Catégorie : Arts plastiques

Le Musée Frieder Burdade Baden Baden consacre une grande rétrospective composée de plus de 100 oeuvres réalisées entre 1949 et ce jour,
à l’artiste autrichien Arnulf Rainer
qui vient de fêter son 85e anniversaire. L’exposition, organisée en coopération avec l’Albertina de Vienne, met une nouvelle fois en lumière toute la diversité et l’importance de l’oeuvre d’un artiste comptant parmi les figures centrales autant qu’uniques de l’histoire de l’art. Arnulf Rainer (né en 1929 à Baden  Lès Vienne) a dès le départ fait partie des plus grands noms de la Collection Frieder Burda.

 

Si vous êtes déprimé ce n’est pas cette exposition qui va vous remonter le moral.
Tout est conjugué avec la couleur noire, la souffrance, la douleur.
C’est l’occasion de se replonger dans le livre de l’ historien médiéviste
Michel Pastoureau  « Noir : Histoire d’une couleur, 2008« .
Rien à voir avec les Outrenoirs  abstraits de Soulages, ni avec la profondeur d’un Rothko, ici tout est cash presque trash. Il donne l’impression d’avoir vécu la passion
du Christ, les toiles montrant des croix, sont saisissantes de tragédie, tantôt avec un membre, une tête, une jambe, un coeur saignant de douleur. Rien d’étonnant lorsque l’on se penche sur sa biographie, jeunesse sous mescaline, existence de bohème.

L’exposition a été conçue en étroite collaboration avec l’artiste par Helmut Friedel, directeur du Musée Frieder Burda, et grand connaisseur de l’oeuvre,
et elle a déjà été montrée à l’Albertina de Vienne où elle a rencontré un grand succès.
« Nous sommes très heureux, après son passage réussi à l’Albertina, de pouvoir montrer maintenant l’exposition dans le cadre remarquable du Musée de Baden-Baden, et de la confronter à un public extérieur après cette manifestation à domicile. Les 85 ans de Rainer constituent une occasion idéale de rendre hommage à cet éminent artiste de notre temps. »

 
L’éventail des travaux exposés, dont certains remontent au début des années 50, s‘étend de ses premières oeuvres, les « créations centrales », « surpeintures » et crucifixions – aux masques mortuaires réalisés après 1976 et aux « peintures voilées » postérieures à 1995, en passant par les autoreprésentations des Face Farces à partir de 1969, les Body Poses et leurs remaniements.

Ailleurs, il semble manier, l’autodérision avec virtuosité, contraste incroyable avec les crucifixions.
On pourra en outre voir des travaux réalisés tout récemment. Parallèlement aux pièces exposées comptant parmi les nombreuses oeuvres de l’artiste abritées par la Collection Frieder Burda, l’exposition comprend des tableaux ayant été mis à disposition par des musées internationaux ou prêtés par des particuliers.
L’exposition s’articule autour de divers groupes d’oeuvres à chacun desquels Rainer a travaillé obsessionnellement, et permet de saisir, également dans le cadre de la présentation au Musée Frieder Burda, le parallélisme entre les diverses stratégies artistiques adoptées dans son oeuvre.
Les célèbres surpeintures (Übermalungen), qui poursuivent en un processus pictural permanent la dissolution du tableau d’origine, prennent bien souvent le propre Moi pour sujet et se transforment alors en un acte relevant de la performativité. Ce travail autocentré systématique sur son propre visage ou son propre corps ne trouve toutefois pas ses racines dans le narcissisme. Bien au contraire : l’existence artistique devient le seul moyen de légitimer l’art à l’ère de sa fin. Ces tableaux deviennent ainsi l’expression d’une certaine absence de parole :
« pour Rainer, il n’y a plus rien à communiquer si ce n’est le rappel de sa propre existence », comme le dit Helmut Friedel.

La croix demeure un motif récurrent dans l’oeuvre de Rainer. L’artiste se réfère d’une part au symbolisme chrétien, y voit par ailleurs « un système central d’orientation de l’être humain, des coordonnées fondamentales
décisives », poursuit le commissaire d’exposition Helmut Friedel,
« sans lesquelles aucun ordre au monde ne semblerait possible ».
Les masques, et en particulier les masques mortuaires, tout comme les références aux faces grimaçantes de Franz Xaver Messerschmidt, mettent une nouvelle fois en avant une affinité latente, dans les univers picturaux de Rainer, avec les thèmes de la douleur et de la mort.
Débutant avec la représentation réalisée très tôt du « Rainer mourant » en 1949, et enchâssés dans le contexte viennois, les moments de vécu existentiel et psychologique – sinon psychotique – et leur fort potentiel créatif jouent constamment un rôle important.
« Dès le début, Rainer a été lié à l’image de la mort, la mort apparaît dans son oeuvre comme une forme ultime de la folie. L’exploration des frontières du psychique est une ligne qui traverse l’ensemble de son oeuvre » (Helmut Friedel).

