Qalqalah

La  Kunsthalle  Mulhouse  accueille  l’exposition « : plus d’une langue » conçue par Virginie Bobin et Victorine Grataloup.
Jusqu’au au 22 mai 2021

Pour compléter votre découverte de l’exposition, La Kunsthalle vous propose une discussion téléphonique avec une médiatrice du centre d’art !

En vidéo ici

Lawrence Abu Hamdan, Sophia Al Maria, Mounira Al Solh, Noureddine Ezarraf, Fehras Publishing Practices, Benoît Grimalt, Wiame Haddad, Vir Andres Hera,institute for incongruous translation (Natascha Sadr Haghighian et Ashkan Sepahvand) avec Can Altay, Serena Lee, Scriptings#47: Man schenkt
Intervention graphique : Montasser Drissi

Le nom

Le nom de nous vient de deux nouvelles de la commissaire d’exposition et chercheuse égyptienne Sarah Rifky1. L’héroïne éponyme de ces fictions, Qalqalah, est artiste et linguiste et habite un futur proche recomposé par la crise financière et les révoltes populaires des années 2010. Ses méditations poétiques autour des langues, de la traduction et de leur pouvoir critique et imaginant ont accompagné nos réflexions, et ne nous ont plus quittées depuis. Qalqalah  est ainsi devenue une plateforme de recherche artistique en ligne, entre trois langues et deux alphabets

– arabe, français et anglais. Voici qu’elle prend la forme d’une exposition.

Le titre

Le titre « : plus d’une langue » orchestre la rencontre entre notre héroïne et  une  citation  de Jacques Derrida. Dans Le monolinguisme de lautre2, le philosophe, né en 1930 en Algérie, raconte sa relation ambigüe à la langue française, prise dans les rets de l’histoire militaire et coloniale. Le livre s’ouvre sur une affirmation  paradoxale  :
  « Je   n’ai   qu’une   langue, ce n’est pas la mienne »,
contredisant toute définition propriétaire, figée ou univoque de la langue
qu’il s’agisse de français (comme l’exprime joliment la chercheuse
Myriam Suchet, lorsqu’on met un « s » à français, il faut l’entendre comme un pluriel), d’arabe (enseigné comme « langue étrangère » dans l’Algérie coloniale et aujourd’hui deuxième langue parlée sur le territoire français dans ses déclinaisons dialectales) ou d’anglais (langue globalisée et dominante dans l’art contemporain).

Ces trois langues (mais pas seulement) se retrouvent dans l’exposition, chacune porteuse d’enjeux politiques, historiques et poétiques qui s’entrecroisent et se répondent. L’exposition est ainsi traversée de signes et de voix, rappelant que les langues sont inséparables des corps qui parlent et écoutent  –  tout·e locuteur·trice
« s’exprimant  également par le regard et les traits du visage (oui, la langue a un visage) »3, pour reprendre les mots de l’écrivain et chercheur marocain Abdelfattah Kilito 

Les oeuvres

Les œuvres se font l’écho  de langues multiples, hybrides, acquises au hasard de migrations familiales, d’exils personnels ou de rencontres déracinées. Langues maternelles, secondaires, adoptives, migrantes, perdues, imposées, vulgaires, mineures, inventées, piratées, contaminées… Comment (se) parle-t-on en plus d’une langue, en plus d’un alphabet ? Comment écoute-t-on, depuis l’endroit et la langue dans lesquels on se trouve ? L’exposition propose ainsi, en filigrane, d’interroger le regard  que nous posons sur les œuvres en fonction des imaginaires politiques et sociaux qui nous façonnent.

Les artistes

La plupart des artistes invité·e·s placent d’ailleurs les modalités de publication, de circulation et de réception des œuvres au cœur de leur travail. Opérations de traduction, de translittération, de réécriture, d’archivage, de réédition, de publication, de montage, voire de moulage ou de karaoké, apparaissent comme autant de tentatives pour donner à voir et à entendre des histoires qui, parfois, se dérobent.

Au-delà d’une approche linguistique, il s’agit bien d’ouvrir un espace où déployer des récits pluriels et des témoignages hétérogènes, en s’appuyant, en plus d’une langue, sur l’un des sens possibles  du  mot  arabe  – « un mouvement du langage, une vibration phonétique, un rebond ou un écho ».4


texte :

Virginie Bobin et Victorine Grataloup

L’exposition sera accompagnée d’un atelier et d’un événement public autour des enjeux politiques et linguistiques du Français Langue d’Intégration, les 9 et 10 avril (sous réserve).

En 2020, l’exposition « Qalqalah  : plus d’une langue » a été présentée au Centre Régional d’Art Contemporain Occitanie à Sète.

A propos de « Qalqalah  »

  est une plateforme éditoriale et curatoriale dédiée à la production, la traduction et la circulation de recherches artistiques, théoriques et littéraires en trois langues : français, arabe et anglais. Elle a été créée par Virginie Bobin (curatrice, chercheuse et traductrice) et Victorine Grataloup (curatrice, chercheuse et enseignante) en 2018. Le collectif éditorial de Qalqalah  est aujourd’hui composé de Line Ajan, Virginie Bobin, Montasser Drissi, Victorine Grataloup, Vir Andres Hera et Salma Mochtari. 
                                                                                                                                                                 qalqalah.org


Heures d’ouverture

Du samedi au mardi de 14h à 18h
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h
Fermé les 2, 3, 4, 5 avril et 1er mai
Entrée libre

Coordonnées

La Kunsthalle Mulhouse – Centre d’art contemporain La Fonderie
16 rue de la Fonderie – 68093 Mulhouse Cedex Tél : + 33 (0)3 69 77 66 47

kunsthalle@mulhouse.fr / www.kunsthallemulhouse.com

  • 1-Sarah Rifky, “Qalqalah : le sujet du langage”, traduit de l’anglais (Etats-Unis) in Qalqalah n°1, KADIST et Bétonsalon – Villa Vassilieff, 2015 ; puis “Qalqalah : penser l’histoire”, traduit de l’anglais (Etats-Unis) par Yoann Gourmel in Qalqalah n°2, ed. KADIST et Bétonsalon – Villa Vassilieff, 2016
  • Jacques Derrida, Le monolinguisme de l’autre, Galillé, 1996
  • 3-Abdelfattah Kilito, Tu ne parleras pas ma langue, traduit de l’arabe (Maroc), ed. Actes Sud, 2008

4 In Qalqalah, le sujet du langage, ibid

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Le Séchoir, en mouvement

Jusqu’au 4 avril 2021 au Séchoir sous le commissariat de Sandrine Stahl

L’exposition Mouvement(s) présente dix-sept pièces d’artistes
sélectionnées par l’équipe du Séchoir et quatre performances
répondant à l’appel à projet ci-dessous.

« Le mouvement est un langage. Ce n’est pas de
l’esthétique, ni de la décoration. Pas une illustration de la
musique, mais une expression en soi. » Mats Ek

« Je suis de ceux qui aiment le mouvement, le mouvement
qui rompt l’inertie, qui embrouille les lignes, qui défait les
alignements, me débarrasse des constructions. Mouvement,
comme désobéissance, comme remaniement. » Henri Michaux

« Dansez, sinon nous sommes perdus. » Pina Baush

L’Art est mouvements, théories qui se renversent les un.e.s et les
autres. Il est aussi gestes, traces, tensions, fixations, lignes de
force et de vie qui se jettent et se projettent sur tous les
supports. Ainsi, l’Art est danse, peinture, images et sons qui se
mettent en mouvement. Là est le propos de MOUVEMENT(s) :
faire du Séchoir un espace où tous les mouvements et les
humeurs se brassent, se télescopent en croisant, confrontant les
médiums et les expressions artistiques pour faire bouger,
bousculer le public.
Commissaire d’exposition et scénographe :
Sandrine Stahl – Le Séchoir

Les artistes

Pendant les six premières semaines de l’année, le Séchoir, est resté fermé au public. Impossible de chauffer les vastes volumes qui composent ce lieu à la fois musée, espace de travail et de formation. Au mois de février, la réouverture se fait avec une exposition. Cette année, le lieu devra encore rester fermé en raison du Covid. Mais l’équipe du Séchoir n’est pas restée inactive et a voulu présenter son exposition.

