Catégorie : Arts plastiques

Derniers jours se termine le 18 septembre 2016
La maison rouge présente pour la première fois
à Paris une grande exposition consacrée
à l’oeuvre de l’artiste russe Eugen Gabritschevsky
(1893-1979).

Eugen Gabritschevsky
est né à Moscou en 1893 dans une famille
de cinq enfants, issue de la grande bourgeoisie,
cultivée et polyglotte, typique de la Russie tsariste.
Après des études scientifiques de haut niveau
en biologie et génétique des insectes, il quitte l’Union
Soviétique en 1924 pour rejoindre un laboratoire
de recherche de l’université de Colombia aux
États-Unis.

Malgré sa grande intelligence, qualifiée d’originale
par son entourage, et sa vaste culture, il est sujet
à de graves troubles psychiques, qui l’empêchent
progressivement de poursuivre sa carrière
scientifique et de mener une vie affective stable.
En 1926, il rejoint Münich où vit son frère, Georges.

En 1931, il est interné définitivement jusqu’à sa mort
en 1979.
Eugen Gabritschevsky aura donc vécu,
hormis la période de la guerre, près de cinquante ans
à l’hôpital psychiatrique de Haar-Eflingen
à la périphérie de Münich.
L’abandon de ses activités scientifiques laisse place
à l’éclosion, sur trois décennies, d’une oeuvre riche
et foisonnante, réalisée dans le silence et la solitude.

L’exposition couvre cette période prolifique,
mais présente également, et pour la première fois,
des oeuvres réalisées avant 1929 – des dessins
au fusain sur papier de format raisin, à l’esthétique
sombre et angoissée, mystique et fantastique.
Le parcours de l’exposition est à la fois chronologique
et thématique : le paysage, habité ou désert ;
la ville et ses foules ; la nuit, ses carnavals, ses fêtes
et ses concerts ; les phénomènes de mutations,
de déformations du corps, et d’hybridations ;
les bestiaires d’êtres fabuleux. Les techniques
qu’il déploie, frottage, tamponnage, grattage, prouvent
sa liberté d’expression et la maîtrise de son art.

C’est grâce à Jean Dubuffet, que l’oeuvre a trouvé
une visibilité. Il est informé de son existence
dès 1948, en possède 4 en 1950 et décide d’en
acheter 71 pour sa Compagnie de l’art brut en 1960.
Il avertit par la suite son ami Alphonse Chave,
galeriste à Vence, qui décide aussitôt, avec son fils
Pierre, de rendre visite à l’artiste pour acquérir
l’essentiel de sa production et l’exposer régulièrement.
La galerie Chave cèdera peu après, autour de
600 dessins à la galerie Daniel Cordier, qui défendit
l’oeuvre pendant plusieurs années, avant de faire
un don important en 1989 au Musée National d’Art
Moderne. Cet ensemble est aujourd’hui en dépôt
aux Abattoirs de Toulouse.

De nombreux dessins ont été logiquement
dispersés dans des collections privées au cours
des années, mais l’exposition propose une sélection
qui restitue très fidèlement l’esprit de l’artiste,

Jusqu’au 30 OCTOBRE 2016 à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne.
La Fondation de l’Hermitage présente l’une des plus belles collections privées d’Europe, constituée depuis les années 1950 par un passionné des arts. Regroupant plus de 120 tableaux, sculptures et installations, l’exposition offre une exploration inédite de l’art occidental des XXe et XXIe siècles, à travers cet ensemble hors normes, d’une grande diversité.
Depuis son ouverture en 1984, la Fondation de l’Hermitage a développé des liens privilégiés avec les collectionneurs, autant en Suisse qu’à l’étranger. Ces relations de confiance ont permis à l’institution d’accueillir des collections privées de grand renom : celles de Florence Gould (1985), Ian Woodner (1992), Rolf et Margit Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur et Hedy Hahnloser (2010) ou encore Jean Bonna (2015).

L’exposition de l’été 2016 s’inscrit dans le cadre de ces fructueuses collaborations. Proposant un regard original sur la scène artistique moderne et contemporaine, elle fait la part belle à l’art de l’après-guerre, de l’informel (Jean Dubuffet, Asger Jorn) au néo-expressionnisme (Miquel Barceló, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer).
Autres points forts de la collection, des oeuvres poétiques,
intenses, graves ou légères, de Giuseppe Penone, Bertrand Lavier, Pierre Soulages, ou encore Niele Toroni, viennent illustrer la création contemporaine européenne.

