Les aléas des spectacles publics

Je suis abonnée à l’opéra national du Rhin depuis
des lustres.
Depuis 2 ans, j’avais 2 handicaps à surmonter, dans la
rangée derrière moi, un homme âgé de très forte
corpulence, se déplaçant avec des béquilles, les oubliait
allègrement pour les laisser tomber contre mon dossier,
avec une belle régularité., dossier sur lequel il s’appuie
avec beaucoup de force pour se redresser, se lever, bouger.
Malgré mes interventions, cela lui était totalement indifférent,
ne prenait aucun égard et ne s’excusait jamais.
Pour accompagner le début du spectacle son épouse ne
manquait jamais de déplier un bonbon, en faisant bien bruisser
le papier, pour elle cela  devait tenir lieu de prélude.
Devant moi un monsieur d’un mètre 85, m’offrait la vue
sur un crâne chauve, avec un reste de cheveux en
couronne sur les bords.
Je devais me tortiller dans mon fauteuil pour avoir
une lucarne avec vue sur la scène. Aussi je décidais de
demander un changement de place pour cette nouvelle saison.
Pour les noces de Figaro j’inaugurerai ma nouvelle place,
un peu angoissée, dans l’ignorance de mes voisins, immédiats,
devant, derrière et côté.
Je vis arriver un couple dans la rangée devant la mienne,
une petite dame et un monsieur très grand, angoisse,
et ravissement c’est la petite dame qui s’est assise devant moi.
Dans la rangée derrière moi, j’ai pris 3 coups de sacs sur ma tête,
sans que l’agresseur daigne s’excuser.
Au premier acte cela se présentait fort bien, la petite dame devant
moi, m’offrait pleine vue sur la salle.
Devant elle un grand monsieur la gênait beaucoup, il bougeait,
s’inclinait tantôt à droite puis à gauche, sa belle et abondante
chevelure naviguait curieusement, parfois il se penchait carrément
en avant, obstruant tout la vue de la petite dame. A sa droite,
un monsieur qui remplissait bien son fauteuil, mettait
sans cesse ses jumelles pour bien voir le spectacle.
A ma droite un couple, dont le monsieur avait tombé la veste.
Après l’entracte ma crainte se confirma, le couple devant moi
avait échangé les  places, il fallait que je m’accommode du crâne
avec des cheveux épars du monsieur. Ce n’est pas un coup de sac
que j’ai pris de la part de la personne derrière moi, mais l’intégralité
du sac, genre sac à provision bien rempli, qui lui a échappé
des mains, pour atterrir sur ma tête, là j’ai eu droit à une petite excuse.
Puis mon voisin de droite a décidé que notre accoudoir commun
lui appartenait, en y mettant son bras pour retenir sa tête.
Puis au fur et à mesure que le temps passait, il partageait
son veston avec mes genoux. J’ai horreur de partager ce genre
d’intimité avec un inconnu.
Quelle belle musique, de fort belles voix, avec des ensembles
mozartiens magnifiques en parfait accord avec l’orchestre.
Que de contrariétés afin d’entacher ce pur bonheur.
Quelques messieurs se sont levés pendant le 1er acte pour aller
aux toilettes, l’un étant en bout de rangée centrale, a fait lever
toute la rangée, alors qu’il pouvait sortir à droite, mais comme
les toilettes des messieurs sont à gauche, en partant de la salle,
il a trouvé plus commode d’emprunter le chemin le plus court
pour lui. Certainement qu’il y avait une urgence, mais au retour,
il est revenu par la même voie, dérangeant à nouveau les
mêmes personnes, et en faisant profiter de son physique imposant,
les personnes assises dans les rangées derrière.
Le sans gêne et la mauvaise éducation sont les plaies des
manifestations publiques.
Il y a aussi une catégorie que j’appelle les « touristes », qui viennent
habillés de leur doudoune, chapeau, gants, parapluie, qui ignorent
le vestiaire, qui ne veulent pas perdre de temps à la sortie, pour
récupérer leur affaires. D’autre qui se lèvent dès la fin, pour être les
premiers dans le parking, afin de sauter dans leur véhicule, estimant
que les chanteurs n’ont pas besoin d’applaudissements.
L’autre galère ce sont aussi les adolescents, qui préfèrent consulter
les smartphones, pendant les spectacles qu’on leur impose,
prendre des photos, alors que c’est interdit, surtout pendant
un spectacle d’acrobatie, où le flash est particulièrement dérangeant.
Les profs, eux s’étant octroyés les meilleures places et laissant leurs élèves
sans surveillance.

La Fondation Beyeler

« Les oeuvres d’art doivent vivre en créant un dialogue
avec d’autres oeuvres ainsi que le public ».
Sam Keller, Directeur
Pour clôturer en beauté cette année anniversaire
de la Fondation Beyeler, le musée offre à son
public senior, en remerciement, un cadeau tout
spécial et accorde une
 
entrée gratuite à tous les
visiteurs de plus de 65 ans
pendant la période
de
l’Avent du 1er au 24 décembre.

En outre, la campagne «-25» se poursuivra tout au long
de l’année prochaine.
La visite du musée restera gratuite en 2018
pour les moins de 25 ans.
Ces opérations combinées permettent à deux générations
de visiter gratuitement le musée: en cette fin d’année,
grands-parents et petits-enfants peuvent venir admirer
ensemble les œuvres abstraites et colorées de Paul Klee
à la Fondation Beyeler.
Et, vice-versa, les petits-enfants
peuvent inviter leurs grands-parents au musée sans dilapider
leur argent de poche.

L’exposition de la collection «Coopérations» reste ouverte
jusqu’au 1er janvier 2018, l’exposition sur Paul Klee
et sa relation à l’abstraction jusqu’au 21 janvier 2018
 


progression des visiteurs

L’extension du musée


Pour l’année 2018
21 janvier – 29 mai 2018
Début 2018, la Fondation Beyeler consacrera une vaste exposition
à Georg Baselitz, né en 1938 à Deutschbaselitz, Saxe (Allemagne).
À l’occasion du 80e anniversaire de Baselitz, une rétrospective ciblée
réunira plusieurs des peintures et sculptures les plus importantes
réalisées par cet artiste majeur de l’art contemporain au cours
des six dernières décennies. En outre, de nouvelles oeuvres seront
pour la première fois exposées au public.
Cette exposition est organisée en collaboration avec
le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de
Washington, D. C.,