« Elle devait avoir lieu en avril 2020 et nous avions décidé de la reporter »,
 « Nous avons fait un appel à candidature au début de l’année et nous avons reçu plus de quarante propositions ».
« C’est un sujet que nous avions depuis longtemps sur notre liste. On avait envie de travailler avec des danseurs. L’idée au départ était de présenter uniquement des performances. Ça n’a pas été possible, mais nous avons gardé le thème qui nous tenait à cœur. »

Sandrine Stahl, présidente de l’association 

Performances et +

Envie, besoin de Mouvement(s) ?
En attendant sa réouverture, Le Séchoir vous propose de découvrir,
chaque jour à 18h, un artiste et une présentation de sa pièce exposée
dans le cadre de l’exposition Mouvement(s), produite avec le soutien
de la ville de Mulhouse, la
Région Grand Est et la Hear

Les réseaux sociaux

En attendant une visite en chair et en os … !
Vous pouvez les suivre sur les réseaux sociaux tous les soirs à 18h
sous
Youtube
ou encore sous
Instagram
sur
Facebook

Quelques vues

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Banksy – Building castle in the sky

l’original se trouve toujours à Venise

Jusqu’au 30 mai 2021 à la Messe de Bâle

La Messe de Bâle accueille pour trois mois une exposition consacrée à Banksy.
Il nous propose de construire des châteaux dans le ciel. (Building castle in the sky)
 L’occasion d’une immersion intime, quoique non autorisée par l’intéressé,
 – ne sont-elles pas toutes non-autorisées ? –
dans l’univers complexe et controversé du street artiste britannique.

C’est l’un des street-artistes les plus prisés au monde. Pourtant, son identité reste inconnue de tous.
Ce qui est amusant, c’est qu’il n’a pas besoin d’être vu pour être célèbre.
Son identité sera-t-elle dévoilée un jour ?
Banksy, artiste sans visage, sévit sur les murs des métropoles à travers le monde depuis une vingtaine d’années.

Baden Baden

Comme tout le monde, j’ai couru à Baden Baden au musée Frieder Burda qui a présenté pour la première fois au public en février 2019.
« Love is in the Bin », œuvre de Banksy
récemment acquise aux enchères chez Sotheby’s à Londres, par une collectionneuse européenne. 
L’autodestruction partielle de cette oeuvre , juste après son acquisition pour
1,042 million de livres (1,185 million d’euros) a médusé le public.

Elle a été exposée en première mondiale, pendant quatre semaines, gratuitement, durant lesquelles s’est tenu également un colloque payant.
Environ 60.000 visiteurs, plutôt jeunes et amateurs de street art, ont défilé dans le musée, pour voir l’icône mondiale, et prendre d’innombrables selfies avec le travail de l’artiste.

La Messe de Basel

A la Messe de Bâle c’est un nombre impressionnant de plus de 100 œuvres originales, issues de collections privées, ainsi que  des objets de l’artiste britannique, qui montre un panorama de son travail : vingt années d’activité, à commencer par les peintures de la toute première phase de sa carrière, se terminant par ceux de la dernière période. Tout cela rassemblé dans une exposition, intimiste, plongée dans le noir, afin de mieux faire surgir les œuvres.

Des œuvres issues de Dismaland,  -projet artistique temporaire prenant la forme d’un parc d’attractions. Créé par l’artiste, il est situé dans la station balnéaire de Weston-super-Mare, en Angleterre, sur le site d’une ancienne zone de loisirs.- comme la sculpture  Mickey Snake,  Mickey avalé par un python. Dismaland est un mot-valise composé de dismal (lugubre) et land.
Il est présenté comme une « version sinistre de Disneyland ».
Banksy le décrit comme « un parc à thème familial inadapté aux enfants »

L’imagerie de Banksy est simple mais pas simpliste, avec des messages abordant les thèmes du capitalisme, de la guerre, du social, avec la touche d’humour et marque de fabrique de l’artiste

C’est Banksy. Voici son histoire

Sa première peinture murale est découverte en 1999 à Bristol. Il commence à utiliser les pochoirs, après s’être tenu à l’écart de la  police  pour être plus efficace. Le message transmis par ses œuvres est profondément pacifiste,  anti-capitaliste, et profondément contestataire.
C’est extrêmement important de réagir face à une situation politiquement répressive pour de nombreux artistes.
Il utilise comme sujet, les rats, les singes, les policiers, les soldats, les enfants, les personnes âgées.
Malgré sa célébrité, Banksy n’a jamais dévoilé sa véritable identité.
Dans les années 2000, ses œuvres commencent à apparaître à Londres.

En 2005 il voyage en ci-Jordanie et réalise 8 pochoirs. On retrouve son art dans les rues, sur les bâtiments, dans les lieux publics, donc ses œuvres sont souvent repeintes, détruites, assez facilement, comme en 2007, lorsque l’organisme de transport en commun de Londres, repeint son
« Pulp Fiction »
Banksy est nommé pour l’Oscar du meilleur film documentaire, grâce à « Faites le mur » une satire du milieu artistique.
Il y a un français, cousin de Space Invader, qui sait où se trouvent les meilleurs murs de Los Angles.
Aujourd’hui le public se bat pour la conservation de ses œuvres, à leurs emplacements d’origine
.
Il a organisé des expositions à New York et à Los Angles, à Londres et à Sydney.
Quelques unes de ses œuvres ont été vendues à plusieurs centaines de milliers de livres.
En 2018 il élabore un coup médiatique avec « le Petite Fille au Ballon » qui s’autodétruit après avoir été vendue à 1,2 millions d’euros. Anticonformiste, antisystème, Banksy a marqué le monde de l’art en détruisant en direct et sous les caméras du monde entier son oeuvre.


En 2019 son « Parlement des Singes » mettant en scène des chimpanzés à la chambre des communes britannique a été vendu à 11 millions d’euros. Ses opinions politiques sont évidentes, mais tout son génie réside dans sa capacité à limiter, ce débat incroyablement complexe, à une seule et simple  image.

Son  hommage aux victimes des attentats de novembre 2015 à Paris et volée en 2019 au Bataclan, a été retrouvée au cours d’une opération des forces de l’ordre dans le centre de l’Italie.
Examiner le contrôle et la liberté dans un sens plus large et dans les paradoxes de notre temps. Parfois, une exposition examine les images de Banksy dans un cadre sémantique qui identifie leurs origines, leurs références.

Aux Enchères

Banksy va mettre l’une de ses fresques aux enchères, au profit du NHS (National Health Service), le système de santé Britannique. Intitulée « Game changer » l’oeuvre mise en vente, représente, un petit garçon en train de jouer avec une poupée représentant une infirmière. Banksy espère récolter 3.5 millions d’euros.  Banksy homme d’affaire, lorsqu’il s’agit d’une bonne cause ?


Relations médiatisées entre les éléments et les niveaux pertinents. L’exposition est complétée par plusieurs

affiches de collection, des notes de Banksy of England, des tee-shirts très rares et des couvertures en vinyle.

Une révélation et revendication sur Instagram

Cette nouvelle œuvre a été revendiquée par l’insaisissable artiste dans une vidéo publiée sur son compte Instagram, dans laquelle il s’amuse avec l’une des émissions culte de Bob Ross, où l’artiste américain maintenant décédé conseillait des techniques pour peindre à l’huile des paysages.

L’exposition Banksy, proposée par Stefano Antonelli, Gianluca Marziani et Acoris Andipa, est conçue et produit par Associazione MetaMorfosi en collaboration avec GC Events.

Banksy selfportrait

Ecoles

Des tarifs réduits pour les écoles qui sont privilégiées grâce à des temps d’accès et des forfaits exclusifs. Les enseignants ne paient pas

Entrée. Visiter ce monde merveilleux plein de sons et de couleurs est censé être une nouvelle façon d’apprendre l’art et de promouvoir la créativité.

Y ALLER Exposition (non autorisée) « Banksy – Building castles in the sky » jusqu’au 30 mai 2021 à la Messe de Bâle.
Tarif : 24 francs suisses (environ 22 euros) pour les adultes,
21CHF réduit et 16CHF pour les enfants de 5 à 15 ans ;
du lundi au vendredi de 10 h à 18 h,
week-ends et jours fériés 10 h-19 h.
Renseignements et achat préalable (conseillé) des billets sur www.banksybasel.com.
Attention : en raison des contraintes sanitaires, le passage de la frontière se fait sous certaines conditions.

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«Leu Art Family. Caresser la peau du ciel»
Museum Tinguely, Basel

Au musée Tinguely de Bâle jusqu’au 31 octobre 2021
Commissaire : Christian Jelk

Installation «Leu Art Family»

La Famille

La famille Leu est mondialement connu dans l’univers du tatouage. Felix, fils de Eva Aeppli, qui fut la première femme de Jean Tinguely et Loretta Leu, en ont fait leur gagne-pain durant la fin des années 1960 et les années 1970 pour courir le monde avec leurs quatre enfants, Ama, Aia, Filip, et Ajja. Toutes ces années de voyage ont été nourris d’une curiosité artistique, et ont donné corps à un cosmos artistique familial. L’exposition naît de la volonté de montrer ce cosmos à travers les créations artistiques de tous les membres de cette tribu qui est à découvrir jusqu’au 31 octobre 2021 au Musée Tinguely à Bâle.

