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RE-SET : assimilation et transformation dans la musique et dans les arts visuels depuis 1900

RE-SET : assimilation et transformation
dans la musique et dans les arts visuels depuis 1900
jusq’au 13.5.2018
Une collaboration entre la Fondation Paul Sacher
et le Musée Tinguely
L’exposition interdisciplinaire au Musée Tinguely
est consacrée au sujet éclectique de la réinterprétation
artistique dans la musique au XXe siècle et dans
l’art contemporain.
Jusqu’ au 13 mai 2018 sont présentés
des manuscrits de musique et des œuvres d’art qui
reprennent, paraphrasent, transforment ou même
démantèlent le contenu, la structure ou la conception
d’œuvres existantes.
Le contenu et l’espace de l’exposition sont divisés en deux
parties. L’accent est mis sur la partie musicale, divisée
en quatre sections au deuxième étage :
les arrangements par les compositeurs et compositrices tiers,
les arrangements par les compositeurs et compositrices
de leurs propres œuvres, les emprunts à la musique folklorique
et les adaptations populaires.
Cette exposition unique présente environ 180 manuscrits
de musique, des correspondances, des enregistrements
sonores, des instruments et des documents d’images et
de film appartenant à la Fondation Paul Sacher,
l’un des centres de recherche les plus renommés dans le domaine
de la musique du XXe et XXIe siècle.
Les œuvres exposées ont été créées par des compositeurs et
interprètes célèbres tels qu‘Igor Stravinsky, Anton Webern,
Edgard Varèse, Pierre Boulez, Luciano Berio,
Sofia Gubaidulina, György Ligeti, Wolfgang Rihm,
Heinz Holliger et Steve Reich.

Des études de cas illustrent les diverses catégories de références
artistiques présentes dans leur travail de façon visuellement
intéressante. Celles-ci impliquent des figures emblématiques
de l’histoire de la musique – de Bach aux Beatles, de Debussy à
Disney. La diversité des objets exposés ainsi que les documents
audiovisuels mis à disposition sur une tablette donnent lieu
à une image vivante des arrangements artistiques dans
la musique depuis 1900.
La partie de l’exposition consacrée à l’histoire de l’art
attire notre attention sur le concept emblématique du
readymade de Marcel Duchamp. Cette idée a connu un succès
sans précédent des années 1960 jusqu’ à nos jours.
Elle pose la question de savoir comment ce concept a été intégré
comme stratégie artistique et dans quelle mesure il sert de
catalyseur à de nouvelles œuvres d’art.
En plus des œuvres de John Baldessari, Marcel Duchamp,
Hans Haacke, Sherrie Levine et Jean Tinguely, sont présentées
les postures actuelles de Saâdane Afif, Pierre Bismuth et
l’artiste galloise Bethan Huws.

Heidy Zimmermann, Simon Obert (pour la musique)
et Annja Müller-Alsbach (pour les arts visuels) ont assuré
le commissariat de cette exposition qui a été réalisée en
collaboration intime avec Fondation Paul Sacher.
MUSIQUE
Étrangement inconnu – les compositeurs & compositrices
en dialogue avec leurs pairs
Dans le domaine de la musique, comme dans l’art en général,
l’étude des grands maîtres de la discipline fait depuis des
siècles partie de la formation à la composition.
Il s’agit d’apprendre des « anciens » afin de faire différemment,
ou mieux. Au XXe siècle encore, les compositeurs et
compositrices consultent des ouvrages de leurs prédécesseurs
dans le but de les étudier ou de les retravailler. Cela leur permet
d’apprendre à connaître les acteurs incontournables de
l’histoire de la musique, quel que soit leur degré de notoriété.
L’on doit à Mauricio Kagel cette phrase marquante :
« Les musiciens ne croient peut-être pas tous en Dieu,
mais tous croient en Bach ».
Avec « RE-SET »,
Anton Webern, Stravinsky, György Kurtág, Sofia Gubaidulina
ainsi que Kagel lui-même présentent des hommages, mais
également des réactions critiques au monument qu’est Bach.
Lorsqu’ils recherchent de nouveaux univers sonores, certains
compositeurs remontent parfois jusqu’au Moyen Age :
Harrison Birtwistle, Salvatore Sciarrino et Heinz Holliger
trouvent de l’inspiration dans le travail de
Guillaume de Machaut.

D’autres s’inspirent de Carlo Gesualdo, présumé meurtrier
de son épouse ; « RE-SET » montre comment Igor Stravinsky,
Peter Eötvos, Sciarrino et Klaus Huber développent les pièces
vocales à l’harmonie audacieuse de Gesualdo.
Grâce aux instrumentations des miniatures pour piano
d’Arnold Schönberg, la façon dont les compositeurs novices
et expérimentés jouent avec les timbres peut être observé.
Enfin, l’orchestration par Claude Debussy des
Gymnopédies d’Erik Satie est un exemple magnifique de
service rendu entre amis compositeurs.
Igor Stravinsky est l’un des compositeurs les plus représentatifs
du concept de work in progress, comme en témoigne son
Oiseau de Feu, 1910 : à partir du ballet composé initialement,
il a créé plusieurs suites de concert, puis en a extrait et retravaillé
certaines parties pour en faire des pièces virtuoses pour violon.
En 1929, il a lui-même enregistré une version pour piano
de cette pièce afin qu’elle puisse être reproduite sur des rouleaux
de papier et utilisée pour des pianos mécaniques.

Le work in progress repose en fin de compte sur un principe
créatif résolument moderne: certaines idées peuvent pour
ainsi dire hanter les compositeurs, elles « mijotent » avant d’être
concrétisées de manières variées dans toute une série d’œuvres.
Cela se manifeste notamment chez Pierre Boulez, György Ligeti
ou Wolfgang Rihm.
Modernité ancienne – Emprunts à la musique folklorique
Depuis des siècles, la musique folklorique est une source
d’inspiration pour les compositeurs. Au XXe siècle, cependant,
l’approche ethnologique et les capacités d’enregistrement
du phonographe ont donné à la musique traditionnelle un
poids nouveau. Les compositeurs découvrent la musique folklorique
comme un matériau authentique, pour ne pas dire nouveau,
pour des compositions modernes.

Béla Bartók est parmi les premiers à collectionner les mélodies
folkloriques en Europe du Sud-Est. Il le fait avec une minutie scientifique,
mais aussi pour en tirer la base de ses propres compositions.
Sándor Veress, qui a immigré en Suisse en 1949 suit ces traces en
menant des enquêtes de terrain intensives et en arrangeant de
nombreuses chansons folkloriques.
Luciano Berio esquisse un voyage musical autour du monde
avec ses Folk Songs, et Steve Reich étudie l’art du tambour
africain au Ghana, une expérience à partir de laquelle émerge
sa pièce culte Drumming. Alb-Chehr de Heinz Holliger
reprend une légende valaisanne avec une
« musique fantasmagorique alpine » pour les Spillit
(ménestrels) du Haut-Valais. Cette musique folklorique
fictive se mêle à des sons expérimentaux et se dissocie
ainsi de façon ironique de la musique folklorique suisse banalisée.