A cela s’ajoute une imposante sélection d’oeuvres américaines des XXe et XXIe siècles mettant à l’honneur l’art conceptuel et minimaliste, ainsi que l’expressionnisme abstrait : Carl Andre, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Chris Burden, Sol LeWitt, Agnes Martin, Sean Scully, Mark Tobey ou encore Cy Twombly, autant d’accents importants dans cette collection unique, dont la présentation publique constitue un événement majeur.

Des oeuvres classiques – des terres cuites de Jean-Antoine Houdon et de Jean-Baptiste Carpeaux, mais également d’admirables portraits par Auguste Renoir, André Derain et Chaïm Soutine –, et des incursions du côté de l’art réputé brut ou naïf (Louis Soutter, André Bauchant) complètent l’exposition, rendant compte d’un regard très personnel, et particulièrement sensible, sur l’art occidental.

Commissariat : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage, Lausanne, et Didier Semin, professeur à l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts, Paris
Dans un entretien avec la journaliste Florence Grivel, le collectionneur nous livre sa vision très personnelle d’une trentaine d’œuvres.
C’est par la magie d’un audio-guide gratuit que le collectionneur vous accompagne,  pour raconter ses choix. D’une manière précise et concise, il vous promène
d’une salle à l’autre, tout en vous instruisant. Pourquoi le choix d’une oeuvre ?
il cite Laurent Fabius,
(Le Cabinet des douze . Regards sur des tableaux qui font la France ?)

C’est le premier coup d’oeil  sur une oeuvre qui accroche, qui succite l’émotion, qui est le bon.
Le deuxième point, c’est la réflexion, il faut comprendre pourquoi on l’aime, s’attarder sur elle, la contempler, se l’approprier, la découvrir, la regarder plusieurs fois, car on y trouve chaque fois quelque chose de nouveau, la couleur, la forme, l’équilibre, le sujet.
C’est le troisième regard qui confirme pourquoi on l’aime.
Ensuite viennent les références culturelles qui permettent de comparer avec d’autres artistes, mais cela vient au dernier moment. Il ne faut surtout pas avoir une grande connaissance des choses pour aimer un tableau

Cette toile de Dubuffet, qu’il a rencontré, peu de temps avant sa mort, se trouve la plupart du temps, dans sa chambre à coucher, elle montre pour lui,
le chaos originel et celui après la mort.
L’amateur érudit, passionné, qui a réuni cet ensemble exceptionnel aime regarder l’art comme un jeu très savant. Sa collection, qui est une oeuvre ludique et raffinée, laisse deviner son portrait. Elle porte la marque d’un tempérament contemplatif, et volontiers
espiègle, raconte l’amour de l’histoire et la fascination pour les origines, elle contient au plus profond l’émotion intacte des choses vues à l’âge des premiers émerveillements, mais aussi des premières terreurs… Quelle image pourra jamais rivaliser avec l’expérience du sublime : la vision, à l’âge de quatre ans, d’un dirigeable en flammes dans le ciel, au milieu de la nuit !

La toile de Jean Michel Basquiat, vue chez Yvon Lambert, l’a séduit par son bleu.
Il l’a encadrée avec un cadre Renaissance qui à l’époque valait
plus que Basquiat pas très connu à cette période.
Un autre dessin de Basquiat, « Loox Real », fait de griboullis,
lui a été montré par Yvon Lambert, alors que lui-même dessinait.
Il estimait que ses dessins étaient meilleurs que ceux de JM B.
Aussi raconte t’il que ce dessin lui a été imposé, et il l’a acheté
« sous la torture ».

Du sous-sol aux combles, on est presque atteint du syndrome de Stendhal,
tant cet amateur d’art a réuni, juxtaposé, composé des ensembles
qui se complètent et se répondent. Il montre un bel éclectisme,
une ouverture d’esprit, un choix sur, sans éprouver le besoin de
sacrifier à la mode. Il a constitué sa collection en achetant les
oeuvres aux artistes à leurs débuts.
Loin des blockbusters, il aime la découverte, l’amitié avec les artistes,
l’authenticité, l’originalité. Il aime à évoquer le passage du temps,
les regards, la mort.

