Arts plastiques – Page 57

RE-SET : assimilation et transformation dans la musique et dans les arts visuels depuis 1900

RE-SET : assimilation et transformation
dans la musique et dans les arts visuels depuis 1900
jusq’au 13.5.2018
Une collaboration entre la Fondation Paul Sacher
et le Musée Tinguely
L’exposition interdisciplinaire au Musée Tinguely
est consacrée au sujet éclectique de la réinterprétation
artistique dans la musique au XXe siècle et dans
l’art contemporain.
Jusqu’ au 13 mai 2018 sont présentés
des manuscrits de musique et des œuvres d’art qui
reprennent, paraphrasent, transforment ou même
démantèlent le contenu, la structure ou la conception
d’œuvres existantes.
Le contenu et l’espace de l’exposition sont divisés en deux
parties. L’accent est mis sur la partie musicale, divisée
en quatre sections au deuxième étage :
les arrangements par les compositeurs et compositrices tiers,
les arrangements par les compositeurs et compositrices
de leurs propres œuvres, les emprunts à la musique folklorique
et les adaptations populaires.
Cette exposition unique présente environ 180 manuscrits
de musique, des correspondances, des enregistrements
sonores, des instruments et des documents d’images et
de film appartenant à la Fondation Paul Sacher,
l’un des centres de recherche les plus renommés dans le domaine
de la musique du XXe et XXIe siècle.
Les œuvres exposées ont été créées par des compositeurs et
interprètes célèbres tels qu‘Igor Stravinsky, Anton Webern,
Edgard Varèse, Pierre Boulez, Luciano Berio,
Sofia Gubaidulina, György Ligeti, Wolfgang Rihm,
Heinz Holliger et Steve Reich.

Des études de cas illustrent les diverses catégories de références
artistiques présentes dans leur travail de façon visuellement
intéressante. Celles-ci impliquent des figures emblématiques
de l’histoire de la musique – de Bach aux Beatles, de Debussy à
Disney. La diversité des objets exposés ainsi que les documents
audiovisuels mis à disposition sur une tablette donnent lieu
à une image vivante des arrangements artistiques dans
la musique depuis 1900.
La partie de l’exposition consacrée à l’histoire de l’art
attire notre attention sur le concept emblématique du
readymade de Marcel Duchamp. Cette idée a connu un succès
sans précédent des années 1960 jusqu’ à nos jours.
Elle pose la question de savoir comment ce concept a été intégré
comme stratégie artistique et dans quelle mesure il sert de
catalyseur à de nouvelles œuvres d’art.
En plus des œuvres de John Baldessari, Marcel Duchamp,
Hans Haacke, Sherrie Levine et Jean Tinguely, sont présentées
les postures actuelles de Saâdane Afif, Pierre Bismuth et
l’artiste galloise Bethan Huws.

Heidy Zimmermann, Simon Obert (pour la musique)
et Annja Müller-Alsbach (pour les arts visuels) ont assuré
le commissariat de cette exposition qui a été réalisée en
collaboration intime avec Fondation Paul Sacher.
MUSIQUE
Étrangement inconnu – les compositeurs & compositrices
en dialogue avec leurs pairs
Dans le domaine de la musique, comme dans l’art en général,
l’étude des grands maîtres de la discipline fait depuis des
siècles partie de la formation à la composition.
Il s’agit d’apprendre des « anciens » afin de faire différemment,
ou mieux. Au XXe siècle encore, les compositeurs et
compositrices consultent des ouvrages de leurs prédécesseurs
dans le but de les étudier ou de les retravailler. Cela leur permet
d’apprendre à connaître les acteurs incontournables de
l’histoire de la musique, quel que soit leur degré de notoriété.
L’on doit à Mauricio Kagel cette phrase marquante :
« Les musiciens ne croient peut-être pas tous en Dieu,
mais tous croient en Bach ».
Avec « RE-SET »,
Anton Webern, Stravinsky, György Kurtág, Sofia Gubaidulina
ainsi que Kagel lui-même présentent des hommages, mais
également des réactions critiques au monument qu’est Bach.
Lorsqu’ils recherchent de nouveaux univers sonores, certains
compositeurs remontent parfois jusqu’au Moyen Age :
Harrison Birtwistle, Salvatore Sciarrino et Heinz Holliger
trouvent de l’inspiration dans le travail de
Guillaume de Machaut.

D’autres s’inspirent de Carlo Gesualdo, présumé meurtrier
de son épouse ; « RE-SET » montre comment Igor Stravinsky,
Peter Eötvos, Sciarrino et Klaus Huber développent les pièces
vocales à l’harmonie audacieuse de Gesualdo.
Grâce aux instrumentations des miniatures pour piano
d’Arnold Schönberg, la façon dont les compositeurs novices
et expérimentés jouent avec les timbres peut être observé.
Enfin, l’orchestration par Claude Debussy des
Gymnopédies d’Erik Satie est un exemple magnifique de
service rendu entre amis compositeurs.
Igor Stravinsky est l’un des compositeurs les plus représentatifs
du concept de work in progress, comme en témoigne son
Oiseau de Feu, 1910 : à partir du ballet composé initialement,
il a créé plusieurs suites de concert, puis en a extrait et retravaillé
certaines parties pour en faire des pièces virtuoses pour violon.
En 1929, il a lui-même enregistré une version pour piano
de cette pièce afin qu’elle puisse être reproduite sur des rouleaux
de papier et utilisée pour des pianos mécaniques.

Le work in progress repose en fin de compte sur un principe
créatif résolument moderne: certaines idées peuvent pour
ainsi dire hanter les compositeurs, elles « mijotent » avant d’être
concrétisées de manières variées dans toute une série d’œuvres.
Cela se manifeste notamment chez Pierre Boulez, György Ligeti
ou Wolfgang Rihm.
Modernité ancienne – Emprunts à la musique folklorique
Depuis des siècles, la musique folklorique est une source
d’inspiration pour les compositeurs. Au XXe siècle, cependant,
l’approche ethnologique et les capacités d’enregistrement
du phonographe ont donné à la musique traditionnelle un
poids nouveau. Les compositeurs découvrent la musique folklorique
comme un matériau authentique, pour ne pas dire nouveau,
pour des compositions modernes.

Béla Bartók est parmi les premiers à collectionner les mélodies
folkloriques en Europe du Sud-Est. Il le fait avec une minutie scientifique,
mais aussi pour en tirer la base de ses propres compositions.
Sándor Veress, qui a immigré en Suisse en 1949 suit ces traces en
menant des enquêtes de terrain intensives et en arrangeant de
nombreuses chansons folkloriques.
Luciano Berio esquisse un voyage musical autour du monde
avec ses Folk Songs, et Steve Reich étudie l’art du tambour
africain au Ghana, une expérience à partir de laquelle émerge
sa pièce culte Drumming. Alb-Chehr de Heinz Holliger
reprend une légende valaisanne avec une
« musique fantasmagorique alpine » pour les Spillit
(ménestrels) du Haut-Valais. Cette musique folklorique
fictive se mêle à des sons expérimentaux et se dissocie
ainsi de façon ironique de la musique folklorique suisse banalisée.