où elle y sera ensuite montrée sous une autre forme.
Parallèlement à l’exposition de la Fondation Beyeler, le
Kunstmuseum Basel exposera des oeuvres sur papier de
Georg Baselitz.
Bacon – Giacometti
29 avril – 2 septembre 2018
Au printemps et durant l’été 2018, la Fondation Beyeler
présentera deux protagonistes exceptionnels et
visionnaires du modernisme classique, amis aussi bien
que rivaux, qui ont largement influencé l’art de la
seconde moitié du XXe siècle et dont le rayonnement
continue à se faire sentir encore aujourd’hui.
Pour la toute première fois, une exposition muséographique
sera conjointement dédiée à Alberto Giacometti
(1901–1966) et Francis Bacon (1909–1992), et mettra
en lumière la relation réciproque de ces deux
grandes personnalités artistiques.
À première vue, leur travail respectif semble très différent
et indépendant l’un de l’autre; cette exposition révèlera
pourtant des similitudes et des parallèles étonnants. Vie et
créativité de ces deux artistes seront présentées ensemble
sous un jour nouveau.
Ces deux individualistes qu’étaient Giacometti et Bacon se
considéraient tels deux phares se lançant des
signaux lumineux au loin. Catherine Grenier, conservatrice
et directrice de la Fondation Giacometti à Paris,
Michael Peppiatt, spécialiste de Bacon et ami proche de l‘artiste,
ainsi que Ulf Küster, conservateur à la Fondation Beyeler,
révèleront à travers la centaine d’oeuvres présentées dans
cette vaste exposition des parallèles étonnants.
parallèles étonnants.
Ernesto Neto, GaiaMotherTree
Juin/juillet 2018, gare centrale de Zurich
En juin et juillet 2018, la Fondation Beyeler présentera
dans la gare centrale de Zurich une installation de
l’artiste brésilien Ernesto Neto, né en 1964
à Rio de Janeiro.
L’oeuvre monumentale GaiaMotherTree est
une sculpture arborescente polychrome, faite de rubans
de coton multicolores noués à la main, et
s’étendra jusqu’au plafond du hall de la gare,
à vingt mètres de haut. Cette installation, que les visiteurs
peuvent pénétrer et découvrir depuis l’intérieur,
constitue un lieu de rencontre, d’échange et de
méditation. Elle accueillera en son sein une multiplicité
d’événements, y compris des manifestations
musicales et dansantes, ainsi que des lectures
et des ateliers, à l’attention des adultes aussi bien
que des enfants.

au musée Tinguely en 2015

Catalogue de la collection
Cet ouvrage n’est pas un catalogue de collection classique.
Il s’agit plutôt d’un récit dans lequel les artistes
de la collection parlent de leurs créations, un mariage subtil
entre illustrations des oeuvres d’art et extraits
de textes originaux rédigés par les artistes eux-mêmes.
Ce recueil est à la fois historique et «contemporain»:
en effet, à travers ces écrits, la présence des artistes
devient palpable.
un bémol, il  n’existe qu’en allemand et en anglais
pourtant le français est la 2e langue de la Suisse
Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler:
tous les jours de 10h00 à 18h00,
le mercredi jusqu’à 20h
Depuis la SBB tram n° 2 jusqu’à la Messe Platz
puis tram n° 6 arrêt Fondation Beyeler
les billets de tram s’achètent aux composteurs
les cartes tram se compostent à l’extérieur 💡

Sommaire du mois de novembre 2017

vue depuis le Centre Pompidou

01 novembre 2017 : Fonte – Anna Katharina Scheidegger
02 novembre 2017 : KUNSTAR
03 novembre 2017 : Les poissons des grandes profondeurs ont pied – Yves Chaudouët
04 novembre 2017 : CÉZANNE. Métamorphoses
05 novembre 2017 : Corps et Visages
06 novembre 2017 : Collection Beyeler / Coopérations
11 novembre 2017 : Gauguin l’alchimiste
13 novembre 2017 :  Romains des villes, Romains des champs ?
20 novembre 2017 : ST’ART 2017
26 novembre 2017 : André Derain 1904 – 1914. La décennie radicale
28 novembre 2017 : Marianne Maric, les filles de l’Est et les autres

Collection Beyeler / Coopérations

jusqu’au 1er janvier 2018

À l’occasion de son 20e anniversaire,
la Fondation Beyeler présente la troisième
et dernière exposition «Coopérations» de
l’année avec plusieurs variantes, ainsi que les
possibilités de développement de la collection
grâce aux futurs prêts de longue durée,
acquisitions et donations. Héritiers de fonds
d’artistes, collectionneurs et artistes amis
de la maison ont été invités à sélectionner
des chefs-d’oeuvre en leur possession afin de
créer un rapprochement temporaire avec la
Collection Beyeler. Cette conception d’une
collection propre en tant qu’ensemble vivant
et entité unique en constante mutation
conditionne l’exploration incessante des possibilités
de présentation et d’exposition.

Cabinet de curiosités

Les trois premières salles rappellent des formats
de présentation traditionnels aussi bien dans
l’accrochage des objets individuels et des oeuvres
que dans l’agencement des pièces. Telle un musée
dans le musée, la première salle dévoile une
mise en scène unique et ouvre l’exposition en s’inspirant
du concept historique du cabinet de curiosités,
remontant ainsi aux origines du musée: le mariage des
oeuvres de la collection et des prêts issus
principalement d’une collection privée bâloise
font l’éloge de la grande tradition de la collection
d’art, de l’instinct et de la curiosité des collectionneurs
ainsi que de leur soif d’originalité, d’esthétique,
d’insolite ou de singularité.
Ainsi, par exemple, est exposée une défense de
narval, tenue autrefois pour une corne de licorne.

Autres points phares de cette partie de
l’exposition: les oeuvres d’art de l’Afrique et de
l’Océanie tirées de la collection Beyeler, complétées
par des prêts exclusifs tels qu’un masque malagan
de Mélanésie du musée Barbier-Mueller à Genève

ainsi que d’autres pièces remarquables issues
d’une collection privée new-yorkaise.
La deuxième salle rend hommage au Salon de l’art
moderne dans la tradition de Gertrude Stein ainsi
que d’autres pionniers de la collection d’art
moderne. Les visiteurs peuvent notamment admirer
des oeuvres de Paul Cézanne, Pablo Picasso
et Vincent van Gogh. Le Salon, lieu d’échange
entre artistes, collectionneurs et amateurs d’art,
trouve son équivalent dans le développement de
la Fondation Beyeler en tant que lieu de rencontre
prisé dans le monde artistique.

La troisième salle est consacrée au surréalisme
et aux artistes Max Ernst, René Magritte, Balthus et
Joan Miró.
La collection de la Fondation Beyeler s’est
considérablement enrichie, notamment grâce au
prêt d’importants travaux de Magritte.
En souvenir des expositions révolutionnaires
organisées par les surréalistes eux-mêmes, toutes
les oeuvres sont mises en scène sur fond noir et
sous un éclairage théâtral.