Il consacre une série à van Gogh souffrant, douloureux, fou, les yeux exorbités.
Fasciné par la mort, Rainer a crée les séries de Hiroshima, des dessins sur des photographies de la ville détruite. On a le sentiment que toute la souffrance du monde
le concerne.
Rainer est resté sans jamais faillir systématiquement fidèle à sa position solitaire dans le monde de l’art international des dernières décennies. Comme le montre le catalogue détaillé, les confrontations avec des mouvements artistiques parallèles tels que l’Art informel, Zero ou même l’Actionnisme viennois ont régulièrement eu lieu, mais l’oeuvre de Rainer ne peut être comparé à aucun autre.
Peu d’autres que lui ont, dès le début, développé des manières de procéder aussi radicales dans le cadre d’une recherche sans compromis de moyens d’expression.
Aux côtés de Gerhard Richter, Sigmar Polke et Georg Baselitz, Maria Lassnig
(dont il fait la connaissance en 1947)
et Bruce Nauman ou Yves Klein, il compte ainsi parmi les artistes majeurs
de l’après-guerre jouissant d’un renom international
depuis les années soixante.
Arnulf Rainer vit et travaille en Autriche, en Allemagne et à Ténériffe.
Museum Frieder Burda ·
Lichtentaler Allee 8b ·
76530 Baden-Baden
Telefon +49 (0)7221 39898-0 ·
www.museum-frieder-burda.de
passmusées acceptés
audio-guides
images et catalogue courtoisie du musée Frieder Burda

La peinture, qu’elle vienne de Pline ou de Platon, est fille de l’ombre. Elle dit ce que l’ombre lui dicte, elle montre ce qui de l’ombre se laisse capturer. Véronique Arnold nous  le démontre par un autre médium, la broderie, qu’elle déploie avec élégance, finesse,  intelligence, un art maîtrisé à travers les salles du musée des
Beaux Arts de Mulhouse, tout en se (nous) posant les questions essentielles.
jusqu’au 31 mai

Véronique Arnold est une artiste mulhousienne qui conçoit des installations de tissus sur lesquels elle brode des textes, des images, en les reliant à des objets anciens et à des lectures. L’artiste suisse Edmondo Woerner s’associe à cette exposition en présentant des installations.

Le mythe de Dibutade comme concept de l’exposition
« …En utilisant lui aussi la terre, le potier Butadès de Sicyone inventa le premier l’art de modeler des portraits en argile ; cela se passait à Corinthe et ce fut grâce à sa fille, qui était amoureuse d’un jeune homme ; comme il partait pour l’étranger, elle entoura avec des lignes l’ombre de son visage projeté sur un mur par la lumière d’une lanterne ; sur ces lignes son père appliqua de l’argile et fit un relief et, l’ayant fait sécher, il le mit à durcir au feu avec le reste de ses poteries. Cette oeuvre, dit-on, fut conservée au Nymphaeum jusqu’à l’époque du sac de Corinthe par Mumius… ». Texte de Pline dans « Histoire Naturelle »
Comme Butadès, Véronique Arnold met en évidence les traces de ce qui disparait. Ses oeuvres (robe brodée, toiles brodées, dessins…) font écho à des objets anciens qui, au-delà de leur matérialité, peuvent être considérés comme traces de ce qui n’est plus.
L’ombre de Darwin, Emilie Dickinson et Humboldt
L’artiste propose des installations intégrant des objets provenant du Musée Historique (armoire, machine à écrire…), de l’Ecole de Chimie (minéraux), du Musée Unterlinden à Colmar et de la Mairie de Sausheim (épées), du Musée d’Histoire Naturelle de Colmar (coraux), de VIA APIA (herbiers) mis en relation avec des grands noms de la science et de la littérature : Darwin, Emily Dickinson, Humboldt…
« Certains objets ont le pouvoir de susciter des pensées, des rêves, des songes, et par là des oeuvres… L’art comme un essai de retrouver en songes ce qui a disparu, ce qui ne cesse de disparaître à chaque instant… » Véronique Arnold
Une exposition entre rêve et réalité
Ce travail de création, totalement inédit puisqu’il n’a jamais été présenté auparavant, est aussi un travail de minutie qui a nécessité jusqu’à 5000 m de fils (fournis pour beaucoup par DMC). Des oeuvres qui dégagent une vraie poésie. Les objets anciens et les personnalités qui ont inspiré l’artiste retrouvent une seconde vie dans ce songe où les objets et les pensées dialoguent. Une exposition pleine de sensibilité dans laquelle le visiteur pourra se laisser bercer par des émotions littéraires, scientifiques et artistiques.
Cette exposition s’inscrit dans le cadre de 2015, année suisse à Mulhouse.
De nombreux partenaires s’y sont associés : la Galerie Buchmann CH-Agra/Lugano, l’Ecole Nationale Supérieure de Chimie de Mulhouse/UHA, le Service Universitaire de l’Action Culturelle de l’Université de Haute Alsace, le Ballet de l’Opéra National du Rhin, avec le soutien de la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Alsace.
 L’exposition
Dans cette exposition, le visiteur est invité à s’immerger dans 7 ambiances oniriques dans lesquelles planent les fantômes de Darwin, Humboldt et Dickinson. Le titre même des salles entraine le public dans un univers poétique. L’artiste souhaite que le visiteur se laisse porter par ses rêves mais s’est également attachée à le guider et c’est pour cela qu’elle offre pour toutes ces ambiances féériques un guide de lecture au sein de chaque salle.
Les fiches de salle proposées par l’artiste :
Salle Dibutade : « Dessins d’ombre »
La salle Dibutade est au coeur de l’exposition « Dessins d’ombre ».
Les oeuvres présentées sont en lien avec le mythe de Dibutade. (voir ci-dessus)
Dans cette salle flottent des corps d’homme imprimés puis brodés sur du tissu.
Et un visage lumineux, un profil, imprimé puis brodé.