 Christian Jelk, Loretta, Titine und Filip Leu

Aujourd’hui casaniers, hier vagabonds, ils sont toujours à la fois habitants et habités de leur univers propre, tissé-tressé de mille explorations artistiques. Loretta et Felix se sont rencontrés à New York en 1967, au  vernissage d’une exposition  Tinguely. Ils collaborent avec Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle à la réalisation  de leur sculpture  monumentale pour l’exposition universelle  de Montréal (1967). Et puis taillent la route…


Trois générations se répondent dans l’exposition proposée au Musée Tinguely: Felix et Loretta Leu, Filip et Titine Leu, Ama, Doug, Summer et Poppy Leu-Wilson, Aia, Steve, Fay et Indica Leu-Allin, Ajja et Tanya Leu, Jane Leu Rekas, Miriam Tinguely, Rolf Kesselring, Cajun Leu et Chloé Liberge, et Cressa McLaren.

L’exposition

La première salle d’exposition est nocturne, presque éthérée, quand la seconde est charnelle, débordante, lumineuse. Deux salles comme le yin et le yang, lunaire et solaire. L’obscurité révèle les gestes premiers. Il y a là le fantasme des premiers tracés, dans les grottes préhistoriques. Des premières danses, des premières transes, à la lueur des torches, dans ces ventres de la terre, dans ces ventres de pierre. Les premières traces artistiques de l’humanité sont des dessins. C’est aussi la première chose que fait un enfant, avant de parler. Dans cette première partie, portée par la nuit, un océan de croquis fait écho à un pulsar électronique. On peut penser aux pages de Au-dessous du volcan de Malcolm Lowry, dont la légende veut qu’il ait écrit ce livre trois fois…
Des pages à la dérive.

A certaines personnes qui demandaient  à Felix, le  patriarche,  si ses enfants  ne devraient pas aller à l’école plutôt que courir le monde, ce dernier répondait que l’expérience humaine s’apprenait sur la route, que pour la géographie et les langues, les voyages y pourvoyaient, et pour le reste, la seule chose importante était d’avoir du papier et de quoi dessiner… Cette première salle est une ouverture sur la liberté, la liberté de création autant que celle de vivre.

La seconde salle est celle du ciel, celui-là sur lequel toutes les étoiles sont accrochées. Ce cosmos se présente comme une œuvre d’art totale. C’est le ciel de la Leu Art Family: tentative de révéler un univers, une philosophie et une conception du monde, une <Weltanschauung>, en usant exclusivement des nombreuses présences picturales de chacune et chacun. Les murs disparaissent, envahis par les œuvres des vingt membres de cette tribu. La volonté d’une ivresse, d’un débordement, désir de construire un miroir à la générosité d’être de cette grande famille. Chacun ici trouvera son étoile…

L’exposition représente le cosmos à la fois intime et explosif d’une famille d’artistes. C’est entrer dans une matrice vaste comme un ciel, dans un univers propre dans lequel chacun dessine  ses étoiles,  trace ses lignes propres vers l’infini. Cette famille  reconstruit l’enveloppe première dans laquelle se créé l’univers entier, la vie. Celle de l’être humain.

Celle de l’enfant que l’on veut être lorsque l’on entre ici.

« L’enfance, qui prend corps ainsi: tout d’abord dans le ventre maternel, première enveloppe.  Et puis l’enfant, ‹ entré › dans le monde,  construit comme  une  bulle autour de lui, limites de sa perception, mais surtout construction de SON monde propre. Je crois que l’enfant grandit ainsi, et son univers aussi bien sûr, jusque vers l’âge de huit, neuf ans, moment où la bulle éclate alors au nom de la socialisation, de la scolarité, au nom d’une norme, d’une codification, d’usages à tenir.

Et puis une fois adulte, chacun passe sa vie entière perdu en un monde qui n’est pas le sien, à tenter d’échafauder des masques ou des carapaces. Ce n’est pas l’enfance que l’on perd pourtant, mais sa capacité à construire un monde à sa propre mesure, un  monde dans lequel on peut créer, grandir, se reposer, accueillir, …

Lorsque j’ai rencontré la famille Leu, lorsque que j’ai pénétré leurs univers artistiques, j’ai trouvé précisément toutes ces choses que j’évoque disparues un peu plus haut. Cette famille sait l’importance de construire son univers propre. Ce n’est pas un univers clos, mais une peau: le lieu de tous les échanges, mais aussi le lieu qui contient les corps, et qui définit les contours, toujours mouvant, d’une identité. Ce corps-monde, ce corps-Leu, permet à chacun de laisser sa création se déployer.  Et c’est ce corps  polymorphe,  généreux en diable, fort comme une aura qui colore et neutralise la réalité du quotidien, qui est offert au regard dans cette exposition, comme une enveloppe amniotique.

Soyez les bienvenus dans le monde de la Leu Art Family ! »

Christian Jelk, commissaire de l’exposition

Publication

L’exposition  est  accompagnée  d’un livre,  dont le  commissaire  d’exposition  est l’auteur. C’est un  voyage,  un  road  movie interstellaire, dans un ciel dont chacune  des étoiles est un des membres de la Leu Art Family. Ils ont offert à l’auteur leurs univers artistiques,  et leur amitié : à la fois une matrice et un cosmos. Ce livre est le carnet de bord d’une rencontre,  de ces rencontres, et des troubles qu’elles ont provoquées dans le propre univers de l’auteur. (320pp, français, allemand, anglais,

ISBN 978-2-9701291-10, éditions Ogive, en vente à la boutique du musée : 56 CHF)

Film

The Artist FamilyThe art of the Leu Family at the Lieu Unique in Nantes de Valerio Bariletti et Morgan Bertacca, produit par Mooz Film et la famille Leu (Musique et conception sonore Ajja S.F. Leu)

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Sommaire du mois de février 2021

Photo Robert Cahen

21 février 2021 : Noir & Blanc : une esthétique de la photographie
17 février 2021 : Le noir insondable, ultime – Pierre Soulages,
13 février 2021 : ORLINDA GALLERY
07 février 2021 : Gustave Doré, Illustrateur, caricaturiste, peintre, graveur et sculpteur français.
04 février 2021 : La Fondation Beyeler a rouvert ses portes au public
02 février 2021 : La Chandeleur

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Noir & Blanc : une esthétique de la photographie

Mary Ellen Mark, Immigrants, Istanbul,Turquie (détail), vers 1977

mise en ligne de visites virtuelles de l’exposition
Noir & Blanc : une esthétique de la photographie
à partir du 18 février
suite à l’impossibilité d’ouvrir l’exposition

« Le monde en noir et blanc recèle quelque chose de mystérieux qui ne peut être décrit et qui est formidablement séduisant. Est-ce faux de penser que cela touche nos cœurs d’autant plus fort que nous vivons à une époque où tout peut être photographié en couleurs ? » Shoji Ueda.

Mario Giacomelli

Cette exposition présente des chefs-d’oeuvre en noir et blanc des collections photographiques de la Bibliothèque nationale de France (BnF), exceptionnellement réunis pour l’occasion. Nadar, Man Ray, Ansel
Adams, Willy Ronis, Helmut Newton, Diane Arbus, Mario Giacomelli, Robert Frank, William Klein, Daido Moriyama, Valérie Belin… Les grands noms de la photographie française et internationale sont réunis dans un parcours qui embrasse 150 ans d’histoire de la photographie noir et blanc, depuis ses origines au XIXe siècle jusqu’à la création contemporaine.

André Kertész

150 ans d’histoire de la photographie noir et blanc
Dans la continuité des grandes expositions de photographie organisées depuis 2012 dans la Galerie Sud-Est du Grand Palais, l’exposition Noir & Blanc présente plus de 300 tirages représentatifs de la collection
exceptionnelle du département des Estampes et de la photographie de la BnF.
Cette présentation se concentre sur le XXe siècle et la période contemporaine sans omettre un préambule de quelques photographies du XIXe siècle : ainsi le thème est traité sur plus de 150 ans à travers l’oeuvre
d’environ 200 photographes de plus de 30 nationalités.