Élitisme sous-jacent – Popularisation et anoblissement
Les compositeurs du XXe e siècle ne se sont pas inspirés
du jazz et de la musique populaire aussi souvent qu’ils
l’ont fait avec des morceaux de l’histoire de la musique
ou du folklore. L’une des principales raisons de cette
réticence réside peut-être dans ces principes structurels
contradictoires : Alors que la musique dite classique
du XXe siècle renonce en grande partie à la tonalité et
aux rythmes réguliers, ceux-ci représentent les pierres
angulaires des musiques populaires ; et tandis que dans
l’avant-garde musicale, surtout après 1945, prévaut une
esthétique de discontinuité linéaire de la mélodie,
la musique populaire s’accroche à ces caractéristiques
de base que sont la mélodie et l’accompagnement.
Néanmoins, il y eut de fréquentes adaptations de
la musique populaire, qui ont souvent donné lieu
à des exemples aussi remarquables que surprenants.
Notamment lorsque Dmitri Chostakovitch orchestre
le tube Tea for Two, lorsque Conlon Nancarrow utilise
des motifs de boogie-woogie ou lorsque Louis Andriessen
et Luciano Berio créent des parodies de chansons
des Beatles.
Sans oublier, dans ce contexte, l’usage de la musique à des
fins médiatiques, notamment pour le cinéma.
L’adaptation du Sacre du printemps d’Igor Stravinsky
ou des Atmosphères de György Ligeti à la bande sonore
de films a par exemple donné lieu à une diffusion et
une popularisation que leur version originale n’aurait
sans doute pas connue.
ARTS VISUELS
L’histoire de l’art est, de par sa nature même, un système complexe
de citations et de réitérations de motifs existants, ainsi que
leur remodelage créatif et leur remise en scène. En fait, l’art
a toujours été reproductible, mais jamais il n’avait été aussi
simple qu’aujourd’hui de reproduire et de retravailler
des incunables de l’histoire de l’art, sans parler de l’environnement
visuel quotidien. Le prologue de l’exposition « RE-SET » se
concentre sur la question de savoir comment l’idée emblématique
du readymade de Marcel Duchamp sert de catalyseur à de nouvelles
œuvres. Le concept du readymade en tant qu’objet de tous les jours
préexistant, préfabriqué, déclaré « sculpture toute faite » par le geste
de sa seule sélection, n’avait été formulé par Duchamp au début
des années 1910 uniquement comme idée conceptuelle existante.
Ce concept a marqué la fin de tous les paramètres traditionnels
de la création artistique valables jusqu’alors : la conception individuelle,
le savoir-faire artisanal, l’unicité et par conséquent l’idée du
chef-d’œuvre, la distinction entre l’original et la copie –
tous ces termes ont été radicalement remis en question.
Dans les années 1960, ces paramètres avaient un caractère
hautement explosif sur le chemin vers l’œuvre ouverte.
De nombreux artistes ont déclaré le principe du readymade
comme catalyseur de leur travail. Ce principe a été réinterprété
à plusieurs reprises, est devenu indépendant et a finalement
été assimilé au terme objet trouvé. La liste des artistes qui s’y réfèrent
jusqu’à nos jours est longue.
La présentation montre une sélection ciblée.

Au début de l’exposition se trouve la Boîte-en-valise de
Marcel Duchamp, un musée portatif en format miniature
contenant son œuvre. Cet ouvrage a été reproduit en sept
séries entre 1941 et 1968. Par un geste simple et ironique,
Pierre Bismuth modifie un code existant dans le Gucci
Traveler’s Folding Item, 2012, bouleversant ainsi notre
perception et notre appréciation esthétique de l’art.

John Baldessari traite de la différence entre la répétition
et le répété dans Repository, 2002. Saâdane Afif utilise l’inclusion
réciproque de différentes sources d’inspiration et de médias comme
catalyseur pour ses projets souvent interdisciplinaires, qui se
caractérisent par de longs processus de conception.

Son travail Fountain–1917 (A collection), 2018, sera présenté
pour la première fois dans son intégralité à Bâle. En plus de l’importante
installation Forest, 2008/2009, de l’artiste galloise Bethan Huws,
un certain nombre de ses œuvres récentes témoignent de l’intense
débat intellectuel avec Marcel Duchamp.
Marcel Duchamp & Jean Tinguely

Tinguely avait pu rencontrer personnellement en 1959 celui
qui était pour lui sa première référence artistique, à l’occasion
de son exposition des Méta-Matics à la galerie parisienne
d’Iris Clert. Ill devait le rencontrer de nouveau an 1960 à New York.
Duchamp qui, des décennies auparavant, avait lui aussi intégré
la mécanique, le jeu et le hasard dans son art, fascinait Tinguely.
La connaissance de son œuvre ainsi que la relation d’amitié
qui s’était nouée se sont révélées très importantes pour le
développement artistique de Tinguely.
Concerts pendant l’exposition au Musée Tinguely:
21 mars 2018, 19h | Uri Caine, Solo on Piano
18 avril 2018, 19h | XASAX Saxophone Quartet, Original & Re-Set
29 avril 2018, 16h30 | Moritz Eggert, Hämmerklavier et al.
Billets de concert:
inclus dans le prix d’entrée du musée, sans réservation préalable
Publications
RE-SET. Rückgriffe und Fortschreibung in der Musik seit 1900
Cette exposition s’accompagne d’une riche publication,
« RE-SET. Rückgriffe und Fortschreibungen in der
Musik seit 1900 » publiée par Simon Obert et Heidy Zimmermann,

La rétrospective de l’oeuvre de César

Jusqu’au 26 mars 2018
La rétrospective de l’oeuvre de César présentée par le
Centre Pompidou coïncide avec le vingtième anniversaire
de la mort de l’artiste. Illustre dès l’âge de 25 ans, César
a vécu plus de cinquante années de création.

À travers une centaine d’oeuvres présentées dans la plus vaste
de ses galeries d’expositions, le Centre Pompidou propose
de découvrir, dans toute son intégrité et sa richesse, le parcours
de l’un des plus grands sculpteurs de son temps.
Avec les oeuvres majeures les plus célèbres, comme à travers
certains cycles plus méconnus, cette rétrospective présente
un ensemble inédit à ce jour.
De l’espace, aucune cloison. C’est un jardin de sculptures qui
se découpent sur une vue panoramique sur Paris.
La scénographie de Laurence Lebris privilégie la fluidité
afin de mettre en évidence le caractère monumental des
oeuvres ainsi que le principe de sérialité et de répétition qui
l’anime.
L’INTELLIGENCE DU GESTE
Confrontant sans cesse son oeuvre au classicisme et à la
modernité, César élabore alors une pratique fondée sur
ce que le critique Pierre Restany appellera une opposition
continue entre « homo faber » et « homo ludens ».
Jouant de l’opposition entre une maîtrise assumée du métier
de sculpteur et des gestes novateurs, César stupéfie son public
lorsqu’au tournant des années 1960, il réalise ses premières
Compressions. Présentées au Salon de Mai de 1960, elles font
scandale et inaugurent un cycle aux évolutions nombreuses
qui ne s’interrompra qu’avec la mort de l’artiste, en 1998.
Les Compressions seront l’un des gestes les plus radicaux
de la sculpture du 20e siècle, présentées aussi bien à la
Documenta de Cassel qu’à la Biennale de Venise, repensées
par de nombreux artistes allant de l’américain Charles Ray,
au français Bertrand Lavier.

L’AUDACE DES MATÉRIAUX
Inventif et guidé par la logique accidentelle du matériau,
César s’engage ensuite dans une forme de dialectique en
développant des Expansions selon un principe opposé
à celui des Compressions. Au métal compressé succèdent
le polyuréthane et autres matériaux que l’artiste teinte et polit,
leur appliquant son savoir-faire et une méthode propre à la
sculpture classique.

Après les Fers soudés, les Compressions
et les Expansions sont tôt reconnues comme deux moments
inauguraux de la sculpture moderne.
Les Moulages et les Empreintes humaines, qui ont précédé
et initié les Expansions, ajoutent à l’oeuvre de César une
dimension nouvelle. Déléguant au pantographe l’agrandissement
mécanique de son propre pouce à l’occasion d’une exposition
autour du thème de la main, César conceptualise un nouvel aspect
de sa pratique, variant délibérément les échelles et les matériaux,
soucieux d’apporter une méthode jusqu’ici inconnue à l’art
de la représentation. Autre sujet de prédilection, le thème de
l’autoportrait traverse les différents cycles de son oeuvre.

UN ARTISTE DE SON TEMPS
César, au faîte de la célébrité, devient au tournant des années
1970, l’une des figures emblématiques de l’art de son temps.
Associé aux artistes du mouvement du Nouveau Réalisme
fédéré depuis 1960 par Pierre Restany, il expose dans le monde
entier et réalise en public des expansions éphémères qui sont
autant de performances. De Paris à Londres, de São Paolo à Milan,
César allie à la permanence de la tradition classique des gestes
radicaux et inventifs, souvent spectaculaires et éphémères.
Refusant de choisir entre le mot d’ordre des modernes et
celui des classiques, il construit ainsi une réflexion originale
et sans doute médiane entre l’intensité d’expériences souvent
imprévisibles requises par l’art de son temps et la sagesse
du temps long que lui offre la pratique patiente et laborieuse
de l’assemblage.
UN CONSTANT POUVOIR D’INVENTION
Les années 1980 voient se développer un nombre important
de ses sculptures monumentales. La carrière de César est
récompensée et il reçoit le prestigieux
Praemium imperiale au Japon. Il expose dans le monde
entier mais l’institution française – toujours elle – tarde
à reconnaître en lui davantage qu’un maître du passé.
Les rétrospectives de Marseille, du Jeu de Paume ou de la
Fondation Cartier rappellent au public le rôle essentiel de
l’artiste et son constant pouvoir d’invention. Il représente
la France à la Biennale de Venise et ses rétrospective se
succèdent à Milan, Malmö, Mexico…

Après Otto Hahn, Pierre Restany, Daniel Abadie ou
Catherine Millet parmi bien d’autres en France, une nouvelle
génération de critiques venus de toutes parts le découvre
et met en évidence la singularité de son oeuvre et de son propos,
révélant un intérêt pour les matériaux les plus contradictoires
allant du marbre au chiffon, du fer à la paille, du plastique
au papier.