Salle Humboldt : « Le monde des phénomènes »
Alexander von Humboldt (1769-1859) était un naturaliste, géographe, géologue
et explorateur éclairé.
Il a exploré de nouveaux territoires avec passion et sans relâche.
Il n’a eu de cesse de découvrir et d’écrire le résultat de ses recherches.
Il écrivait d’une manière admirable.
Il a été l’un des premiers à dénoncer l’esclavage pendant ses voyages.
Il a été accompagné dans ses voyages par son fidèle compagnon Aimé Bonpland.
Il a envoyé de merveilleux herbiers en Europe, dont quelques-uns sont encore visibles…notamment au Museum d’Histoire Naturelle de Paris.
J’ai souhaité mettre en relation une armoire de Museum d’Histoire Naturelle contenant des pierres d’Amérique du Sud avec le dernier ouvrage rédigé par Humboldt, Cosmos.
L’oeuvre brodée est un témoignage de cet ouvrage sur organdi blanc. Elle est le fantôme-fantasme de l’incroyable aventure humaine qu’a osée Humboldt.
Au sol, des herbiers en hommage à son travail de naturaliste.
A la recherche de la pensée subtile de cet homme disparu mais dont la passion et le courage me hantent… VA

Salle Darwin : « De la branche au corail »
« Je compris bientôt que la sélection constituait la clé de voûte de la réussite humaine en matière de production d’espèces utiles, tant animales que végétales…
La solution, à ce que je crois, est la suivante : la descendance modifiée de toutes les formes dominantes et croissantes, tend à s’adapter au fur et à mesure à des situations nombreuses et diversifiées toujours possibles dans l’économie de la nature ».
Charles Darwin (1809-1882)

Salle Emily Dickinson
L’installation dans la cage d’escalier est un hommage à la poétesse américaine Emily Dickinson.
Elle est en lien avec l’une des salles de l’exposition dédiée à elle.
Les deux robes sont présentes sans le corps de celle qui a été.
Ce sont des robes-traces.
Les fils tissent une toile dense. Il faut soutenir la poésie. Il faut créer un espace rassurant pour la poésie de cette femme.
Ne pas oublier les mots sublimes qu’elle a écrits.

Salle des constellations : « Il faudrait écrire le ciel »
L’image des étoiles nous apparaît alors qu’elles ont disparu depuis longtemps.
Il faudrait écrire les étoiles et le ciel et tout l’univers : il faudrait écrire ce qui disparaît depuis toujours…
Je ne cesse d’interroger le ciel : que peut-on y lire sur notre origine ? V.A.
 

Salle des épées : « Les épées emportées dans la tombe sont
enveloppées de fil »
« Les populations du début de l’âge du fer, regroupées sous le terme de « culture de Hallstatt », ne constituent pas une entité politique, ethnique ou linguistique homogène, mais forment un réseau de petites communautés qui font acte de similitudes quant aux formes d’habitat, à la culture matérielle et aux coutumes funéraires. Précisément, dans ce domaine, la rupture avec les pratiques funéraires plutôt égalitaires de l’âge du bronze, est marquée par le retour à l’inhumation et l’édification de tumuli dotés d’offrandes somptueuses. Les longues épées en fer accompagnant les défunts en témoignent ; elles attestent la nouvelle maitrise technologique en matière de métallurgie. Trois exemplaires ont été découverts dans le Haut-Rhin qui, à l’instar des situles et autres cruches en bronze, éléments de parure et de toilette, armement, mobilier et éléments de char, étaient emballés», Fabienne Médard, archéologue spécialiste des textiles anciens.
Les traces textiles que l’on peut observer sur les trois épées du 1er âge du fer en Alsace sont extrêmement émouvantes.
En les voyant, j’ai été émerveillée que ces traces aient subsisté.
Et que non seulement les corps étaient souvent entourés de fines bandes de tissus (au-dessus des vêtements des défunts), mais aussi les objets.
Cela change le statut de l’objet dans la tombe. L’objet revêt une grande importance.
J’ai eu envie de créer des bandelettes évoquant la taille supposée des bandes de tissus entourant ces objets (environ 1 cm de large sur plus de 10 mètres).
A côté de chaque épée, une bandelette brodée d’un texte de l’archéologue ayant découvert l’épée.
Il reste des traces-fantôme étonnantes des mondes disparus. VA
Véronique Arnold
Née en 1973 à Strasbourg, Véronique Arnold a étudié la littérature française et allemande. Elle vit et travaille à Mulhouse et en Suisse (Ticino).
Edmondo Woerner
Artiste performer né en 1956, Edmondo Woerner vit et travaille à Suino, Tessin (Suisse). Il a réalisé des performances avec Bernie Schürch (ex fondateur des Mummenschanz) et avec Véronique Arnold à Beromünster, Samedan, Mulhouse et dans le Tessin.