Willy Ronis

Suite à l’impossibilité d’ouvrir l’exposition Noir & Blanc : une esthétique de la photographie. Collection de la Bibliothèque nationale de France, initialement prévue au Grand Palais du 8 avril au 6 juillet 2020, reportée une première fois du 12 novembre au 4 janvier 2021, puis une seconde fois du 16 décembre au 1er février 2021, la Rmn – Grand Palais met en ligne dès le 18 février prochain des visites virtuelles afin de permettre au public de profiter malgré tout de l’exposition :
une visite virtuelle autonome avec audioguide où le visiteur circule à son rythme, de salle en salle, à travers plus de 300 tirages dont 33 oeuvres bénéficiant de contenus audioguide. En début de parcours une introduction sonore de Sylvie Aubenas, commissaire principale de l’exposition lui est proposée.
– Puis, au cours de la balade, certaines des oeuvres sont accompagnées d’icônes qui permettent d’accéder à des contenus complémentaires, textes et audio. L’affichage en haute définition de cette sélection d’oeuvres
permet également de zoomer en profondeur et d’en apprécier la subtilité.
Le lien acheté par le visiteur vers la visite est unique et nécessite un mot de passe valable pendant une semaine : du mercredi au mardi suivant.
Un extrait de cette visite se trouve ici.

une visite guidée en direct commentée par un conférencier de la Rmn – GP, qui permet de découvrir l’exposition en une heure grâce aux commentaires éclairés du guide conférencier et de lui poser directement des questions en fin de visite. Chaque visiteur obtient un lien avec un mot de passe valable
durant l’heure de son créneau de réservation.

Valérie Belin

Est utilisée une technologie de pointe basée sur de multiples prises de vues photographiques à 360° et des relevés lasers.
Explor Visit (spécialiste des visites virtuelles 3D et des visites guidées à distance) a réalisé la captation de l’exposition Noir & Blanc en très haute définition. Le modèle 3D ainsi constitué offre au visiteur
un sentiment d’immersion dans les espaces scénographiques et lui permet de s’approcher au plus près des oeuvres exposées.
Ces deux types de visites sont disponibles sur réservation dès le 18 février dans le programme en ligne du site grandpalais.fr et bnf.fr.
tarifs :
4 € la visite autonome avec audioguide
8 € la visite guidée avec un conférencier de la Rmn – GP
du 18 février au 18 juin 2021
Noir & Blanc sur la toile est toujours disponible avec des vidéos, des jeux pour enfants et des relais sur les réseaux sociaux de la Rmn – Grand Palais avec notamment un filtre Instagram créé par l’artiste Ines Longevial.

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Le noir insondable, ultime – Pierre Soulages,

Exposition prévue jusqu’au 28 février 2021 au musée Frieder Burda de Baden Baden,
Le musée est temporairement fermé en raison des mesures prises pour contenir la pandémie de Corona.

Pierre Soulages, grand peintre français pionnier de l’abstraction, lui a consacré sa vie d’artiste. Pour autant, le noir est pour lui tout sauf obscurité et ténèbres – il est plutôt le pendant de la lumière, à laquelle il permet de rayonner sous toutes ses facettes – que la couleur soit appliquée par raclage, décapage ou au pinceau. Ce sont les différentes textures, lisses ou fibreuses, légères ou denses qui, sous l’effet de la lumière, font apparaître l’infinie richesse de nuances potentielles ; Soulages se sert du contraste entre le clair et l’obscur pour faire remonter à la surface de la toile la clarté cachée dans les profondeurs du noir.

« Je ne dis rien. Je ne représente pas. Je peins, je présente »,

– ce sont ses propres termes pour évoquer son approche radicale.
Aujourd’hui centenaire, cet artiste né le 24 décembre 1919 à Rodez dans l’Aveyron, vit et travaille à Paris et Sète. 

100e anniversaire

À l’occasion du 100e anniversaire du peintre à la fin de l’année dernière, événement que le Louvre a célébré par une importante exposition, le Musée Frieder Burda lui consacre à son tour à une grande exposition conçue comme une rétrospective. Elle réunit des travaux majeurs réalisés au cours des sept dernières décennies, et c’est l’un des curateurs les plus renommés de France, Alfred Pacquement (qui fut notamment longtemps à la direction du Centre Pompidou), ami de Pierre Soulages depuis des années et connaisseur de son oeuvre, qui en assure le commissariat aux côtés de Udo Kittelmann, directeur de la Nationalgalerie de Berlin.


Après Baden-Baden, l’exposition se rendra au musée Kunstsammlungen Chemnitz, rassemblant une soixantaine d’oeuvres issues de collections internationales et organisée en étroite collaboration avec l’artiste.

Participation de Soulages, jeune artiste

« Le fait que cette exposition puisse avoir lieu en Allemagne a, on peut le dire, un certain caractère sensationnel »,
déclare Henning Schaper, le directeur du Musée Frieder Burda.
« Et elle s’inscrit dans un contexte particulier. Soulages lui-même a souvent dit que tout avait commencé en Allemagne. Fidèles à l’esprit de Frieder Burda, nous maintenons donc la tradition qui vise à enrichir le dialogue artistique entre l’art en France et en Allemagne. »
De fait, la participation de Soulages, jeune artiste, à l’exposition itinérante
« Französische abstrakte Malerei » en 1948/49 fut à l’origine de la précoce renommée de son oeuvre. C’est aussi en Allemagne qu’eut lieu sa première exposition rétrospective : en 1960 à la Kestner Gesellschaft de Hanovre, et il sera aussi le seul artiste présent aux trois premières éditions de la documenta à Kassel en 1955, 1959 et 1964. Pourtant, c’est la haute estime dans laquelle le tinrent très tôt ses collègues peintres allemands qui lui importa le plus ; parmi eux Willi Baumeister, HAP Grieshaber, Karl Otto Goetz, Rupprecht Geiger, Fred Thieler, Hann Trier et tout particulièrement Fritz Winter.
L’affrontement de Soulages avec le noir s’inscrit dans un cheminement qui lui est propre : ses premiers tableaux gestuels, relevant de l’art formel, les tableaux peints au brou de noix de la série Brou de noix datant de la fin des années 1940 rappellent encore par leur réduction formelle la calligraphie chinoise. À partir de 1979, époque de son adhésion radicale à l’outrenoir, Pierre Soulages parvient alors à s’affranchir de tout caractère figuratif et symbolique.

                                
                                                                  Pierre Soulages,
Brou de noix et fusain sur papier

Les commissaires

Alfred Pacquement et Udo Kittelmann évoquent leur travail aux côtés de l’artiste :
« Pierre Soulages est, et demeure aujourd’hui encore, l’une des plus grandes personnalités artistiques de notre temps. Son oeuvre est enraciné depuis plus de 70 ans dans l’histoire de l’art contemporain, de ses débuts juste après la Seconde Guerre mondiale à nos jours. »
La rétrospective qui lui est consacrée à Baden-Baden montre l’évolution
son travail  – surtout face à une si extraordinaire longue phase créative – d’une cohérence impressionnante.
Depuis le début, Soulages s’est tourné vers l’abstraction totale et en a posé ainsi les bases, sans remettre en question les valeurs traditionnelles de la peinture. Il prend, par le choix des matériaux (ex: teinture de noix, goudron) et des outils, une position singulière depuis 1948.

                            Pierre Soulages peintures
Ses toiles sont définies en fonction de la technologie utilisée, dimensions et date d’exécution et non à travers un titre qui influence la perception du spectateur


 «L’œuvre vit du regard qu’on lui porte. Elle ne se limite ni à ce qu’elle est, ni à celui qui l’a produite, elle est faite aussi de celui qui la regarde. Ma peinture est un espace de questionnement et de méditation où les sens qu’on lui prête peuvent venir se faire et se défaire »
L’exposition illustre le parcours de l’artiste de 1946 à ce jour et montre un ensemble de tableaux provenant de musées européens et de collections privées, notamment du Musée Soulages à Rodez et du Centre Pompidou à Paris – Elle est accompagnée d’un catalogue richement documenté.

Tempête autour d’un Soulages

Durant des années, lorsque Georges Pompidou assurait la fonction de Premier Ministre, un immense tableau de Pierre Soulages (194 x 130 cm) est accroché dans le bureau de Matignon. Un choix qui provoque alors incompréhension et polémique.

« L’art abstrait à l’époque n’est pas encore apprécié à sa juste valeur dans les cercles politiques ou médiatiques. Cette toile de Soulages de 1957 remplace un portrait de Colbert ! C’est la première fois que l’art vivant va faire une intrusion aussi fracassante dans les palais de l’Etat », souligne Yannick Mercoyrol, Directeur de la programmation culturelle de Chambord.

Les Vitraux de Conques

Les vitraux de Pierre Soulages font aujourd’hui partie intégrante de l’architecture de l’abbatiale de Conques, de son histoire et de sa mémoire collective.

