019 au Grand Palais
L’exposition semble un peu sombre lorsqu’on y pénètre,
mais c’est pour mieux révéler les splendides toiles vénitiennes
que l’on peut découvrir au long du parcours. Si on a de la
chance, des musiciens du conservatoire vous accompagnent
en musique.
Héritière d’une tradition multiséculaire, la civilisation
vénitienne brille de tous ses feux à l’aube du XVIIIe siècle,
dans le domaine des arts plastiques autant que dans ceux
des arts décoratifs, de la musique et de l’opéra.

Jusqu’au 27 janvier 2019 au Musée du Luxembourg
19, rue Vaugirard, 75006 Paris
Alphonse Mucha (1860-1939) est un artiste à la fois célèbre
et méconnu. Célèbre pour avoir parfois donné son nom à
l’Art nouveau, dont il fut sans doute le représentant le plus
populaire. Méconnu pour son immense ambition de peintre voué
à la cause nationale de son pays d’origine, qui ne s’appelait pas
encore la Tchéquie, et des peuples slaves.

L’exposition du Musée du Luxembourg, la première consacrée à
l’artiste dans la capitale depuis la rétrospective du Grand Palais
en 1980, se propose donc de redécouvrir le premier Mucha et de
découvrir le second, de redonner à cet artiste prolifique toute sa
complexité artistique, politique et spirituelle.
Né en 1860 en Moravie, Mucha arrive à Paris en 1887 et
commence une carrière d’illustrateur.

Alphonse Mucha reste indissociable de l’image du Paris 1900
En décembre 1894, c’est sa rencontre avec la grande tragédienne,
Sarah Bernhardt, qui lance sa carrière d’affichiste. Il réalise pour
elle l’affiche de Gismonda, une pièce de Victorien Sardou,
première d’une longue série d’affiches publicitaires, ou simplement
décoratives, variant à l’infini un répertoire de figures féminines
entremêlées de fleurs et de volutes graphiques, qui lui apporteront
une immense notoriété et l’amitié d’artistes comme Gauguin ou
Rodin. Il est parallèlement sollicité pour des travaux de décoration,
par le joaillier Georges Fouquet, ou d’illustration pour des livres.
Mais dès 1900 et à l’occasion de l’Exposition universelle,
il entreprend de concevoir un projet qui dépeint l’histoire et la
civilisation du peuple tchèque et des peuples slaves.

On passe d’un artiste décoratif, à un artiste spirituel et politique.
Au travers de toutes ces œuvres, c’est la figure d’un homme
qui se dessine, mystique et visionnaire, animé d’une véritable
pensée politique, à l’heure du renouveau national tchèque et
de l’éclatement de l’Empire austro-hongrois.

Tout le travail préparatoire pour L’Épopée slave qui l’occupe
entre 1911 et 1928 témoigne de son attachement à son pays
natal et de son rêve d’unité entre les peuples slaves.
Au-delà du maître de l’Art nouveau, c’est donc l’œuvre
foisonnante et la personnalité singulière de cet artiste
que l’exposition entend révéler aux visiteurs.

Cette entreprise, teintée d’une philosophie humaniste,
franc-maçonne, va l’occuper les trente dernières années
de sa carrière et le conduire à peindre des toiles gigantesques,
pour lesquelles il produit une abondante quantité d’études
préparatoires au dessin virtuose.

Cette rétrospective montre donc non seulement les affiches qui
ont fait sa gloire, mais aussi ses merveilleuses planches d’illustrateur,
ses peintures, ses photographies, bijoux, sculptures, pastels
qui permettent aux visiteurs de découvrir toute la diversité
de son art.
commissaire : Tomoko Sato, conservateur de la Fondation Mucha,
Prague