Les rendez-vous
8 rendez-vous : des rencontres, des conférences et des spectacles
Jeudi 16 avril à 18h30
Les pratiques d’emballage dans le rituel funéraire
au premier âge du Fer en Alsace
Conférence de Fabienne MEDARD, docteur en archéologie, spécialiste des textiles anciens. Avec Muriel Roth-Zenner, docteur en archéologie, Jean-Jacques Wolf, ancien archéologue départemental et Suzanne Plouin, conservatrice au Musée d’Unterlinden (sous réserve).
Danse
Dimanche 26 avril à 15h et 16h
Dibutade
Emmanuel Eggermont,
de la Compagnie L’anthracite

Conférence
Lundi 11 mai à 18h30
Darwin (1809-1882):
Sa vie, son oeuvre scientifique, ses héritiers et les
controverses historiques et actuelles
Avec Jean-Luc Bubendorff, maître de conférences à l’UHA
Conférence proposée par le Service Universitaire de l
’Action Culturelle de l’Université de Haute-Alsace.
Conférence
Jeudi 21 mai à 18h30
Avec la traductrice Claire Malroux
et la participation de la costumière Carole Birling
Emily Dickinson et la beauté des formes
Paroles d’artiste
Rencontre
Dimanche 24 mai à 15h
Véronique Arnold et Edmondo Woerner
vous proposent un temps de rencontre
autour de leurs oeuvres.
Conférence
La pseudo Dibutade et l’invention de la peinture
Jeudi 28 mai à 18h30
Avec Françoise Frontisi-Ducroux, helléniste et
mythologue, sous-directeur de laboratoire au Collège de
France.
Traces de son amant qui s’en va
Spectacle
Samedi 30 mai à 18h30
Spectacle proposé par le Service
Universitaire de l’Action Culturelle
de l’Université de Haute-Alsace.
Olivier Gabrys / chorégraphe et danseur
Jennifer K. Dick / écrivain
Performance de danse et de textes
Les thématiques et les pratiques plastiques de Véronique Arnold sont explorées et développées dans cette performance collaborative, créée in situ pendant l’exposition au Musée des Beaux-Arts de Mulhouse.
4, place Guillaume Tell – 03 89 33 78 11
Ouvert tous les jours sauf mardis et jours fériés
de 13 h à 18 h 30
Entrée gratuite
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La reconstitution de l’œuvre de Jose de Ribera (Játiva (Espagne),
1591-Naples, 1652) est une histoire à rebondissements.
Véritable chamboulement des études caravagesques,

l’article de Gianni Papi en 2002 rendait au jeune espagnol l’essentiel de l’œuvre de celui que, Roberto Longhi avait nommé le Maître du Jugement de Salomon, artiste actif à Rome entre 1615 et 1625 environ, crédité d’une vingtaine de peintures et que l’on pensait français, voire nordique.
Avant son installation à Naples où il eut beaucoup de succès, Jose de Ribera
« lo Spagnoletto » résida donc à Rome où son contemporain, le biographe italien
Giulio Mancini, le cite parmi les artistes de valeur qui se sont ralliés au style de
Caravage   tout en notifiant qu’il aurait eu une vie de bohème agitée.
« Arrivé à Rome, il se mit à travailler à la journée avec ceux qui ont une boutique et vendent des tableaux, il était de mœurs peu honorables, toujours des filles au nombre de trois, sans chemise, laides, un seul lit à même le sol, où tout le monde s’entassait pour dormir, un seul plat pour la salade, le bouillon et tout le reste, une seule cruche, pas de verre, ni de serviette et la nappe du dimanche servait de support à dessins pour toute la semaine »
Consideration de la pictura, Giulio Cesare Mancini 1620.