En outre, plusieurs collections privées allemandes
et suisses seront présentes à travers des chefsd’oeuvre
de différents protagonistes de l’expressionnisme
abstrait, tels que Morris Louis et Willem de
Kooning, ainsi que des oeuvres clés du Pop Art.

Plusieurs oeuvres majeures de Roy Lichtenstein
côtoieront celles de Andy Warhol. Sera notamment
exposé le tableau Joseph Beuys (1980) de Warhol.

C’est l’une des rares oeuvres que l’artiste a décoré
d’une fine couche de poussière de diamant. Après
plusieurs mois d’analyses poussées, de tests et
de nettoyage entrepris dans le cadre d’un projet de
restauration complexe, le tableau peut enfin à
nouveau être exposé au public.

Les salles qui mettent en dialogue deux artistes
sont particulièrement intéressantes. Ainsi, Yves Klein
rencontre Lucio Fontana,
et Claude Monet converse avec Marina Abramovič.

L’un des grands temps forts de cette partie de
l’exposition est sans aucun doute Anthropométrie
sans titre (1960) de Yves Klein, une peinture sur toile monumentale
qui est exposée en Suisse pour la toute première fois.
Des espaces d’artistes sont consacrés à
Gerhard Richter, Peter Doig et Louise Bourgeois.
The Hours of the Day [Le Livre des heures] (2016),
remarquable oeuvre papier et textile multipartite
de l’artiste newyorkaise est exposée au public pour
la première fois.
Le rideau de perle de Félix González-Torres
«Untitled» (Beginning) [Sans titre (Commencement)]
(1994) clôture l’exposition «Coopérations»

comme une métaphore de fin de présentation
de cette collection à l’occasion du 20e anniversaire de la
Fondation Beyeler, mais aussi comme un regard porté sur
la nouvelle année à venir.
L’exposition «Coopérations» suit la chronologie de l’histoire
de l’art: elle commence par le cabinet des curiosités en tant
qu’origine du musée, passe par le Salon de l’art moderne et
s’étend jusqu’au White Cube de l’art contemporain.

Près de 170 oeuvres issues de huit pays offrent un éventail
temporel de la fin de la Renaissance jusqu’au XXIe siècle.
Les prêts ont été recueillis auprès de plus d’une douzaine de
collections privées et institutions reconnues telles que le
Musée Barbier-Mueller à Genève, la Easton Foundation
à New York ou encore la collection Daros à Zurich.
«Coopérations» clôture la série des trois présentations
de collection de l’année 2017 en jetant un
regard vers l’avenir.
«L’originale» rend hommage à la toute première
exposition du fondateur de notre
musée, Ernst Beyeler. «Remix», la deuxième exposition,
crée un pont et un dialogue entre les nouvelles
acquisitions et la collection existante.
Cette exposition est co-dirigée par Sam Keller et Ulf Küster.
Sam Keller-Ulf Küster-Fondation Beyeler
crédit photo Véronique Bidinger

Scénographie, graphisme et architecture de l’exposition en
collaboration avec Martina Nievergelt, Thorsten Romanus
et Dieter Thiel.

Expositions de la Collection Beyeler à l’occasion
du 20e anniversaire
5 février 2017 – 1 janvier 2018

La Fondation Beyeler a été inaugurée officiellement
le 18 octobre 1997. La collection de remarquables
oeuvres d’art moderne et contemporain rassemblées avec
le plus grand soin depuis les années 1950 par
le couple de galeristes et de collectionneurs
Ernst et Hildy Beyeler
a trouvé un foyer dans le musée conçu en 1997 par
Renzo Piano à Riehen/Bâle.
On peut les y voir depuis cette date dans des
présentations changeantes, aux côtés de dons ultérieurs
des fondateurs. La collection de la Fondation
Beyeler a été précautionneusement agrandie par des achats,
des dons, des partenariats et des prêts de longue durée.
En 2017, la Fondation Beyeler fête ses vingt ans avec trois
expositions exceptionnelles successives, qui
présentent la Collection Beyeler sous trois perspectives
différentes :
un regard sur le passé, un regard sur le présent,
un regard vers l’avenir.
Collection Beyeler / L’Originale
5 février 2017 – 7 mai 2017
La première exposition de la collection de l’année, conçue
en hommage aux fondateurs du musée,
Ernst et Hildy Beyeler,

Collection Beyeler / Remix

9 juin – 3 septembre 2017
Avec des oeuvres d‘Andy Warhol de la Collection Daros
« Remix », la deuxième exposition de la collection,
présente celle-ci dans son état actuel. Les ajouts
des dernières années ont permis d’élargir la collection
en lui apposant un accent contemporain.
L’établissement d’un dialogue entre les nouvelles
acquisitions et la collection existante est un critère
majeur des réflexions sur chaque nouvelle acquisition.
« Remix » souhaite offrir une scène à ce
dialogue dans toute sa diversité. La présentation d’oeuvres
de la collection est complétée par d’importants prêts de longue
durée, avec notamment un ensemble de toiles de
Picasso de l’Anthax Collection Marx.
En outre, à l’occasion du 20e anniversaire de la
Daros Collection, le partenariat entre la Fondation
Beyeler et Daros est célébré par une présentation de
chefs-d’oeuvre d’Andy Warhol.
La commissaire de l’exposition est Theodora Vischer,
Senior Curator de la Fondation Beyeler.
www.fondationbeyeler.ch
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77,
CH-4125 Riehen
Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler:
tous les jours de 10h à 18h, le mercredi jusqu’à 20h

CÉZANNE. Métamorphoses

Jusqu’au 11 février 2018
A 2h30 de Paris, située près de la frontière avec l’Alsace,
la ville de Karlsruhe accueille un des plus anciens et
importants musées d’Allemagne, la Staatliche Kunsthalle
de Karlsruhe. CÉZANNE. Métamorphoses, rassemble
100 chef d’oeuvres en provenance de collections internationales
avec l’objectif d’éclairer sous un jour nouveau des aspects
systématiques et fondateurs de l’oeuvre d’un des grands maîtres
de la peinture française du 19e siècle. L’idée centrale de cette
exposition est d’aborder l’art de Cézanne sous l’angle
du processus de création,
des transformations et des
transitions constantes d’une forme à l’autre, afin de

développer un mode d’interprétation global de son
oeuvre.

A l’intention de son public francophone,  la Kunsthalle
propose des visites guidées en langue française.

Peintre, dessinateur et aquarelliste, Paul Cézanne (1839 – 1906)
a légué une oeuvre riche et abondante. Il est considéré comme
l’un des plus importants précurseurs de l’art moderne,
alors qu’il se donnait lui-même pour objectif le
renouvellement de la peinture fondé sur l’art classique.
Partant de la nature telle qu’elle s’offre à l’observateur,
Cézanne chercha à reconstruire les volumes par la
modulation de la couleur et la géométrie.
L’exposition de la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe
met en lumière le processus créatif de Cézanne à travers
trois lignes directrices.

