Catégorie : Arts plastiques

Au Musée Tinguely de Bâle jusqu’au 19 avril 2009
L’exposition au Musée Tinguely offre un aperçu de la collection excentrique de Ted Scapa. Le célèbre dessinateur humoriste suisse, né en 1931 aux Pays-Bas, collabora à la presse internationale avant de prendre en mains les rênes de la maison d’édition Benteli à Berne qu’il dirigea pendant plus de trente ans. Le programme pour enfants à la télévision suisse alémanique DRS, Das Spielhaus (La Maison du jeu), lui valut une grande notoriété dans les années 1960 et ’70. Aujourd’hui, Scapa vit et travaille comme artiste indépendant et dirige des ateliers de créativité.
L’exposition SCAPA Memories documente la relation qu’entretient Scapa avec l’art. Elle fait pénétrer le visiteur dans sa collection qui est un dialogue très personnalisé entre tradition et modernité. L’art est un besoin vital dans la vie de Scapa. Les œuvres et objets qu’il a assemblés au cours de sa vie ne traduisent pas la poursuite d’une stratégie consciente mais plutôt son intuition. Ce biotope culturel dans lequel vivent  et travaillent Ted Scapa et son épouse Meret depuis plus d’un demi-siècle est le reflet de la vision et de l’expérience du monde et de l’art chez Scapa.
Le mot préféré de Scapa, « créativité », est en même temps son message et le critère de sélection qui valut pour l’assemblage de sa collection. Une autre impulsion de sa passion débordante de collectionneur sont les Memories, ses souvenirs de nombreuses rencontres avec des artistes du monde entier, tantôt ceux qui évoluèrent en des liens d’amitié de toute une vie que ceux, plus spontanés, le fruit du hasard et de son enthousiasme. Avec les années est né un bric-à-brac inspiré qui reflète tout à fait la créativité débordante de l’homme Scapa, mais aussi de l’artiste connu pour sa création de lampes et de tapis.
Son importante activité d’éditeur (env. 1500 titres) amena Scapa à faire la connaissance d’un grand nombre d’artistes, de galeristes, de collectionneurs et de gens de musées – mélange magique  et stimulant. Il ne fréquenta pas seulement de grands noms tels Joan Miró ou Aimé Maeght, mais entretenait surtout des relations étroites et chaleureuses avec un groupe élargi d’êtres qui apprit à connaître son hospitalité légendaire. La publication de catalogues lui valut de rencontrer les maîtres de l’art graphique dont des peintres allemands du groupe des « nouveaux sauvages » tels Georg Baselitz, Markus Lüpertz, A. R. Penck, Jörg Immendorff, les Suisses Martin Disler, Peter Stämpfli ou Alfred Hofkunst.
Dans la collection de Scapa, qui a tout d’un cabinet de curiosités, des lettres-dessins aux couleurs intenses de son ami Jean Tinguely et une machine sculpture côtoient tout naturellement des objets rituels et des ustensiles quotidiens provenant de cultures et d’époques les plus diverses. Leur sont associées de monumentales œuvres graphiques d’artistes de renom du 20ème siècle, ainsi des exemples d’Antoni Tàpies ou Frank Stella, mais également des figures chinoises en terre-cuite et des sculptures en bois, des masques et des reliefs en provenance d’Afrique.
Dans son Eldorado, son château sur les bords du Lac de Morat, figures, objets et œuvres graphiques peuplent le salon, la salle à manger, les rebords des fenêtres et toutes les corniches, tables et armoires, linteaux de portes et paliers, les œuvres débordent depuis la cuisine jusqu’aux toilettes.
Devant les œuvres graphiques empilées le long des murs, des figures africaines d’hommes et de femmes le plus souvent nus, tantôt petites tantôt surdimensionnées, des masques et des tambours placés avec justesse devant les tableaux, auxquels parfois ils s’accordent par leurs tons ou leurs formes, ou, au contraire, posés n’importe comment, par manque de place probablement. De nouvelles acquisitions viennent rejoindre le groupe et l’œuvre d’art totale acquiert une nouvelle apparence, sans toutefois perdre de son impact.
Ce « cabinet de curiosités » est source d’inspiration pour Ted Scapa, l’instigation pour sa propre production artistique. Il est autant fasciné par les visages expressifs et souvent bizarres des objets d’art non-européens qu’il l’est par les possibilités d’expression que permet la technique de reproduction des œuvres graphiques d’artistes modernes.