À Rome, Ribera peignit vite : son oeuvre complète est d’environ trois cents tableaux, plus de soixante peintures connues en sept ans à Rome, le reste en trente-sept ans pour celle napolitaine.
Les oeuvres exposées Strasbourg sont de la main d’un tout jeune artiste
– dix-huit ans quand il peint son premier apostolado,
vingt-cinq ans quand il quitte Rome
Qu’est-ce qu’un Apostolado ?
Le Christ eut douze compagnons appelés apôtres.
Ces disciples eurent pour mission d’évangéliser les nations.
Ils sont caractérisés par un attribut et se nomment :
André, Barthélemy, Jacques le Majeur, Jacques le Mineur,
Jean l’Evangéliste, Jude Thaddée, Matthias (en remplacement de Judas),
Matthieu, Philippe, Pierre, Simon, Thomas.
Souvent Paul figure dans les représentations collectives des apôtres,
bien qu’il n’en fasse pas partie ; il remplace alors un apôtre
car le nombre douze est respecté afin de symboliser les douze tribus d’Israël.
Le mot « Apostolado » désigne un ensemble de douze
à quatorze tableaux, en chevalet, de figures isolées représentant
le collège apostolique, généralement assemblé autour du Christ
et dans certains cas de la Vierge.
L’orthographe espagnole du nom semble témoigner de
l’origine ibérique du thème ou, du moins,
de la grande faveur que connut son développement dans la péninsule.
Les premiers grands exemples connus en peinture de tels cycles
avec les effigies à mi-corps semblent avoir été réalisés par le Greco,
en Espagne à la fin du XVIe siècle.

Certaines peintures exposées à Strasbourg n’avaient jamais été exposées avec d’autres tableaux de l’artiste et permettront de fructueuses comparaisons avec des oeuvres sûres afin d’avancer sur leur attribution et / ou leur datation.
L’espace de la galerie Heitz au musée des Beaux Arts de Strasbourg
a été divisé en deux sections afin de bien marquer l’articulation de l’exposition et permettre aussi les comparaisons.
La partie principale montre sept tableaux de – ou attribués à – Ribera visant à donner une idée de son activité de jeunesse à Rome. L’ambiance souhaitée est celle d’un palais italien car ces oeuvres furent peintes pour décorer les galeries ou salles de palais romains, tel le grand Christ parmi les docteurs aujourd’hui à Langres.

Le visiteur pénètre ensuite dans la « sacristie » où sont accrochées –de manière inédite- toutes les peintures connues de son Apostolado aux cartels.
(cartel – cartouches)
Grâce à deux tableaux récemment apparus et aussitôt achetés par deux musées français (Rennes et le Louvre), il s’agit de la réunion quatre cent ans après leur création des six tableaux connus. Sept manquent encore à l’appel … L’ambiance évoquée est celle d’un espace sacré, chapelle ou sacristie d’une église.
Comme les textes muraux, la salle du fond est consacrée à des approfondissements et à la médiation.
Michel Laclotte, ancien directeur du Louvre, pionnier de la redécouverte
du Maître du Jugement de Salomon, dans une église de Bretagne, à Langres,
identifie un Christ instruisant les docteurs, et le rapproche du groupe du Maître du Jugement de Salomon, puis il identifie sur le marché de l’art un St Matthieu de ce même Apostolado, dans les années 60, en Bretagne,  puis à Nivillac dans l’Eglise St Pierre un Christ, appartenant à cette même série, et encore en visitant les réserves du musée de Montauban il reconnait encore un apôtre de l’Apostolado.

il s’agit d’une seule et même série, homogène dans son style mais à l’exécution tantôt appliquée (nombreux repentirs), tantôt rapide selon les tableaux.
Ce constat invite à formuler l’hypothèse selon laquelle ce type de travail,
sans doute à vocation dévotionnelle et de nature « alimentaire »
pour l’artiste, pouvait s’étaler sur une durée longue.
Le peintre en effet ne devait pas hésiter à s’interrompre
pour répondre à une commande plus prestigieuse.
Rappelé ensuite à l’ordre par son client initial,
il lui fallait mettre les bouchées doubles et augmenter la cadence
pour terminer la série mise en sommeil.

Mancini entreprit de construire un mythe forgé sur celui de Caravage
et faisant de Ribera un artiste bohème, vivant dans le dénuement.
On sait pourtant qu’en 1612 le peintre se portait caution d’une dette pour le compte des filles d’un certain Juan de Ribera et qu’en 1614,  il s’acquitta d’une contribution substantielle pour la construction de la nouvelle église de l’académie de San Luca.
Le grand nombre de tableaux exécutés à Rome et leur présence dans les meilleures collections romaines constituent en outre les plus sûrs indices de sa prospérité.
Il n’est pas avéré qu’il rencontra le Caravage, il a rencontré son compatriote Velazquez qui se rendit à Rome.