A travers la nouvelle lecture qu’elle permet de l’oeuvre
de Cézanne, elle se distingue de plusieurs expositions
qui lui furent consacrées dans le passé, qu’il s’agisse
d’expositions adoptant une chronologie linéaire
(Paris/Philadelphia/Londres 1995/96) ou reposant sur un
choix de motifs (Washington 2006, Londres /New York 2010/11,
Madrid 2014, New York 2014/15, Paris/Londres/
Washington 2017/18) ou sur des aspects thématiques
(Vienne/Zurich 2000, Budapest 2013, Bâle 2017).
Elle offre une vision globale tout en adoptant une perspective
transversale destinée à rendre compte du geste créatif
à l’origine de cette oeuvre.

I. Une chronologie non linéaire
L’oeuvre de Cézanne est souvent décomposée en plusieurs
phases– romantisme, impressionnisme et renouveau du
classicisme – qui sont présentées comme des orientations
divergentes.
L’exposition de la Kunsthalle a pour objectif de montrer
le travail réalisé continu par Cézanne sur les motifs
qu’il privilégia. Elle met en lumière les liens qui
unissent les portraits, les natures mortes et les paysages.
Les séries d’oeuvres sélectionnées par la Kunsthalle
révèlent notamment que la théâtralité des
personnages de ses premières créations se retrouve
dans la majesté atemporelle de ses dernières compositions.

II. La copie et la métamorphose
Un des aspects méconnus de l’oeuvre de Cézanne
est son souci de réappropriation des grands maîtres
de la peinture et de la sculpture, de l’Antiquité jusqu’à
Delacroix. Pourtant, il compte parmi les peintres pour lesquels
la copie fut un abondant processus créatif. La réception
de Cézanne, mettant en avant sa modernité, a trop souvent
occulté cette composante pourtant fondamentale de son travail
et de sa réflexion. Au-delà de la représentation
presque anecdotique d’un Cézanne croquant au crayon noir
les sculptures du Louvre, le public est invité à découvrir
la métamorphose à laquelle fut soumise la copie de personnages
et de détails d’oeuvres qui ont inspiré Cézanne.
Le processus de maturation, nourri par son observation
attentive d’oeuvres du passé, est un des fils rouges de l’exposition.

Feuille d’étude d’après Delacroix 1876/79 CP
III. Le double sens
Le troisième axe de l’exposition est centré autour d’une
des grandes innovations de Cézanne. La dissolution
de la matérialité des objets à laquelle procéda
Cézanne aboutit à une peinture dans laquelle le solide
a l’apparence du liquide et le liquide se fige en masse apparemment
solide. L’exposition a pour vocation de proposer une
immersion dans ce processus artistique dont la gageure fut de
permettre une double lecture sans pour autant s’engager
dans l’abstraction : le feuillage d’un arbre devient cristallin,
des torchons de cuisine évoquent les couches géologiques
d’une carrière de pierre, le tout restant dans une
représentation figurative.

Paul Cézanne
Sitzender Mann, 1905/06
© Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

L’exposition en mots-clés
●100 oeuvres en provenance de collections internationales
●Des tableaux, des aquarelles et des dessins
●Un nouveau regard porté sur le processus créatif de Cézanne
●Une conception d’exposition qui s’éloigne de la catégorisation habituelle
distinguant les natures mortes, paysages et portraits de Cézanne
●Une présentation innovante qui ouvre de nouvelles perspectives
d’interprétation
●Les métamorphoses et les transitions au coeur de l’exposition

L’exposition CÉZANNE. Métamorphoses est le temps fort
du programme de l’automne / hiver 2o17 – 18 de la
Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe. Ce projet se
situe dans le prolongement des nombreuses expositions
de la Kunsthalle sur l’art français, de Delacroix à Degas
en passant par Corot et Fragonard, expositions qui
ont connu un retentissement international.

Cette exposition réunit à Karlsruhe de nombreux prêts
provenant de collections internationales et privées,
telles que celles du Musée d’Orsay de Paris, du J. Paul
Getty Museum de Los Angeles, du Musée
Thyssen- Bornemisza de Madrid, du
Musée Pouchkine de Moscou ainsi que du
Museum of Modern Art et duMetropolitan Museum de New York.
Commissariat d’exposition
Dr. Alexander Eiling
Toute l’actualité de l’exposition
CÉZANNE. Métamorphoses est disponible en

langue française sur le site de la Staatliche Kunsthalle
de Karlsruhe à l’adresse

www.cezanne-in-karlsruhe.de/fr

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Un des plus anciens et importants musées d’Allemagne.
La Kunsthalle, dont la construction débuta en 1830,
compte parmi les plus anciens et les plus importants
musées d’Allemagne. Elle est de plus un des rares
musées d’art allemands ayant pratiquement gardé
jusqu’à nos jours son aspect et ses collections d’origine.
Les collections de la Kunsthalle
La Kunsthalle vise à préserver un patrimoine illustrant
sept siècles d’histoire de l’art en Europe, tout en établissant
un dialogue avec l’art contemporain et en
enrichissant la collection grâce à des oeuvres de qualité.
Le fonds d’origine remonte aux collections d’oeuvres
d’art rassemblées par les margraves de Bade.
La Kunsthalle rassemble aujourd’hui 3455 oeuvres
qui couvrent les principaux courants artistiques, offrant
ainsi un panorama complet de l’art occidental. Elle
dispose de riches collections qui lui permettent
d’organiser de grandes expositions et de prêter des oeuvres
à d’autres musées. La collection de dessins et
estampes de la Kunsthalle est en outre une des plus
anciennes d’Europe et des plus riches puisqu’elle rassemble
environ 90 000 oeuvres de toutes les époques.
Les collections de la Kunsthalle sont à découvrir sur le site
en langue française à l’adresse :
www.kunsthalle-karlsruhe.de/fr/collections
Informations pratiques
Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Hans-Thoma-Straße 2 – 6
76133 Karlsruhe, Allemagne
Tél. : +49 (0) 72 19 26 33 59
Mail : info@kunsthalle-karlsruhe.de
Horaires
Le musée est ouvert du mardi au dimanche
de 10h à 18h, le jeudi jusqu’à 21h.
Le musée est exceptionnellement ouvert
les 30 octobre, 25 et 26 décembre 2017
ainsi que le 01 janvier 2018 à partir de 13h.
Il est fermé le lundi ainsi que les 24 et 31 décembre 2017.
Tarifs de l’exposition
Adulte : 12 € | Tarif réduit : 9 € | Pass-musées
Tarif groupes à partir de 10 pers. : 9 € par pers.
Les billets peuvent être achetés à la caisse du musée
ou en ligne à l’adresse
www.kunsthalle-karlsruhe.de/de/shop
Audioguides et visites guidées en français de l’exposition
Un audioguide est disponible en langue française.
Tarif : 4 € | Tarif réduit : 2€.
Des visites guidées en français sont proposées tous
les samedis et dimanches à 14h30.