Pour la toile de Keith Haring, une vanité,  il cite Antoine Blondin : « Léonard de Vingt Sous, ça vaut plus que 20 sous, mais ça vaut moins que Léonard de Vinci. »
Les nombreux portraits de la collection composent une galerie fascinante, d’une remarquable diversité, allant des bustes classiques de Jean-Antoine Houdon (1741-1828) et de Jean-Baptiste Carpeaux (1827- 1875) jusqu’au bouleversant autoportrait d’Antonin Artaud (1896-1948), en passant par l’archétype du
Chômeur d’Otto Dix (1891-1969). Les visages évanescents d’Andrew Mansfield ou puissamment expressifs de Yan Pei-Ming illustrent l’exploration du portrait dans la scène contemporaine.

Des portraits caricaturaux, qui exagèrent les traits comme ceux de Jean Dubuffet (1901-1985), côtoient des portraits réalistes par Auguste Renoir (1841-1919),
André Derain (1880-1954) et Chaïm Soutine (1893-1943).
Tout comme Andy Warhol ou Gerhard Richter, Andrew Mansfield (né en 1953) transpose les sujets de ses oeuvres à partir d’images récoltées dans la presse ou sur internet. Le rendu photographique, doublé d’un fort contraste entre la peinture noire et la couleur, troublent autant que le regard énigmatique des jeunes femmes.

Les tableaux de Yan Pei-Ming (né en 1960) trouvent leur lointaine origine dans les gigantesques portraits de Mao Zedong vus dans la Chine de son enfance. Ils se reconnaissent d’emblée à leur composition monumentale, leur palette réduite et leur facture vigoureuse.
Le portrait résiste par nature aux doctrines esthétiques plus que n’importe quel genre pictural, parce qu’il vise à la ressemblance d’un individu, par-delà les modes et les techniques. Toutes ces toiles nous renvoient, fondamentalement, à l’humanité du visage.
Catalogue : en coédition avec les éditions Skira, la Fondation de l’Hermitage publie un catalogue richement illustré.
Horaires
du mardi au dimanche de 10h à 18h, le jeudi jusqu’à 21h
fermé lundi, sauf le lundi 1er août et le lundi du Jeûne (19 septembre), de 10h à 18h
Animations
visites commentées publiques, les jeudis à 18h30 et les dimanches à 15h
et événements conférence (22 septembre),
atelier de peinture gestuelle
soirées art & gastronomie,
dimanches art & brunch
Animations musicales dans le cadre de Lausanne estivale
Nuit des musées (24 septembre)
Fondation de l’Hermitage
2, route du Signal
CH – 1000 Lausanne 8
tél. +41 (0)21 320 50 01
info@fondation-hermitage.ch
www.fondation-hermitage.ch

Actuellement dédiée à la Chine, l’accrochage de la collection
de la Fondation Louis Vuitton s’enrichit de deux nouvelles
oeuvres de première importance.

La première, Giant n°3 (Géante n°3), est une sculpture monumentale
de Zhang Huan, artiste décisif dans l’importance prise
par la Chine sur la scène internationale.

A l’image de ses grandes peintures d’encens également présentées à la Fondation, la sculpture Giant n°3 (Géante n°3) de Zhang Huan est le résultat d’une transformation. Ici, ce sont les animaux qui s’agglomèrent pour figurer l’humain ou l’humain qui se pare de fourrures pour se protéger. La métamorphose de cette immense maternité est suspendue, tout comme l’identité de cette géante.
Chaman vêtu de peaux de bête ou clocharde vêtue de haillons rapiécés, elle est la représentation d’un être entre deux mondes. Le personnage qui la surmonte renforce encore son étrangeté.
Niché au creux de sa tête, il est un autoportrait de Zhang Huan lui-même,
une référence directe à l’une de ses performances.
En 2005, à Rome, l’artiste était monté à l’assaut d’un autre colosse, le Marforio.
La représentation du dieu Océan est une des “statues parlantes” de Rome,
celles où la population de la ville portait ses revendications.

Imprégné de philosophie bouddhique, Zhang Huan explore
des thèmes relatifs aux relations corps-esprit et aux cycles de la vie.
Dès 1993, il se fait connaître par des performances provocantes
engageant directement son corps. Il poursuit ses actions au cours
de son séjour à New York de 1998 à 2005.