Ribera fut considéré de son vivant comme le premier peintre de Naples, où il s’établit rapidement, et un des plus grands dans cet âge d’or de la peinture européenne que fut le XVIIe siècle, avec ses contemporains, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin et Vouet.
La redécouverte de l’oeuvre romaine (1606 ?-1616) du jeune Jusepe de Ribera est l’aspect sans doute le plus fascinant des études menées actuellement sur le caravagisme européen. Elle est récente et encore en cours. Le Saint Pierre et saint Paul de Strasbourg est un des piliers de cette reconstruction, qui s’effectue notamment par la réapparition d’oeuvres jusque-là inconnues.

Comme chez Caravage il vise à transcrire la stricte réalité sur la toile.
il fait poser ses modèles sous une lumière forte, venant de l’ouverture  qu’il fit percer dans le plafond de son atelier. Comme chez Caravage, la lumière joue un rôle primordial dans son art, dans son jeu plastique des lignes, des couleurs et des formes, elle est source de drame et de salut. Il ne cherche pas à embellir les traits et semble même prendre
plaisir à détailler les rides ou à rendre la matière, tout particulièrement les étoffes
et le papier. Il y a une brutalité dans la technique romaine, où Ribera semble
peindre de manière très rapide, mais toujours avec une grande vistuosité.
il faut souligner la gamme chromatique de l’artiste alliant de profonds
et sonores verts à des rouges, jaunes et bruns.
La lecture en détail, de la vie et de la mort des apôtres démontre
la cruauté des moeurs de l’époque qui n’a rien à envier à certains
comportements outranciers actuels.
Exposition-dossier, cette manifestation veut tout à la fois faire pénétrer le visiteur dans le laboratoire d’une histoire de l’art comme lui faire ressentir la force des premières peintures caravagesques.
jusqu’ au 31 mai 2015
France Culture  regarde une peinture de l’artiste espagnol Jose de Ribera.
Cette peinture réalisée vers 1611-1612 est une huile sur toile de 126×97 cm représentant Saint Barthelemy et conservée aujourd’hui à la Fondation Longhi à Florence (podcast)
exposé actuellement au musée Jacquemart André
Commissariat : Dominique Jacquot (conservateur en chef du musée des Beaux-Arts de
Strasbourg), Guillaume Kazerouni (responsable des collections d’art ancien du musée des Beaux-Arts de Rennes) et Guillaume Kientz (conservateur de la peinture espagnole au musée du Louvre).
Conférence le 20 mai par Guillaume Kienz,
conservateur au musée du Louvre où il est chargé
des peintures et sculptures espagnoles
au MAMCS, place Hans Arp
à 19 h, autour de l’exposition
entrée libre, tel 03 88 23 31 31
Informations pratiques
Musée des Beaux-Arts, Palais Rohan
2, place du Château, 67000 Strasbourg
Tél. 03 88 52 50 00
www.musees.strasbourg.eu
Horaires : de 10h à 18h. Fermé le mardi
Tarifs :
Exposition seule (Galerie Heitz): 4 € (réduit : 2 €).
Exposition et entrée au Musée des Beaux-Arts : 6,5 € (réduit : 3,5 €)
images courtoisie du musée des Beaux Arts de Strasbourg

Joyeux 1 avril à mes lecteurs

🙂

Au printemps 2015, BOZAR EXPO braque les projecteurs sur
« l’autre »
Le programme du printemps jette des ponts entre les portraits de la Renaissance et les portraits photographiques contemporains, entre l’Europe et le Royaume ottoman.
Le diptyque FACES THEN. Portrait de la Renaissance aux Pays-Bas et FACES NOW. Portraits photographiques européens depuis 1990 offre une image nuancée de la tradition représentative occidentale de l’art du portrait. Le portrait ne possède pas le même statut qu’un paysage ou qu’une nature morte : quiconque regarde un portrait regarde « l’autre ».
 
FACES THEN Portraits de la Renaissance aux Pays-Bas
> 17.05.2015

À la Renaissance, l’art du portrait a connu un essor sans précédent. En ces temps de conflits religieux et de découvertes scientifiques, les artistes étaient à la recherche de la représentation parfaite du visage humain. Dans la région historique des Pays- Bas, les villes d’Anvers, Bruges, Bruxelles, Amsterdam, Utrecht et Haarlem étaient des centres majeurs de l’art du portrait. Des artistes tels que Quintin Metsys, Joos van Cleve, Simon Bening, Ambrosius Benson, Joachim Beuckelaer et Catharina van Hemessen ont immortalisé leurs contemporains dans des toiles incroyablement belles.
Les oeuvres d’art sont aussi le sujet de longues recherches scientifiques, comme l’illustre cette première grande exposition depuis cinquante ans.
Commissaires : Till-Holger Borchert, Koenraad Jonckheere
Soutien : Ministère des Affaires étrangères
FACES NOW Portraits européens depuis 1990
>17.05.2015