Tarif : 2 €.
Accessibilité du Musée
La Kunsthalle, bien qu’étant installée dans un bâtiment ancien,
comporte des facilités d’accès pour les personnes à mobilité réduite.
Accès en avion, voiture, train et tram
Le musée se trouve dans le centre-ville, près du château.
Deux parkings sont situés à proximité immédiate.
Le musée est également rapidement accessible
depuis la gare en transports en commun

Paul Klee – La dimension abstraite

«L’art ne reproduit pas le visible, il rend visible.»
Paul Klee, 1920

jusqu’au 21 janvier 2018 à la
Fondation Beyeler

L’exposition rétrospective comprend
110 oeuvres de l’artiste issues de toutes
ses périodes créatrices, à partir de l’année 1912,
et regroupe de précieux prêts confiés par de
nombreuses institutions renommées et
collections privées en Europe et à l’étranger
L’exposition «Paul Klee» se déploie sur sept
salles et présente plusieurs ensembles d’oeuvres
chronologiques, permettant d’explorer la
confrontation de Klee avec l’abstraction.
En outre, les ensembles d’oeuvres, regroupés
selon certains éléments ou motifs stylistiques,
mettent en lumière les étapes décisives du
développement artistique et biographique de Klee.
L’exposition s’ouvre sur les débuts de Klee en
tant que peintre dans les années 1910 à Munich.
Tout juste majeur, Paul Klee s’installe dans la
capitale bavaroise, métropole artistique, où il vivra
avec quelques interruptions jusqu’en 1921.
Cette période sera formative pour sa carrière
artistique. Il se fraye une voie sur la scène
artistique émergente munichoise et y fait, entre
autres, la connaissance de Vassily Kandinsky.
Ces années-là, il entreprend également des voyages
déterminants pour son art.

En 1905 et 1912, il visite Paris. La peinture
avant-gardiste de Paul Cézanne, Henri Matisse,
Pablo Picasso ou encore Robert Delaunay lui font
une forte impression. Les approches développées par ces
artistes, telles que la décomposition cubique
de l’environnement figuratif sur des surfaces
géométriques abstraites, ou la dissociation des
couleurs par rapport au contenu, se retrouvent de façon
unique dans les aquarelles de Klee telles que
Das gelbe Haus [La Maison jaune], 1914,
26 confiée par la Fondation Merzbacher,
Geöffneter Berg [Montagne ouverte], 1914, 95
issue d’une collection particulière ou encore
mit dem roten X [avec le X rouge], 1914, 136
du Museum of Modern Art (MoMA) à New York.

Lors de son voyage en Tunisie qu’il entreprend
avec ses amis artistes Louis Moilliet et August Macke
en avril 1914, Klee développe une approche
toute personnelle de la couleur et de la lumière.
La peinture sur toile et papier devient, dès lors,
une composante importante de son oeuvre.
Dans une note de son journal, on peut lire la
déclaration suivante:
«La couleur me possède. Nul besoin de chercher
à la saisir. Je suis à elle pour toujours, je le sais.
Voilà le sens du bonheur: la couleur et moi, nous ne
faisons qu’un. Je suis peintre.»
Parmi les oeuvres remarquables, on trouve
notamment les aquarelles suivantes:
Aux portes de Kairouan, 1914, 216, réalisée
lors de son voyage à Tunis et exposée au Centre
Paul Klee à Berne, Avec un brun, 1915, 39 du
Kunstmuseum de Berne, ainsi que Abstraction sur
un motif de Hamammet (sic.), 1914, 49 peinte
à son retour de Munich, que Klee avait offerte à son
ami Franz Marc, et que l’on peut désormais
admirer dans la Collection Forberg au Musée Albertina
à Vienne. Pour la première fois depuis plusieurs
décennies, Aux portes de Kairouan
(d’après une esquisse de 1914) (sic.), 1921,
sort d’une collection privée de Riehen et est
montrée au public.
[Nota: l’orthographe des titres est fidèle au
catalogue des oeuvres.]
La salle suivante dévoile les oeuvres réalisées
durant la Première Guerre mondiale. La guerre
représente pour Klee une profonde rupture.
Ses amis August Macke et Franz Marc tombent
respectivement en 1914 et 1916. Klee en est
profondément affecté. À la même période, il fait le lien
entre l’art abstrait et la situation politique,
et déclare:
«Plus le monde devient effrayant (tel qu’il l’est
aujourd’hui), plus l’art devient abstrait, alors
qu’un monde heureux fait s’épanouir un art réaliste.»
Bien qu’il rejette la guerre, il se retrouve forcé,
en tant que ressortissant allemand, de servir
entre 1916 et 1918. (Paul Klee vient au monde le
18 décembre à Münchenbuchsee, près de Berne).
Il n’est pas envoyé au front mais dans un
régiment de réserve; épargné de prendre les armes,
et peut ainsi consacrer ses heures libres à son art.
Les oeuvres réalisées pendant cette période-là
ne sont cependant pas entièrement abstraites.
De nombreuses représentations naturelles
et architecturales sont identifiables en tant
que jardins, maisons privées
ou églises, telles des refuges, des sanctuaires pour
ainsi dire, créés par l’artiste lui-même, et
pour lui-même. Parmi les oeuvres les plus
remarquables, on peut citer l’aquarelle
La Chapelle, 1917, 127 issue de la Collection
de la Fondation Beyeler, ainsi que
le petit format Himmelsblüten über
dem Gelben Haus (Das auserwählte Haus)