Né à Marseille en 1921, César commence un apprentissage qui
le conduit à Paris à l’École nationale supérieure des Beaux-arts.
À Paris, il croise entre autres, Alberto Giacometti, Germaine Richier,
Pablo Picasso et se mêle à la scène artistique d’alors, côtoyant
les artistes de Saint-Germain-des-Prés et de Montparnasse.
Très tôt, il se fait remarquer par une technique qui lui est propre
et lui apporte la célébrité : ce sont les « Fers soudés »,
les figures humaines et autres « Vénus » ainsi que le bestiaire
qu’il invente, peuplé d’insectes et d’animaux de toutes sortes
qui l’amènent à sa première exposition personnelle,
galerie Lucien Durand en 1954. Bientôt célèbre, son oeuvre
est exposée de Londres à New York.

La rétrospective est conçue et réalisée par Bernard Blistène,
directeur du Musée national d’art moderne, avec la
collaboration de Bénédicte Ajac, attachée de conservation
au Musée national d’art moderne et Hervé Derouault,
chargé de production
France culture l’Art est la Matière podcast

The Live Creature à la Kunsthalle de Mulhouse

Sur une proposition de Soledad Gutiérrez (née en 1976
à Torrelavega en Espagne) commissaire indépendante
et chercheur à la Kunsthalle de Mulhouse
avec les artistes :
Anna Craycroft, Esther Ferrer, Adelita Husni-Bey,
Allan Kaprow, Teresa Lanceta, Nicolas Malevé,
Aimée Zito Lema

Le titre The Live Creature (L’être vivant) est tiré
du premier chapitre de
L’art comme expérience de John Dewey,
paru en 1934. Bien que le livre ait reçu à l’époque un
accueil mitigé, il est devenu avec le temps, et au fil des
relectures successives, une référence majeure sur
l’éducation artistique et les rapports entre art et vie
quotidienne. Selon Dewey, l’autonomie de l’expérience
artistique est ancrée dans la fonction sociale de l’art.
De là naissent des pratiques à caractère relationnel
dont on comprend l’organisation au fur et à mesure
de leurs productions.
La théorie de Dewey peut être vue comme une tentative
de comprendre la pratique artistique, ce qu’elle
a d’important et de singulier, ses manifestations
physiques (“l’objet expressif”) à travers un processus tout
entier. L’élément fondamental n’est alors plus
“l’oeuvre d’art” matérielle mais le développement d’une
“expérience”.
Se distinguant de cette approche théorique, l’exposition
présente des projets qui explorent les liens entre
l’éducation artistique et la pratique de l’art, l’artisanat
comme moyen de se référer au monde, le corps comme
sujet de transmission et l’influence de l’environnement
urbain qui nous entoure. Ces éléments deviennent le point
de départ de processus de recherches et de productions
individuelles et collectives, faisant de l’art un outil
d’une meilleure compréhension de nos modes de vie.

Les parcours bus de l’art contemporain proposés par
Versant Est – réseau art contemporain en Alsace
reviennent le dimanche 18 mars 2018
Découvrez trois parcours au départ ici
de Colmar, Mulhouse et Strasbourg pour partir
à la découverte de l’Alsace artistique.
Avec Fernando Aguiar, Emma Dusong, Valerian Maly
& Klara Schilliger, Aimée Zito Lema et le Groupe de
recherche Action Building
Pour cette 9ème édition, La Kunsthalle accueille
Locus Métropole, un événement où la performance est
mise à l’honneur. L’événement est dédié au thème
de la langue et du langage, déconstruits, déformés et
reformés par des artistes, performeurs et écrivains poètes.
À l’occasion, la langue est parlée, les textes sont dits,
l’écriture prend corps et défriche les diverses formes
de la poésie contemporaine.

En partenariat avec Montagne Froide.
Entrée libre, petite restauration sur place.
SAMEDI 17 MARS
10H00 – 13H00 :
Score for Mother and Child, workshop proposé par
Aimée Zito Lema

Cet atelier prolonge le travail développé par l’artiste autour
du langage du corps et de la mémoire gestuelle. Sous la forme de jeux,
le public est invité à expérimenter l’idée de transmission par
le corps à travers des exercices et gestes proposés par une chorégraphe.

À partir de 15 ans. Gratuit, sur inscription obligatoire
kunsthalle@mulhouse.fr / 03 69 77 66 47
14H00 : Atelier famille
Proposé par Stéphane Clor, artiste plasticien et musicien en
résidence-mission à Mulhouse.
En partenariat avec les Ateliers Pédagogiques d’Arts Plastiques
du Pôle Education et enfance de la Ville de Mulhouse.
Atelier complet
15H00 : Visite guidée de l’exposition The Live Creature
Entrée libre
16H00 – 18H00 : Ciné-débat Jeune public
À l’occasion du Printemps des Poètes, le réseau Canopé
propose onze courts-métrages enchanteurs pour bercer
le public d’une douce rêverie !
En partenariat avec Canopé.
Entrée libre, à partir de 7 ans.
DIMANCHE 18 MARS

9H00 : 6 lieux, 6 expositions à découvrir, parcours en
bus au départ de la gare de Mulhouse

Le Lézard, le FRAC alsace, le Syndicat potentiel,
le CEAAC et La Chambre – retour vers 19h00
Tarif plein 10€, tarif réduit 5€ – Renseignements et réservations : adeline.garnier@versantest.org / 09 51 40 21 57
12H00 – 17H00 : présentation-dédicace de Melsass
de Martin Chramosta
Tête d’un jeune grimaceur © Martin Chramosta
Édition La Kunsthalle Mulhouse & Mark Pezinger Verlag

Cet ouvrage vient clore la résidence universitaire de l’artiste suisse,
Martin Chramosta organisée conjointement avec le Service
Universitaire de l’action Culturelle de l’Université de Haute-Alsace
qui s’est déroulée en 2016 à la faculté de Marketing et d’Agrosciences
de Colmar.
Entrée libre
15H00 : Visite guidée de l’exposition The Live Creature
Entrée libre
16H00 : Écrire l’art
Lecture-performance de Sandra Moussempès, poète.

© Andres Donadio
Sous la forme d’une mini-résidence de quatre jours,
Sandra Moussempès, auteure contemporaine, s’immerge
dans l’univers de l’exposition et compose autour des œuvres.
Dialogues, créations, collaborations, poésies visuelles et sonores,
textes et expressions permettent de visiter, voir, concevoir
et revoir les œuvres à travers le langage spécifique de l’écrivain.
En partenariat avec le festival POEMA, écritures poétiques
d’aujourd’hui
Entrée libre
Heures d’ouverture
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h
Les samedis et dimanches de 14h à 18h,
dimanche 18 mars de 12h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu’à 20h
Fermé les lundis et mardis
les 30 mars et 1er avril 2018
Entrée libre
Visites guidées
Visites guidées, les dimanches à 15 heures
et samedi 17 mars et 24 mars à 15h00
entrée libre
Pour les groupes, renseignements
et réservations au 03 69 77 66 47
Visites enfants renseignements
au 03 69 77 66 47

Journée de la femme

Je voulais recycler une ancienne chronique où je
parlais de mes femmes.

Je m’aperçois que certaines ont disparu, de ma vie
ou de mon horizon.
Ma chère Malou qui me manque tant,
Myriam, alias Bleu de Cobalt qui est au firmament
des blogs

Viviane présente, toujours aux States, infirmière, mannequin
occasionnel a agrandi sa famille. Tayler et Maya sont les
soleil du couple.
Détour des Mondes mène toujours
tambour battant son blog et son association.
Anne Sophie, plus artiste que jamais, a adopté
et chouchoute Andy, dont elle nous raconte les exploits
sur Facebook. Elle sera plus présente dans notre ville,
Mulhouse, où elle va faire partie de la ruche »MOTOCO »
dès les beaux jours.

Le nombre de femmes de ma famille s’est agrandi,
je ne peux plus faire de photos de groupe, car l’une est
partie au Canada, où elle pouponne. La plupart d’entre elles
pouponnent et agrandissent ainsi le cercle de famille.
D’autres font des études et sont moins disponibles de ce fait.
Nina est championne de tennis handisport.
Bonne fête à toutes les femmes, amies, famille, Inconnues
amies Facebook.

