Catégorie : Arts plastiques

jusqu’au dimanche 25 octobre 2015 en entrée libre, à la Filature de Mulhouse

Dans la famille Wagner, je demande l’arrière, arrière, arrière-petit-fils.
Né en 1982, celui qui s’appelle pour l’état-civil
Antoine Amadeus Wagner–Pasquier, est un photographe et cinéaste
installé à New York, qui s’est choisi pour nom d’artiste
Antoine Wagner, du nom de jeune fille de sa mère Eva.
Il a l’aspect du « wanderer » romantique des livrets de son illustre aïeul.
Le trentenaire a déjà de nombreuses expositions à son actif, ainsi qu’une
résidence à la Villa Médicis.
Son travail est montré actuellement  au Museum für Völkerkunde Hamburg.
En 2013, Antoine Wagner part sur les lieux où son ancêtre a vécu, Zurich et Lucerne. Il rencontre historiens, musicologues, musiciens et amateurs éclairés. Puis, il se rend en haute montagne au contact d’une nature grandiose et violente, dans ces paysages qui ont été une profonde source d’inspiration pour le Maître de Bayreuth qui les admirait tant. Cette expédition a donné lieu au documentaire biographique et musical Wagner,
A Genius in Exile  (vidéo) réalisé par Andy Sommer (Bel Air Classiques), mais aussi à de nombreux projets vidéo et photo.

Tout le travail d’Antoine Wagner depuis une dizaine d’années
pourrait se lire comme une suite d’explorations du geste musical. Ses projets, tels que Lisz[ :T :]rau ou Wagner : Common Denominator, sont marqués par cette envie de se confronter de façon formelle à la fabrication de la musique.
Avec l’exposition Cadences à La Filature, il propose aujourd’hui d’aller beaucoup plus loin dans sa démarche : il présente des oeuvres dans lesquelles il épouse les jeux de courbes et de lignes de partitions de musique classique en s’attachant à retrouver l’essence du compositeur. En parallèle, il montre des photographies de paysages dans lesquels il s’est attaché à retrouver les mouvements de plusieurs partitions qui font partie de son imaginaire depuis l’enfance. Cet ensemble cohérent se distingue par cette même recherche de la sensualité du geste créateur et son inscription dans une réalité, celle de la nature.
A Mulhouse nous pouvons suivre le périple de l’artiste, Antoine Wagner, sur les traces de son illustre trisaïeul, dans son exil en Suisse, lors de la composition de Parsifal,  drame cosmique qui marque l’ultime étape de l’écriture wagnérienne.
Cette histoire est inspirée en partie du Conte du Graal  de Chrétien de Troyes, et de l’épopée médiévale Parzival de Wolfram von Eschenbach.
Vous pouvez en lire le résumé ci-dessous.

A la Filature son interprétation est personnelle, un Parsifal inédit, une mise en scène particulière avec des photos argentiques, avec en toile de fond la musique et un titre
 » Kundry « 

A W est parti du Journal de Cosima, et d’un livre écrit par Eva Rieger,  qui décrivent
précisément les étapes du cheminement de Richard Wagner qui lui inspira son opéra.
L’artiste a arpenté en 2011, pendant un an les lieux visités par Wagner pendant les 10 ans de son exil suisse, où ’il est confronté seul à ses panoramas,  venant d’un paysage plat, il découvre la montagne. R Wagner le dit très clairement que la force de la nature et ses paysages suisses sont l’idéal pour donner l’arrière plan à ses opéras, c’est le moment le plus inspirant de sa vie,  seul, fragilisé, sans le sou, laissant Minna  (sa première épouse) derrière lui, installé chez les Wesendonck , Mathilde W à laquelle il a dédié Tristan & Iseult, il rencontre Cosima von Bullow. Il se réconcilie avec Louis II de Bavière,  qui  lui donne accès à nouveau à l’Allemagne, et crée Bayreuth. Mais dès qu’ il a eu l’occasion de repartir quelque part, c’est la Suisse qui a eu sa préférence. La nature a toujours été sa source d’inspiration, derrière ses écrits, derrière ses visuels.
Les photos dans le couloir, se présentent comme l’ouverture de Parsifal, mystérieuses, étranges dans leur beauté singulière et atmosphère de légendes. On entend les notes s’égrener par delà, le brouillard et les nuages des Alpes suisses.
Les images sont issues  du projet « Wagner in der Schweiz »