Si les visiteurs du monde entier se pressent à Conques, c’est pour découvrir dans un même élan l’architecture de l’édifice, son trésor et ses vitraux, au service de cette lumière vivante « en quelque sorte transmutée », une lumière
« en accord avec la fonction de cette architecture, avec l’émotion qu’on y éprouve, en accord avec l’harmonie de ce lieu de contemplation, de méditation et de prière ».

Une lumière au centre de l’œuvre que construit Pierre Soulages, depuis plus de soixante-dix ans.

Le musée

En 2005, Pierre Soulages et son épouse Colette font don d’une collection exceptionnelle de 250 œuvres et 250 documents à la communauté d’agglomération du Grand Rodez….

Cette donation est alors la plus importante octroyée en France par un artiste vivant. Elle sera labellisée « Musée de France » et, afin de l’accueillir, le Grand Rodez engage les démarches nécessaires pour l’édification d’un nouvel équipement culturel sur le site du Foirail. Commence alors la grande aventure du Musée Soulages et de sa création.

Depuis l’ouverture du musée en mai 2014, les collections sont également enrichies par des dépôts d’œuvres de Pierre Soulages provenant de musées ou de collections.

Cette donation constitue le fonds le plus complet sur les 30 premières années de créations de l’artiste et témoigne une volonté des époux de transmettre une expérience d’artiste pour la vision d’une création plus universelle.

Informations

Museum Frieder Burda ·
Lichtentaler Allee 8b · 76530 Baden-Baden
Telefon +49 (0)7221 39898-0 ·
www.museum-frieder-burda.de

• Liaison directe par autobus depuis la gare de Baden-Baden :
• Lignes comportant l’arrêt « Augustaplatz/Museum Frieder Burda » (notamment lignes 201 et 216).

• Depuis l’arrêt Augustaplatz/Museum Frieder Burda, traverser la place à droite pour rejoindre le parc, traverser l’Oos pour arriver directement au musée.

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ORLINDA GALLERY

ART URBAIN CONTEMPORAIN & POST GRAFFITI

ORLINDA GALLERY

site officiel : https://orlinda.gallery/galerie-orlinda/

L’art à la portée de tous 

La galerie Orlinda propose  des expositions et des ventes d’oeuvres d’art  signées d’artistes urbains contemporains internationaux, nationaux et locaux. Mais ce n’est pas tout. Contrairement à d’autres, la galerie d’art Orlinda se veut surtout être un acteur culturel qui s’efforce de montrer, dans les rues alsaciennes, la pluralité des disciplines du street art.

                    Pour nous l’art doit être à la portée de tous. 

J’avoue tout, je ne connais pas grand chose au street art, à part ma
vénération sans borne pour Ernest Pignon Ernest , qui d’ailleurs
se défend d’être un artiste de cette discipline, 

Quand j’interviens dans un lieu, j’inscris dans le lieu un signe
d’humanité »,
précise-t-il. « Je n’expose pas des dessins dans la rue, je provoque quelque chose dans la rue », dit-il encore avant de compléter :
« ce que je propose, ce n’est pas mon bonhomme, c’est bien le lieu et sa mémoire.
»-

quelques rencontres avec JR à Mulhouse de ci de là à Baden Baden,
ou encore le célèbre inconnu Banksy, ma curiosité m’a portée vers
cette charmante Orlinda et sa gallery.
L’appellation art urbain contemporain s’impose de plus en plus en remplacement du Street Art. Le mouvement a aujourd’hui 50 ans et
traverse déjà 3 générations. 

Entretien confiné

Comment êtes-vous venus à l’art ?
Un cursus scolaire en art plastique jusqu’en terminale lié à un intérêt qui ne m’a jamais quitté pour l’art et notamment, les mouvements d’avant-garde comme Dada, le surréalisme, le constructivisme.  Même si ensuite mes études universitaires ont plutôt été orientées vers la communication d’entreprise et l’informatique, mes livres de chevet ont toujours fait référence à l’art. En vacances ou pendant mes week-ends je me suis toujours arrangée pour visiter tel ou tel musée ou expo. Enfin en 2010, un ami de mon mari nous a fait découvrir la peinture haïtienne dont certains artistes vaudou du mouvement saint soleil– c’était absolument passionnant – nous sommes devenus d’abord acheteurs de ces peintres jusqu’à les représenter en France. C’était un premier doigt de pied dans le grand bain de l’économie de l’art. C’est d’ailleurs ce qui m’a décidé à me lancer dans la vente d’art et de quitter mon emploi. Mais pour que ça devienne crédible économiquement (autrement dit que je puisse quitter mon travail de salariée) nous nous sommes rendus compte qu’il fallait aussi nous ouvrir à d’autres artistes plus occidentaux. L’art haïtien est riche et intéressant mais ça reste une niche et les collectionneurs sont peu nombreux en France. Voilà comment petit à petit j’ai été amenée à rencontrer de nouveaux artistes  et plus particulièrement ceux qui oeuvraient dans la rue. Ceci dit j’ai passé mon adolescence dans un quartier très populaire à Colmar et je fréquentais déjà des artistes graffiti. C’est un univers que je connais depuis longtemps.

Vos parents, leur éducation ?
Je suis un pur produit de classe moyenne alsacienne. Mes parents ne m’ont pas vraiment initié à l’art même si ma mère était couturière/costumière au théâtre municipal de Colmar ce qui m’a permis d’en découvrir les coulisses. Mon père est parti vivre à la Réunion ouvrir une concession de voitures à l’autre bout du monde quand j’avais 10 ans  – j’ai passé mon adolescence entre les 2 mois d’été tropicaux avec mon père et le reste de l’année avec ma mère et ma soeur. Je me suis forgée toute seule mon appétence pour les arts visuels au fil des années. Puis plus tard avec mon mari (qui est aujourd’hui co gérant de la SARL qui gère la galerie), en fréquentant expositions, musées et surtout les ateliers d’artistes.

Qu’est-ce qui vous a attiré dans le métier de galeriste ?
Découvrir des talents. C’est le rêve de tous galeristes, découvrir une pépite et la porter sur le devant la scène. C’est un peu caricatural de dire ça mais c’est quand même le moteur du métier. Être galeriste selon moi ce n’est pas juste vendre des œuvres c’est aussi et d’abord accompagner l’artiste , lui proposer des projets hors de son atelier qui peut lui offrir de la visibilité. C’est tout ça qui me plait dans ce métier. C’est d’ailleurs un métier en pleine mutation.

                                                Rafael  SLIKS

En quelle année la galerie ?
En 2010 pour nous avons créé une galerie associative pour promouvoir les artistes haïtiens. C’était une galerie itinérante. Nous avons organisé de belles expositions dont une au parlement européen à Strasbourg et au Musée du Montparnasse à Paris. C’est en 2015 que je me suis totalement professionnalisée avec mon propre lieu et une galerie qui porte mon nom.

Orlinda est-ce votre prénom ? quelle origine ?
Oui c’est mon vrai prénom. Une idée de mon père – c’est un prénom brésilien je crois mais c’est aussi le nom d’une petite ville aux Etats Unis connue pour abriter un pénitencier assez dur, ou encore une des plus vieilles cités brésiliennes, cité de culture.

Pourquoi avez-vous choisi le Street Art ?
Je vivais avec ma mère dans les quartiers ouest colmariens et j’avais des copains qui faisaient du graffiti. Je reconnaissais leurs œuvres quand je les croisais ici ou là. C’est un mouvement qui a été portée par ma génération née dans les années 70. Celle du hip hop et du punk des années 80. C’est un mouvement très populaire.

Y a-t-il une différence entre le Street art, l’art urbain, les fresques, les graffiti, ou le graphe quand on est plus chic  ?
En fait tous ces mouvements n’ont théoriquement rien à voir les uns avec les autres. Le seul point commun qu’ils peuvent avoir c’est leur zone d’expression qui est la rue. Street art est aujourd’hui un terme générique qui essaye de regrouper toutes ces formes mais c’est un terme qui est devenu marketing, et donc galvaudé qui ne veut plus rien dire. Pour peu qu’un artiste utilise de la bombe sur une toile avec deux ou trois coulures, il est classé street art. C’est dommage, ça trouble le public et ça rend les choses difficiles à comprendre pour les néophytes. 
Les grandes fresques murales appartiennent à un mouvement qui s’appelle le néo muralisme.