Etre moderne : le MoMA à Paris

Il ne restent que peu de jours l’ exposition prend fin
le 5 mars 2018
La Fondation Louis Vuitton propose dans l’ensemble des espaces
de l’architecture de Frank Gehry, une exposition exceptionnelle
consacrée à la collection du MoMA présentant plus de deux cents
chefs d’oeuvre et pièces maîtresses du musée new yorkais.

Cette exposition met en avant le rôle fondateur du musée,
de ses conservateurs et du programme d’expositions qui l’ont
accompagné, dans l’écriture de l’histoire de l’art du XXe et XXIe siècle.
Alors que le MoMA est engagé dans un important projet
d’agrandissement et d’expansion de son bâtiment, il choisit
de s’associer à la Fondation Louis Vuitton pour présenter son
engagement artistique légendaire à Paris et proposer une forme de
manifeste pour continuellement « être moderne ».

Le parcours de l’exposition
L’exposition se déploie sur les quatre niveaux de la Fondation.
Elle s’ouvre par une salle consacrée au « premier MoMA »
et se conclut par une sélection d’acquisitions récentes.
Lors de sa création en 1929, le MoMA d’Alfred H. Barr
apparaît comme le prototype du musée d’art moderne,
celui qui définit le « canon » de la modernité. Ses collections
reflètent alors les différents mouvements artistiques européens –
l’exposition inaugurale du Musée est consacrée à Cézanne,
Gauguin, Seurat, Van Gogh – non sans témoigner d’une ouverture
quasi immédiate envers l’art américain contemporain
(Cf. Maison près de la voie ferrée d’Edward Hopper,
acquise en 1930), et par la volonté de décloisonner les disciplines.

Au rez-de-bassin, galeries 1 et 2, la première salle réunit
des oeuvres telles que le Baigneur de Cézanne, L’Atelier de
Picasso, à côté de photographies de Walker Evans, de films
d’Edwin Middleton… et de pièces mécaniques.

La deuxième salle présente divers courants de la modernité
européenne, tels que le postimpressionnisme (Signac, Opus 217),
le futurisme (Boccioni, États d’âme), les grandes figures
du XXe siècle (Picasso, Jeune Garçon au cheval ;

Matisse, Poissons rouges et Palette, Paris, quai Saint-Michel),
le dadaïsme (Picabia, M’Amenez-y), le surréalisme
(De Chirico, Gare Montparnasse
(La Mélancolie du départ) ; Dalí, Persistance de la mémoire ;
Magritte, Le Faux Miroir) et l’abstraction (Mondrian, Composition
en blanc, noir et rouge ; Malevitch, Composition suprématiste :
blanc sur blanc).

L’ouverture du musée vers l’Europe centrale apparaît avec la toile
de Klimt, Espoir 2, et les conflits des années 1930 sont évoqués
au travers du triptyque de Max Beckmann, Le Départ.
La pluridisciplinarité des collections s’affirme avec la présentation
de films (Eisenstein, Disney),

de photographies (Lisette Model,
Alfred Stieglitz) et d’œuvres graphiques (Gustav Klutsis).
Dans les années 1939-1960, le passage de témoin de la modernité
s’effectue de l’Europe vers les États-Unis. S’affirment alors les
expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock
(Echo No. 25 ; The She-Wolf), Mark Rothko (No. 10),
Willem de Kooning (Woman I) et Barnett Newman (Onement III).

Au rez-de-chaussée (galerie 4), Wall Drawing #260, 1975,
de Sol LeWitt introduit le visiteur à deux nouvelles esthétiques
nées dans les années 60 : l’art minimal et le Pop art.
On y trouve, d’une part, l’abstraction géométrique et minimale
d’Ellsworth Kelly (Colors for a large wall), de Frank Stella
(The Marriage of Reason and Squalor, II), de Carl Andre
(144 Lead Square), en dialogue avec l’architecture moderne
de Mies van der Rohe. D’autre part, des œuvres pop fondées sur
les principes de série et de répétition, inspirées des cultures
médiatiques et populaires, où l’on retrouve Andy Warhol
(Double Elvis ; les Campbell’s Soup Cans ; Screen Tests),
Roy Lichtenstein (Drowning Girl), ou encore Romare Bearden
(Patchwork Quilt) …

La photographie est ici présente à travers Diane Arbus
(Identical Twins) et un ensemble de clichés anonymes.
L’accrochage présente également des objets de design iconiques,
telle la légendaire Fender Stratocaster Electric Guitar.
Au premier étage, les galeries 5 et 6 s’ouvrent aux nouvelles
expressions développées, dès le milieu des années 1960,
autour du corps et de l’identité. Les formes classiques sont revisitées,
ainsi de la peinture (Philip Guston, Christopher Wool…)
et de la sculpture (Joseph Beuys, Cady Noland,
Felix Gonzales-Torres). Les œuvres sont radicalement transformées
par l’apport de l’installation, de l’action, de la performance tandis
que de nouvelles techniques, comme la vidéo (Bruce Nauman)
et la light box (Jeff Wall) reformulent les processus de création.
Un nouveau traitement de l’image apparaît (Barbara Kruger),
ainsi qu’un engagement envers d’autres univers et d’autres
identités (David Hammons, Juan Downey, Lynn Hershman Leeson).
La danse (Yvonne Rainer), la vidéo et la performance
(Laurie Anderson) entrent alors dans l’espace du musée.

Cindy Sherman y est présente avec l’intégralité de la série des
« Film Stills » composée de 70 photographies où s’exprime
l’agencement de ses identités multiples.
Au deuxième étage, galerie 8, Measuring the Universe de
Roman Ondak témoigne d’une nouvelle relation de l’individu
à l’art et au monde. (à laquelle bien sur, j’ai participé)

Galeries 9 et 11, l’accrochage propose un ensemble d’œuvres
contemporaines du monde entier dont la plupart ont été acquises
par le MoMA ces deux dernières années. Des artistes issus de
zones géographiques encore peu présentes dans les collections
y trouvent désormais leur place (Iman Issa, Egypte et
Asli Cavusoglu, Turquie).
La peinture (Mark Bradford ; Rirkrit Tiravanija), la sculpture
(Trisha Donnelly ; Cameron Rowland), la photographie
(LaToya Ruby Frazier) répercutent les enjeux formels,
technologiques et identitaires d’aujourd’hui.
L’artiste Lele Saveri aborde quant à lui la question d’appartenance
à une communauté avec son oeuvre The Newsstand.
Initialement présentée dans une station de métro de Brooklyn,
elle contient des centaines de zines, ces publication auto produites
au faible tirage et destinées à un public très limité.
Cette oeuvre peut être considérée comme le pendant des 176 emoji
présentés dans l’exposition utilisés au quotidien sur tous les
téléphones portables.

L’architecture est aussi présente à travers les projets pour
Roosevelt Island, New York de Rem Koolhaas.
L’informatique et Internet également avec le Google Maps
Pin de Jens Eilstrup Rasmussen, l’arobase stylisée par
Ray Tomlinson et Videogames de Tomohiro Nishikado et de
Dave Theurer.
Galerie 11, une grande installation vidéo de Ian Cheng
s’invente à l’infini grâce à un programme informatique autogénéré.
Galerie 10, l’exposition se clôt sur une œuvre sonore de
Janet Cardiff, Forty-Part Motet (2001), dont l’installation
in situ a été pensée en relation directe avec l’architecture
de Frank Gehry.
Ici c’est l’émotion pure :
Un motet à 40 voix dans une interprétation spatialisée
de Spam in Alium Nunquam Habui, (à écouter)
composition du XVIe s de Thomas Tallis célèbre
pour ses polyphonies.
Chaque Haut-parleur diffuse l’une des 40 voix pour
lesquelles la partition fût écrite. Une expérience
émouvante qui invite les visiteurs à se se déplacer
au milieu des « chanteurs »

Le "trésor Gurlitt" au Kunstmuseum de Berne

Au Kunstmuseum de Berne jusqu‘au 4 mars
Cette exposition est un premier état des lieux, provisoire,
du « trésor Gurlitt ».

Les oeuvres mises au jour, et dont
l’étude doit encore être approfondie, constituent ici autant
de cas concrets qui permettent d’exemplifier la politique
artistique du régime nazi et son entreprise de
spoliation d’oeuvres d’art. Le Kunstmuseum Bern et la
Bundeskunsthalle de Bonn ont travaillé en étroite
collaboration à ce vaste projet d’exposition.
Le Kunstmuseum Bern présente le volet « art dégénéré »,
exposé dans le contexte plus large des évènements de
l’époque, y compris en Suisse.
L’accent y est mis notamment sur le destin des artistes
bannis et persécutés et sur la biographie de
Hildebrand Gurlitt, dans tous ses aspects contradictoires.
L’Atelier de recherche sur la provenance des oeuvres propose
d’appréhender les méthodes mises en oeuvre par cette recherche
et les défis auxquels elle doit faire face à travers un certain nombre
d’exemples.