Élitisme sous-jacent – Popularisation et anoblissement
Les compositeurs du XXe e siècle ne se sont pas inspirés
du jazz et de la musique populaire aussi souvent qu’ils
l’ont fait avec des morceaux de l’histoire de la musique
ou du folklore. L’une des principales raisons de cette
réticence réside peut-être dans ces principes structurels
contradictoires : Alors que la musique dite classique
du XXe siècle renonce en grande partie à la tonalité et
aux rythmes réguliers, ceux-ci représentent les pierres
angulaires des musiques populaires ; et tandis que dans
l’avant-garde musicale, surtout après 1945, prévaut une
esthétique de discontinuité linéaire de la mélodie,
la musique populaire s’accroche à ces caractéristiques
de base que sont la mélodie et l’accompagnement.
Néanmoins, il y eut de fréquentes adaptations de
la musique populaire, qui ont souvent donné lieu
à des exemples aussi remarquables que surprenants.
Notamment lorsque Dmitri Chostakovitch orchestre
le tube Tea for Two, lorsque Conlon Nancarrow utilise
des motifs de boogie-woogie ou lorsque Louis Andriessen
et Luciano Berio créent des parodies de chansons
des Beatles.
Sans oublier, dans ce contexte, l’usage de la musique à des
fins médiatiques, notamment pour le cinéma.
L’adaptation du Sacre du printemps d’Igor Stravinsky
ou des Atmosphères de György Ligeti à la bande sonore
de films a par exemple donné lieu à une diffusion et
une popularisation que leur version originale n’aurait
sans doute pas connue.
ARTS VISUELS
L’histoire de l’art est, de par sa nature même, un système complexe
de citations et de réitérations de motifs existants, ainsi que
leur remodelage créatif et leur remise en scène. En fait, l’art
a toujours été reproductible, mais jamais il n’avait été aussi
simple qu’aujourd’hui de reproduire et de retravailler
des incunables de l’histoire de l’art, sans parler de l’environnement
visuel quotidien. Le prologue de l’exposition « RE-SET » se
concentre sur la question de savoir comment l’idée emblématique
du readymade de Marcel Duchamp sert de catalyseur à de nouvelles
œuvres. Le concept du readymade en tant qu’objet de tous les jours
préexistant, préfabriqué, déclaré « sculpture toute faite » par le geste
de sa seule sélection, n’avait été formulé par Duchamp au début
des années 1910 uniquement comme idée conceptuelle existante.
Ce concept a marqué la fin de tous les paramètres traditionnels
de la création artistique valables jusqu’alors : la conception individuelle,
le savoir-faire artisanal, l’unicité et par conséquent l’idée du
chef-d’œuvre, la distinction entre l’original et la copie –
tous ces termes ont été radicalement remis en question.
Dans les années 1960, ces paramètres avaient un caractère
hautement explosif sur le chemin vers l’œuvre ouverte.
De nombreux artistes ont déclaré le principe du readymade
comme catalyseur de leur travail. Ce principe a été réinterprété
à plusieurs reprises, est devenu indépendant et a finalement
été assimilé au terme objet trouvé. La liste des artistes qui s’y réfèrent
jusqu’à nos jours est longue.
La présentation montre une sélection ciblée.

Au début de l’exposition se trouve la Boîte-en-valise de
Marcel Duchamp, un musée portatif en format miniature
contenant son œuvre. Cet ouvrage a été reproduit en sept
séries entre 1941 et 1968. Par un geste simple et ironique,
Pierre Bismuth modifie un code existant dans le Gucci
Traveler’s Folding Item, 2012, bouleversant ainsi notre
perception et notre appréciation esthétique de l’art.

John Baldessari traite de la différence entre la répétition
et le répété dans Repository, 2002. Saâdane Afif utilise l’inclusion
réciproque de différentes sources d’inspiration et de médias comme
catalyseur pour ses projets souvent interdisciplinaires, qui se
caractérisent par de longs processus de conception.

Son travail Fountain–1917 (A collection), 2018, sera présenté
pour la première fois dans son intégralité à Bâle. En plus de l’importante
installation Forest, 2008/2009, de l’artiste galloise Bethan Huws,
un certain nombre de ses œuvres récentes témoignent de l’intense
débat intellectuel avec Marcel Duchamp.
Marcel Duchamp & Jean Tinguely

Tinguely avait pu rencontrer personnellement en 1959 celui
qui était pour lui sa première référence artistique, à l’occasion
de son exposition des Méta-Matics à la galerie parisienne
d’Iris Clert. Ill devait le rencontrer de nouveau an 1960 à New York.
Duchamp qui, des décennies auparavant, avait lui aussi intégré
la mécanique, le jeu et le hasard dans son art, fascinait Tinguely.
La connaissance de son œuvre ainsi que la relation d’amitié
qui s’était nouée se sont révélées très importantes pour le
développement artistique de Tinguely.
Concerts pendant l’exposition au Musée Tinguely:
21 mars 2018, 19h | Uri Caine, Solo on Piano
18 avril 2018, 19h | XASAX Saxophone Quartet, Original & Re-Set
29 avril 2018, 16h30 | Moritz Eggert, Hämmerklavier et al.
Billets de concert:
inclus dans le prix d’entrée du musée, sans réservation préalable
Publications
RE-SET. Rückgriffe und Fortschreibung in der Musik seit 1900
Cette exposition s’accompagne d’une riche publication,
« RE-SET. Rückgriffe und Fortschreibungen in der
Musik seit 1900 » publiée par Simon Obert et Heidy Zimmermann,

Le "trésor Gurlitt" au Kunstmuseum de Berne

Au Kunstmuseum de Berne jusqu‘au 4 mars
Cette exposition est un premier état des lieux, provisoire,
du « trésor Gurlitt ».

Les oeuvres mises au jour, et dont
l’étude doit encore être approfondie, constituent ici autant
de cas concrets qui permettent d’exemplifier la politique
artistique du régime nazi et son entreprise de
spoliation d’oeuvres d’art. Le Kunstmuseum Bern et la
Bundeskunsthalle de Bonn ont travaillé en étroite
collaboration à ce vaste projet d’exposition.
Le Kunstmuseum Bern présente le volet « art dégénéré »,
exposé dans le contexte plus large des évènements de
l’époque, y compris en Suisse.
L’accent y est mis notamment sur le destin des artistes
bannis et persécutés et sur la biographie de
Hildebrand Gurlitt, dans tous ses aspects contradictoires.
L’Atelier de recherche sur la provenance des oeuvres propose
d’appréhender les méthodes mises en oeuvre par cette recherche
et les défis auxquels elle doit faire face à travers un certain nombre
d’exemples.

Qu’est-ce que le « trésor Gurlitt » ?
Le « trésor Gurlitt » est une collection d’oeuvres ayant
appartenu à Cornelius Gurlitt (1932–2014), fils du marchand
d’art allemand Hildebrand Gurlitt (1895–1956).
La plupart d’entre elles furent saisies en 2012 dans
l’appartement munichois de Cornelius Gurlitt à la
suite de l’ouverture d’une enquête fiscale.
L’existence de la collection fut révélée au grand
jour le 3 novembre 2013 par un reportage du magazine
d’information « Focus ».
L’article connut un immense retentissement médiatique.
Le second fonds d’oeuvres découvert dans la maison de
Salzbourg de Cornelius Gurlitt portera à plus de 1’500
le nombre total d’oeuvres connues de sa collection.
De ces oeuvres ne sont aujourd’hui exposées à Berne que
celles qui relèvent de l’art dit « dégénéré » et pour
lesquelles aucun soupçon de spoliation ne s’est confirmé.

Qu’est-ce que l’« art dégénéré » ?
L’expression « art dégénéré » (« Entartete Kunst »)
était une formule de propagande des nationaux-socialistes.
Durant la dictature nazie, il fut utilisé en Allemagne pour
dénigrer l’art moderne et les artistes d’origine juive.
La notion de dégénérescence, qui est issue de la biologie des
races, fut transposée dans l’art à la fin du XIXe siècle.
Elle permit aux nationaux-socialistes d’user de critères racistes
pour juger les artistes et de points de vue idéologiques pour
évaluer les oeuvres d’art.

Étaient considérées comme « dégénérées » toutes les oeuvres
et mouvements culturels qui n’étaient pas compatibles avec
la conception de l’art du régime nazi.
Cela concernait notamment l’expressionnisme, le
dadaïsme, la nouvelle objectivité, le surréalisme, le cubisme
et le fauvisme, et au-delà, toutes les oeuvres des artistes
d’origine juive. Les oeuvres littéraires, musicales ou architecturales
pouvaient également se voir qualifiées de « dégénérées ».
Les oeuvres sélectionnées dans la collection Gurlitt pour
cette exposition furent créées par des artistes persécutés par
les nationaux-socialistes parce que considérés comme
« dégénérés ». L’exposition montre donc non seulement des
oeuvres qui furent retirées des collections publiques allemandes
dans le cadre de l’opération « Art dégénéré », mais aussi des
oeuvres créées par des artistes dits
« dégénérés » acquises par Hildebrand Gurlitt avant
ou après les confiscations de l’État allemand de 1937
et 1938. Chaque oeuvre est assortie d’une indication de
provenance fondée sur l’état actuel des connaissances.