Certaines images viennent aussi de la côte amalfitaine, et de la Sicile sans que les
lieux ne soient précisés, alors que R W si était installé.
A W procède à une lecture symbolique de Parsifal, il a construit sa recherche pour revenir à l’essentiel, une mythologie universelle, qui trouve son essence dans la nature, bien au-delà des hommes, en privilégiant Kundry au détriment de Parsifal.
La mort du cygne est placé avant le début de l’acte 1, le drame est en place.
Aucun être vivant n’apparait, les 3 actes sont contés par les quatre éléments : l’eau, la terre, le feu, l’air.
L’agonie du Roi Amfortas installe une lumière déclinante et troublante. A l’inverse l’érotisme du dyptique incarne tout le mystère de la femme Kundry, elle devient essentielle.

En prenant le parti de l’associer à l’eau scintillante, la sorcière, pécheresse est absoute,
Elle porte en elle la solution et envoie Parsifal  reconquérir la lance qui a tué l’animal
sacré. Les chevaliers du Graal sont placés dans cette forêt dense, aux fûts bien droits
où seul Parsifal, isolé est baigné de lumière.

Puis vient la tentation, suave, érotique sous forme de fleurs.
Puis c’est le périple de Kundry et Parsifal, dans des paysages aux courbures féminines,
dans un nouveau dytique. La confrontation entre Parsifal et Klingsor n’est pas évoquée,
on accède tout de suite à la lance, symbolisée par la grotte où le Rhin prend sa source, au Gothard, qui baigne dans l’eau.

Ayant résistés aux récifs, le grand rocher qui évoque l’Île aux morts de Böcklin,  les deux héros reprennent  leur route dans un paysage lunaire, infertile, terre de feu de l’Etna. Puis surgit le jardin de toutes les tentations, mais la lance résiste grâce à leur sagesse.
Il sauve Amfortas.
L’artiste place la femme au coeur du mythe, elle en est l’héroïne, l’érotisme est omniprésent. Nombreux tableaux de Kundry  sont des visions anthropomorphiques
où l’artiste cherche dans le paysage une vision mythique de la femme.
 Carole Blumenfeld : commissaire de l’exposition avec Emmanuel Walter
…. À bien des égards, le travail d’Antoine Wagner pourrait se lire comme celui d’un compositeur qui verrait le monde à travers une portée de notes. En réalité, le jeune photographe, vidéaste et installateur, va chercher dans le monde la musique de cette partition imaginaire – ou pas tout à fait – qui est au coeur de tout son processus de création. ….Carole Blumenfeld

A voir jusqu’au 4 octobre 2015 
Il s’agit de deux artistes, l’un allemand, l’autre français, issus respectivement de la culture française et allemande, que la Fondation Fernet Branca , réunit pour la première fois en France. C’est une exposition sur la peinture, la couleur, dont l’essentiel est de s’interroger sur ce que les deux artistes ont en commun, une esthétique du procédé, de la méthode.

En développant une idée très particulière de la peinture, qui demande un petit effort de la part du « regardeur », alors qu’au premier abord cela semble facile. Réunir ces deux artistes revient à poser la question de la matérialité de la peinture.
Pour cette exposition, la Fondation a repeint les plafonds en blanc, changé tout l’éclairage afin de donner une excellente lumière proche de la lumière réelle. Les salles sont très lumineuses, les couleurs en sont exaltées. L’espace, qui constitue la présentation des œuvres, participe ainsi activement à la perception du spectateur.
Bernard Frize et Günter Umberg font tous deux reposer leur travail sur une approche théorique s’imprégnant d’une vision de l’histoire de la peinture.