Pour nous en Europe, que signifie le terme « identité » ? Se sent-on français, letton ou simplement européen ? Ces questions sont au centre de l’exposition photo
FACES NOW. Celle-ci passe à la loupe l’identité diversifiée des citoyens européens depuis la chute du mur de Berlin, en 1989, une période qui a connu d’importants bouleversements politiques et sociaux.
De plus en plus de personnes s’interrogent sur leur identité. L’exposition utilise des concepts opposés pour décrire l’individu : riche et pauvre, allochtone et autochtone, groupe et individu, ville et campagne.
Par ailleurs, l’exposition montre à quel point les courants artistiques historiques, comme la Renaissance, continuent d’influencer l’esthétique du portrait photographique aujourd’hui encore, une référence directe à l’exposition FACES THEN.
Avec des oeuvres d’entre autres Tina Barney, Anton Corbijn, Rineke Dijkstra, Thomas Ruff, Juergen Teller, Stephan Vanfleteren….
Commissaire: Frits Gierstberg
Coproduction: Nederlands Fotomuseum Rotterdam, Museum of Photography Thessaloniki Soutien: ABN – AMRO, NIKON, Milo-Profi

Le Monde du Sultan L’Orient Ottoman dans l’art de la Renaissance
> 31.05.2015

En parallèle, BOZAR propose l’exposition L’ Empire du Sultan. Le monde ottoman dans l’art de la Renaissance, qui présente des portraits de dirigeants orientaux et de marchands occidentaux, dépeints par des maîtres vénitiens comme Le Tintoret, Bellini, Titien ou encore l’atelier de Véronèse. Ainsi, le regard sur « l’autre » est élargi à un regard sur une autre culture.
Après la chute de Constantinople le 29 mai 1453, l’Occident a développé une réelle fascination pour la vie culturelle et scientifique ottomane. Les préjugés et les conflits n’auront pas eu raison de l’attrait culturel réciproque. Tandis que le commerce florissait, les échanges culturels connaissaient une expansion sans précédent.
L’exposition Le Monde du Sultan lève le voile sur la force d’attraction qu’exerçait l’Orient Ottoman sur les artistes occidentaux. L’influence du monde islamique sur la pensée de la Renaissance occupe une place centrale dans l’exposition. Vous découvrirez l’oeuvre de Bellini, de Dürer, du Titien et d’autres peintres européens de renom, qui ont été inspirés par le monde ottoman.
Commissaires: Dr. Guido Messling, Dr. Robert Born, Michal Dziewulski
Comité scientifique : Prof. Dr. Suraiya Faroqhi, Dr. Paul Huvenne, Prof. Dariusz Kolodziejczyk, Prof. Dr. Günsel Renda
Les trois expositions établissent ensemble des liens spatio-temporels passionnants. Elles racontent une histoire à multiples facettes sur la construction d’identités et l’influence de la perception, débat qui reste d’une actualité brûlante à notre époque des médias sociaux, des selfies et de la mondialisation croissante. À travers ces trois expositions, le Palais des Beaux-Arts offre à son public l’occasion de mieux appréhender l’art du portrait et le concept de la représentation, à partir d’approches différentes. Quelle image un artiste a-t-il de lui-même, des autres et des autres cultures ? Et dans quelle mesure cette construction influence-t-elle la perception de la réalité ?
L’intégralité du programme s’inscrit dans la mission du Palais des Beaux-Arts de concevoir des expositions qui mettent en lumière un enrichissement artistique mutuel séculaire ainsi que l’histoire et l’identité de l’Europe.
Commissaires: Till-Holger Borchert, Koenraad Jonckheere
Soutien: Ministère des Affaires étrangères
Avec des œuvres de: Simon Bening , Ambrosius Benson, Quentin Metsys, Bernard van Orley, Michel Sittow, Joos van Cleve, Floris van de Vriendt, Master of the Magdalena Legend, Marteen van Heemskerck,Anthonis Mor, Joachim Beuckelaer, Willem Key, Adriaen Thomasz. Key, Frans I Pourbus, Pieter Pourbus, Catharina van Hemessen
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INFORMATIONS PRATIQUES
FACES THEN. Portraits de la Renaissance aux Pays-Bas
De 06.02 jusqu’à 17.05.2015
BOZAR – Palais des Beaux-Arts, Rue Ravenstein 23, 1000 Bruxelles
Ouvert: De mardi à dimanche: 10h > 18 (Jeudi: 10h > 21h)
Fermé: Lundi
TICKETS
Ticket: € 10/8 (BOZARfriends)
Combitickets:
FACES NOW/FACES THEN: € 14/12
L’Empire du Sultan + FACES NOW/FACES THEN: € 21/19
Images courtoisie de BOZAR

« Mulhouse ressemble à beaucoup de villes postindustrielles comme il en existe partout en Angleterre, des villes marquées par le déclin économique, le chômage. Je retrouve dans les maisons de ce quartier des choses très similaires , constate Martin Parr. Ce qui l’a le plus étonné au cours de son bref séjour mulhousien ?
« La taille de la Filature ! C’est incroyable que le gouvernement français ait encore de l’argent pour construire un tel équipement… »
Martin Paar