Le parcours de l’exposition
C’est avec une certaine émotion que l’on chemine dans les
2 salles du sous-sol du musée. La plupart sont des aquarelles
ou autres dessins qui demandent un éclairage moins
intense, pour des raisons évidentes de conservation.
C’est ainsi que l’on est ébloui devant les découvertes
de ce qu’on peut réellement appeler « trésor »
La sécession de Berlin
L’association d’artistes fondée en 1898 sous le nom
de Berliner Secession avait pour but de s’opposer à la
domination du marché de l’art par le milieu académique et
de fournir à ses membres des possibilités d’exposition.
Des artistes exceptionnels marquèrent la Sécession de leur
empreinte, tels le Norvégien Edvard Munch et Max
Liebermann, membre fondateur et président de l’association durant de
longues années, ou encore Lovis Corinth, son successeur.

Käthe Kollwitz (1867–1945)
Elle était diplômée des écoles d’art de Berlin et de Munich.
Le langage formel de ses sculptures et de ses gravures associe des
éléments stylistiques réalistes et expressionnistes. Membre de la
Sécession de Berlin depuis 1898, Kollwitz fut en 1919 la première femme
à être nommée à un poste de professeur à l’Académie prussienne
des beaux-arts. Son engagement politique lui valut d’être renvoyée de
l’Académie en 1933 et d’y perdre son atelier d’enseignement. La communauté
d’ateliers de la Klosterstrasse lui procura un espace de travail
en 1934.

Die Brücke
Le groupe Die Brücke (Le Pont) fut fondé en juin 1905 par des
étudiants de Dresde qui avaient pour nom Ernst Ludwig Kirchner,
Erich Heckel, Fritz Bleyl et Karl Schmidt-Rottluff. Max Pechstein
et Emil Nolde se joignirent au groupe en 1906, Otto Mueller en 1910.

Der Blaue Reiter
Le Blaue Reiter, ou Cavalier bleu, représente un tournant
dans l’art. Réuni autour de deux personnalités artistiques
marquantes, Vassily Kandinsky et Franz Marc, le groupe
fut actif entre 1908 et 1914. Il comptait
dans son cercle rapproché Alexej Jawlensky, Gabriele Münter,
Paul Klee, August Macke, Heinrich Campendonk et Marianne
von Werefkin.

Le Bauhaus
Le Bauhaus d’État fut fondé à Weimar par l’architecte
Walter Gropius (1883–1969) en 1919. Cette école d’art avait
pour objectif de réunir les disciplines de l’art, des arts appliqués
et de l’artisanat et de faire de cette transdisciplinarité le moteur de
développement d’un langage formel moderne.
Comme directeur du musée de Zwickau, Hildebrand Gurlitt soutint
l’expressionnisme et l’art abstrait par des expositions et des acquisitions.
Sa plus grande fierté était une galerie qui rassemblait
des peintures expressionnistes d’Erich Heckel et Christian Rohlfs
et des tableaux abstraits de Vassily Kandinsky et Paul Klee.

L’expressionnisme tardif et le vérisme
Dans les années 1920, de nombreux artistes rendirent compte dans
leurs oeuvres de leurs expériences effroyables de soldat pendant la
Première Guerre mondiale, ainsi que des problèmes économiques et
des tensions sociales de la jeune République de Weimar. Ils traitèrent
de la grande ville moderne, dans laquelle on mendiait et on souffrait,
on faisait la fête et on ripaillait. Ils cherchaient dans leurs exacerbations
picturales, qui ne manquaient pas de prendre un tour caricatural,
à saisir la réalité de leur époque avec férocité. George Grosz,

et Max Beckmann sont les représentants les plus connus de cette
tendance.
Salle 2: les contextes : de 1 à 9
Les attaques contre l’art moderne
«Un art qui s’affranchit des lois et des cadres que j’ai fixés
n’est plus de l’art.»
Empereur Guillaume II, « L’art véritable», 1901
La Dégénérescence
Le dénigrement de l’art dit « dégénéré » fut la marque de la
mise au ban de l’art moderne par l’Allemagne nationale-socialiste.
Hitler et ses partisans n’ont pas inventé la notion de dégénérescence,
mais ils l’ont utilisée à leur profit.
L’art décadent
Le régime démocratique de la République de Weimar (1918–1933)
fut favorable à la diffusion de l’art moderne.
L’expression « culture de Weimar » est emblématique de cette
libéralisation de la société qui autorisa la diversité culturelle
et imposa également l’art moderne dans les musées.

Contre l’esprit non allemand
Le Parti national-socialiste des travailleurs allemands,
au pouvoir en Allemagne à partir de 1933, promulgua une série
de lois qui lui permirent, de fait, d’abroger la constitution
démocratique de la République de Weimar, et de créer les bases
de la persécution de divers groupes de la population allemande.
Tous les domaines de la vie publique et privée devaient se
conformer aux principes nationaux-socialistes. Cela
signifia également la fin de la liberté artistique.
Puis ce fut au tour de la grande exposition
« Art Dégénéré »
Les sauveurs d’artistes ou profiteurs
dont Hildebrandt Gurlitt
Commissaires: Nikola Doll, Matthias Frehner,
Georg Kreis und Nina Zimmer
Pourquoi Berne ?
Il n’existe pas de réponse explicite à la question de savoir
pourquoi Cornelius Gurlitt a institué le Kunstmuseum Bern
comme son héritier, mais uniquement des conjectures de
divers ordres. Cornelius Gurlitt a certes visité le Kunstmuseum Bern
durant son existence, mais il n’avait aucune relation personnelle
avec l’établissement. Le liaient à Berne les contacts commerciaux
qu’il y entretenait avec des galeries et des maisons de vente aux
enchères et le souvenir des visites chez son
oncle Wilibald Gurlitt qui y enseigna la musicologie de 1946 à 1948.
Le Kunstmuseum Bern et à la Bundeskunsthalle de Bonn
présentent les premières expositions d’oeuvres de la succession
de Cornelius Gurlitt afin de rendre ces oeuvres accessibles au
public et de rendre compte de leur histoire.
Kunstmuseum Bern, Hodlerstrasse 8–12, 3011 Bern
www.kunstmuseumbern.ch,
info@kunstmuseumbern.ch, T +41 31 328 09 44

Art Karlsruhe 2018

Jusqu’au 25 février
L’art. L’espace. L’émotion

Le salon art KARLSRUHE, consacré à l’art moderne classique
et à l’art contemporain, doit son succès à ses célèbres
espaces Sculpture, à ses expositions spéciales et à son
One Artist Show.