Qu’est-ce que le « trésor Gurlitt » ?
Le « trésor Gurlitt » est une collection d’oeuvres ayant
appartenu à Cornelius Gurlitt (1932–2014), fils du marchand
d’art allemand Hildebrand Gurlitt (1895–1956).
La plupart d’entre elles furent saisies en 2012 dans
l’appartement munichois de Cornelius Gurlitt à la
suite de l’ouverture d’une enquête fiscale.
L’existence de la collection fut révélée au grand
jour le 3 novembre 2013 par un reportage du magazine
d’information « Focus ».
L’article connut un immense retentissement médiatique.
Le second fonds d’oeuvres découvert dans la maison de
Salzbourg de Cornelius Gurlitt portera à plus de 1’500
le nombre total d’oeuvres connues de sa collection.
De ces oeuvres ne sont aujourd’hui exposées à Berne que
celles qui relèvent de l’art dit « dégénéré » et pour
lesquelles aucun soupçon de spoliation ne s’est confirmé.

Qu’est-ce que l’« art dégénéré » ?
L’expression « art dégénéré » (« Entartete Kunst »)
était une formule de propagande des nationaux-socialistes.
Durant la dictature nazie, il fut utilisé en Allemagne pour
dénigrer l’art moderne et les artistes d’origine juive.
La notion de dégénérescence, qui est issue de la biologie des
races, fut transposée dans l’art à la fin du XIXe siècle.
Elle permit aux nationaux-socialistes d’user de critères racistes
pour juger les artistes et de points de vue idéologiques pour
évaluer les oeuvres d’art.

Étaient considérées comme « dégénérées » toutes les oeuvres
et mouvements culturels qui n’étaient pas compatibles avec
la conception de l’art du régime nazi.
Cela concernait notamment l’expressionnisme, le
dadaïsme, la nouvelle objectivité, le surréalisme, le cubisme
et le fauvisme, et au-delà, toutes les oeuvres des artistes
d’origine juive. Les oeuvres littéraires, musicales ou architecturales
pouvaient également se voir qualifiées de « dégénérées ».
Les oeuvres sélectionnées dans la collection Gurlitt pour
cette exposition furent créées par des artistes persécutés par
les nationaux-socialistes parce que considérés comme
« dégénérés ». L’exposition montre donc non seulement des
oeuvres qui furent retirées des collections publiques allemandes
dans le cadre de l’opération « Art dégénéré », mais aussi des
oeuvres créées par des artistes dits
« dégénérés » acquises par Hildebrand Gurlitt avant
ou après les confiscations de l’État allemand de 1937
et 1938. Chaque oeuvre est assortie d’une indication de
provenance fondée sur l’état actuel des connaissances.

Le parcours de l’exposition
C’est avec une certaine émotion que l’on chemine dans les
2 salles du sous-sol du musée. La plupart sont des aquarelles
ou autres dessins qui demandent un éclairage moins
intense, pour des raisons évidentes de conservation.
C’est ainsi que l’on est ébloui devant les découvertes
de ce qu’on peut réellement appeler « trésor »
La sécession de Berlin
L’association d’artistes fondée en 1898 sous le nom
de Berliner Secession avait pour but de s’opposer à la
domination du marché de l’art par le milieu académique et
de fournir à ses membres des possibilités d’exposition.
Des artistes exceptionnels marquèrent la Sécession de leur
empreinte, tels le Norvégien Edvard Munch et Max
Liebermann, membre fondateur et président de l’association durant de
longues années, ou encore Lovis Corinth, son successeur.

Käthe Kollwitz (1867–1945)
Elle était diplômée des écoles d’art de Berlin et de Munich.
Le langage formel de ses sculptures et de ses gravures associe des
éléments stylistiques réalistes et expressionnistes. Membre de la
Sécession de Berlin depuis 1898, Kollwitz fut en 1919 la première femme
à être nommée à un poste de professeur à l’Académie prussienne
des beaux-arts. Son engagement politique lui valut d’être renvoyée de
l’Académie en 1933 et d’y perdre son atelier d’enseignement. La communauté
d’ateliers de la Klosterstrasse lui procura un espace de travail
en 1934.

Die Brücke
Le groupe Die Brücke (Le Pont) fut fondé en juin 1905 par des
étudiants de Dresde qui avaient pour nom Ernst Ludwig Kirchner,
Erich Heckel, Fritz Bleyl et Karl Schmidt-Rottluff. Max Pechstein
et Emil Nolde se joignirent au groupe en 1906, Otto Mueller en 1910.

Der Blaue Reiter
Le Blaue Reiter, ou Cavalier bleu, représente un tournant
dans l’art. Réuni autour de deux personnalités artistiques
marquantes, Vassily Kandinsky et Franz Marc, le groupe
fut actif entre 1908 et 1914. Il comptait
dans son cercle rapproché Alexej Jawlensky, Gabriele Münter,
Paul Klee, August Macke, Heinrich Campendonk et Marianne
von Werefkin.

Le Bauhaus
Le Bauhaus d’État fut fondé à Weimar par l’architecte
Walter Gropius (1883–1969) en 1919. Cette école d’art avait
pour objectif de réunir les disciplines de l’art, des arts appliqués
et de l’artisanat et de faire de cette transdisciplinarité le moteur de
développement d’un langage formel moderne.
Comme directeur du musée de Zwickau, Hildebrand Gurlitt soutint
l’expressionnisme et l’art abstrait par des expositions et des acquisitions.
Sa plus grande fierté était une galerie qui rassemblait
des peintures expressionnistes d’Erich Heckel et Christian Rohlfs
et des tableaux abstraits de Vassily Kandinsky et Paul Klee.

L’expressionnisme tardif et le vérisme
Dans les années 1920, de nombreux artistes rendirent compte dans
leurs oeuvres de leurs expériences effroyables de soldat pendant la
Première Guerre mondiale, ainsi que des problèmes économiques et
des tensions sociales de la jeune République de Weimar. Ils traitèrent
de la grande ville moderne, dans laquelle on mendiait et on souffrait,
on faisait la fête et on ripaillait. Ils cherchaient dans leurs exacerbations
picturales, qui ne manquaient pas de prendre un tour caricatural,
à saisir la réalité de leur époque avec férocité. George Grosz,

et Max Beckmann sont les représentants les plus connus de cette
tendance.
Salle 2: les contextes : de 1 à 9
Les attaques contre l’art moderne
«Un art qui s’affranchit des lois et des cadres que j’ai fixés
n’est plus de l’art.»
Empereur Guillaume II, « L’art véritable», 1901
La Dégénérescence
Le dénigrement de l’art dit « dégénéré » fut la marque de la
mise au ban de l’art moderne par l’Allemagne nationale-socialiste.
Hitler et ses partisans n’ont pas inventé la notion de dégénérescence,
mais ils l’ont utilisée à leur profit.
L’art décadent
Le régime démocratique de la République de Weimar (1918–1933)
fut favorable à la diffusion de l’art moderne.
L’expression « culture de Weimar » est emblématique de cette
libéralisation de la société qui autorisa la diversité culturelle
et imposa également l’art moderne dans les musées.

Contre l’esprit non allemand
Le Parti national-socialiste des travailleurs allemands,
au pouvoir en Allemagne à partir de 1933, promulgua une série
de lois qui lui permirent, de fait, d’abroger la constitution
démocratique de la République de Weimar, et de créer les bases
de la persécution de divers groupes de la population allemande.
Tous les domaines de la vie publique et privée devaient se
conformer aux principes nationaux-socialistes. Cela
signifia également la fin de la liberté artistique.
Puis ce fut au tour de la grande exposition
« Art Dégénéré »
Les sauveurs d’artistes ou profiteurs
dont Hildebrandt Gurlitt
Commissaires: Nikola Doll, Matthias Frehner,
Georg Kreis und Nina Zimmer
Pourquoi Berne ?
Il n’existe pas de réponse explicite à la question de savoir
pourquoi Cornelius Gurlitt a institué le Kunstmuseum Bern
comme son héritier, mais uniquement des conjectures de
divers ordres. Cornelius Gurlitt a certes visité le Kunstmuseum Bern
durant son existence, mais il n’avait aucune relation personnelle
avec l’établissement. Le liaient à Berne les contacts commerciaux
qu’il y entretenait avec des galeries et des maisons de vente aux
enchères et le souvenir des visites chez son
oncle Wilibald Gurlitt qui y enseigna la musicologie de 1946 à 1948.
Le Kunstmuseum Bern et à la Bundeskunsthalle de Bonn
présentent les premières expositions d’oeuvres de la succession
de Cornelius Gurlitt afin de rendre ces oeuvres accessibles au
public et de rendre compte de leur histoire.
Kunstmuseum Bern, Hodlerstrasse 8–12, 3011 Bern
www.kunstmuseumbern.ch,
info@kunstmuseumbern.ch, T +41 31 328 09 44

Art Karlsruhe 2018

Jusqu’au 25 février
L’art. L’espace. L’émotion

Le salon art KARLSRUHE, consacré à l’art moderne classique
et à l’art contemporain, doit son succès à ses célèbres
espaces Sculpture, à ses expositions spéciales et à son
One Artist Show.