Son retour en Chine marque un tournant. Devenu bouddhiste,
il réalise à partir de 2006 à l’aide d’une centaine d’assistants
des peintures et sculptures en cendres d’encens collectées
dans les temples, empruntant tant à l’iconographie religieuse
qu’à l’histoire récente de la Chine.

Zhang Huan est né en 1965 à Anyang (Chine), il vit et travaille à Shangaï et New York.
La seconde est le cycle complet des Seven intellectuals in a bamboo forest
(Sept intellectuels dans la forêt de bambous) de Yang Fudong.
Remarqués en 2007 lors la Biennale de Venise, les cinq films qui le composent sont ici diffusés simultanément. Rare, cette configuration se déploie dans un parcours pensé avec l’artiste.
La série des Seven intellectuals in a Bamboo forest (Sept intellectuels dans la forêt de bambous) de Yang Fudong est une suite de cinq films réalisés entre 2003 et 2007. Ici présenté sous la forme d’une installation en accord avec l’artiste, le cycle dépeint les aspirations et doutes de l’artiste et de ses proches.

De par son titre, l’oeuvre se réfère à une légende relative aux sept lettrés, philosophes, poètes, musiciens et écrivains qui au IIIe siècle avant J-C ont choisi de s’éloigner des tumultes de l’époque des royaumes combattants. Ils voulaient réfléchir et vivre librement. Aussi, si ces films s’apparentent à des rêveries, c’est l’anxiété de sa génération arrivée à maturité au seuil du XXIe siècle dont traite Yang Fudong.

Le long d’une saga de près de cinq heures, Yang Fudong réagit à la croissance des mégalopoles chinoises, aux désastres provoqués par les cycles d’industrialisation et de crise, à la mondialisation. Mais ses réponses sont indirectes.
Il ouvre son cycle sur le paysage intemporel de la Montagne jaune.
S’en suit un huis-clos sentimental en ville puis la violence d’une campagne d’un autre temps.
Le quatrième épisode est particulièrement envoutant par ses scènes
en bord de mer. Quant au dernier film, il multiplie les registres et lieux d’action,
des épisodes de vagabondage dans des paysages ruinés,
l’oisiveté d’une jeunesse dorée ou encore des chorégraphies.

Les sites et décors de l’artiste ne sont néanmoins pas les seuls exils de ses personnages. C’est en adoptant une intemporalité stylistique produite par des costumes, des décors et un traitement vintage – un noir et blanc qui cite aussi bien le cinéma glamour des années 1930 que la photographie d’Antonioni des années 1960 – que Yang Fudong parle avec détour de son époque.
La cohabitation des cinq films dans un labyrinthe plonge le spectateur dans un récit éclaté, symptomatique des nouvelles formes de cinéma inventées par Yang Fudong à partir du début des années 2000.
Figure majeure de l’art contemporain et du cinéma d’auteur chinois, Yang Fudong tire son vocabulaire d’une culture large où se mêlent la tradition orientale du paysage et le cinéma. Ses fictions intemporelles plongent le visiteur dans une atmosphère onirique et nostalgique. S’y expriment les errances et les questionnements d’une génération partagée entre modernité et tradition dans une Chine en constante évolution.
Yang Fudong est né en 1917 à Pékin, il vit et travaille à Shangaï.
Le niveau 5, galerie 4 accueille une installation immense d‘Isaac Julien, un hommage à la culture chinoise.

Regroupant les travaux de douze artistes – Ai Weiwei, Huang Yong Ping, Zhang Huan, Yan Pei-Ming, Xu Zhen, Yang Fudong, Cao Fei, Zhang Xiaogang, Tao Hui, Zhou Tao et Isaac Julien – figurant dans la collection de la Fondation Louis Vuitton, “un choix d’oeuvres chinoises” est présentée jusqu’au 29 août 2016.

La visite se termine par la grotte d’Olafür Eliasson (vidéo ici)

Horaires d’ouverture (hors vacances scolaires) :
Les lundis, mercredis et jeudis de 11h à 20 h, nocturne le vendredi jusqu’à 23 h. Le samedi et le dimanche de 10 h à 20 h. Fermeture le mardi.