Sa quinzième édition rassemble 215 galeries originaires
de quinze pays. 20 espaces de sculptures voisinent
avec les galeries dans les 4 halls très aérés.
Un prix spécial sera attribué au meilleur espace
sculpture.
Pour cette 15 e dition, la foire attend quelques
50 000 visiteurs. Des navettes gratuites les transportent
depuis la gare de Karlsruhe jusqu’au salon.
Britta Wirtz, directrice de la société Karlsruhe
Messe- und Kongress GmbH,
souligne que c’est l’originalité de ce salon qui fait son succès
d’une année sur l’autre :

« Art KARLSRUHE présente un panorama complet de l’art
du XXe siècle ainsi que de nombreuses œuvres contemporaines,
de sorte que parcourir ce salon revient à faire une promenade
enrichissante dans l’histoire de l’art.
La liste des artistes exposés montre que l’art moderne classique
est particulièrement bien représenté à l’édition 2018
d’art KARLSRUHE, puisqu’il semblerait que pratiquement
tous ceux qui ont marqué l’art du siècle passé y sont présents. »

Présentation de la collection Frieder-Burda
À l’occasion du salon art KARLSRUHE 2018,
le musée Frieder-Burda a conçu des espaces élégants qui
recréent l’atmosphère intimiste d’une collection privée.
On trouve dans ces espaces accueillants et somptueusement
aménagés une sélection d’œuvres majeures issues de la
collection de Frieder Burda, qui dialoguent entre elles et rendent
compte de l’« amour fou pour l’art » du célèbre collectionneur
de Baden-Baden. Henning Schaper, directeur du musée,
déclare à ce sujet :

Frieder Burda, Patricia Kamp commissaire, Alicja Kwade

« Un salon artistique est un lieu de découverte et d’échanges.
Même si les rapports entre les différents musées et le marché
de l’art font l’objet de nombreuses critiques, se constituer
une collection passe nécessairement par l’achat d’œuvres
d’art. Dans ce contexte, nous sommes particulièrement heureux
de présenter au salon une sélection d’œuvres majeures issues
de notre collection. »

Le prix Loth de la sculpture, doté de vingt mille euros
par la L-Bank, qui vient de récompenser l’artiste et
la galerie ayant réalisé le meilleur espace Sculpture.
Répartis dans les quatre halls qui abritent le salon,
les vingt espaces Sculpture comptent parmi les
caractéristiques de cet événement artistique majeur
du sud-ouest de l’Allemagne. La cérémonie de remise
du prix Loth a eu lieu le vendredi 23 février 2018 à 17 heures
sur l’ARTIMA Art Forum (dm-arena, Hall ).
Le lauréat est : la Galerie Scheffel et l’artiste
Joana Vasconcelos (Hall 3)

Galerie Scheffel et l’artiste Joana Vasconcelos

Ewald Karl Schrade, commissaire de l’exposition, s’exprime
en ces termes : « Le salon art KARLSRUHE se concentre depuis
toujours sur certaines formes d’expression et certaines époques,
à savoir d’une part la peinture et la sculpture, d’autre part
l’art moderne classique et l’art contemporain. Nous nous efforçons
de présenter un éventail aussi large que possible, qui englobe
l’Expressionnisme allemand, l’art informel, le mouvement
Zéro et la production de la jeune génération. »

La manifestation spéciale consacrée aux estampes qui a été
présentée dans le cadre d’art KARLSRUHE 2017 a surpris
et enthousiasmé le public.
Établissant un lien entre tous les styles et toutes les époques,
les gravures sur bois, lithographies, eaux-fortes et sérigraphies
présentées cette année dans le cadre de la quinzième
édition d’art KARLSRUHE ne manquent pas, elles aussi,
d’attirer un nombreux public dans le Hall 1.

Editions Remy Bucciali, devant un dessin au fusain de Michel Cornu

Les exposants jouent le jeu et présentent notamment des artistes
qui illustrent le Cubisme (Georges Braque et Pablo Picasso),
le Surréalisme (Salvador Dalí et Max Ernst) et l’Expressionnisme
(Emil Nolde et Ernst Ludwig Kirchner, exposés respectivement
par cinq et six galeries), ainsi que des œuvres de Pierre-Auguste
Renoir, Lovis Corinth, Max Beckmann et Joan Miró.

On trouve par ailleurs dans le Hall 3 des artistes « spéciaux »
tels que Karl Hofer (galeries Rudolf, Kampen/Sylt
et Thole Rotermund, Hambourg), George Grosz
(Kunsthandel Hagemeier, Francfort) ou encore
Hannah Höch (galerie St. Gertrude, Hambourg).
D’autres galeries, finalement, surprennent en exposant
des œuvres de divers sculpteurs modernes classiques,
notamment Ernst Barlach et Käthe Kollwitz
(Koch-Westenhoff, Lübeck, Hall 3).

Le mouvement Zéro est quant à lui largement représenté
au salon depuis plusieurs années déjà.
La galerie Stockebrand + Uekermann se distingue cette année
non seulement en organisant un « One Artist Show »
consacré à Leo Erb, mais aussi en exposant des artistes tels
qu’Otto Piene, Heinz Mack et Günther Uecker.

Radial Art Contemporain (Frédéric Croizer)
montre : la vidéo du Crash et le résultat
de Pierre Alain Münger

Sina Stockebrand précise :
« Notre participation au salon art KARLSRUHE offre un
aperçu de tout l’art allemand du XXe siècle. Nous exposons
des œuvres qui dialoguent entre elles de manière surprenante,
sont mises en valeur par un stand à l’architecture ambitieuse
et se complètent par des pièces d’artistes rares comme
Georg Karl Pfahler, Kuno Gonschior et Imi Knoebel. »

En ce qui concerne l’art informel de l’après-guerre, il est représenté
par plusieurs douzaines d’œuvres de Karl Otto Götz,
mort récemment à l’âge de 103 ans,

et par d’autres dues
à Gerhard Richter, son élève le plus brillant, chacun de
ces artistes étant exposé sur le stand de quatre galeries.
Citons pour terminer l’exposition Contemporary Art 21,
présentée dans la dm-arena (Hall 4) et consacrée à la
production d’artistes de la nouvelle génération.

Une part belle est faite aussi aux différents musées d’Allemagne,
d’Alsace dans le Hall n°1

Prix Hans Platschek (beaux-arts et littérature)
Ce prix est décerné tous les ans dans le cadre d’art KARLSRUHE
par la Fondation Hans-Platschek, du nom du peintre et écrivain
Hans Platschek (l’un des principaux théoriciens et critiques
d’art de la seconde moitié du XXe siècle). Le lauréat de l’édition
2018 est Michael Kunze, peintre sélectionné par Gregor Jansen,
directeur de la Kunsthalle Düsseldorf. La remise du prix
Hans-Platschek suscite toujours un grand intérêt. Cette année,
des tableaux de Kunze seront exposés dans le Hall 1 avec des
oeuvres de Platschek soigneusement sélectionnées.

10e édition du Prix art KARLSRUHE
Attribué conjointement à un artiste et à une galerie, ce prix
décerné par le land de Bade-Wurtemberg et la ville de Karlsruhe
permet d’acheter une oeuvre de l’artiste en question,
qui vient ensuite enrichir la collection art KARLSRUHE.
Le dixième anniversaire de la fondation de ce prix est l’occasion
de présenter la collection ainsi rassemblée, habituellement
conservée à la Städtische Galerie de Karlsruhe et présentée
dans l’ARTIMA Art Forum, dm-arena | Hall 4
Une autre série en rouge de Bernard Aubertin
appartenant au groupe Zero à la Galerie Maulberger
de Munich, Hall 3

Un Ovni politique à la Galerie Michael Schultz GmbH & Co. KG
dans le hall 2 Bernd Reiter

Des oeuvres pour toutes les bourses et pour tous les goûts
au prix de 120.€ jusqu’à ???, mais aussi pour le plaisir des yeux.
Pour retrouver les différents évènements et manifestations
de la foire reportez-vous au site www.art-karlsruhe.de

Magie du Pastel à la Fondation de l’Hermitage

Après l’exposition du Petit Palais qui présentait
un ensemble de 130 pastels, tous issus de ses collections,
« L’art du pastel de Degas à Redon »
la Fondation de l’Hermitage de Lausanne donne à voir :
Pastels du 16e au 21e siècle Liotard, Degas, Klee, Scully…
Jusqu’au 21 mai 2018

C’est toujours un grand bonheur que d’arriver à
La Fondation de l’Hermitage, belle maison de maître, dont
la directrice Sylvie Wuhrmann sait si bien choisir les expositions.
C’est encore autour de Degas que tourne l’exposition
Il y a vingt ans, grâce à la générosité de Lucie Schmidheiny,
la Fondation de l’Hermitage recevait en donation un somptueux
pastel d’Edgar Degas, Danseuses au repos, réalisé vers 1898.
Dominée par les teintes chatoyantes des tutus et des corsages
roses, jaunes, orange et bleus, cette oeuvre de grand format,
qui voit l’artiste revenir à l’un de ses thèmes de prédilection,
exprime avec force la magie du pastel, et la virtuosité de cet art.
La couleur y est posée avec une variété de facture et une inventivité
exceptionnelles, hachures nerveuses, pointillés, tons fondus,
filaments, aplats, mouchetures, rehauts empâtés… Le bâton
de pastel est utilisé par la pointe ou frotté sur sa longueur,
le travail à sec se combine avec des applications au pinceau humide.
La matière, poudrée ou moelleuse, est par endroits étalée avec
les doigts, ou enlevée à la gomme afin de créer des effets de lumière.
Tel un champ d’expérimentation en continuelle métamorphose,
la feuille de papier calque qui accueille la composition a été agrandie
par l’artiste sur les quatre côtés afin d’accompagner la progression
de l’idée. La rapidité et la sûreté de la main sont partout
visibles, de manière éclatante.