                                                      Andréa Ravo-Mattoni

– le vrai muralisme était un mouvement artistique mexicain des années 1920 très politique.
Le graffiti lui est né aux états unis dans les années 60 70 avec le punk et le hip hop. C’est d’abord une signature. Une manière de dire « j’étais là » mais pour certains c’était aussi de manière de délimiter un territoire. Ces signatures se sont de plus en plus perfectionnées avec le temps jusqu’à devenir pour certaines des œuvres calligraphiques tendant de plus en plus vers l’abstraction. Et il y a les années 80 en France avec les pochoiristes de la première heure comme Blek le rat, Miss Tic par exemple.
Personnellement j’aime bien le terme d’art urbain. Des artistes comme Daniel Buren, Ernest Pignon Ernest ou encore Christo sont (ou étaient si on parle de Christo) des artistes urbains et n’ont rien à voir avec le muralisme ou le graffiti. Ce qui est intéressant c’est l’impact d’une œuvre dans l’espace publique. Ces œuvres évoluent aussi avec la rue –elles sont toutes éphémères –  certaines sont recouvertes immédiatement par d’autres personnes, d’autres se dégradent avec le temps, la pluie et la pollution. Elles se transforment toutes. Une œuvre dans la rue a une durée de vie limitée de quelques heures à quelques années.  C’est ce qui m’attire. Certaines sont massives et d’autres sont  toutes petites et interagissent avec un élément urbain. Après, évidemment certains de ces artistes produisent des œuvres d’ateliers pour les vendre et s’assurer des revenus. C’est elles que je montre dans ma galerie. Elles sont forcément plus pérennes aussi. Je vous propose de vous rendre sur ma chaine Youtube et de visionner ma vidéo https://www.youtube.com/watch?v=Ej9sX9nz3kQ
où justement j’explique la différence entre ces différents types d’art.

Mais comme dans tous les courants , il y a des radicaux qui refusent que leurs œuvres quittent la rue et sont totalement contre les galeries qu’ils voient comme des marchands du temple et sont généralement encore plus contre les musées qu’ils considèrent comme des lieux élitistes coupés de la réalité. Les artistes urbains sont tous différents et ont tous des aspirations différentes –
ce n’est absolument pas un mouvement uniforme issu d’un manifeste.
Vous trouvez de tout…. à l’image d’une rue.

Exposez-vous d’autres artistes que ceux du Street Art ?
Oui – même si c’est vrai que la plupart de mes artistes interviennent tous dans la rue. Certains sont même plus dans la rue à tester de nouvelles techniques que dans leurs ateliers. Mais je ne fais pas une fixation. Je travaille aussi avec quelques artistes qui ne proposent qu’un travail d’atelier.

Comment travaillez-vous?
Aujourd’hui les réseaux sociaux nous permettent de rencontrer des artistes des 4 coins du monde. Certains me sont conseillés par des confrères ou des artistes ou avec qui je travaille déjà. Au- delà de l’expo en galerie ou dans des  foires, ce qui m’intéresse c’est de proposer à mes artistes des projets hors les murs. Montrer justement au public ce que peut faire l’artiste lorsqu’il sort de son atelier. Ça peut être une collaboration avec une municipalité, un bailleur social qui possède de grands immeubles ou alors des entreprises. J’aime bien l’idée que l’art rentre dans toutes les sphères de la société. Tout est possible.

                                      Kef

Pouvez-vous parler de votre travail, en quoi cela consiste ?
Mon métier c’est d’abord Promouvoir le travail de mes artistes et de tout mettre en œuvre pour ça. Leur créer des opportunités en termes économiques  et de visibilité. Le but de nombreux artistes est de continuer jour après jour à vivre de leur création via la professionnalisation. Je suis un élément parmi d’autres qui va leur permettre d’atteindre ce but, de les sécuriser et de pérenniser cette professionnalisation.

                                                                Clet

A quel endroit ? maison, partout, une méthode ?
Mes expos se déroulent généralement dans ma galerie ou dans des foires auxquelles je participe. Ces expos servent à vendre les œuvres de mes artistes. Pour des projets hors les murs je commence à avoir un petit réseau de contacts. On vient également de plus en plus me voir pour des projets.

Sur quel critère faites-vous le choix d’un artiste, que vous allez exposer ?
Idéalement seul le cœur doit parler. Mais le cœur doit aussi faire de la place à la raison. D’abord je travaille avec des artistes pro ou qui ambitionnent de devenir professionnels. C’est important car, ça conditionne beaucoup de choses dans la relation qu’ils vont entretenir avec la galerie. Evidemment il faut que leur univers me parle, c’est le BEABA du métier. Mais il faut aussi que je sois persuadée d’être en mesure de leur servir à quelque chose. Par exemple il faut que je sois persuadée d’avoir des clients qui pourraient être intéressés par l’acquisition de leurs oeuvres.

Faire travailler un artiste sur une expo et ne pas lui vendre une seule œuvre peut être dramatique. Il aura consacré du temps et de l’énergie pour rien et un échec commercial, peut être vécu comme un rejet. Au delà de l’aspect économique évident – nous avons tous des loyers à payer, un frigo à remplir et des enfants à habiller – un échec commercial peut être très mal vécu psychologiquement.
Or je ne fais pas ce métier pour ça. Voilà pourquoi au-delà du cœur, je sélectionne mes artistes avec raison et rigueur. Je veux être certaine
de pouvoir leur apporter du positif. 

Artiste connu, valeur sûre, inconnu ?
J’ai les 3. Evidemment je fais ce métier pour détecter de nouveaux talents et les faire connaitre. Mais pour se forger une clientèle il faut aussi des artistes connus et des valeurs sures. Comme dans une maison d’édition , vous avez des écrivains médiatisés qui génèrent suffisamment de revenus pour permettre à l’éditeur de prendre des risques avec des premiers romans. Une galerie fonctionne un peu sur le même principe. C’est un équilibre assez subtile. Mais je ne suis pas une marchande d’art qui achètent des toiles d’artistes connus et qui se contentent de les revendre plus chères. Ce n’est pas ça qui m’intéresse.

 

                                                    Jana & JS

La clientèle, un milieu pointu, particulier, régional, local, international ?
J’ai une clientèle internationale. Des collectionneurs chevronnés comme des néophytes qui découvrent les arts urbains. Je vends d’ailleurs beaucoup plus à l’international qu’au niveau régional. Ma participation à de nombreuses foires en Suisse, Belgique, Luxembourg ou sur Paris m’a permis de rencontrer de nombreux acheteurs des 4 coins du monde. Ensuite j’ai aussi la chance de travailler avec des artistes très médiatisés aux Etats Unis, du coup via mon site internet et mes réseaux sociaux, j’ai pu développer une vraie clientèle là bas. Mais attention ici dans l’Est  j’ai aussi  des clients qui me suivent et me font confiance. Certains m’achètent des œuvres sur toutes mes expos.

As-vous des horaires définis ?
La galerie est ouverte du jeudi au samedi à partir de 10 H .

L’ambiance, musique, silence, intérieur, extérieur ?
Ça dépend de mon humeur …mais je préfère quand c est vivant.

Vos références : des artistes en particuliers des maîtres ?
Ils sont trop nombreux pour les citer. C’est vrai que les dadaïstes auront toujours une place particulière. J’essaye d’avoir autant de plaisir à Pompidou qu’à Unterlinden Colmar, en passant par les Offices à Florence.
Chaque époque, chaque mouvement a ses maitres.

Avez-vous des références littéraires ou musicales qui vous orientent dans le choix d’artistes?
Mes lectures tournent souvent autour de l’histoire de l’art mais ce sont des livres souvent techniques ou des livres écrits par des artistes. Mais pour mes choix d’artistes je préfère rester vierge. J’essaye de cultiver l’étonnement.

Pourquoi la rue des Trois Rois ?
C’est une rue en pleine renaissance – de chouettes restaurants et bars à vins s’y installent – elle est un peu à l’image de Mulhouse en pleine reconquête.

Le mur ?
Ce sont de belles associations. C’est même une fédération. Ils font un boulot formidable dans toutes les villes. J’aime beaucoup travailler avec eux Colmar et Mulhouse.

Kinepolis, ailleurs ?
A l’origine je cherchais un lieu ou je pouvais faire intervenir mes artistes sans forcément avoir besoin d’avoir des autorisations qui prennent souvent du temps à obtenir. En plus le parking couvert est un lieu qui est plébiscité par les artistes vandales.

                                                        Psyckoze
Mais là l’idée justement c’est de conserver l’énergie mais en cadrant les choses. On a mis un an à discuter avec la maison mère du Kinepolis en Belgique, mais ça a fonctionné, ils ont fini par accepter et finalement on a carte blanche pour faire ce qu’on veut. Le lieu est tellement grand qu’on a décidé de faire appel aux associations du Mur Mulhouse et Colmar pour organiser des sessions de peintures. Pour ma galerie ça permet aussi de faire de la veille et voir un peu ce que font les artistes du Grand Est. C est important d’être en contact avec eux. D’ici quelques années le lieu risque de devenir incroyable. Le parking est surveillé donc il n’y a pas de risques de dégradation et les murs sont à l’abri des intempéries.