Paul Klee

« Il existe un tableau de Klee qui s’intitule Angelus Novus. Il représente un ange qui semble sur le point de s’éloigner de quelque chose qu’il fixe du regard. Ses yeux sont écarquillés, sa bouche ouverte, ses ailes déployées. C’est à cela que doit ressembler l’ange de l’Histoire. Son visage est tourné vers le passé.
Là où nous apparaît une chaîne d’événements, il ne voit, lui, qu’une seule et unique catastrophe, qui sans cesse amoncelle ruines sur ruines, et les précipite à ses pieds. Il voudrait bien s’attarder, réveiller les morts et rassembler ce qui a été démembré. Mais du paradis souffle une tempête qui s’est prise dans ses ailes, si violemment que l’ange ne peut les refermer. Cette tempête le pousse irrésistiblement vers l’avenir auquel il tourne le dos, tandis que le monceau de ruines devant lui s’élève jusqu’au ciel. Cette tempête est ce que nous appelons le progrès. » Walter Benjamin, Sur le concept d’histoire, 1940.

Femmes mécènes
La grand’mère
Maja Stehlin (1896 -1989). originaire d’une famille d’architectes,
a étudié la sculpture à Munich et a ensuite
suivi des cours chez le sculpteur Antoine Bourdelle à Paris.

En 1921, elle a épousé Emanuel Hoffmann
Emanuel Hoffmann (1896-1932) a étudié le droit
à Bâle et à Berne. Il a préparé son doctorat
dans l’ entreprise chimique et pharmaceutique,
fondée par son père Fritz Hoffmann-La Roche.
Avec leurs trois enfants, Andrew (1922-1933),
Lukas (* 1923) et Vera (1924- 2003), le jeune couple
vit d’abord à Paris, puis à Bruxelles, où Emanuel Hoffmann
de 1925-1930, dirige la branche belge de l’entreprise familiale .
En 1930 la famille retourne à Bâle, où Emanuel Hoffmann
devient directeur adjoint au siège de F. Hoffmann-La Roche AG .
Le jeune couple s’ engage résolument dans l’art et acquiert
ses premières œuvres de leurs amis artistes.
En 1930 Emanuel Hoffmann est nommé à la
Commission de la Convention de Bâle,
puis un an plus tard en prend la présidence.
À ce titre, il accorde une attention accrue et se consacre
à la promotion de l’art contemporain en créant un Art club.
En 1932 Emanuel Hoffmann meurt, prématurément à 36 ans
dans un accident de voiture.
En sa mémoire, et dans la continuité de l’engagement d’ Emanuel Hoffmann pour l’art contemporain, Maja Hoffmann-Stehlin fonde en 1933, la Fondation Emanuel Hoffmann.

Veuve, elle a épousé en 1934 , en seconde noce, le Chef d’orchestre Paul Sacher.
L’architecture de la nouvelle maison commune sur le Hofgut Schoenberg à Pratteln est conçue par Maja Sacher-Stehlin elle-même. Elle en était directeur des travaux et a conçu les intérieurs. Sur le Schoenberg elle avait un atelier où elle crée ses sculptures. De 1940 à 1964, elle était la première femme membre de la Commission de l’Art Public Collection de Bâle. La collection de la Fondation Emanuel Hoffmann, a été donnée en 1941 en tant que prêt permanent de l’Art Public Collection de Bâle, pour la rendre plus visible au Kunstmuseum. Jusqu’en 1979, elle était présidente de la Fondation Emanuel Hoffmann. Son dernier grand projet a été la création du Musée d’art contemporain de Bâle, qui a été fondée en Europe comme le premier musée d’art contemporain, le Gegenwartskunst de Bâle.

Pour son engagement et son esprit visionnaire, en 1980 la ville de Bâle
a honoré Maja Sacher-Stehlin à titre posthume, en donnant son nom à la place située devant le Musée d’art contemporain.

Sa petite-fille
Maja Oeri, (1955) fille de Vera Hoffmann (Bâle, * 14.6.1924, † 16.10.2003, Bâle) et Jakob Oeri (* 7 mai 1920, Riehen, † 1^er octobre 2006),
cousine de Maja et Vera Hoffmann.