L’exposition Pastels, veut rendre hommage en mettant à l’honneur
un médium fascinant, à la croisée du dessin et de la peinture.
Plus de 150 oeuvres provenant uniquement de collections suisses
sont ainsi réunies pour raconter la grande aventure du pastel,
depuis son apparition au XVIe siècle en Italie jusqu’à ses
plus récents développements sur la scène contemporaine.
Le panorama proposé met en avant les différents usages
de ce matériau si particulier, en présentant les artistes qui l’ont
porté à des sommets de maîtrise et en ont exploré les multiples
possibilités. Quelques surprises et raretés vous attendent.
C’est ainsi que l’on peut revoir la
Tête de Femme de la collection Jean Bona

Les dessins de Federico Barocci et Jacopo Bassano témoignent
que le bâton de craie tendre fut d’abord utilisé comme une technique
de rehaut permettant d’amener la couleur dans une étude.
Au XVIIIe siècle, le pastel, qui recouvre désormais l’entière surface
des oeuvres, est apprécié surtout pour sa capacité à exprimer la richesse
des textures et le velouté de la peau, à restituer la lumière,
et traduire la vie.
C’est l’âge d’or du portrait, représenté ici par des pastellistes
de première force (tous alors immensément populaires)
tels que Rosalba Carriera, Maurice Quentin de La Tour,

Jean-Baptiste Perronneau ou Jean-Etienne Liotard.
Avec Jean-François Millet, le pastel connaît au siècle suivant un
renouveau qui attire sur lui l’attention des jeunes artistes.
Eugène Boudin puis Alfred Sisley y ont recours pour saisir les effets
éphémères de la nature, tandis qu’Edouard Manet et Edgar Degas

se l’approprient avec une inventivité et une liberté absolues,
accomplissant la fusion, dans le pastel, du dessin et de la couleur pure.
James Tissot et Paul-César Helleu mettent sa matière souple et élégante
au service du portrait mondain, Mary Cassatt et Berthe Morisot
associent la douceur de ses modelés au monde de l’enfance.
Avec les irradiations colorées d’Odilon Redon

et les évocations brumeuses des symbolistes
(Lucien Lévy-Dhurmer, Fernand Khnopff, Jean Delville), le
pastel devient la substance des rêves et du mystère.
Légères et prêtes à l’emploi, les craies de couleur
accompagnent les paysagistes sur le motif (Edouard Vuillard,
Giovanni Giacometti, Ernest Biéler, Albert Welti).
Au XXe siècle, la puissance de ses pigments va conférer au pastel
un rôle important dans l’autonomie de la couleur, et les recherches
de l’abstraction (Augusto Giacometti, František Kupka, Paul Klee,
Aurélie Nemours, Sean Scully).
La sensualité de sa matière séduit les artistes minimalistes
(Fred Sandback, Paul Mogensen, Robert Mangold) comme les tenants
de la figuration (Sam Szafran, Tom Phillips). La flexibilité de
ce médium très polysémique l’adapte désormais à tous les usages,
et son ancrage classique fait de lui le partenaire idéal pour mettre
à l’épreuve les codes de la représentation (Roni Horn, Nicolas Party).
« De la beauté le pastel a l’éclat et la fragilité »,
écrivait en 1760 Claude-Henri Watelet dans son poème
L’art de peindre.
La délicatesse du médium, qui participe à sa séduction et que
d’innombrables tentatives de fixatifs ne sont jamais parvenues
à apprivoiser, a été reconnue dès les origines. La vulnérabilité
des oeuvres rend les expositions de pastels particulièrement rares,
et explique qu’elles se concentrent le plus souvent sur un artiste ou
sur un fonds.

Depuis une dizaine d’années, les musées démontrent
un vrai regain d’intérêt envers cette technique en construisant des
projets qui mettent en valeur leurs collections et renouvellent
fondamentalement la connaissance des oeuvres, comme en attestent
notamment Le mystère et l’éclat. Pastels du Musée d’Orsay (2008),
les rétrospectives consacrées à Maurice Quentin de La Tour
(Château de Versailles, 2004) et Jean-Baptiste Perronneau
(Musée des beaux-arts d’Orléans, 2017), ou
encore L’art du pastel, de Degas à Redon, au Petit Palais
à Paris (2017).

Fruit d’une longue et patiente recherche à travers les
collections suisses, l’exposition de la Fondation de l’Hermitage
a été rendue possible grâce à la confiance que nous ont témoignée
de très nombreux collectionneurs et directeurs de musées, dont le
musée veut souligner la générosité et la collégialité, et auxquels il
dit sa vive reconnaissance.
La grande complexité de cette entreprise a mobilisé les compétences
et l’expertise de bien des personnes, en particulier Olivier Masson,
Nicolas Party a conçu dans le musée une intervention murale
éphémère, au pastel à l’occasion de l’exposition, haute en couleurs.

Nicolas Party, a pris le « parti » osé de choisir le pastel, pour l’instant
il semble en être l’unique représentant du 21e siècle. Il vit et travaille
à New York.
La coordination de l’exposition et d’un magnifique catalogue
a été assurée avec un investissement par
Dominique Hoeltschi et Corinne Currat, qui ont aussi participé
activement à la réflexion autour de la sélection.
Florence Friedrich et Florence Grivel se sont impliquées avec autant
de talent que d’imagination dans l’élaboration de l’audioguide qui est
proposé aux visiteurs de l’exposition.
Les commissaires
Sylvie Wuhrmann
Directrice de la Fondation de l’Hermitage
Aurélie Couvreur
Conservatrice à la Fondation de l’Hermitage
Fondation de l’Hermitage
route du Signal 2, case postale 42
tél. +41 (0)21 320 50 01
CH – 1000 LAUSANNE 8
fax +41 (0)21 320 50 71
www.fondation-hermitage.ch
Horaires
du mardi au dimanche
de 10 h à 18 h
le jeudi jusqu’ 21 h
Accès
depuis la gare de Lausanne
prendre le bus N° 1 jusqu’à la Place François
direction Blécherettes
puis prendre la passage souterrain
pour prendre le bus n° 16 direction « Grand-Vennes ».
Descendre à l’arrêt « Hermitage »

Georg Baselitz – Travaux sur papier

Trois raisons de prendre la direction de Bâle :
la rétrospective :
Baselitz, à la Fondation Beyeler,
en parallèle, l’exposition Georg Baselitz – Travaux sur papier,
au Kunstmuseum de Bâle, à l’occasion des 80 ans de l’artiste.
Deux raisons de venir au Kunstmuseum, la première citée ci-dessus
la deuxième la présentation originale des Shorts Stories
au Kunstmuseum de Bâle.
Une autre façon de présenter une exposition,
à l’instar de la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe :
CÉZANNE – Métamorphoses, avec l’objectif d’éclairer
sous un jour nouveau les aspects, d’une collection ou
l’oeuvre d’un artiste.