Sa quinzième édition rassemble 215 galeries originaires
de quinze pays. 20 espaces de sculptures voisinent
avec les galeries dans les 4 halls très aérés.
Un prix spécial sera attribué au meilleur espace
sculpture.
Pour cette 15 e dition, la foire attend quelques
50 000 visiteurs. Des navettes gratuites les transportent
depuis la gare de Karlsruhe jusqu’au salon.
Britta Wirtz, directrice de la société Karlsruhe
Messe- und Kongress GmbH,
souligne que c’est l’originalité de ce salon qui fait son succès
d’une année sur l’autre :

« Art KARLSRUHE présente un panorama complet de l’art
du XXe siècle ainsi que de nombreuses œuvres contemporaines,
de sorte que parcourir ce salon revient à faire une promenade
enrichissante dans l’histoire de l’art.
La liste des artistes exposés montre que l’art moderne classique
est particulièrement bien représenté à l’édition 2018
d’art KARLSRUHE, puisqu’il semblerait que pratiquement
tous ceux qui ont marqué l’art du siècle passé y sont présents. »

Présentation de la collection Frieder-Burda
À l’occasion du salon art KARLSRUHE 2018,
le musée Frieder-Burda a conçu des espaces élégants qui
recréent l’atmosphère intimiste d’une collection privée.
On trouve dans ces espaces accueillants et somptueusement
aménagés une sélection d’œuvres majeures issues de la
collection de Frieder Burda, qui dialoguent entre elles et rendent
compte de l’« amour fou pour l’art » du célèbre collectionneur
de Baden-Baden. Henning Schaper, directeur du musée,
déclare à ce sujet :

Frieder Burda, Patricia Kamp commissaire, Alicja Kwade

« Un salon artistique est un lieu de découverte et d’échanges.
Même si les rapports entre les différents musées et le marché
de l’art font l’objet de nombreuses critiques, se constituer
une collection passe nécessairement par l’achat d’œuvres
d’art. Dans ce contexte, nous sommes particulièrement heureux
de présenter au salon une sélection d’œuvres majeures issues
de notre collection. »

Le prix Loth de la sculpture, doté de vingt mille euros
par la L-Bank, qui vient de récompenser l’artiste et
la galerie ayant réalisé le meilleur espace Sculpture.
Répartis dans les quatre halls qui abritent le salon,
les vingt espaces Sculpture comptent parmi les
caractéristiques de cet événement artistique majeur
du sud-ouest de l’Allemagne. La cérémonie de remise
du prix Loth a eu lieu le vendredi 23 février 2018 à 17 heures
sur l’ARTIMA Art Forum (dm-arena, Hall ).
Le lauréat est : la Galerie Scheffel et l’artiste
Joana Vasconcelos (Hall 3)

Galerie Scheffel et l’artiste Joana Vasconcelos

Ewald Karl Schrade, commissaire de l’exposition, s’exprime
en ces termes : « Le salon art KARLSRUHE se concentre depuis
toujours sur certaines formes d’expression et certaines époques,
à savoir d’une part la peinture et la sculpture, d’autre part
l’art moderne classique et l’art contemporain. Nous nous efforçons
de présenter un éventail aussi large que possible, qui englobe
l’Expressionnisme allemand, l’art informel, le mouvement
Zéro et la production de la jeune génération. »

La manifestation spéciale consacrée aux estampes qui a été
présentée dans le cadre d’art KARLSRUHE 2017 a surpris
et enthousiasmé le public.
Établissant un lien entre tous les styles et toutes les époques,
les gravures sur bois, lithographies, eaux-fortes et sérigraphies
présentées cette année dans le cadre de la quinzième
édition d’art KARLSRUHE ne manquent pas, elles aussi,
d’attirer un nombreux public dans le Hall 1.

Editions Remy Bucciali, devant un dessin au fusain de Michel Cornu

Les exposants jouent le jeu et présentent notamment des artistes
qui illustrent le Cubisme (Georges Braque et Pablo Picasso),
le Surréalisme (Salvador Dalí et Max Ernst) et l’Expressionnisme
(Emil Nolde et Ernst Ludwig Kirchner, exposés respectivement
par cinq et six galeries), ainsi que des œuvres de Pierre-Auguste
Renoir, Lovis Corinth, Max Beckmann et Joan Miró.

On trouve par ailleurs dans le Hall 3 des artistes « spéciaux »
tels que Karl Hofer (galeries Rudolf, Kampen/Sylt
et Thole Rotermund, Hambourg), George Grosz
(Kunsthandel Hagemeier, Francfort) ou encore
Hannah Höch (galerie St. Gertrude, Hambourg).
D’autres galeries, finalement, surprennent en exposant
des œuvres de divers sculpteurs modernes classiques,
notamment Ernst Barlach et Käthe Kollwitz
(Koch-Westenhoff, Lübeck, Hall 3).

Le mouvement Zéro est quant à lui largement représenté
au salon depuis plusieurs années déjà.
La galerie Stockebrand + Uekermann se distingue cette année
non seulement en organisant un « One Artist Show »
consacré à Leo Erb, mais aussi en exposant des artistes tels
qu’Otto Piene, Heinz Mack et Günther Uecker.

Radial Art Contemporain (Frédéric Croizer)
montre : la vidéo du Crash et le résultat
de Pierre Alain Münger

Sina Stockebrand précise :
« Notre participation au salon art KARLSRUHE offre un
aperçu de tout l’art allemand du XXe siècle. Nous exposons
des œuvres qui dialoguent entre elles de manière surprenante,
sont mises en valeur par un stand à l’architecture ambitieuse
et se complètent par des pièces d’artistes rares comme
Georg Karl Pfahler, Kuno Gonschior et Imi Knoebel. »

En ce qui concerne l’art informel de l’après-guerre, il est représenté
par plusieurs douzaines d’œuvres de Karl Otto Götz,
mort récemment à l’âge de 103 ans,

et par d’autres dues
à Gerhard Richter, son élève le plus brillant, chacun de
ces artistes étant exposé sur le stand de quatre galeries.
Citons pour terminer l’exposition Contemporary Art 21,
présentée dans la dm-arena (Hall 4) et consacrée à la
production d’artistes de la nouvelle génération.

Une part belle est faite aussi aux différents musées d’Allemagne,
d’Alsace dans le Hall n°1

Prix Hans Platschek (beaux-arts et littérature)
Ce prix est décerné tous les ans dans le cadre d’art KARLSRUHE
par la Fondation Hans-Platschek, du nom du peintre et écrivain
Hans Platschek (l’un des principaux théoriciens et critiques
d’art de la seconde moitié du XXe siècle). Le lauréat de l’édition
2018 est Michael Kunze, peintre sélectionné par Gregor Jansen,
directeur de la Kunsthalle Düsseldorf. La remise du prix
Hans-Platschek suscite toujours un grand intérêt. Cette année,
des tableaux de Kunze seront exposés dans le Hall 1 avec des
oeuvres de Platschek soigneusement sélectionnées.