La collection  a été présentée au Schaulager de Bâle en 2015, Future Present.
Ouvert en 2003, ce lieu de conservation, d’étude et d’exposition de l’art familial a été financé par Maja Oeri. Sur trois niveaux et 5000 m2 au total, les œuvres couvrent les courants modernistes de l’entre-deux-guerres avec des pièces remarquables, en particulier surréalistes, puis explorent les diverses expressions de l’art contemporain, jusqu’à aujourd’hui. Notamment le Ratenkoenig de Katharina Fritsch 

Le Schaulager, qui abrite la collection de la Fondation Emanuel Hoffmann, a pour mission à la fois d’entreposer, étudier et présenter l’art moderne et contemporain. Il s’adresse d’abord aux spécialistes, ainsi qu’aux enseignants et étudiants. Les expositions et manifestations ouvertes à un public plus large sont occasionnelles.
Cette saison c’est Zita – Щара de Katharina Fritsch et Alexej Koschkarow.
Maja Oeri, est la présidente actuelle de la fondation Emmanuel Hoffmann. Elle a aussi créé, en 1999, la fondation Laurenz, du nom de son fils décédé. La fondation Laurenz a en particulier soutenu la création du Schaulager.

Un concept lancé par Maja Oeri ; il s’agit d’un espace qui se situe entre l’entrepôt d’un musée et le musée lui-même, puisque les pièces qui s’y trouvent peuvent être vues.
La Fondation Lorenz a aussi créé un poste de professeur pour l’art contemporain à l’Université de Bâle. Celle-ci a offert un terrain pour une nouvelle aile de Musée d’art à Bâle. Cette fondation soutient aussi, à hauteur de près de 100 millions de francs suisses, la création de la nouvelle aile du Musée d’art de Bâle (Kunstmuseum)

Sa petite fille
Maja Hoffmann (1956)  fille de Lukas (dit Luc), décédé le 21 juillet 2016, docteur en zoologie et cofondateur du WWF, et  la comtesse Daria Razumovsky (* 1925, † 2002)  envisage d’acheter les anciens ateliers pour les transformer en incubateurs de l’art de demain.

Maja Hoffmann voudrait l’an prochain présenter la collection d’art de sa famille Mécène depuis des années du festival de photo, notamment grâce à son prix Découverte, Maja Hoffmann continuera certainement à le soutenir. Elle est Arlésienne de plein droit, ayant grandi dans la région. Son père, le biologiste Luc Hoffmann, s’est établi en Camargue dans les années 50, contribuant à sauver cet exceptionnel territoire naturel.
Geste de reconnaissance envers une ville provençale qui est chère à la mécène, a la  volonté de transformer la petite cité en pôle culturel d’importance européenne.
Luma Arles pousse désormais à bon rythme sur l’ancien site ferroviaire.
Plus de 300 personnes travaillent sur place ou dans les bureaux parisiens de l’entreprise Vinci, chargée de la construction du complexe. La tour de béton, de verre et d’acier de Frank Gehry, ainsi que les ateliers rénovés et les jardins aménagés devraient être inaugurés début 2018. L’ensemble proposera plusieurs dizaines de milliers de mètres carrés de surfaces d’exposition, d’ateliers d’artistes, d’espaces d’études, de lieux de production d’œuvres, d’une bibliothèque, de cafés, d’un restaurant panoramique au sommet de la tour. Et de vastes locaux pour les archives de la Fondation Luma, mémoire qui donne le sens de l’entreprise à venir.

Ni musée ni université des arts, encore moins parc d’attractions culturelles,
Luma Arles est un concept inédit d’expérimentation pour la création contemporaine, en particulier l’art et les images, qu’elles soient fixes ou animées. Il s’ancre aussi dans le respect de l’environnement grâce au peu d’énergie que requerra la construction verticale de Frank Gehry. Sa base circulaire, entièrement vitrée, demande la mise au point de logiciels complexes pour gérer l’aération naturelle des lieux, selon les saisons.
Maja Hoffmann rechigne à parler d’elle. Mais la construction de sa cité des arts la contraint à sortir – un peu – de sa réserve. Elle a récemment publié chez Steidl le catalogue de sa propre collection d’art et de design contemporains, répartie entre ses propriétés d’Arles, de Zurich, de Gstaad, de Londres et de l’île Moustique (Caraïbes).