Georg Baselitz – Travaux sur papier
Le Kunstmuseum Basel rend hommage à l’une des figures
majeures de l’art allemand d’après-guerre. Il donne un aperçu
représentatif des dessins et des travaux sur papier en couleur
conservés au Kupferstichkabinett.
Baselitz étudie la peinture aux académies de Berlin-Est
et Berlin-Ouest. Son inclination pour une peinture figurative
particulièrement expressive et réaliste fut perçue comme
une provocation dans le contexte de l’art ouest-allemand
d’après-guerre dominé par l’abstraction.

Le milieu des années 1960 marque le début de la carrière
fulgurante de Baselitz : il réalise des tableaux qui font scandale
et rédige des « manifestes pandémoniques » hallucinants.
Il se met en scène et fait apparaître de « nouveaux héros ».
(Helden)

En 1963 sa première exposition personnelle à la galerie
Werner & Katz à Berlin fait scandale du jour au lendemain.
Parmi les oeuvres exposées, Die große Nacht im Eimer
[La Grande Nuit foutue (?)] (1962-63) et Der nackte Mann
[L’Homme nu] (1962) sont saisies par un huissier.
Le procès qui s’ensuit se poursuivra jusqu’en 1965 et
se clôturera par la restitution des tableaux.

« Je n’ai pas à m’excuser, c’est chez moi une idée
fixe. Les pieds sont une idée fixe. Certaines cochonneries
bien précises sont une idée fixe. Les héros sont
une idée fixe. Il y a des fixations sur des choses dont
je suis incapable de me défaire. Hier j’ai peint toute
une série de pieds. On peut de nouveau en donner la
même explication philosophique : le contact avec le
bas est plus important que l’antenne sur le toit ».

Ce protocole culmine en 1969 lorsqu’il entreprend
de renverser ses tableaux pour leur ôter toute substance
normative. Face aux oeuvres inversées, le spectateur
est immédiatement confronté à la couleur et à la forme
sans être happé par le contenu pictural et sans être
contraint de renoncer aux motifs figuratifs.
Oeuvres anciennes et nouvelles

Les oeuvres sur papier de Baselitz mettent en
lumière ce processus et illustrent la manière dont
il développe ses idées avec intuition et aisance.
Une démarche libérée, pleine d’une tranquille
assurance caractérise ses travaux les plus récents
qui témoignent de sa réflexion sur l’impermanence
tout en posant un regard sur son oeuvre abondante
et protéiforme. Ils reprennent également des thèmes
iconographiques majeurs ainsi que des références
déterminantes comme Marcel Duchamp.

Depuis 1970, le Kunstmuseum Basel entretient une
longue amitié avec l’artiste. Dieter Koepplin,
directeur du Kupferstichkabinett, organisa la
première exposition des dessins de Baselitz qui lança
la carrière de l’artiste alors tout juste âgé de 32 ans.
Suite à cette exposition, 25 feuilles entrèrent dans la
collection. Dans les années 1980, la rétrospective
Georg Baselitz. Dessins 1958–1983 permet
d’enrichir le fonds grâce à des oeuvres de premier rang.
Ces acquisitions et les suivantes sont bientôt complétées
de dons généreux de la part de l’artiste.

Aujourd’hui, Georg Baselitz est présent dans les
collections du Kupferstichkabinett à travers un admirable
ensemble riche de 152 dessins et aquarelles.
L’exposition présente 88 de ces oeuvres aux côtés
de 15 prêts d’oeuvres récentes en possession de l’artiste.
Jusqu’au 29 avril 2018, Kunstmuseum Basel | Neubau
Commissaire : Anita Haldemann
L’exposition bénéficie du soutien de :
IWB Industrielle Werke Basel
Isaac Dreyfus-Bernheim Stiftung
Tram n° 1 ou 2 depuis la gare SBB
Tram 1 ou 2 arrêt messeplatz puis 6
pour la Fondation Beyeler (arrêt)

Basel Short Stories D’Érasme à Iris von Roten

Jusqu’au 21 mai 2018, au Kunstmuseum Basel | Neubau

Commissaire : Josef Helfenstein
Une nouvelle manière de visiter le Kunstmuseum de Basel,
sans se préoccuper de l’histoire de l’art,
en visite libre le premier dimanche du mois.

Portraits de diverses familles bâloises crédit photo Julian Salinas avec le Directeur du Kunstmuseum Josef Helfenstein

L’exposition Basel Short Stories est consacrée à l’abondante
collection du Kunstmuseum Basel célèbre dans le monde
entier et souhaite en présenter les aspects méconnus sous
un nouveau jour. Des épisodes de l’histoire de Bâle –
certains célèbres, d’autres tombés dans l’oubli, des événements
quelconques ou entrés dans l’histoire, parfois insolites –
sont réunis dans une présentation kaléidoscopique et
mis en lumière grâce aux collections du Kunstmuseum.

Les Basel Short Stories présentent sous un angle nouveau
le potentiel considérable de la collection publique bâloise
aux visiteurs à travers un dialogue varié entre des pièces
oubliées ou rarement exposées et des oeuvres iconiques
de la collection. L’exposition se veut le reflet de chacune
des sections de la collection, des maîtres anciens jusqu’à l’art
contemporain. Elle apporte un nouvel éclairage à l’humaniste
Érasme de Rotterdam, au chef-d’oeuvre Le Christ mort
au tombeau de Hans Holbein le Jeune,

à la dessinatrice et naturaliste Maria Sibylla Merian, à l’historien
de l’art Jacob Burckhardt, au philosophe
Friedrich Nietzsche,
mais aussi au congrès de Bâle de 1912, aux patineurs
artistiques Frick et Frack, à l’inventeur du LSD
Albert Hofmann et à la militante pour les droits des
femmes, Iris von Roten.

Iris von Roten et Miggeli Aebersold 1959

En racontant une histoire, chacune des salles se joint
au choeur des voix de l’exposition.
Le musée présente cette multiplicité d’acteurs, de voix
et de situations comme un ensemble complexe, instable
et en perpétuelle évolution.
Dans Basel Short Stories, l’histoire de l’art soumise
aux canons artistiques est reléguée au second plan au profit
d’une mise en regard qui associe librement oeuvres
d’art et documents. Celle-ci repose sur l’abondante histoire
des idées et du quotidien de Bâle impliquant des personnalités
liées à la ville.

Neuf salles d’exposition proposent de retracer de courtes
histoires visuelles à travers des oeuvres d’art, des objets et
des documents conservés dans les collections du
Kunstmuseum et de la Emanuel Hoffmann-Stiftung,
et au sein de collections bâloises particulières et publiques.
Plusieurs salles ont été conçues et aménagées en étroite
collaboration avec les artistes Silvia Bächli, Pipilotti Rist
et Not Vital, dont les oeuvres sont également présentes dans
la collection publique.

Plusieurs événements seront organisés autour de l’exposition
Basel Short Stories, à l’instar des soirées transdisciplinaires
« Criss Cross » lors desquelles plusieurs intervenants
proposeront d’explorer certains des thèmes abordés dans
l’exposition sous différents angles. Leur réflexion entrera en
résonance avec des débats de société actuels et convoquera
d’autres disciplines telles que l’art, la science et la culture
populaire.

Johannes Grützke : Böcklin, Bachofen, Burckhard et Nietzsche sur le pont (mittleren) du Rhin

Ces soirées seront consacrées à diverses
thématiques parmi lesquelles les substances psychotropes,
les questions liées à l’écologie, les processus de paix, les formes
de féminisme et l’intrication entre sport et industrie du spectacle.
Par ailleurs, des coopérations telles que « Looping Journey »,
projet sous la direction de Gare du Nord lors duquel des
chorales d’amateurs proposeront une mise en musique
expérimentale de l’exposition, et « Kultur Stadt Plan »,
projet basé sur les Basel Short Stories (conçu par
Franziska Schürch et Isabel Koellreuter, historiennes de
la culture), viendront littéralement relier l’exposition à la ville.