Bernard Frize

Les deux artistes présentent en outre de nombreux points communs dans leur pratique : ils utilisent le même matériau et s’imposent des contraintes.
Cependant, leurs réalisations diffèrent à bien des égards. Chacun d’eux nous invite donc à participer à une expérience artistique qui, malgré son apparente simplicité, relève d’une extrême sophistication et renvoie à toute l’histoire de la peinture.
Bernard Frize, et Gunter Umberg, l’abstraction

Bernard Frize rejette la narration. Il s’interdit même le superflu : beaux effets de style et d’esthétique au profit d’une stricte neutralité. Il élimine ainsi tout affect et sensibilité et va jusqu’à se placer en retrait. Il laisse ‘le pinceau peindre’.

« Laisser le pinceau peindre, tel est le credo de ce puriste qui cherche à pousser la pratique picturale dans ses derniers retranchements et ne donner à voir que l’acte de peindre lui-même. Pour « fabriquer les conditions du hasard » – cette spontanéité organisée étant selon lui indissociable du processus de création –, » Bernard Frize

Gunter Umberg

Bernard Frize s’impose de sérieuses contraintes avant d’exécuter une toile. Par exemple, le choix des couleurs ne répond pas au désir d’évoquer une ambiance ou un sentiment personnel, elles sont là parce qu’elles se distinguent les unes des autres. Idem pour la méthode d’exécution, systématique pour chaque œuvre (à une, deux ou plusieurs mains, à la brosse, au couteau ou au pinceau, etc).
Quant à la nature des matériaux, elle intervient dans le rendu, selon un processus organique : l’eau, le pigment, la pesanteur, les effets du séchage, tout cela influe et joue un rôle dans ce qu’il advient de la peinture. Le résultat ? Des toiles à la fois maîtrisées et libres, contraintes et aléatoires. Des paysages abstraits variés et, somme toute, sensibles. L’artiste, un simple artisan ? Plutôt un penseur fataliste :
« L’œuvre d’art, explique Bernard Frize, donne forme au chaos, non parce qu’elle révélerait une signification cachée du monde. La forêt est plus ou moins dense pour chacun d’entre nous, mais nous cherchons tous un chemin pour la traverser. Et si vous vous demandez pourquoi ceux qui ne sont pas artistes peuvent s’intéresser à la peinture, je suppose que la réponse est qu’ils partagent probablement ces interrogations dans leur vie et peuvent projeter sur les peintures certaines réponses à leur quête. »
origine :  Elisabeth Couturier

Il partage avec Gunter Umberg, le plaisir de construire ensemble  cette exposition.
Il trouve que « Fernet Branca est l’écrin parfait pour montrer côte à côte, leur travail respectif.
En traversant l’exposition le visiteur doit travailler lui-même :
On peut avoir du plaisir en regardant la peinture, qui s’adresse autant à la tête qu’aux sensations et qu’il ne faut déprécier ni l’un ni l’autre« 

Le visiteur peut ainsi s’attarder devant les noirs profonds de Gunter Umberg, se laisser pénétrer par la couleur, jusqu’à voir la couleur advenir, comme dans un Soulages ou un Rothko.
Commissaire de l’exposition
Pierre-Jean Sugier, directeur de la Fondation
Fondation Fernet‐Branca – Saint‐Louis – Alsace
Ouverture :
Du mercredi au dimanche 13h-18h
 

MUSÉE DE LA MER
FORT ROYAL – ILE SAINTE-MARGUERITE
CANNES
Jusqu’au 20 septembre 2015
La Ville de Cannes présente une exposition temporaire de
photographies et de peintures de l’artiste-plasticien Nils-Udo au Musée de la Mer.
Rendez-vous culturel incontournable de la Côte d’Azur, le Musée de la Mer, sur l’île Sainte-Marguerite, accueille chaque été des expositions de photographes, de grands voyageurs ou d’artistes plasticiens.