Avec une insouciance nonchalante, il lui importe peu que les figures africaines soient des œuvres originales ou des copies d’après d’anciens modèles. Il ne prend pas en considération le contexte de leurs origines et encore moins une quelconque provenance scientifique prouvée. Ce qui importe pour lui c’est qu’une perfection artisanale ait été préservée, garantissant la survie sans perdre de son pouvoir d’expression. C’est ainsi que l’artiste Ted a sa propre approche à l’art, et pour Ted, le communicateur en art, qui avec son Spielhaus a réveillé l’instinct de création chez les enfants de tout un pays, une reproduction bien faite a autant de valeur que sa communication optimale. En tant qu’éditeur, qu’homme du mot écrit et exégète de l’impression, il accorde une plus grande importance à l’art reproductible.
L’exposition au Musée Tinguely présente 120 œuvres de la collection de Scapa ainsi qu’un film de Roy Oppenheim qui documente la vie de Scapa et sa relation particulière à l’art.
Artistes représentés:
Georg Baselitz / Stefan Berger-Teichmann / François Burland / Alexander Calder / Luciano Castelli / Eduardo Chillida / Christo und Jeanne-Claude / Jan Cremer / Martin Disler / Rainer Fetting / Sam Francis / Keith Haring / Alfred Hofkunst / Karl Horst Hödicke / Jörg Immendorff / Paul Klee / Bernhard Luginbühl / Markus Lüpertz / Felix Müller / Claes Oldenburg / A. R. Penck / Arnulf Rainer / James Rosenquist / Niki de Saint Phalle / Ted Scapa / Meret Schaap / Richard Serra / Peter Stämpfli / Saul Steinberg / Frank Stella / Bert Stern / Antoni Tàpies / Jean Tinguely / Bernar Venet
photos et vidéo de l’auteur

Fuck architects : chapter III
Ceux qui peuvent encore rêver ne dorment plus
Jusqu’au 17 mai 2009 au Frac Alsace – Sélestat
Dans le cadre du week-end de l’art contemporain, organisé en Alsace, mounir fatmi, s’impose dans la continuité de mon propos sur les States.
mounir fatmi travaille dans le monde, éthiquement et esthétiquement… Ici au Frac d’Alsace, il opte pour le noir et blanc, il a définitivement gommé les majuscules de ses nom et prénom, en signe de son inscription dans le réel et de son refus des formes d’autorité… ses œuvres relisent l’histoire que la modernité occidentale a écrit, de Freud au 11 septembre en passant par les Black Panthers, mais en reformulent les représentations dans l’esprit d’aujourd’hui… dans les hôtels des pays arabes, désertés il y a quelques années à cause du terrorisme, il proposait d’inviter des artistes en résidence… il a en projet un remake du film Sleep d’Andy Warhol avec Salman Rushdie comme acteur principal… D’exposition en exposition, à chaque fois pensées comme lieu de débat, mounir fatmi affirme son travail comme une démarche critique qui interroge le monde contemporain via la représentation de ses violences et de ses paradoxes.
Fuck architects : chapter III est le dernier volet d’un travail commencé en 2007 autour de l’architecture, envisagée comme indice d’enjeux esthétiques, politiques, économiques et religieux. Pour mounir fatmi, l’architecture est l’aune à laquelle mesurer la modernité et ses utopies, leur réussite et leur faillite. Elle est matière à écrire et à penser, comme la littérature et la philosophie. Elle renvoie autant à la construction qu’à la déconstruction : les philosophes occidentaux ne seraient-ils pas les architectes et les chefs d’un chantier abandonné ou en suspens ?
mounir fatmi est un artiste nomade, à la croisée des cultures occidentale et orientale, des pensées laïque et religieuse. Ses œuvres questionnent les formes et les discours de l’autorité, la liberté de parole, le rapport entre vérité et légitimité. Elles traitent de l’envers des événements (la rencontre de Jean-Paul II et de son assassin Ali Agca),
de leur potentiel de représentation (le skyline de Manhattan dans l’après 11 septembre), des stratégies de pouvoir…
Les œuvres de mounir fatmi sont des jeux de langages mariant le dessin et l’écriture, des métaphores mixant les formes et les images. Contre toute didactique, elles jouent le rôle d’embrayeurs, au sens linguistique du terme, renvoyant à l’origine et à la réalité des événements plus qu’à leurs représentations dans les médias, et particulièrement à leur actualisation dans la pensée. Ses expositions sont ainsi des équations visuelles, nées d’un usage souple des médiums contemporains (vidéo, installation, dessin…), jouant de signes culturels multiples et éventuellement opposés. En forme de réseau, elles croisent divers domaines du savoir, des sciences à la philosophie, des techniques à la politique. S’y questionnent des façons de représenter le monde dans lequel nous vivons, qui engagent directement le jugement critique et la notion de point de vue.