10e édition du Prix art KARLSRUHE
Attribué conjointement à un artiste et à une galerie, ce prix
décerné par le land de Bade-Wurtemberg et la ville de Karlsruhe
permet d’acheter une oeuvre de l’artiste en question,
qui vient ensuite enrichir la collection art KARLSRUHE.
Le dixième anniversaire de la fondation de ce prix est l’occasion
de présenter la collection ainsi rassemblée, habituellement
conservée à la Städtische Galerie de Karlsruhe et présentée
dans l’ARTIMA Art Forum, dm-arena | Hall 4
Une autre série en rouge de Bernard Aubertin
appartenant au groupe Zero à la Galerie Maulberger
de Munich, Hall 3

Un Ovni politique à la Galerie Michael Schultz GmbH & Co. KG
dans le hall 2 Bernd Reiter

Des oeuvres pour toutes les bourses et pour tous les goûts
au prix de 120.€ jusqu’à ???, mais aussi pour le plaisir des yeux.
Pour retrouver les différents évènements et manifestations
de la foire reportez-vous au site www.art-karlsruhe.de

Magie du Pastel à la Fondation de l’Hermitage

Après l’exposition du Petit Palais qui présentait
un ensemble de 130 pastels, tous issus de ses collections,
« L’art du pastel de Degas à Redon »
la Fondation de l’Hermitage de Lausanne donne à voir :
Pastels du 16e au 21e siècle Liotard, Degas, Klee, Scully…
Jusqu’au 21 mai 2018

C’est toujours un grand bonheur que d’arriver à
La Fondation de l’Hermitage, belle maison de maître, dont
la directrice Sylvie Wuhrmann sait si bien choisir les expositions.
C’est encore autour de Degas que tourne l’exposition
Il y a vingt ans, grâce à la générosité de Lucie Schmidheiny,
la Fondation de l’Hermitage recevait en donation un somptueux
pastel d’Edgar Degas, Danseuses au repos, réalisé vers 1898.
Dominée par les teintes chatoyantes des tutus et des corsages
roses, jaunes, orange et bleus, cette oeuvre de grand format,
qui voit l’artiste revenir à l’un de ses thèmes de prédilection,
exprime avec force la magie du pastel, et la virtuosité de cet art.
La couleur y est posée avec une variété de facture et une inventivité
exceptionnelles, hachures nerveuses, pointillés, tons fondus,
filaments, aplats, mouchetures, rehauts empâtés… Le bâton
de pastel est utilisé par la pointe ou frotté sur sa longueur,
le travail à sec se combine avec des applications au pinceau humide.
La matière, poudrée ou moelleuse, est par endroits étalée avec
les doigts, ou enlevée à la gomme afin de créer des effets de lumière.
Tel un champ d’expérimentation en continuelle métamorphose,
la feuille de papier calque qui accueille la composition a été agrandie
par l’artiste sur les quatre côtés afin d’accompagner la progression
de l’idée. La rapidité et la sûreté de la main sont partout
visibles, de manière éclatante.

L’exposition Pastels, veut rendre hommage en mettant à l’honneur
un médium fascinant, à la croisée du dessin et de la peinture.
Plus de 150 oeuvres provenant uniquement de collections suisses
sont ainsi réunies pour raconter la grande aventure du pastel,
depuis son apparition au XVIe siècle en Italie jusqu’à ses
plus récents développements sur la scène contemporaine.
Le panorama proposé met en avant les différents usages
de ce matériau si particulier, en présentant les artistes qui l’ont
porté à des sommets de maîtrise et en ont exploré les multiples
possibilités. Quelques surprises et raretés vous attendent.
C’est ainsi que l’on peut revoir la
Tête de Femme de la collection Jean Bona

Les dessins de Federico Barocci et Jacopo Bassano témoignent
que le bâton de craie tendre fut d’abord utilisé comme une technique
de rehaut permettant d’amener la couleur dans une étude.
Au XVIIIe siècle, le pastel, qui recouvre désormais l’entière surface
des oeuvres, est apprécié surtout pour sa capacité à exprimer la richesse
des textures et le velouté de la peau, à restituer la lumière,
et traduire la vie.
C’est l’âge d’or du portrait, représenté ici par des pastellistes
de première force (tous alors immensément populaires)
tels que Rosalba Carriera, Maurice Quentin de La Tour,

Jean-Baptiste Perronneau ou Jean-Etienne Liotard.
Avec Jean-François Millet, le pastel connaît au siècle suivant un
renouveau qui attire sur lui l’attention des jeunes artistes.
Eugène Boudin puis Alfred Sisley y ont recours pour saisir les effets
éphémères de la nature, tandis qu’Edouard Manet et Edgar Degas

se l’approprient avec une inventivité et une liberté absolues,
accomplissant la fusion, dans le pastel, du dessin et de la couleur pure.
James Tissot et Paul-César Helleu mettent sa matière souple et élégante
au service du portrait mondain, Mary Cassatt et Berthe Morisot
associent la douceur de ses modelés au monde de l’enfance.
Avec les irradiations colorées d’Odilon Redon

et les évocations brumeuses des symbolistes
(Lucien Lévy-Dhurmer, Fernand Khnopff, Jean Delville), le
pastel devient la substance des rêves et du mystère.
Légères et prêtes à l’emploi, les craies de couleur
accompagnent les paysagistes sur le motif (Edouard Vuillard,
Giovanni Giacometti, Ernest Biéler, Albert Welti).
Au XXe siècle, la puissance de ses pigments va conférer au pastel
un rôle important dans l’autonomie de la couleur, et les recherches
de l’abstraction (Augusto Giacometti, František Kupka, Paul Klee,
Aurélie Nemours, Sean Scully).
La sensualité de sa matière séduit les artistes minimalistes
(Fred Sandback, Paul Mogensen, Robert Mangold) comme les tenants
de la figuration (Sam Szafran, Tom Phillips). La flexibilité de
ce médium très polysémique l’adapte désormais à tous les usages,
et son ancrage classique fait de lui le partenaire idéal pour mettre
à l’épreuve les codes de la représentation (Roni Horn, Nicolas Party).
« De la beauté le pastel a l’éclat et la fragilité »,
écrivait en 1760 Claude-Henri Watelet dans son poème
L’art de peindre.
La délicatesse du médium, qui participe à sa séduction et que
d’innombrables tentatives de fixatifs ne sont jamais parvenues
à apprivoiser, a été reconnue dès les origines. La vulnérabilité
des oeuvres rend les expositions de pastels particulièrement rares,
et explique qu’elles se concentrent le plus souvent sur un artiste ou
sur un fonds.

Depuis une dizaine d’années, les musées démontrent
un vrai regain d’intérêt envers cette technique en construisant des
projets qui mettent en valeur leurs collections et renouvellent
fondamentalement la connaissance des oeuvres, comme en attestent
notamment Le mystère et l’éclat. Pastels du Musée d’Orsay (2008),
les rétrospectives consacrées à Maurice Quentin de La Tour
(Château de Versailles, 2004) et Jean-Baptiste Perronneau
(Musée des beaux-arts d’Orléans, 2017), ou
encore L’art du pastel, de Degas à Redon, au Petit Palais
à Paris (2017).

Fruit d’une longue et patiente recherche à travers les
collections suisses, l’exposition de la Fondation de l’Hermitage
a été rendue possible grâce à la confiance que nous ont témoignée
de très nombreux collectionneurs et directeurs de musées, dont le
musée veut souligner la générosité et la collégialité, et auxquels il
dit sa vive reconnaissance.
La grande complexité de cette entreprise a mobilisé les compétences
et l’expertise de bien des personnes, en particulier Olivier Masson,
Nicolas Party a conçu dans le musée une intervention murale
éphémère, au pastel à l’occasion de l’exposition, haute en couleurs.

Nicolas Party, a pris le « parti » osé de choisir le pastel, pour l’instant
il semble en être l’unique représentant du 21e siècle. Il vit et travaille
à New York.
La coordination de l’exposition et d’un magnifique catalogue
a été assurée avec un investissement par
Dominique Hoeltschi et Corinne Currat, qui ont aussi participé
activement à la réflexion autour de la sélection.
Florence Friedrich et Florence Grivel se sont impliquées avec autant
de talent que d’imagination dans l’élaboration de l’audioguide qui est
proposé aux visiteurs de l’exposition.
Les commissaires
Sylvie Wuhrmann
Directrice de la Fondation de l’Hermitage
Aurélie Couvreur
Conservatrice à la Fondation de l’Hermitage
Fondation de l’Hermitage
route du Signal 2, case postale 42
tél. +41 (0)21 320 50 01
CH – 1000 LAUSANNE 8
fax +41 (0)21 320 50 71
www.fondation-hermitage.ch
Horaires
du mardi au dimanche
de 10 h à 18 h
le jeudi jusqu’ 21 h
Accès
depuis la gare de Lausanne
prendre le bus N° 1 jusqu’à la Place François
direction Blécherettes
puis prendre la passage souterrain
pour prendre le bus n° 16 direction « Grand-Vennes ».
Descendre à l’arrêt « Hermitage »

Georg Baselitz – Travaux sur papier

Trois raisons de prendre la direction de Bâle :
la rétrospective :
Baselitz, à la Fondation Beyeler,
en parallèle, l’exposition Georg Baselitz – Travaux sur papier,
au Kunstmuseum de Bâle, à l’occasion des 80 ans de l’artiste.
Deux raisons de venir au Kunstmuseum, la première citée ci-dessus
la deuxième la présentation originale des Shorts Stories
au Kunstmuseum de Bâle.
Une autre façon de présenter une exposition,
à l’instar de la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe :
CÉZANNE – Métamorphoses, avec l’objectif d’éclairer
sous un jour nouveau les aspects, d’une collection ou
l’oeuvre d’un artiste.