Les murs peints de Mulhouse ?
Evidemment une tradition depuis le 16 ième siècle. C est pour ça que j’ai choisi Mulhouse. Ici je savais que j’aurais une certaine facilité à mettre de l’art dans la rue.  Mulhouse est une ville post industrielle en pleine mutation – le graffiti est un mouvement artistique post industriel en pleine mutation  – s’installer ici sonnait comme une évidence.

Qu’est  devenu votre travail pendant le confinement ?
Dès le départ en 2015 nous avons décidé de prendre le virage internet. Nous avons mis en place les conditions de la vente à distance dès le début. Sur le plan économique la galerie n’a pas souffert du confinement bien au contraire. Pendant le confinement j’ai repris ma casquette de webmaster.
On a vendu une toile pour soutenir l’hôpital de Mulhouse – on a fait des vidéos pour nos suiveurs et on a soutenu nos artistes psychologiquement et financièrement aussi. 

Qu’est-ce que vous avez envie de partager ?
J’aimerai que les institutions muséales s’intéressent un peu plus à nos mouvements. Pour le moment, les institutions boudent encore un peu ces mouvements, sans doute les jugeant trop graphiques, trop illustratifs,
mais je crois beaucoup au retour de l’intelligence de la main.
Les artistes avec lesquels je travaille sont souvent de sacrés techniciens,
ils maitrisent le dessin tout simplement or les institutions considèrent
ça avec encore trop de mépris. Elles ont tendance à trop privilégier le discours. Mais les choses changent … j’en suis convaincue.

Avez-vous des contacts avec les artistes mulhousiens, les autres, les autres galeristes, la municipalité ?
Oui bien sur ils viennent souvent me voir et j’ai de bonnes relations avec les artistes mulhousiens. J’ai également de très bonnes relations avec les autres galeries de Mulhouse et notamment avec Christian Lang. J’ai la chance d’avoir de très bons interlocuteurs à la mairie.

                                     Orlinda au ministère de la culture

Vos relations avec la clientèle :
J’essaye de donner du temps à tous les gens qui viennent me voir qu’ils soient acheteurs, amateurs d’art ou simples curieux. Peu importe, je sais que c’est pas facile de rentrer dans une galerie quand on a pas l’habitude. C’est un lieu qui n’a pas forcément bonne presse , beaucoup de gens se sentent encore illégitimes pensant qu’on va les juger sur leur capacité d’achat. Je crois que c’est terminé. Ce genre de galeries n’existe plus. Aujourd’hui nous sommes des lieux ouverts gratuits ou l’on vient passer un bon moment.

La Galerie agit-elle sur votre manière de vivre 
Oui on est galeriste H 24 – ce n’est pas un métier qu’on choisit car on ne savait pas quoi faire d’autre. On est en alerte en permanence – toujours à apprendre, toujours à regarder et à fouiller. On le fait par passion, ça nous hante en permanence.

                                                            C215

L’œuvre achetée dans une galerie est-elle plus chère que celle achetée auprès d’un artiste ?
Nonou alors c’est que l’artiste ou le galeriste n’a rien compris et qu’il n’est pas pro. Un artiste a  un prix de marché et ce prix doit être le même qu’il soit en sortie d’atelier ou à la galerie. C’est l’artiste qui fixe ses prix – mais évidemment, si j’estime que ce prix est hors sol par rapport à son cv ou ses passages en salles de ventes, je l’inviterais à réviser ses prix à la baisse et plus rarement à la hausse. Par contre, si j’apprends que l’artiste casse ses prix à l’atelier, on arrête immédiatement toute collaboration. C’est qu’il n’a pas confiance en son travail. C’est pour ça que c’est important de travailler avec des artistes professionnels ou qui ont cette ambition pour ne pas avoir de mauvaises surprises. Et inversement c est important pour les artistes de travailler avec des galeristes professionnels.

Les artistes doivent-ils être le reflet des sentiments, de la vision de leur époque ?
Oui je pense que les artistes répondent à une époque, à une génération. Voilà pourquoi je parlais d’intelligence de la main qui je pense correspond à l’époque. Je pense que nous sommes en train de renouer avec cette forme d’intelligence.

Une devise ?
La beauté sauvera le monde

Quelle est votre plus belle rencontre en art ?
Une œuvre de Gilles Barbier en 2002 à Art Basel Unlimited intitulée : L’hospice

Une définition de l’art ?

Inutile et donc essentiel

Les artistes
C215, L’Atlas, Clet Abraham, Shaka, Aurel Rubbish, M-City, RNST, Jana & Js, OakOak , Psyckoze, Kef  

Orlinda  au Stamala en compagnie de Francine Hebding à Radio MNE

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ORLINDA GALLERY
ART URBAIN CONTEMPORAIN & POST GRAFFITI
33, rue des Trois Rois
68100 Mulhouse, Alsace
FRANCE

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10h-12h et 14h30-19h

Samedi
10h-12h30 et 14h30-19h

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Gustave Doré, Illustrateur, caricaturiste, peintre, graveur et sculpteur français.

Le Christ quittant le prétoire  Gustave Doré, peint entre 1867 et 1872

Gustave Doré est né le au 5 (aujourd’hui 16) rue de la Nuée-Bleue à Strasbourg, près de la cathédrale gothique. Il est mort le à Paris dans son hôtel de la rue Saint-Dominique. Il avait un lien très fort avec sa mère pendant toute sa vie, celle-ci était remplie d’orgueil face au talent de son fils qu’elle qualifia souvent de génie. Ce soutien était moins partagé par son père qui le destinait à une carrière moins précaire et souhaitait l’inscrire à l’École Polytechnique
 Illustrateurcaricaturistepeintregraveur et sculpteur français.

Enfance

Dès l’âge de cinq ans, Gustave Doré, doté d’un sens pointu de l’observation, montre un talent singulier pour le dessin. Dès l’obtention de sa première palette de peinture, la nuit venue, il peint en vert une poule qui terrifia toute la ville. Sa grande curiosité lui permet de multiplier les croquis éclectiques (scènes intimes ou urbaines, mythologiques ou de l’Antiquité). Gustave entre dans la classe de la pension Vergnette, place de la Cathédrale, comme interne, où il commence à illustrer ses cahiers d’écolier et des lettres qu’il écrit à ses parents et amis. Il réalise ses premières caricatures, prenant pour objet son entourage. Son imagination fertile se nourrit de lectures et d’inspirations précoces exceptionnelles pour son âge. Il s’inspire notamment de Cham et de Rodolphe Töpffer. (le père de la BD)

La carrière

Il n’a que 15 ans lorsqu’il est remarqué par Charles Philipon, fondateur des célèbres journaux satiriques La Caricature et Le Charivari. Il débute ainsi sa carrière à Paris dès 1848 comme dessinateur humoristique pour Le Journal pour rire et réalise des albums faisant preuve d’une grande inventivité graphique.

En 1851, il entreprend d’illustrer les grands textes de la littérature mondiale, comme L’Enfer de Dante, la Bible ou encore Les Contes de Perrault, par de riches gravures sur bois créant une foisonnante iconographie qui devient très vite la source d’un imaginaire singulier et populaire. Parallèlement à sa glorieuse carrière d’illustrateur, Doré aspire ardemment, mais en vain, à bénéficier de la même renommée en tant que peintre. À la fois héritière du Romantisme et empreinte de réalisme, son œuvre inclassable est rejetée par la critique. Elle lui reproche son manque de « métier » et moque son goût pour les compositions monumentales où dominent les sujets religieux et les paysages aux effets lumineux et étranges confinant au fantastique.

Il va lister la trentaine de chefs-d’œuvre dans le genre épique, comique ou tragique de sa bibliothèque idéale en souhaitant les illustrer dans le même format que Le Juif errant, L’Enfer de Dante, les Contes de PerraultDon QuichotteHomèreVirgileAristoteMilton ou Shakespeare. Les éditeurs refusent de réaliser ces publications luxueuses d’un trop grand coût.

Doré Gallery

En 1868 s’ouvre à Londres une « Doré Gallery » où sont exposés en permanence les tableaux de l’artiste.