Ainsi, plus que le monde lui-même, c’est le regardeur de ses œuvres que mounir fatmi interroge sur la nature et l’origine de son propre savoir sur le monde. L’exposition est une tentative de bousculer la passivité critique induite par la globalisation médiatique. Chez mounir fatmi, l’art ne donne pas de réponse, il met à distance, il problématise, en deçà des propagandes et des surdéterminations.
Olivier Grasser
« Save Manhattan » représente le skyline de New York à travers trois univers, trois composants, trois installations.
La première pièce est structurée par une littérature de catastrophes, post 11 septembre, qui n’aurait jamais existée sans cet événement.
La deuxième, avec des cassettes VHS vides, pour signifier l’absence d’images. Les images de la catastrophe ont été tellement diffusées, qu’il n’y a plus besoin de montrer les images que le monde entier garde en mémoire comme une trace indélébile.
Et la troisième, composée d’enceintes posées au sol, restitue le son de New York, enregistré le matin, le soir, l’après midi, dans les rues, le métro…, comme un bruitage cinématographique pour donner le sentiment d’être dans le corps de la ville. Cette dernière n’est pas présente dans l’exposition, elle est remplacée par celle-ci, qui pourrait évoquer  Ground Zero.
Il y a souvent dans ses oeuvres une interdépendance entre les éléments qui la compose, comme s’il voulait signifier que comme dans un jeu de domino, tout pouvait s’effondrer par la défaillance d’une seule fraction
JS : Comment voyez-vous la situation dans le monde arabe aujourd’hui ?

mounir fatmi : C’est un monde en mal d’archives, où tellement de choses ont disparu que c’est le moteur de son activité actuelle. C’est ce qui explique la dynamique de ville comme Dubaï ou Abu-Dhabi où aujourd’hui on est capable de planter des palmiers en pleine mer, où il y a une volonté tenace de créer et remplir des musées, tel le Louvre ou le Guggenheim.
Le monde arabe est une région où jusqu’à présent il n’y avait que des hôtels vide à 70% à cause du terrorisme.
D’ailleurs j’avais pensé les utiliser comme projet de résidence et envoyer des artistes européens et américains à y séjourner, cela peut être intéressant de regrouper les artistes, les terroristes et les touristes dans un même endroit. À ce moment, je pense que l’art rejoint la politique.
Il reste que cette envie de grands musées n’est pas seulement culturelle, il faut dire aussi que les pays arabes ne pouvant plus avoir des armes de destruction, ni pouvoir les fabriquer pour se protéger, ils leur restent juste l’achat des noms de grands musées qui vont fonctionner dans un futur proche comme des boucliers antimissile. Je doute fort que l’armée Américaine ou Britannique tirera des missiles sur le Guggenheim d’Abu Dhabi, ou que l’armée Française attaquera le Louvre de Téhéran ou de Tripoli. J’imagine même qu’en situation de guerre, la population de ces pays choisira sûrement de se cacher dans ces musées au lieu de courir vers les mosquées. Je sais que cela fait un peu trop science-fiction, mais bon, c’est mon côté Burroughsien.
Propos recueilli par Jérôme Sans, Venise 2007
Voilà enfin un raisonnement autrement plus convaincant, que toute cette polémique et ces pétitions conservatrices (et ces ventes aux enchères indécentes, aux prix démesurés et aux réactions épidermiques, nullissimes, d’un Pierre Bergé –
c’est hors sujet ? et alors ? )
photos de l’auteur par autorisation expresse de mounir fatmi – grand merci à lui

Réunissant quelque 120 oeuvres, l’exposition Charles Pollock, organisée par l’Espace d’art contemporain Fernet Branca à Saint Louis/Alsace, constitue la première exposition d’envergure internationale consacrée au peintre américain Charles Pollock dans une institution publique en France et en Europe.
Grâce au prêt généreux des Archives Charles Pollock, elle révèle au public une partie d’une œuvre méconnue et complexe d’un artiste discret qui a pleinement participé à l’aventure de l’art américain au vingtième siècle.