L’exposition Basel Short Stories propose à chacun – visiteur
assidu ou occasionnel – de (re)découvrir la collection et de porter
un regard neuf sur sa genèse et ses trésors insoupçonnés.
Grâce à son aspect transdisciplinaire – art, science, culture
quotidienne et culture populaire –, elle est accessible à
un grand nombre de visiteurs.

Dans le cadre de l’exposition paraît une abondante publication
aux éditions Christoph Merian Verlag avec des reproductions,
citations, extraits de textes historiques et écrits de spécialistes
de différents domaines.
Parmi les contributions, citons entre autres celles de Andreas Beyer,
Andrea Bollinger, Bodo Brinkmann, Maike Christadler, Gabriel Dette,
Patrick Düblin, Søren Grammel, Anita Haldemann, Josef Helfenstein,
Michael Kessler, Andrea Maihofer, Ariane Mensger, Charles Ray,
Sabine Söll-Tauchert, Monica Stucky, Hortensia von Roten,
Regina Wecker et Maja Wismer.

Le catalogue en allemand bénéficie du soutien de :
Christoph Merian Stiftung Stiftung für das
Kunstmuseum Basel

Horaires
Lu fermé
Ma–Me 10.00–18.00
Je 10.00–20.00
Ve–Di 10.00–18.00
ENTRÉE LIBRE
Entrée libre dans la collection et les expositions temporaires :
les mardi, mercredi, vendredi et samedi de 17h à 18h,
ainsi que le premier dimanche de chaque mois.
L’entrée libre n’est pas valable pour les
grandes expositions temporaires
passmusées
Depuis la gare SBB tram n° 2 ou 1 arrêt Kunstmuseum

Sommaire du mois de janvier 2018

Pastel de Nicolas Party
Fondation de l’Hermitage Lausanne

01 janvier 2018 : Voeux 2018
03 janvier 2018 : Nuit des musées bâlois 2018
05 janvier 2018 : Le jardin secret des Hansen,
la collection Ordrupgaard
08 janvier 2018 : L’art du pastel de Degas à Redon
10 janvier 2018 : Claude Monet, Collectionneur
11 janvier 2018 : Cours Publics 2018
13 janvier 2018 : Cristina De Middel « Muchismo »
16 janvier 2018 : FOLLOWERS – la HEAR
21 janvier 2018 : Joseph BEY – Le murmure des ombres
24 janvier 2018 : Women House à la Monnaie de Paris
26 janvier 2018 : Sofia Hultén – Here’s the Answer,
What’s the Question?
29 janvier 2018 : Hélène de Beauvoir, Artiste et femme engagée

Sofia Hultén – Here’s the Answer, What’s the Question?

Le Musée Tinguely présente les sculptures, installations et vidéos
de l’artiste berlinoise Sofia Hultén (née en 1972 à Stockholm).
Jusqu’au 1 mai 2018.

Le titre est alléchant, « Ici la réponse, quelle est la question ? »
je suis intriguée par le goût de la jeune femme, pour les boulons,
marteaux, ponceuses et autres outils, ainsi que que pour
son envie de destruction/reconstruction.
Les oeuvres présentées sont curieuses, le travail
montré semble absurde, en adéquation avec Jean Tinguely,
l’artiste est enthousiaste et sympathique.

Mais tout comme le travail de Jean Tinguely, il en ressort
une réflexion profonde sur la consommation et le recyclage.
Les oeuvres de Hultén trouvent leur commencement dans
des objets quelconques du quotidien ou des matériaux de
bricolage. Par des manipulations méthodiques, qui frôlent
parfois l’absurde, l’artiste analyse les choses portant
l’empreinte d’une vie antérieure, les remanie et les réagence.
Les titres marquants que portent ses oeuvres renvoient à
des notions de philosophie ou de physique ainsi
qu’à des motifs de science-fiction et de culture pop.
Ils contrastent ainsi de façon surprenante, et souvent
humoristique, avec la sobriété des matériaux utilisés et des
situations filmées. Sensibles à la grandeur contenue dans
ce que l’on a trop vite fait de négliger, les réalisations de
Hultén aiguisent une conscience des liens qui
rattachent notre vécu du temps et de la réalité aux objets
qui nous entourent.
Here’s the Answer, What’s the Question?,
est une des plus importantes expositions personnelles
de l’artiste à ce jour.

Force poétique et énigmatique de l’objet trouvé
Les objets trouvés, à proprement parler, sont cruciaux dans
l’art de Sofia Hultén. Il s’agit d’objets qu’elle déniche
sur Internet ou dans la rue, produits industriellement et
maintes fois dupliqués, qui portent néanmoins les traces
d’une utilisation individuelle. Soucieuse d’en cerner
la grandeur et la poésie, Sofia Hultén voue à ses objets
quelconques une attention minutieuse, comme on peu
t le voir dans la vidéo de 72 minutes Past Particles
(2010) : les « protagonistes » en sont une boîte à outils
récupérée et le millier de pièces détachées qu’elle contient.
Filmée une à une, chacune de ses pièces est grossie à l’écran
pendant quatre secondes. Même si l’on comprend qu’elles
ont été produites selon des procédés définis et pour
une utilisation précise, les pièces restent mystérieuses. C’est
cette disparité entre la matière présente et sa fonction perdue
qu’évoque le titre, construit à partir du « participe passé »
(past participle en anglais) et des « partic(u)les »,
qui composent notre monde. Les objets sont photographiés
comme des bijoux, sur un fonds de graviers.

Boucles temporelles, réparation et délabrement
Un thème récurrent dans le travail de Sofia Hultén est
le passage du temps et les traces qu’il laisse sur le matériau
qu’elle a choisi. Tout commence par les questionnements
suivants :
« Qu’en serait-il si les choses se comportaient autrement ?
Qu’en serait-il si les lois physiques ne correspondaient
pas à ce que nous attendons normalement ? »
Composée d’un objet et d’une vidéo en quatre parties,
l’installation Mutual Annihilation
(2008), commence avec une commode délabrée.
L’artiste la restaure soigneusement, avant de lui rendre
précisément l’état de dégradation dans lequel elle l’avait trouvée,
et ce au moyen de peinture, de cire et de coups de pied.
La série Particle Boredom (depuis 2016) relève d’une
démarche comparable : Hultén y utilise des découpes de bois
aggloméré (particle board en anglais) dont elle commence
par reproduire la forme en latex ; elle broie ensuite les panneaux
pour les couler à nouveau dans leur forme initiale.

Par ce travail absurde qui s’annihile lui-même, Sofia Hultén
s’en prend, sur un mode ludique, à l’impossibilité de remonter
le temps. Elle démontre comment la plupart des
circonstances, qui déterminent l’état des objets qu’elle traite,
échappent à son contrôle, malgré toute son assiduité.
Sofia Hultén à ce propos: « C’est précisément ce que j’essaie
de trouver, ce moment où les objets avec lesquels je travaille
font quelque chose auquel je ne m’attends pas –
où les choses vont autrement que prévu. »
Non-séquences, amalgames et variations

Sofia Hultén aborde d’une autre manière encore
la question du temps, de ses causes et
ses effets, dans la série vidéo Nonsequences (2013-2014),
où elle découpe en phases individuelles des moments banals
du quotidien – frotter une pomme sur un pantalon,
manger la pomme, la faire tomber par inadvertance
dans la poussière, jeter la pomme dans un sac-poubelle –
pour ensuite mélanger les séquences dans des enchaînements
plus ou moins sensés. C’est à un jeu semblable du désordre
et de l’amalgame qu’elle se prête sous façon sculpturale
dans la série Scramble (depuis 2016), où elle démonte les
lamelles de stores jonchés de graffitis pour les remonter
en les combinant différemment.