Les musées de Cannes exposent depuis près de 25 ans des artistes dont
l’aura internationale participe au rayonnement de la Ville. De grands photographes voyageurs comme Bernard Plossu (1997), Nicolas Bouvier (1999), Bruce Chatwin (2001) et Ella Maillart (2005) ont ainsi été présentés.
Des photographes plasticiens comme Mimmo Jodice (2002),
Olivier Mériel (2005) et Georges Rousse (2013) ont également ponctué avec cohérence la ligne artistique des expositions.
La présence à Cannes de Nils-Udo, dont les oeuvres jalonnent les collections des grands musées français et étrangers, contribue à la sensibilisation du public à l’art contemporain et plus particulièrement au mouvement Land Art et à l’art environnemental.
Cet artiste allemand a gardé de son enfance campagnarde, passée au bord d’une rivière, le
goût des espaces naturels qu’il retranscrit dans son travail. Les
milieux aquatiques et forestiers ont ouvert son imaginaire et forment la trame de ses oeuvres. Cet amour pour la Nature s’est renforcé, à l’âge adulte, par des promenades
et des voyages. Nils-Udo parcourt le monde, sécateur en poche, pour créer, in situ, des installations artistiques éphémères dont ses photos gardent la trace.

5 – La Mer, Ile Sainte-Marguerite, Cannes, 2015
©NILS-UDO, Courtesy Galerie
Pierre-Alain Challier, Paris

Nils-Udo, artiste-plasticien allemand, est né en 1937 en Bavière où il vit et travaille.
A partir de 1955, l’artiste suit des études d’arts graphiques aux Beaux-Arts de Nuremberg avant de s’installer à Paris en 1960. Pendant une dizaine d’années, il se consacre à la peinture.
En 1972, il renonce provisoirement à cet art et commence à travailler avec les éléments de la nature. Parallèlement Nils-Udo étudie la photographie.
Depuis Hommage à Gustav Mahler, l’une de ses premières installations, dans le Chiemgau en Allemagne, l’artiste n’a cessé de voyager pour créer, dans de nombreux pays, des oeuvres éphémères in situ. Ces réalisations feront de lui un des pionniers du Land Art en Europe.
Nils-Udo photographie ses installations dans la nature, afin de conserver une trace de leur existence. En 1980, il reçoit le 1er prix de la Triennale Internationale de la photo de Fribourg.
En 2004, parallèlement à ses oeuvres dans la nature, il reprend définitivement la peinture.
Ses travaux ont fait l’objet de nombreuses expositions.
dont les plus récentes :
● Exposition 4 éléments – eau, air, terre, feu, Fondation François Schneider,
Wattwiller, et installation monumentale La Mousse dans la forêt des Vosges
● Exposition Peintures et photographies, Kaneko Art, Tokyo
● Exposition Sur l’eau, île Sainte-Marguerite, Cannes, et réalisation de l’installation La Mer sur l’île
● Installation Das Blaue Land, Murnau, Haute-Bavière, Allemagne
● à venir  Réalisation de l’installation monumentale Sanctuaire pour l’abbaye de Jumièges, pour 2016

Le Musée Renoir de Cagnes-sur-Mer ou Domaine des Collettes à Cagnes-sur-Mer (Alpes-Maritimes), labellisé Musée de France, est dédié au peintre impressionniste Auguste Renoir (1841-1919).

Le domaine et le musée ont été entièrement rénovés et la collection du « Musée Renoir » y a retrouvé sa place Le musée a reçu le label Maisons des Illustres depuis juin 2011.
Le Domaine des Collettes est une villa située au 19 chemin des Collettes à Cagnes-sur-Mer, classée au titre des monuments historiques et labellisée « Patrimoine du XXe siècle ».
Sur le site de la ville, il est précisé qu’une navette vous y conduit, depuis la place.
Cela doit être en été, car la seule navette disponible en ce jour de juin conduit au château.
Aussi nous nous mettons à la recherche de cette autre navette, et surtout de son arrêt (aléatoire).

Le chemin grimpe allègrement entre les belles villas. Enfin elle apparaît et nous emmène
pendant bien 20 mn un peu au-delà du musée. Les 10 mn de grimpette pédestre annoncées doivent passer par le chemin des écoliers, non visible pour un touriste.
Immédiatement nous avons un coup de cœur pour le lieu, calme, l’oliveraie, les orangers,
la vue, depuis les chambres et la terrasse, un lieu paradisiaque. La maison demeurée en l’état avec le chevalet mobile de Renoir, aux cimaises recouvertes de belles toiles, est paisible et très peu visitée.