L’histoire de sa peinture rend compte de l’évolution de l’art américain : du Social Realism d’avant guerre, sous l’égide de Thomas Hart Benton, à la fabuleuse naissance de l’abstraction américaine dès les années 1950, puis du Color-Field painting dont l’artiste s’est avéré maître.
Charles Pollock est d’abord un peintre figuratif, puis devient un peintre abstrait et un coloriste raffiné, maîtrisant les nuances, les valeurs et les atmosphères tout autant que Rothko, mais à sa manière, toute en retenue. A l’instar de nombreux artistes américains, la peinture de Charles Pollock s’oriente vers l’abstraction à la fin des années 40, de manière nette, sans être totalement radicale. Il devient aussi moderne que ses contemporains Still ou Newman.
L’exposition de l’Espace d’art contemporain Fernet Branca concentre son attention sur la production des séries réalisées entre 1950 et 1964, axe chronologique qui permet de découvrirl’évolution de son oeuvre, entre une première forme d’abstraction calligraphique (1950-56) aux tableaux sombres (début des années 60), à laquelle succédera une abstraction colorée et lumineuse(à partir de 1964). Cette exposition cherche à montrer le fil invisible qui existe entre les différentesséries et époques dans l’oeuvre et la vie de l’artiste. Elle cherche aussi à affirmer l’approcheexpérimentale et raisonnée qui anime toutes les créations de Charles Pollock.
Les premières salles offrent au public ce que l’on pourra appeler «l’enfance de l’art », à travers des travaux figuratifs. Au cours des années 30, Charles Pollock peint de nombreux paysages de l’Ouest américain, ainsi que de nombreux personnages, dans le style régionaliste. Les paysages contiennent cependant les éléments, notamment les lignes de couleur, les aplats, les teintes crues, qui vont plus tard composer ses abstractions.
Dans les salles suivantes, on découvre une nouvelle peinture : les 25 dessins et peintures de la série Chapala, réalisés dans les années 50, portent tous la marque de son intérêt pour la calligraphie. C’est pendant son année sabbatique, en 1955-56, au Mexique, dans un petit village près du lac Chapala que Charles Pollock élabore des semi-abstractions, faites de caractère, de symbole ou de figure. En 1959, plus il avance dans ses recherches, plus il simplifie la composition, augmente les formats de ses toiles, assombrit sa palette et joue sur les valeurs de lumière et d’atmosphère.
La série des Black and Gray caractérise ce style sombre, construit à partir de formes noires flottantes sur fond gris. En 1962-63, il reprend une année sabbatique, cette fois-ci à Rome, où il peint la majestueuse série Rome et réalise des aquatintes. Cette série, que l’on découvre dans les dernières salles du musée, est marquée par l’introduction d’une ligne qui découpe verticalement l’espace. Son travail évolue alors vers un éclaircissement des valeurs chromatiques. En s’appuyant sur les possibilités expressives de la couleur, il cherche à travers l’effet « color-field » à atteindre la clarté et l’immédiateté.
Peintures, dessins, aquatintes, lithographies : Charles Pollock a ainsi expérimenté et travaillé sur un large éventail de techniques picturales, ce qui lui a permis de préserver son indépendance artistique.
Charles Pollock, celui que l’on appelle « le frère de.. », ou « l’Autre Pollock », aura attendu longtemps que l’on prenne la mesure et l’universalisme de son oeuvre.
Cette première grande exposition en France, dans son pays d’adoption, constitue en soi un véritable événement.
Jusqu’au 24 mai 2009
Plusieurs visites guidées sont proposées par Auguste Vonville. Les dates sont les suivantes :
dimanche 15 février, samedi 21 mars, dimanche 22 mars,(week-end art contemporain de Télérama) dimanche 5 avril, dimanche 10 mai, dimanche 24 mai. Toutes ces visites ont lieu à 14h30.
La première visite guidée du 15 février a été un peu particulière, la  présence de Francesca POLLOCK, la fille de l’artiste, a permis de prendre toute la mesure de l’importance de ce peintre « méconnu » et ses années parisiennes.
Cette rencontre a été des plus enrichissantes pour découvrir l’homme engagé qu’était Charles POLLOCK.