De manière encore plus narrative, History in Imaginary Time
(2012) rassemble un morceau de grillage, une veste à capuche,
de la peinture, une balle de tennis, quatre bouts de cartons
déchirés, en faisant varier l’agencement des objets. Le
côté absurde et déroutant de ces situations permutées,
chaotiques, vient de ce qu’elles sont présentées avec une évidence
totale et la même précision que des enchaînements
et agencements plus vraisemblables.

L’artiste évoque ici l’influence marquante des
stratégies narratives des sitcoms anglais sur son travail :
« Je ne change chaque fois qu’un élément d’une séquence
normale d’événements. S’il n’est plus question que de
non-sens absolu, alors l’artiste perd sa visée, et la situation
sa crédibilité. C’est comme le comique de situation qui exerce
une grande influence sur mon travail. Normalement, il
se produit dans un contexte extrêmement conventionnel,
dans lequel tout est familier et seulement un élément saillant a été
modifié. Si on modifie tout, ça tourne à la folie et ce
n’est plus aussi drôle. »
Here’s the Answer, What’s the Question?
Ce sont les quêtes et énigmes suscitées par les oeuvres de Hultén
– comme la recherche de la fonction inhérente aux objets ou
celle de la séquence « exacte » de ses « nonséquences» –
mais aussi la méthode qu’a l’artiste d’inspecter les objets – comme en
atteste par exemple la vidéo Altered Fates (2013) – que
suggère le titre de l’exposition
«Here’s the Answer, What’s the Question ?»
En parallèle, ce titre fait référence à un nouveau cycle d’oeuvres,
Pattern Recognition (depuis 2016), qui est un dialogue avec la
publication éponyme de 1967 de l’informaticien russe Mikhail Bongard.
Sur des panneaux de rangement perforés, et à l’aide d’outils
trouvés, Sofia Hultén reproduit des diagrammes que Bongard
avait développés comme procédés de vérification pour les
machines intelligentes. Un système, qui aurait un jour l’autonomie
de nommer les antagonismes représentés dans ses diagrammes
(vide/plein, symétrique/asymétrique),
donnerait la preuve de sa capacité presque humaine à reconnaître
des structures et développer des méthodes. Devant la réponse donnée,
les observateurs que nous sommes sont invités à chercher la
question qui sous-tend le motif.
Biographie
Sofia Hultén est née en 1972 à Stockholm et grandit à
Birmingham, Angleterre. Après ses études de sculpture à la
Sheffield Hallam University, elle s’installe en 1998 à Berlin afin
de poursuivre ses études avec une bourse de la Hochschule der Künste.
Jusqu’à ce jour elle vit et travaille à Berlin.
Catalogue/cooperation
À l’occasion de cette exposition, la Ikon Gallery et le Musée Tinguely
publient conjointement un catalogue, préfacé par Jonathan Watkins
et Roland Wetzel, avec des contributions diverses
Commissaire d’exposition : Lisa Anette Ahlers

INFORMATIONS GENERALES
Titre : Sofia Hultén. Here’s the Answer, What’s the Question?
Lieu : Musée Tinguely | Paul Sacher-Anlage 1 | 4002 Basel
Durée : 24 janvier–1er mai 2018
Visite de l’exposition avec l’artiste :
dimanche, 29 avril 2018, 13 h
Horaires : mardi – dimanche, 11h – 18h

Nuit des musées bâlois 2018

A vos agendas 19 janvier 2018

L’ouverture en nocturne des musées de Bâle pour une nuit
très spéciale est toujours un succès. Le principe ?
Avec l’achat d’un pass à 22,50€, vous accédez à près de
200 activités organisées dans l’un des 37 lieux participants
et vous profitez gratuitement du réseau de transport en commun.
Organisation suisse, qu’on se le dise.
C’est l’occasion de découvrir les musées autrement à travers
des concerts, lectures, workshop, ateliers, expériences sensorielles,
performances, ateliers créatifs, jeux…

Laissez-vous entraîner dans une promenade nocturne au sein
de l’unique univers des musées bâlois.
La nuit des musées est une fête des histoires, des cultures,
des sciences et des arts. Elle transforme chaque année l’atmosphère
de l’ensemble de la ville. Un parcours du Münchenstein à Riehen à
travers la ville ainsi que de l’autre côté de la frontière
à St. Louis et Weil am Rhein.
Le billet Nuit des musées vous offre une mobilité maximale :
circulez librement avec divers moyens de transport a partir
de 17 heures jusqu’ à la fin du service.
Concoctez directement votre programme selon vos centres
d’intérêts en vous connectant sur le nouveau site internet
de la Nuit des musées bâlois. (allemand-anglais-français)

Au Musée d’anatomie, on pourra élucider une scène de crime
façon Cluedo avec l’aide de l’Institut de médecine légale de Bâle
ou reconstituer un squelette façon Lego avec un certain nombre
d’os à disposition.
Au Musée historique, on pourra se détendre dans une atmosphère
sous marine au son des baleines ou construire un sous-marin
à partir de matières premières simples.
Au musée Tinguely
PerformanceProcess programme spécial
avec San Keller & Heinrich Lüber
Coup de ciseau,

à ne pas confondre avec Sam Keller directeur de la
Fondation Beyeler
Les enfants et leurs familles pourront aussi participer à divers ateliers
: atelier de collage d’images avec Rebekka Moser au Kunstraum
Riehen, atelier pour créer son propre badge avec les illustrateurs
Eva Rust et Andreas Lori au Musée de la caricature et du
dessin humoristique.
De nombreuses visites guidées sont aussi organisées, y compris
en français, dans les musées ou dans la ville.
Ce n’est bien sûr qu’un petit aperçu de toutes les activités proposées.Pierre-Jean Sugier , directeur de la Fondation Fernet-
Branca , présente son programme 2018
Robert Combas pour la Nuit des Musées de Bâle
Vendredi 19 janvier 2018 18h à 2h du matin
Du 19.01.2018 au 18.02.2018 :
Exposition Rock’n Roll avec Robert Combas, Thomas Lévy-
Lasne et Benoit Grimbert
En Alsace
Les bus de la ligne de navette jaune circulent jusqu’à la fin
de la Nuit des Musées jusqu’à Saint-Louis
(arrêt Fondation Fernet-Branca).
Dernier départ de Bâle: à 1h20 du Fischmarkt.
Infos pratiques
Passmusées
20 tickets à gagner pour la Nuit des musées bâlois,
le 19 janvier 2018
Gagnez 2 billets pour la Nuit des musées bâlois,
le 19 janvier 2018. Cliquez sur le lien suivant afin
de participer au jeu-concours.
Date limite de participation : 7.1.2018
Renseignements :
00 41 61 267 84 01
 www.museumsnacht.ch
Horaires :Vendredi 19 Janvier 2018 de 18h à 2h
Tarifs :
Prévente dans tous les musées participants ainsi que
divers points de vente, également en Alsace et
en Bade-Wurtemberg.
Tarif normal : CHF 24.- / 22,50€
Moins de 26 ans (sur présentation d’une carte d’identité) :
Gratuit
Détenteurs de la CarteCulture et Passmusées :
CHF 12.- / 11€

Sommaire du mois de décembre 2017

Lucien Levy-Dhurmer
L’hymne à la Joie, Beethoven, l’Appassionata

02 décembre 2017 : La Fondation Beyeler
03 décembre 2017 : Sols, murs, fêlures, La Régionale à la Kunsthalle de Mulhouse
04 décembre 2017 : Les Vagamondes festival des cultures du Sud (6e édition)
06 décembre 2017 : Anders Zorn
10 décembre 2017 : Les aléas des spectacles publics
16 décembre 2017 : Hommage à Malou Willig
18 décembre 2017 : David Hockney
19 décembre 2017 : Malick Sidibé Mali Twist
21 décembre 2017 : America ! America ! How real is real ?
23 décembre 2017 : Gilgian Gelzer / Raul Illarramendi – streaming
24 décembre 2017 : Raúl Illarramendi
25 décembre 2017 : Joyeux Noël