Après avoir découvert Cagnes-sur-Mer en 1903, Auguste Renoir ayant des problèmes de santé, se fixe enfin en achetant le « Domaine des Collettes », propriété de trois hectares, le 28 juin 1907, après avoir eu un coup de cœur pour son oliveraie centenaire, ses orangers et sa fermette du XIXe siècle.
Il aurait voulu habiter l’ancienne ferme rustique (devenue la boutique du musée), mais Madame Renoir désirant une maison spacieuse, il fait construire en 1908 une demeure de style néo-provençal avec deux ateliers d’artiste par l’architecte de Biot Jules Febvre. Il s’y installe à l’automne 1908, peint et sculpte durant onze ans avec sa femme Aline et leurs trois enfants, Pierre, Jean et Claude, jusqu’à sa disparition le 3 décembre 1919 à l’âge de 78 ans.
sa dernière oeuvre

 
Bas-relief aux danseuses de Renoir. Musée Renoir de Cagnes-sur-Mer.
Il réalise dans cette demeure sa « période cagnoise » ou « dernière période » en s’inspirant de son domaine. Il aborde alors également la sculpture entre 1913 et 1918 avec Richard Guino puis avec Louis Morel. Il reçoit dans sa villa ses contemporains Henri Matisse, Aristide Maillol, Amedeo Modigliani, Auguste Rodin, Pablo Picasso, Claude Monet …
À sa disparition, il lègue le domaine à son fils Claude Renoir qui y vit jusqu’en 1960.
En 1959, le « domaine des Colettes » sert de décor au Déjeuner sur l’herbe, film de Jean Renoir qui tourne ainsi dans la maison de son enfance.

En 1960, la ville de Cagnes-sur-Mer achète le domaine pour en faire un musée d’une douzaine de pièces « où tout est demeuré en l’état ». Le parc est ouvert au public.
Les musées nationaux enrichissent avec le temps les collections du musée avec des œuvres de Pierre Renoir, Albert André, Aristide Maillol, Marcel Gimond, Richard Guino, Raoul Dufy, Pierre Bonnard entre autres.
Villa de Renoir, Domaine des Collettes est une villa située au
19 chemin des Collettes à Cagnes-sur-Mer

Fernand Léger naît en 1881, à Argentan décède en 1955 à Gif-sur-Yvette.
Un an après le début des travaux, la restauration de la façade principale du musée Fernand Léger à Biot est achevée. Rendre sa beauté originelle à cette œuvre monumentale en mosaïque et céramique fut une vraie prouesse technique que le public peut découvrir jusqu’au 12 octobre à travers une exposition interactive. L’occasion de replonger dans l’histoire de ce site qui a vu le jour en 1960.

Considéré comme l’une des grandes figures de l’art moderne, Fernand Léger est un peintre français dont l’œuvre, riche et cohérente, traverse toute la première moitié du XXème siècle. Après la guerre, les thèmes de la ville et de la machine retiennent toute l’attention du peintre. Inspiré par la vie moderne, Léger prône un « nouveau réalisme », accordé à la beauté plastique de la civilisation industrielle. Conscient que la peinture est concurrencée par le spectacle de la grande ville, il intègre à ses compositions, signaux urbains et motifs mécaniques, tandis que la figure humaine, désensualisée et standardisée, est réduite à la géométrie.

Dans les années 20, de multiples collaborations permettent au peintre de s’ouvrir à d’autres champs de création : la littérature, les spectacles vivants, l’architecture…
Fasciné par le cinéma, Léger travaille avec les réalisateurs Abel Gance et Marcel L’Herbier. Surtout, il réalise Le Ballet mécanique (1924), considéré comme
« le premier film sans scénario », expérience qui l’incite à reprendre le principe du gros plan dans ses peintures. L’objet, devenu le sujet central de ses œuvres, s’affranchit de la pesanteur dans la série des Objets dans l’espace. Reconnu internationalement à partir des années 30, Fernand Léger expose en Europe et aux Etats Unis, où il se rend à plusieurs reprises. Dès cette époque, sa recherche picturale s’écarte de l’esthétique mécaniste pour s’inscrire dans la grande tradition picturale. Ses œuvres témoignent d’un retour à la figure et du développement de recherches décoratives, en dialogue avec l’architecture.
Dans l’esprit du Front populaire, Léger prend position lors des débats sur la Querelle du réalisme, organisés par Aragon à la Maison de la culture à Paris. L’année 1937 est marquée par sa participation à l’Exposition internationale des Arts et techniques.