Lors de cette visite, il a été également question du livre qui vient de sortir chez Grasset
« Lettres américaines ».« LETTRES AMÉRICAINES »  Le Roy Pollock & ses fils
Avec des dessins inédits de Charles Pollock
Ce livre rassemble la correspondance inédite des membres de la famille Pollock de 1927 à 1947. Le plus illustre en est Jackson, mais ses quatre autres frères notamment Charles ne contribuent pas moins à faire des ces lettres un document exceptionnel. Trois histoires en surgissent. une histoire familiale, une histoire artistique et une histoire de l’Amérique. Dans ces années de bouleversement mondial, les Pollock parcourent les Etats Unis et chacun écrit à l’autre pour lui donner des nouvelles intimes aussi bien que politiques. Cette famille unie, optimiste, généreuse, s’enthousiasme pour le New Deal du président Roosevelt, voit apparaître le fascisme en Europe, encourage le génie créateur et tourmenté de Jackson, croit en l’art et en la possibilité de réformer le monde. 
   
 
 

Accumulant images et références culturelles diversifiées, stéréotypes et icônes phares de notre société contemporaine, Bruno Peinado s’attache à citer l’ensemble de ces clichés de masse pour les détourner, les détruire et en offrir une nouvelle dimension. De l’ordre de la réappropriation et du recyclage, ses œuvres produisent l’effet d’un choc visuel sur le spectateur. Conceptuelles, elles poussent le spectateur à s’interroger sur son environnement, et ce en exploitant une dimension visuelle et cérébrale poétique, celle de la démesure, de la démystification et du chaos. Dépassant l’ordinaire et suivant la logique paradoxale des choses, Bruno Peinado crée des oxymores, des images fortes et rebelles, qui sèment le doute et la confusion dans l’esprit du spectateur. Ainsi, les Stardust, restes de poussière d’étoiles ramassés à la pelle et Big Bang, sculpture d’un big bang en taille miniature traitent d’un thème universel sur un ton tout à la fois sarcastique et poétique. Effaçant la notion d’éternité et d’immuabilité, réduisant l’infini et l’incommensurable, elles invitent le spectateur à remettre en question le caractère tangible du monde.
Les oeuvres de Pierre Ardouvin composent le puzzle d’un monde artificiel, qui réactive les peurs de l’enfance et les inhibitions de l’âge adulte et remet en jeu l’ordinaire et l’idéal. À la fois drôles et inquiétantes, âpres et tendres, ses œuvres, assemblages éclectiques mêlant des objets, images, matériaux, lumières, sont réalisées avec un grande économie de moyens. Ainsi, une plaque de tôle posée contre un mur, plus, cachés derrière la plaque, un ventilateur et quelques balles de ping-pong, et voilà La pluie, qui évoque avec mélancolie toutes les pluies du monde. La mélancolie est par ailleurs le sujet même de la série d’aquarelles exposées dans Chhttt…. Là encore, en suggérant le tout par la partie (les yeux et le nez de Bambi flottent dans le blanc de la feuille), l’artiste nous plonge dans un univers à la fois ironique, onirique et doux-amer.
texte provenant du site du CRAC, photos de l’auteur sauf la 2

Jusqu’au – 10 mai 2009
 
Après le merveilleux spectaculaire des œuvres présentées dans Waoohhh!, le second volet de l’exploration du thème au CRAC Alsace, intitulé Chhttt…, présente des œuvres où celui-ci se fait plus conceptuel et minimal : un merveilleux qui naît d’avantage d’une certaine façon de regarder et de magnifier le quotidien, le banal, l’inframince.
Les artistes réunis dans Chhttt… s’intéressent, chacun à leur manière, au postulat suivant : le fait merveilleux n’est pas merveilleux en lui-même, il est merveilleux dans sa relation avec le réel. On peut donc créer un merveilleux en appliquant cette relation sur une réalité quelle qu’elle soit, la plus ordinaire comme la plus fugace.
Se trouve ainsi révélé ce dont, d’habitude, on ne s’aperçoit pas : ce qui se trouve dans les plis du réel.
Les moyens requis par les artistes pour explorer ces plis du réel et interroger notre perception sont nombreux : jeux subtils d’apparition et de disparition des images et des objets (Simon Schubert, Estefania Peñafiel Loaiza, Yves Chaudouët), mouvement lent des corps (Robert Breer), vibrations de la lumière, de la couleur et/ou de la ligne (Jugnet + Clairet, Sandra Böhme, Camila Oliveira Fairclough), évocation d’éléments universels par des objets et procédés pourtant modestes (Bruno Peinado, Pierre Ardouvin, Pierre Alferi), etc.