Le chef-d’œuvre, et la grande attraction, est cette gigantesque peinture religieuse représentant Jésus à sa sortie du tribunal, après sa condamnation par Pilate. Au milieu d’une foule curieuse ou hostile, le Christ, vêtu de blanc et placé au centre même du tableau, semble irradier toute la scène d’une douce lumière surnaturelle. L’œuvre frappe d’emblée par l’ampleur de sa composition, par la vitalité émanant d’une foule gesticulante, et par l’efficacité d’une mise en scène dramatique et théâtrale. Peinture « à grand spectacle », elle évoque les futures superproductions cinématographiques, les grands péplums hollywoodiens. Très réaliste par la précision des détails, l’œuvre touche au sublime par sa démesure et sa force narrative.


Le thème de La Vallée de larmes peinte sur une immense toile s’inspire de l’Evangile selon saint Matthieu qui rapporte ces paroles du Christ :
« Venez avec moi, vous tous qui peinez sous le poids du fardeau, et moi je vous donnerai le repos ». . Au Petit Palais Paris.
Au seuil de sa vie, Gustave Doré évoque la lumière de la foi qui triomphe de la douleur et de la mort.

Le Fonds Gustave Doré

Gustave Doré a entretenu une relation privilégiée avec l’Alsace, dont son œuvre restitue les paysages, les coutumes et les légendes. Les artistes, intellectuels, collectionneurs publics et privés se sont employés, dès les lendemains de la Première Guerre mondiale à associer son nom à la ville de Strasbourg. Après plusieurs acquisitions successives, et notamment en 1992, les musées disposent d’un ensemble exceptionnel de plus de 400 œuvres. Un important corpus de près de 200 volumes a également intégré la collection de la Bibliothèque des Musées où l’on peut désormais consulter les remarquables planches gravées accompagnant les ouvrages de Dante, Rabelais, La Fontaine, Gautier, Cervantès, ou encore de nombreux albums illustrés et revues satiriques

Peintre, dessinateur et illustrateur d’origine strasbourgeoise, Gustave Doré est représenté par 432 œuvres dans les collections du MAMCS.

                                                   Venus et Amour

Gustave Doré au MAMCS

Le Christ quittant le prétoire, appelé aussi Le Prætorium est un tableau monumental de Gustave Doré, peint entre 1867 et 1872, la plus grande de ses peintures religieuses et celle qu’il considérait comme l’« œuvre de sa vie ».
Le tableau connut d’ailleurs un grand succès, puisqu’il a été reproduit en gravure dès 1877. Doré lui-même en réalisa plusieurs répliques. Il existe actuellement deux autres versions : l’une, nettement plus petite, est exposée dans la galerie de peintures de l’université Bob Jones à Greenville, l’autre, presque aussi grande, au musée des beaux-arts de Nantes.

Acquis en 1988 par le musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg,
ville natale du peintre, le tableau original a nécessité une longue restauration, accomplie en public de 1998 à 2003, dans l’immense salle « Gustave Doré » du musée, où il est exposé.

Le catalogue du MAMCS

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La Fondation Beyeler a rouvert ses portes au public

La Fondation Beyeler a rouvert ses portes au public – par le truchement du jeu Nintendo Switch « Animal Crossing: New Horizons ». L’idée de reconstruire le musée en ligne est née au sein de l’ART LAB, projet participatif d’éducation artistique de la Fondation Beyeler.


Pendant l’actuelle fermeture temporaire du musée dans le cadre des mesures prises par les autorités pour endiguer l’épidémie du Covid 19, la Fondation Beyeler a rendu accessible en ligne l’un de ses chefs-d’oeuvre: il s’agit du bâtiment même du musée, icône architecturale conçue par Renzo Piano.
La décision de ce projet de construction numérique a été prise par les participant·e·s de l’ART LAB: après avoir jonglé avec plusieurs idées, ils·elles ont fini par développer ce projet d’expérience virtuelle du musée, qui permettra ils·elles l’espèrent d’inspirer à d’autres jeunes un enthousiasme pour l’art.
Les jeunes passionné·e·s d’art ont été accompagné·e·s dans leur projet par des éducateurs·rices artistiques de la Fondation Beyeler et par l’experte en jeux vidéo Tonja van Rooij.

Les joueurs

Les joueurs·ses du jeu Nintendo Switch « Animal Crossing: New Horizons » peuvent désormais arpenter de manière numérique les espaces exceptionnels du musée à Riehen aux abords de Bâle, admirer des oeuvres légendaires de la Collection Beyeler, et découvrir le trésor caché du musée d’art le plus visité de Suisse. Les oeuvres exposées sont celles d’artistes tels Claude Monet, Kasimir Malevitch ou Piet Mondrian mais aussi « Le Penseur » d’Auguste Rodin de l’actuelle exposition « Rodin/Arp » ainsi qu’un « Bonhomme de neige » en référence à l’oeuvre du duo d’artistes suisses Fischli/Weiss.

L’avatar

L’avatar du musée est costumé en abeille enjouée et ce n’est pas une coïncidence. Le patronyme des fondateurs du musée et célèbres collectionneurs Ernst et Hildy Beyeler dérive du mot « apiculteur ». On peut dire que l’art était leur miel. Nichée dans l’écrin de verdure du Riehen natal d’Ernst Beyeler, la Fondation Beyeler offre une combinaison unique d’art, de nature et d’architecture, qui rend chaque visite spéciale.

L’actualité

Ces derniers temps cependant, avec la fermeture de la plupart des lieux et des restrictions strictes pesant sur les voyages et les déplacements, le privilège d’une visite à la Fondation Beyeler a été réservé à quelques heureux·ses élu·e·s ayant la chance de vivre à proximité. Et actuellement, personne ne peut en profiter. Mais comme nous le savons, de la nécessité naît l’invention. Par ses canaux numériques, la Fondation Beyeler a trouvé de nouvelles manières d’aller à la rencontre des gens et de transposer les expériences artistiques directement dans leurs salons – avec des visites guidées en live, des ateliers en ligne, des moments de rap, de comédie ou de méditation filmés dans le musée vide avec pour inspiration les expositions en cours.

Animal Crossing

La présence de la Fondation Beyeler dans l’univers de « Animal Crossing » ajoute désormais une nouvelle dimension à son activité numérique. Elle fait revivre l’idée du musée en tant que lieu potentiel de calme et de réflexion.
Dans l’univers de « Animal Crossing », nous trouvons une réponse au désir de décélération qui grandit face à l’accélération incessante de notre époque tant dans le monde virtuel que réel. Nous y trouvons paix et repos, et nous nous y retrouvons les uns les autres autour de notre socle commun.
Pour la Fondation Beyeler, ce socle est la passion pour l’art, qu’elle souhaite partager avec autant de personnes que possible. Dans les moments difficiles, il est particulièrement bon de se rappeler à quel point l’art peut être stimulant et fascinant.

Informations pratiques

Pour visiter la Fondation Beyeler dans le jeu « Animal Crossing », les joueurs·ses peuvent saisir le code DA-8144-8773-0219 qui les transportera vers la “Beyeler Island” dans leur sommeil virtuel pour se promener dans les espaces intérieurs et extérieurs du musée.

Concours

Pour célébrer l’ouverture du musée dans « Animal Crossing », remportez l’une de trois consoles Nintendo Switch avec « Animal Crossing: New Horizons » offertes par la Fondation Beyeler. Modalités de participation disponibles sur les comptes de réseaux sociaux du musée.


À propos de l’ART LAB

Au fil de plusieurs mois, les participant·e·s de l’ART LAB développent leur propre projet d’éducation artistique visant à inspirer à d’autres jeunes un enthousiasme pour l’art. Le programme comprend des visites d’expositions et des échanges avec les équipes de la Fondation Beyeler. Les participant·e·s de l’ART LAB sont encouragé·e·s à faire preuve d’initiative et à se familiariser avec les méthodes de travail artistiques et les processus créatifs.
Les jeunes passionné·e·s d’art sont accompagné·e·s dans leur projet par des éducateurs·rices artistiques de la Fondation Beyeler. Les participant·e·s de l’ART LAB peuvent demeurer actifs·ves au sein de projets des ancien·n·e·s de l’ART LAB, maintenant ainsi le lien avec la Fondation Beyeler sur le long terme. La participation est gratuite, limitée à 15 personnes et possible de 15 à 25 ans.
La prochaine édition de l’ART LAB débutera au printemps 2021.
Pour en savoir plus:
https://www.fondationbeyeler.ch/fr/vermittlung/young/art-lab


Mention spéciale:

Le projet doit beaucoup à Tonja van Rooij pour ses précieux consArt Lab bénéficie du généreux soutien de Max Kohler Stiftung.

Images: illustrations et photos de Pati Grabowicz

Informations complémentaires:
www.fondationbeyeler.ch
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG,
Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen

Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler:
Le musée est actuellement fermé jusqu’au 28 février 2021

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