Au début de la guerre, Léger fuit la France pour New York, « le plus formidable spectacle du monde ». Cette période américaine est particulièrement créative. Avec la série des Plongeurs et des Cyclistes, Léger invente le principe de la couleur en dehors, par lequel il dissocie couleurs et formes. Il enseigne en Californie à Mills College et installe son atelier à New York l’hiver, et à Rouses Point l’été. Il retrouve ses amis exilés comme le compositeur Darius Milhaud et les peintres regroupés dans la galerie de Pierre Matisse.
En 1945, Fernand Léger adhère au parti communiste français et rentre en France. A son retour, il retrouve son atelier rue Notre-Dame-des-Champs et ouvre une nouvelle école à Montrouge, puis à Paris.
A la fin de sa vie, Léger, animé par l’idéal d’un art pour tous, se lance dans de nombreux projets monumentaux, pour des commandes d’art sacré (chapelle d’Assy, église du Sacré-Cœur d’Audincourt…) ou des édifices publics (université de Caracas, palais de l’ONU à New York…).

Foncièrement optimistes, ses séries comme La Grande Parade et La Partie de campagne évoquent le monde des loisirs et les progrès sociaux. L’année 1950 est marquée par la série des Constructeurs, qui fait l’objet de nombreuses études. Son album Cirque est publié par l’éditeur Tériade au même moment.
Dès 1949, Fernand Léger descend régulièrement à Biot (Alpes-Maritimes) pour travailler avec l’atelier Brice à des sculptures polychromes en céramique.
Le peintre disparaît le 17 août 1955 à Gif sur-Yvette. En 1960, Nadia Léger, sa veuve, et Georges Bauquier, son assistant, inaugurent le musée national Fernand Léger, sur le terrain acheté par l’artiste, juste avant sa mort, au pied du village de Biot.
Magnifique musée autant par sa situation que par la richesse de sa collection.
7 juillet – 7 octobre 2013
Musée national Fernand Léger Chemin du val de pome, 06410 Biot Fernand Léger,
voir ici la vidéo
Prochaine exposition : Métropolis volet 2
L’homme dans la ville, planche 4 de l’album lithographique La Ville, Paris, Tériade Editeur, 1959, donation Nadia et Georges Bauquier au musée national Fernand Léger © RMN-Grand Palais / Gérard Blot © Adagp, Paris 2013 , le texte de l’écrivain suisse.

Dans l’exposition, le dialogue entre les lithographies et les photographies permet d’évoquer le paysage parisien dans lequel vécut Fernand Léger depuis son installation en 1908 à la Ruche située à Montparnasse jusqu’à sa résidence campagnarde en banlieue sud dès 1952. En écho aux clichés de son ami Robert Doisneau et de son élève William Klein, ses estampes humanistes rendent hommage à la créativité populaire par la représentation pittoresque des petits métiers de la rue. Afin de créer des perspectives inédites sur l’urbanisme parisien, le peintre s’approprie également l’esthétique photographique au moyen de diagonales audacieuses et de collages d’infrastructures modernes (viaduc, Tour Eiffel, cheminées).
Paris spetacles, la représentation de la vie mondaine et des loisirs populaires, les saisissants cadrages en noir et blanc des photographes modernistes s’associent aux images colorées de Fernand Léger afin de restituer le dynamisme qui caractérise la perception de la grande ville.
Commissariat général : Maurice Fréchuret, directeur des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes Commissaire : Diana Gay, conservatrice au musée national Fernand Léger
Léger et le cirque

En 2015, Karlsruhe célèbre les 300 ans d’une cité fondée par le margrave
Charles Guillaume. Tout au long de l’année, les institutions culturelles, partenaires, associations et citoyens orchestrent une série de manifestations rendant hommage à l’histoire de la ville.
Une grande cérémonie d’ouverture du tricentenaire a été organisée le  17 juin 2015.