Martin Paar « A TASTE FOR MULHOUSE » (le goût de Mulhouse)
+ « THE LAST RESORT » et « SIGNS OF THE TIMES »
(«LE DERNIER RECOURS» ET «SIGNES DES TEMPS»)
deux séries incontournables de son oeuvre.
C’est la nouvelle exposition photographique à la Galerie de
La Filature, Scène nationale – Mulhouse
vernissage mercredi 11 mars 19h
en présence
d’Emmanuelle Hascoët de l’Agence Magnum Photos
SÉRIE « A TASTE FOR MULHOUSE »
(résidence de création à Mulhouse en janvier 2015)
tirages couleur
Le célèbre photographe britannique Martin Parr a posé son regard aigu sur le quartier populaire et métissé de la Cité-Briand à Mulhouse. Ses photos seront exposées à La Filature du 11 mars au 10 mai
avec deux séries emblématiques de son oeuvre,
« The Last Resort » et « Signs of the Times ».
C’est sur une invitation de La Filature que Martin Parr, membre de la prestigieuse Agence Magnum Photos, a accepté de séjourner quelques jours dans l’emblématique quartier Cité-Briand composé des « carrés mulhousiens », maisonnettes mitoyennes avec petits jardins imaginées par les industriels au 19e siècle autour des grands sites de production textile.

Durant son séjour, Martin Parr rencontre des commerçants du quartier, des marchands ambulants de la place du marché et une trentaine d’habitants à leur domicile. Chez ces derniers, il s’attache à faire des portraits et à reproduire certains détails de leurs intérieurs. Ses hôtes lui parlent de leurs origines, de la vie de quartier, de leur vie de famille ; le photographe examine soigneusement chaque pièce, en observe chaque objet, chaque
détail. Puis il appuie sur le bouton. Souvent en approchant très près un objectif macro, pour retrouver des motifs, des formes, des couleurs qui alimentent nombre de ses séries. Les natures mortes terminées, il se tourne vers ses sujets, les dirige, leur donne quelques indications de pose, d’attitude (pas de sourire) et très vite, déclenche l’appareil. Le portrait dans la boîte, il ponctue la séance d’un sourire.
Martin Parr prend plus de 500 photos, une sélection est retenue pour être présentée à La Filature. Cette série réalisée à Mulhouse prolonge le projet que le photographe mène depuis plus de trente ans sur le thème de la consommation dans notre société occidentale. On y retrouve ses obsessions, son goût du kitsch, son attirance
pour la surabondance. On y retrouve bien sûr aussi son regard intuitif sur notre société, sans jugement de valeur, mais marqué de son goût très anglais pour le sous-entendu ironique.
Emmanuelle Walter, conseillère artistique arts visuels à La Filature

SÉRIE « THE LAST RESORT »
12 tirages couleur au format 52 x 42 cm
C’est entre 1982 et 1985 que Martin Parr réalise la série
The Last Resort.
Entre satire et cruauté non dénuées d’une certaine tendresse
pour ses congénères anglais, il dresse le portrait de familles aux
revenus modestes prenant leurs vacances à New Brighton près de
Liverpool, petite station balnéaire en déclin. Ce qui aurait dû
ressembler à un quartier d’été, passé à la moulinette de Martin Parr,
prend soudain des airs de zone industrielle.
Avec une ironie mordante, Martin Parr évoque dans The Last Resort, sa nostalgie
des années 60. Il dénonce la fin d’un monde (le monde ouvrier) et de ses valeurs, ainsi que l’avènement d’une nouvelle conception consumériste de la vie.
SÉRIE « SIGNS OF THE TIMES »
projection en boucle
Réalisé dans le cadre d’une série d’émissions programmées par
la BBC en 1992, Signs of the Times est le premier ouvrage du photographe,
totalement inédit en France. Ce livre nous entraîne au coeur des intérieurs
anglais. Son analyse des goûts pour le moins particuliers de ses
compatriotes à la fin des années 80, reflets d’une société toute entière,
nous plonge dans un univers du quotidien à la fois ironique et tendre.
Du banal surgit un regard analytique, quasi-sociologique, qui surprend par sa
justesse, son inventivité et son humour et donne à voir la
« middle-class » anglaise de l’intérieur, comme révélée par son entourage le plus trivial. Associant aux images des extraits de témoignages choisis avec soin par Martin Parr et l’auteur Nicholas Barker, ce livre restitue les débuts en couleur d’un photographe devenu, depuis, mondialement célèbre.
Ces oeuvres seront présentées sous forme de projection dans la galerie de La Filature.
photo 1 extraite de l’Alsace
photo 2 dossier de presse, sera retirée du site après l’exposition