[Fleurs célestes au-dessus de la maison jaune
(La maison élue)], 1917, 74,

du musée Berggruen de Berlin. Par le choix
même du matériau, ce tableau renvoie
immédiatement à la guerre. À l’époque,
Klee avait été stationné dans une école
d’aviation en Bavière et avait utilisé la toile
d’avion comme support de peinture.
La salle d’exposition suivante, la plus grande,
est séparée en trois parties et s’intéresse à la décennie
du Bauhaus à Weimar et Dessau, l’abstraction
géométrique ainsi que les voyages de Klee
en Italie et en Égypte à la fin des années 1920
et au début des années 1930.
Au début des années 1920, Klee est l’un
des artistes les plus influents de son temps.
Le Bauhaus lui propose un poste où il
enseignera de 1921 à 1931. Au total, lors de
la décennie du Bauhaus, Klee réalisera plusieurs
centaines d’oeuvres dont une série a été
sélectionnée tout particulièrement pour
cette exposition en raison de sa capacité
à illustrer en première ligne le processus lié
à l’étude des couleurs.
Il s’agit de tableaux dits «carrés»
– des tableaux non figuratifs à la structure
géométrique plus ou moins stricte présentant
plusieurs carrés ou triangles de couleurs –
ainsi que d’aquarelles semi-figuratives
ou abstraites, en couches de couleurs, dans
lesquelles Klee utilise, comme son nom
l’indique, une technique particulière de
superpositions de couches de peinture.
En raison de leur sensibilité à la lumière,
les aquarelles en couches sont présentées
dans une salle d’exposition séparée.
Dans toutes ces oeuvres, Klee accorde la
prééminence absolue à la couleur en tant que
médium artistique. Klee se meut de façon
ludique entre les univers apparemment
incompatibles de l’abstraction et du figuratif.
Parmi les joyaux de cette partie de l’exposition
figurent l’huile sur toile
petit-fils de Paul Klee
Blühender Baum [Arbre en fleur], 1925, 119
prêté par le Musée national d’art moderne de Tokyo,
1934, 199, ainsi que son homologue au format
plus large, Blühendes [En fleur], 1934, 199 désormais
conservé au Musée d’art de Winterthour.
Entre les nombreuses aquarelles en couches
les plus connues et les plus appréciées,
on peut noter, par exemple: Polyphone Strömungen
[Courants polyphoniques],
1929, 238 de la Collection d’art de Rhénanie-du-Nord-
Westphalie à Dusseldorf, mais aussi Fuge in Rot
[Fugue en rouge], 1921, 60 et Aquarium, 1921, 99,
toutes deux issues de collections privées.

Dans les années 1920, de nombreux artistes,
dont le Bauhaus de Dessau, les membres du mouvement
artistique néerlandais De Stijl – avec
Theo van Doesburg et Piet Mondrian – ainsi que les
constructivistes russes proclament le formalisme
géométrique strict. En réaction, Klee produira une
série oeuvres qui verront le jour jusqu’à la fin
des années 30. Le tableau Le rouge et le noir,
1938, 319 du Musée Von der Heydt à Wuppertal,

Verspannte Flächen [Surfaces tendues], 1930, 125
de la Staatsgalerie Stuttgart ou encore
Feuer bei Vollmond [Feu à la pleine lune],
1933, 353 du Musée Folkwang à Essen illustrent
singulièrement la contribution extraordinaire et
personnelle de l’artiste.
Les voyages ont eu une importance
considérable pour Klee. L’art et la culture dans
les pays étrangers ont été pour lui une immense
source d’inspiration. Ainsi, ses impressions
sur les voyages en Égypte et en Italie entrepris
à la fin des années 1920 et au début des années
1930 aboutissent à deux séries d’oeuvres
formidables: les tableaux dits «en couches»
et les peintures pointillistes. Durant l’hiver 1928-
1929, Klee explore Alexandrie, Le Caire, Louxor
et Assouan pendant tout un mois. L’impression
de ces villes et de leurs paysages alentours
se transforment en abstraction géométrique
linéaire bariolée, auxquelles appartiennent
les tableaux Feuer Abends [Feu, le soir],
1929, 95 du Museum of Modern Art
(MoMA) à New York, ou encore

Blick in das Fruchtland [Regard sur le pays
fertile], 1932, 189 du Musée Städel à
Francfort-sur-le-Main.
L’engouement de Klee pour les mosaïques
paléochrétiennes byzantines, qu’il avait pu admirer
principalement dans les villes italiennes de
Ravenne, Palerme et Monreale, l’a poussé à
développer une technique unique de peinture
en mosaïque, et qu’il a utilisé dans le tableau
grand format Klaerung [Clarification], 1932, 66
du Metropolitan Museum of Art (MET) à

New York, et Vor Anker [Au mouillage],
1932, 22 issu d’une collection particulière, ou
encore Klassische Küste [Côte classique], 1931, 285
du Musée Berggruen de Berlin.
Les tableaux carrés et en couches, aussi fragiles
que précieux, ainsi que les peintures pointillistes et en
mosaïque sont rarement présentés ensemble
et en série: ils constituent le point culminant de l’
exposition.
Les trois dernières pièces de l’exposition sont
consacrées aux oeuvres tardives.
Depuis décembre 1933, Paul Klee réside
de nouveau en Suisse.
En 1930, il accepte un poste de professeur
à l’Académie des Beaux-Arts de Dusseldorf,
dont il sera congédié en avril 1933 par les
nationaux-socialistes. Il est proclamé artiste dégénéré.
Parmi les plus de 2000 travaux de l’œuvre
tardive de Klee ont été sélectionnées les peintures
dites à signes graphiques qui illustrent de
façon exemplaire le processus d’abstraction
à la fin de sa carrière artistique ainsi qu’une
série d’oeuvres dans lesquelles Klee fournit
des conceptions prophétiques pour
l’art de l’après-guerre.
La Seconde Guerre mondiale devait être
le point de départ de nombreux processus
artistiques dans le monde occidental.
Dans ses travaux des années 1930, cependant, de
nombreux éléments de cette conception
picturale déterminante pour l’art de l’Europe
et des États-Unis d’après-guerre sont déjà présents.

Sturm durch die Ebene [Tempête à travers
la plaine], 1930, 54 conservée à Paris, au Centre
Pompidou, Bergrücken [Croupe de montagne],
1930, 53 ou encore
Schwere Botschaft [Message pesant], 1938,
119 issue d’une collection privée possèdent,
par exemple, une gestuelle et des procédés
picturaux qui rappellent l’expressionnisme abstrait.
Les caractères et les signes graphiques jouent
un rôle déterminant en tant que médium
stylistique dans les oeuvres tardives de Paul Klee.
Dans ces travaux, il remanie des systèmes
d’écriture picturale tels que les anciens
hiéroglyphes égyptiens, l’ancienne écriture orientale
ou la calligraphie; il effectue également un travail
d’abstraction pour extraire des signes à partir
de plantes, de lettres et de chiffres.
À travers la représentation de corps et
de visages humains fortement abstraits, pour autant
parfaitement reconnaissables, Paul Klee définit,
de manière consciente ou inconsciente, le seuil de la
peinture abstraite en devenir, et dans laquelle
la disparition de la figure humaine est l’un des motifs
artistiques les plus importants. Parmi les travaux
les plus représentatifs de ce processus figure l’œuvre

préférée de Ernst Beyeler, Ohne Titel
[Gefangen, Diesseits – Jenseits/Figur]