Grand temps fort de cette année de commémorations, le festival d’été (Festivalsommer) (du 17 juin au 27 septembre 2015) se déroule principalement au château baroque de Karlsruhe. C’est là que s’est déroulé le grand spectacle d’ouverture du festival d’été, le 20 juin 2015. Ce spectacle a fait également office de cérémonie officielle d’inauguration du tricentenaire. Au programme de cette soirée riche en événements : représentations théâtrales et musicales, jeux de lumières, murs d’éclairage en LED retraçant l’histoire de la ville, et feux d’artifices.
Jusqu’au 27 septembre 2015, il ne faut pas  manquer de visiter le pavillon du jardin, juste derrière le château : c’est le point d’information central du festival, et un point de rencontre pour les festivaliers. Le pavillon est également le théâtre de multiples représentations : pièces de théâtre, spectacles musicaux et de danse, projections de films, cabarets, séances de littérature…
Ce pavillon peut accueillir jusqu’à 2 000 spectateurs en plein air. Il comporte aussi un café et une terrasse panoramique promettant une vue superbe sur le château.

Côté expositions, le Staatliche Kunsthalle (le musée national des Beaux-Arts) présente une exposition dédiée à la princesse Caroline-Louise de Bade, collectionneuse passionnée de peintures de maîtres hollandais du XVIIe siècle et de peintres français du XVIIIe siècle (du 30 mai au 6 septembre 2015).
Le Musée régional de Bade (Landesmuseum) présente l’exposition
« Karlsruhe 1715-2015 – Point de rencontre de cultures entre la France et l’Allemagne ».
 

 
La cérémonie de clôture se tient le dimanche 27 septembre 2015.
La grande exposition consacrée à Caroline-Louise de Bade,
est le résultat d’une coopération entre la Kunsthalle de Karlsruhe, les
Archives générales du land de Bade-Wurtemberg et l’Université de la
Suisse italienne.
Madame Theresia Bauer, ministre des Sciences, de la Recherche et de la Culture du land de Bade-Wurtemberg ainsi que Son Altesse Royale le prince Bernard de Bade, ont inauguré à la Kunsthalle de Karlsruhe cette grande exposition du land de Bade-Wurtemberg.
 

Cette manifestation permet aux visiteurs de se replonger dans l’époque
des Lumières et de la fondation de la ville. Elle soulignera aussi le rôle déterminant joué par la princesse dans l’affirmation de Karlsruhe en tant que haut-lieu des arts et
des sciences.
Monsieur Winfried Kretschmann, ministre-président du land de Bade-
Wurtemberg, ainsi que S.A.R. le prince Bernard de Bade, assurerent le
patronage non seulement de cette exposition, mais aussi de celle
consacrée au margrave Charles-Guillaume (1679-1738) présentée au
Badisches Landesmuseum. Ces deux grandes manifestations permettent
ainsi à la population de redécouvrir le patrimoine hérité du XVIIIe siècle.

Caroline-Louise de Bade, collectionneuse passionnée, fut une personnalité
remarquable de l’époque des Lumières. Élevée à la Cour de Hesse-
Darmstadt, où elle bénéficia d’un enseignement scientifique, elle se
distingua très tôt par son intelligence remarquable et sa profonde culture.
À telle enseigne qu’elle fut surnommée « la Minerve de Hesse » dès 1751,
date de son mariage avec le margrave Charles-Frédéric de Bade-Durlach.
Elle s’était même fait remarquer pour ses talents artistiques dès 1745,
après avoir été l’élève du peintre genevois Jean-Étienne Liotard qui lui
avait notamment enseigné l’art du pastel.