Georg Baselitz – Travaux sur papier
Le Kunstmuseum Basel rend hommage à l’une des figures
majeures de l’art allemand d’après-guerre. Il donne un aperçu
représentatif des dessins et des travaux sur papier en couleur
conservés au Kupferstichkabinett.
Baselitz étudie la peinture aux académies de Berlin-Est
et Berlin-Ouest. Son inclination pour une peinture figurative
particulièrement expressive et réaliste fut perçue comme
une provocation dans le contexte de l’art ouest-allemand
d’après-guerre dominé par l’abstraction.

Le milieu des années 1960 marque le début de la carrière
fulgurante de Baselitz : il réalise des tableaux qui font scandale
et rédige des « manifestes pandémoniques » hallucinants.
Il se met en scène et fait apparaître de « nouveaux héros ».
(Helden)

En 1963 sa première exposition personnelle à la galerie
Werner & Katz à Berlin fait scandale du jour au lendemain.
Parmi les oeuvres exposées, Die große Nacht im Eimer
[La Grande Nuit foutue (?)] (1962-63) et Der nackte Mann
[L’Homme nu] (1962) sont saisies par un huissier.
Le procès qui s’ensuit se poursuivra jusqu’en 1965 et
se clôturera par la restitution des tableaux.

« Je n’ai pas à m’excuser, c’est chez moi une idée
fixe. Les pieds sont une idée fixe. Certaines cochonneries
bien précises sont une idée fixe. Les héros sont
une idée fixe. Il y a des fixations sur des choses dont
je suis incapable de me défaire. Hier j’ai peint toute
une série de pieds. On peut de nouveau en donner la
même explication philosophique : le contact avec le
bas est plus important que l’antenne sur le toit ».

Ce protocole culmine en 1969 lorsqu’il entreprend
de renverser ses tableaux pour leur ôter toute substance
normative. Face aux oeuvres inversées, le spectateur
est immédiatement confronté à la couleur et à la forme
sans être happé par le contenu pictural et sans être
contraint de renoncer aux motifs figuratifs.
Oeuvres anciennes et nouvelles

Les oeuvres sur papier de Baselitz mettent en
lumière ce processus et illustrent la manière dont
il développe ses idées avec intuition et aisance.
Une démarche libérée, pleine d’une tranquille
assurance caractérise ses travaux les plus récents
qui témoignent de sa réflexion sur l’impermanence
tout en posant un regard sur son oeuvre abondante
et protéiforme. Ils reprennent également des thèmes
iconographiques majeurs ainsi que des références
déterminantes comme Marcel Duchamp.

Depuis 1970, le Kunstmuseum Basel entretient une
longue amitié avec l’artiste. Dieter Koepplin,
directeur du Kupferstichkabinett, organisa la
première exposition des dessins de Baselitz qui lança
la carrière de l’artiste alors tout juste âgé de 32 ans.
Suite à cette exposition, 25 feuilles entrèrent dans la
collection. Dans les années 1980, la rétrospective
Georg Baselitz. Dessins 1958–1983 permet
d’enrichir le fonds grâce à des oeuvres de premier rang.
Ces acquisitions et les suivantes sont bientôt complétées
de dons généreux de la part de l’artiste.

Aujourd’hui, Georg Baselitz est présent dans les
collections du Kupferstichkabinett à travers un admirable
ensemble riche de 152 dessins et aquarelles.
L’exposition présente 88 de ces oeuvres aux côtés
de 15 prêts d’oeuvres récentes en possession de l’artiste.
Jusqu’au 29 avril 2018, Kunstmuseum Basel | Neubau
Commissaire : Anita Haldemann
L’exposition bénéficie du soutien de :
IWB Industrielle Werke Basel
Isaac Dreyfus-Bernheim Stiftung
Tram n° 1 ou 2 depuis la gare SBB
Tram 1 ou 2 arrêt messeplatz puis 6
pour la Fondation Beyeler (arrêt)

Dada Africa, sources et influences extra-occidentales

Exposition organisée à Paris par le Museum Rietberg Zurich
et la Berlinische Galerie Berlin, en collaboration avec
les musées d’Orsay et de l’Orangerie.
Dada, mouvement artistique foisonnant et subversif, naît à
Zurich pendant la Guerre de 14-18 et se déploie ensuite à travers
plusieurs foyers, Berlin, Paris, New York…
Par leurs œuvres nouvelles – poésie sonore, danse, collages,
performance –, les artistes dadaïstes rejettent les valeurs
traditionnelles de la civilisation, tout en s’appropriant les formes
culturelles et artistiques de cultures extra-occidentales, l’Afrique,
l’Océanie, l’Amérique.

Le Musée de l’Orangerie propose une exposition sur ces
échanges en confrontant œuvres africaines, amérindiennes
et asiatiques et celles, dadaïstes, de Hanna Höch, de Jean Arp,
de Sophie Taeuber-Arp, de Marcel Janco, de Hugo Ball, de
Tristan Tzara, de Raoul Haussmann, de Man Ray, de Picabia….
Ainsi sont évoquées les soirées Dada, avec plusieurs archives,
film de danse et documents sonores, musicaux, mais aussi la
diversité, l’inventivité et la radicalité des productions Dada –
textiles, graphisme, affiches, assemblages, reliefs en bois,

poupées et marionnettes – face à la beauté étrange et la rareté
d’œuvres extra-occidentales, statue africaine Hemba, masque
africain de Makondé, masque Hannya du Japon, proue
de pirogue de guerre maori…

Le propos a toute sa place au musée de l’Orangerie,
berceau de la collection Jean Walter – Paul Guillaume.
Celui-ci, grand marchand d’art africain, a joué un rôle
de premier plan dans cette confrontation qui s’opère sur
fond d’interrogations sur l’hybride, le genre, la posture coloniale.
En contrepoint de l’exposition sont présentées dans le musée
des œuvres de deux artistes contemporains :

– deux photographies de l’artiste Athi-Patra Ruga issues
d’une performance et d’une réflexion sur l’identité…
A Vigil for Mayibuye (from the Exile series), 1915 et
The Future White Woman of Azania, 2012
– un ensemble d’œuvres (tapisseries, photographie et dessins)
d’Otobong Nkanga dont deux tapisseries In pursuit of Bling,
2014.
Athi-Patra Ruga réside et travaille à Johannesburg.
Explorant les frontières entre la mode, la performance
et l’art contemporain, Athi-Patra Ruga expose et subvertit
le corps confronté aux structures, aux idéologies et à la
politique. Débordant de références multiculturelles éclectiques,
d’une sensualité charnelle sous-tendue d’humour, ses
performances, vidéos, costumes et images photographiques
créent un monde où l’identité culturelle n’est plus déterminée
par l’origine géographique, l’ascendance ou l’aliénation
biologique, mais bien plus par une construction hybride.
Otobong Nkanga, artiste formée au Nigeria et à Paris,
vit et travaille à Anvers. Les dessins, installations, photographies,
performances et sculptures d‘Otobong Nkanga interrogent
de différentes manières la notion de territoire et la valeur
accordée aux ressources naturelles.
Dans plusieurs de ses travaux Otobong Nkanga réfléchit
de manière métonymique les différents usages et valeurs
culturelles connectés aux ressources naturelles, explorant
ainsi comment sens et fonction sont relatifs au sein de cultures,
et révélant les différents rôles et histoires de ces matières,
tout particulièrement dans le contexte de sa propre vie et
de ses souvenirs.
Cette présentation a été rendue possible grâce au soutien
de Fabienne Leclerc / Galerie In Situ, Paris.

Commissariat général
Ralf Burmeister, directeur des archives d’artistes
à la Berlinische Galerie de Berlin
Michaela Oberhofer, conservateur des Arts d’Afrique
et d’Océanie au Museum Rietberg de Zurich
Esther Tisa Francini, directrice des archives écrites
et des recherches de provenance au Museum Rietberg de Zurich
Commissariat pour l’étape parisienne
Cécile Debray, conservatrice en chef du patrimoine, directrice
du musée de l’Orangerie
Cécile Girardeau, conservateur au musée de l’Orangerie
Assistées de Sylphide de Daranyi, chargée d’études
documentaires, et Valérie Loth, chargée de recherches,
au musée de l’Orangerie
Se termine le 19 février 2018