[Sans titre] [Captif, En deçà
– Au-delà], vers 1940, ainsi que Ludus Martis,
1938, 141 du Musée Stedelijk à Amsterdam ou encore
Park bei Lu. [Parc près de Lu.], 1938, 129 du
Centre Paul Klee à Berne.
Commissaire : Anna Szech 
Horaires d’ouverture:
Tous les jours de 10h00 à 18h00,
le mercredi jusqu’à 20h
Prix d’entrée à l’exposition
Adultes CHF 25.-
Entrée gratuite jusqu’à 25 ans
et pour les membres du Art Club.
Étudiants de moins de 30 ans: CHF 12.-
 

Féminité au Kunstmuseum Basel

Éros, pouvoir, morale et mort vers 1500
Jusqu’au 7 janvier 2018,
Kunstmuseum Basel | Neubau

Urs Graf
Dirne in halber Figur, 1518
Feder in Schwarz,
25,6 x 21 cm
© Kunstmuseum Basel, Amerbach Kabinett / Martin P. Bühler

Aujourd’hui, les images de femmes sensuelles, voire dénudées,
font partie de notre quotidien. Mais cela ne fut pas toujours le cas :
au Moyen Âge, la représentation de nus féminins était réservée
à un cadre très restreint défini par l’iconographie religieuse.
Ce n’est qu’à la Renaissance, avec l’émergence de l’art profane,
que l’image de la femme et du corps féminin devient un thème
à la fois apprécié et diversifié, même s’il demeure soumis à
des règles spécifiques.

Hans Baldung gen. Grien 29,5 x 20,7 cm; Feder in Schwarz, grau laviert, weiss gehöht, auf braun grundiertem Papier

Les premières décennies du XVIe siècle constituent une étape
importante de l’évolution de l’image de la femme dans
l’histoire de l’art : le nombre de « féminités » augmente
rapidement et une multitude de nouveaux thèmes picturaux
voient le jour.
L’exposition Féminité. Éros, pouvoir, morale et mort
vers 1500
propose
d’explorer cette époque à travers
une centaine d’oeuvres, choisies, d’artistes tels qu’Albrecht Dürer,
Hans Baldung Grien, Urs Graf, Niklaus Manuel Deutsch
et Lucas Cranach. Elle présente principalement des dessins
et des gravures, mais aussi des peintures et des petites
statuettes, ainsi que quelques oeuvres rarement montrées au
public, voire jamais pour certaines d’entre elles.

Niklaus Manuel 31,4 x 21,7 cm; Feder in Schwarz, weiss gehöht, auf braunorange grundiertem Papier

Magnifique Venus aux lassos avec Eros

Dans ces oeuvres, la femme apparaît tour à tour sous les traits
d’une Vénus séduisante, d’une héroïne de vertu de l’Antiquité
ou d’une Vanité impérieuse. Elle revêt également l’apparence
d’une souveraine rusée dominant l’homme, d’une prostituée
sournoise ou d’une sorcière diabolique. Ces motifs apparaissent
pour l’essentiel dans le cadre de débats moraux et reflètent
les valeurs et les idéaux de l’époque souvent marqués par des
stéréotypes négatifs. Certes, la femme était l’incarnation
de la sensualité et de la beauté, mais elle suscitait aussi la
crainte en raison de sa propension au péché et à la fugacité.
On redoutait également que la femme use de ses charmes
pour exercer un pouvoir sur l’homme.

Hans Baldung gen. Grien; Aristoteles und Phyllis; 1513
Blatt: 33.3 x 23.8 cm; Holzschnitt; Inv. Aus K.13.16

L’exposition s’attache à présenter la féminité dans sa diversité.
Particulièrement riche du point de vue de l’histoire de l’art,
montrée du point de vue masculin, les artistes femmes
étant inexistantes à cette époque,
ce thème l’est aussi sous l’angle de l’histoire culturelle,
puisqu’il fait écho à de nombreuses questions actuelles.
Les débats moraux et vertueux en constituent la toile
de fond, tels ceux présents dans les écrits d’Érasme de
Rotterdam et d’Agrippa de Nettesheim.
Une interprétation des oeuvres est proposée à partir de
sources textuelles et visuelles provenant de la culture
populaire conservées sous la forme de feuilles volantes,
d’expressions, de théâtre de carnaval ou de facéties populaires.

Lucas van Leyden , Le Péché
28,2 x 19,5 cm; Schwarze Kreide

Le coeur de l’exposition est constitué du remarquable fonds
du Kupferstichkabinett du Kunstmuseum Basel
( de 300 000 oeuvres)
complété par des prêts issus de prestigieuses collections
suisses et internationales, parmi lesquelles la
Gemäldegalerie de Berlin, l’Albertina de Vienne,
le Städel Museum de Francfort, la Gemäldegalerie de Kassel,
la Staatsgalerie de Stuttgart, la Graphische Sammlung de
l’ETH de Zurich et l’Historisches Museum de Bâle.

Lucas Cranach l’ancien
87.3 x 57.4 cm; Mischtechnik auf Lindenholz

Commissaire : Ariane Mensger

Dans le cadre de l’exposition, un catalogue (env. 230 pages)
paraît aux éditions Deutscher Kunstverlag, Berlin/Munich,
avec des contributions d’Ariane Mensger, Bodo Brinkmann
et Karoline Schliemann.

Horaire du mardi au dimanche de 10 h à 18 h
tram n° 1 /2 /6 depuis la SBB
arrêt Kunstmuseum

Sommaire du mois de septembre 2017

Véronique Arnold, à la galerie Stampa de Bâle

« Notre héritage n’est précédé d’aucun testament »
à la galerie Stampa à Bâle, en écho à l’œuvre d’Hannah Arendt.
Une tentative sensible de faire mémoire, de réveiller
« l’intelligence du cœur ».
Le titre est une phrase de René Char prononcée en 1946
et citée dans la préface de « La Crise de la culture ».
jusqu’au 21 octobre
06 septembre 2017 : Manish Nai
07 septembre 2017 : La Terre la plus contraire
25 septembre 2017 : Chagall Les années charnières 1911-191
27 septembre 2017 : Stephen Gill – Un photographe anglais
29 septembre 2017 : Steve Roden à la Kunsthalle
 

Sommaire du mois d'août 2017

© photo Haupt & Binder

06 août 2017 : Jérôme Zonder. The Dancing Room
10 août 2017 :  A World Not Ours
14 août 2017 :  Art/ Afrique, le nouvel atelier à la Fondation Vuitton
15 août 2017 :  L’Assomption
23 août 2017 : dOCUMENTA 14 Kassel

dOCUMENTA 14 Kassel

Pour sa 14e édition, la dOCUMENTA, rendez-vous
quinquennal de l’art contemporain réunit 160 artistes
internationaux, à Kassel.
Ils sont répartis sur plus de 20 sites
jusqu’au 17 septembre, dans la ville de Kassel, capitale
de la Hesse allemande. La question des réfugiés et des
frontières est omniprésente dans les œuvres, qui veut
ignorer le marché de l’art et ses idoles. En effet point
de star du marché occidental comme à la Biennale de Venise,
ici c’est la politique qui est abordée. A Kassel, la critique
du système est une tradition.