En tant qu’épouse du margrave, elle mit à profit sa position
pour rassembler à Karlsruhe une vaste collection d’estampes et de tableaux,
aidée en cela par un réseau de correspondants couvrant toute l’Europe
et par des agents en oeuvres d’art établis à Paris, Rome et Amsterdam.
La margravine faisait ainsi partie des cercles d’amateurs
d’art internationaux qui, tout comme elle, ne dédaignaient pas de peindre,
dessiner ou réaliser eux-mêmes des estampes.

Conformément aux usages académiques de l’époque, elle
s’exerça à copier des oeuvres de maîtres, qu’elle commença d’emprunter
en 1757 dans la collection que l’Électeur palatin avait réunie à Mannheim.
C’est ainsi qu’elle s’affirma tout d’abord en tant qu’artiste, puis comme une
collectionneuse avertie estimée dans toute l’Europe.
Au coeur de la grande exposition de Karlsruhe se trouvent la plupart des
deux cents tableaux ayant jadis fait partie du Cabinet de peinture de
Caroline-Louise. Ces oeuvres, toujours conservées à Karlsruhe et acquises
par la princesse aux alentours de 1760, c’est-à-dire vers la fin de la guerre
de Sept-Ans, sont principalement dues à des maîtres flamands et
hollandais du XVIIe siècle (Teniers, Rembrandt, Dou, van Huysum), ainsi
qu’à des peintres français du XVIIIe (Boucher, Chardin, Vernet).
L’exposition est aussi l’occasion de faire revenir à Karlsruhe, sous forme
de prêts, divers tableaux d’Antoine van Dyck (National Gallery
Washington), Willem van de Velde (National Gallery London), Gabriel
Metsu (Museo de arte Thyssen-Bornemisza) et Maria van Oosterwyck
(Denver Art Museum).
 

Outre ces toiles issues du Cabinet de peinture de Caroline-Louise,
l’exposition présente quelque 135 oeuvres faisant l’objet d’un prêt qui
illustrerent comment la margravine a pu affiner son goût grâce à ses
agents et conseillers internationaux, ainsi qu’à ses contacts avec divers
savants, artistes et collectionneurs. Parmi les nombreux tableaux de
Jean Étienne Liotard faisant partie de ce groupe, on remarque tout
particulièrement le célèbre autoportrait du maître, conservé aux Offices de
Florence, ainsi que le portrait de l’impératrice Marie-Thérèse d’Autriche et
de son époux François, qui fait partie des collections de Weimar.
Divers tableaux de François Boucher et Joseph Melling, un des
élèves du maître français devenu Premier peintre à la Cour de Karlsruhe.
 

 
L’exposition soulignera également dans quelle mesure Madame de
Pompadour a pu être un exemple pour Caroline-Louise, et quel rôle ont
joué ses liens d’amitié avec les intellectuels et amateurs d’art de son
temps. La princesse ayant par ailleurs fait preuve de goût et de facultés
d’analyse en rassemblant des collections de porcelaines et de curiosités,
l’exposition ne manquera pas non plus de présenter plusieurs pièces de ce
type.
Commissaires de l’exposition : Dr Holger Jacob-Friesen (directeur), Dr
Astrid Reuter, Mme Sarah Salomon, Dr Max Tillmann, Dr Katharina Weiler.
Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Hans-Thoma-Straße 2-6
D-76133 Karlsruhe
Tél. : + 49 (0) 721 926 33 59
www.kunsthalle-karlsruhe.de
Heures d’ouverture
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Tarifs 12 € / 9 € (réduit), 3 € (scolaires)
Visites guidées publiques En langue française :
les samedis à 14h30
Passport culturel KULTURmalVIER donne accès,
jusqu’au 6 septembre 2015, avec le même billet, valable pendant 2 jours, à quatre grandes expositions :
Charles Guillaume au Badisches Landesmuseum ,
Caroline Louise à la Kunsthalle, Friedrich Weinbrenner à la
Städtische Galerie et Globale au ZKM .
Prix : 21 € / 17 € (réduit)
Plus d’informations sur l’offre touristique et sur le Festival
d’été du Tricentenaire :
www.karlsruhe-tourismus.de
www.ka300.de