Daniel Knorr  sculpture fumante, Expiration Movement

C’est « the place to be« de l’été qui fait accourir de tous les
continents, artistes, curators, directeurs de musée,
collectionneurs et amateurs qui se veulent être dans le vent.
Certains chanceux ont déjà assisté au volet I de Documenta 14
à Athènes. Vous pouvez lire ici un résumé d
un curieux des arts.
C’est le directeur artistique, le Polonais
Adam Szymczyk, qui a la première fois ouvert cette manifestation
d’abord en Grèce le 8 avril dernier, puisant dans  l’actualité riche,
matière à réflexion et renouveau.
Pourquoi Athènes ? Pour célébrer la cité de Socrate, mais surtout
pour se déclarer solidaire d’un pays soumis aux exigences
financières de l’Europe en général et de l’Allemagne en particulier.
Parthénon des livres censurés de Marta Minujin

C’est une manifestation de très grande ampleur, qui envahit la ville.
Les principaux lieux sont le Palais Fridericianum, la
Documenta Halle, les musées Bruder Grimm, Natur im Ottoneum,
le musée de la sculpture, etc … le pavillon de l’Orangerie,
le Palais Bellevue, les 2 Neue Galerie l’une bâtiments récupéré
d’une ex-poste, la Karlsaue.
Hiwa K When we where Exhaling Images

La visite demande de l’organisation, une bonne constitution
physique, et une bonne paire de chaussure, mais aussi du temps.
Les hôteliers vous proposent d’entrée une carte de tram selon
vos besoins. Ce qui est bien commode, Kassel est bien desservie
en trams et bus.

Premier lieu de rencontre sur la FriedrichPlatz :
« Le Parthénon des livres« , (ci-dessus) installation artistique
monumentale, qui est l’attraction majeure de la Documenta.
L’oeuvre spectaculaire de la plasticienne argentine
Marta Minujin, est un plaidoyer contre la censure sous toutes
ses formes.
L’oeuvre a exactement les mêmes dimensions que le Parthénon:
70 mètres de long sur 31 mètres de large, et 10 mètres de hauteur.
Symbole fort dans une Allemagne hantée et honteuse de son passé
nazi, le « Parthénon des livres » a été bâti à l’endroit même où en
1933 furent brûlés les livres d’auteurs juifs ou marxistes par
les sbires d’Adolf Hitler.
Antonio Vega Macotelas, Mill blood

 Le «moulin à sang», qui se présente comme un jouet oublié
et joyeux, dans la Karlsaue  est la réplique exacte d’un appareil
qui a été vraiment exécuté par Antonio Vega Macotela.
Lorsque les colonisateurs ont apporté l’argent des montagnes
et les ont estampillés dans des pièces de monnaie et des barres,
des ânes ont conduit de tels moulins, mais le travail était trop dur.
Et quand il n’y avait plus d’ânes, les plus pauvres des pauvres
devaient s’adresser à la population indigène.

La vidéo de Bill Viola The Raft est une image de la destruction
et de la survie, une métaphore flagrante et viscérale de l’expérience
collective des catastrophes naturelles et des actes de guerre.

Bill Viola the Raft

 Britta Marakatt Labba raconte des histoires et des mythes
sur ses origines et la survie de la terre. Elle
crée des mondes
miniatures politiquement engagés.

Les oeuvres de Cecilia Vicuña compose des poèmes
dans l’espace, «quipoems» – une contraction
du poème et du quipu. Un dictionnaire en ligne définit quipu ,
plutôt réducteur, comme « un dispositif composé d’un cordon
avec des cordes nouées de différentes couleurs attachées,
utilisées par les anciens Péruviens pour enregistrer des événements,
un type d’écriture précolombienne, tradition littéraire qui a donné
au monde des personnalités telles que Gabriela Mistral,
Pablo Neruda et Nicanor Parra. Les épaves des bateaux utilisés
par les réfugiés et échoués sur les côtes grecques sont devenues
une installation de l’artiste mexicain Guillermo Galindo et
transformées en instrument de musique.

 L’artiste irakien-allemand Hiwa k (ci-dessus)
(When we where Exhaling Images)
a empilé des tuyaux
d’égout sur la Friedrichsplatz en face de la documenta halle,
sous forme d’un grand cube. C’est une œuvre d’art puissante,
dont beaucoup de références se révèlent peu à peu.
De loin, il ressemble à un chantier. Si vous vous rapprochez,
vous pouvez voir que les tuyaux d’égout sont confortablement
meublés: avec des lits, des livres, des plantes vertes et des
cuisines avec du café.


La Norvégienne Maret Anne Sara à la Neue Galerie,
dénonce l’oppression des Samis par le pouvoir central
scandinave, en présentant un rideau de crânes de rennes
percés, ainsi que des photos de sa famille qui la soutient
dans son action.

Maret Anne Sara

Au Palais Bellevue, c’est la vidéo de

La vidéo de l’artiste israélo-américain Roee Rosen, est un bonheur,
clin d’oeil ironique à Jeff Koons, entre autres.

Ci-dessus c’est un résumé de ce que j’ai apprécié
Il y a une installation d‘Olaf Holtzapfel, dont je n’ai pas
saisi la nécessité de couper des arbres afin de construire
sa sculpture.

Olaf Holtzapfel

Bien que toutes les œuvres et installations en extérieur soient
prévues pour être temporaires, seize créations exceptionnelles
ont pu être durablement acquises à ce jour –
donations ou acquisitions issues des diverses documenta.
Leur maintien en place n’a pas résulté d’une politique
d’acquisition systématique, mais de l’engagement participatif
de la population ainsi que de la diligence des artistes et des
mécènes. Pour onze des seize œuvres d’art en extérieur de la
documenta (dont l’installation des 7000 chênes),

La ville de Cassel en a assumé la responsabilité en tant
que propriétaire.
Elles sont représentatives de ce que chaque documenta entendait
communiquer.
Elles reflètent ainsi des étapes importantes dans l’histoire
de cette exposition d’art mondiale et constituent des
exemples actualisés des rapports de l’art avec les espaces
urbains ou paysagers.
A consulter ici
Déplacement et séjour à titre personnel
à mes frais