Finalement, le merveilleux à l’œuvre dans Chhttt… est peut-être celui qui, simplement, permet de se poser des questions nouvelles, inattendues, insolites, et pourtant essentielles : quand fondra la neige , où ira le blanc ?
(Rémy Zaugg) La météo elle-même s’était adaptée au vernissage….
Cette exposition minimaliste et conceptuelle est toute en subtilités.
L’exposition s’accompagne d’un petit journal, qui comporte un texte inédit de Pierre Alferi, extrait de son prochain livre, à paraître au printemps 2009.
avec : Pierre Alferi (FR), Pierre Ardouvin (FR), Sandra Böhme (D), Robert Breer (EU), Yves Chaudouët (FR), Jugnet + Clairet (FR), Perrine Lievens (FR), Camila Oliveira Fairclough (BR), Bruno Peinado (FR), Estefania Peñafiel Loaiza (EC), Simon Schubert (D), Guido van der Werve (NL), Rémy Zaugg (CH)
Mes coups de cœur sont nombreux :
Peintre-philosophe, « artiste conceptuel », Rémy Zaugg a réalisé un œuvre riche et complexe autour de la question de l’art et de ses conditions de perception. Liant la place de l’artiste à celle du spectateur, le « sujet percevant », son art, empreint de nombreuses références théoriques, explore diverses thématiques, de l’effacement à celle de la trace et soulève la problématique de l’absence. Quand fondra la neige où ira le blanc ? Voici une question bien étrange et énigmatique que pose l’artiste dans cette œuvre à la limite du monochrome : l’écriture de couleur blanche tend à se fondre, voire à véritablement se confondre à l’arrière-plan blanc. Blanc sur blanc. On pense évidemment à Casimir Malevitch et sa célèbre œuvre Carré blanc sur fond blanc… Mais, au-delà de cette expérience du néant, l’œuvre de Rémy Zaugg, représente la dissolution du visible en s’articulant autour d’un subtil jeu de mots, en conflit avec leur sens, leur perception et leur forme. À peine lisible, à peine visible, cette question posée crée une forme de dialogue intime avec le lecteur/regardeur.
Artiste vidéaste, Guido van der Werve, compose des scénarios imaginaires. Son œuvre, indéniablement romantique, se caractérise également par une esthétique de l’absurde et du décalage, qui remet en question, interroge et découvre les incohérences de notre monde et nos rêves inaboutis. Entre détachement et amusement, Guido van der Werve cherche à surprendre le spectateur. Ainsi, Nummer Zeven, The Clouds are more beautiful from above, qui relate une tentative ratée de vouloir quitter la Terre, exprime l’échec et la perte tout en illustrant le désir d’évasion de l’artiste face à l’ennui grâce à la fin tragique d’une fusée, soigneusement construite par l’artiste, qui au moment de décoller explose. Détournant l’ordre logique des choses, usant d’une tonalité tragicomique et dévoilant de nouveaux horizons l’artiste interpelle le spectateur et l’incite à une réflexion, à la fois mélancolique et existentialiste.
Robert Breer déjoue les catégories formelles, stylistiques et conceptuelles et réalise un travail libre et rigoureux à la fois. Son oeuvre polymorphe (sculptures , peintures, dessins , films) se caractérise par les échanges entre ces différentes pratiques. Robert Breer éprouve les seuils de conscience, de perception et les limites de la représentation. Ses sculptures, modules géométriques, sont une allusion ironique à l’art minimal. Ces présences discrètes sont motorisées. Elles se déplacent très lentement, à même le sol, de manière presque imperceptible et sans logique. La perception ténue du mouvement offre au spectateur une reconnaissance du temps et de l’espace qu’il occupe.’ (Extraits du communiqué de presse de l’exposition Robert Breer, gb agency, 2001)
Artiste multiforme, Yves Chaudouët explore des univers à la fois singuliers et multiples avec une grande liberté de moyens et tisse des liens nouveaux entre différentes disciplines. Souvenirs d’enfance et fascination pour le monde marin sont les sources d’inspiration de l’installation Tiefseefische, dans laquelle il plonge le spectateur dans l’obscurité des abysses. L’artiste façonne ici un monde encore inconnu et inexploré par l’homme, dans lequel le spectateur découvre des êtres – presque – imaginaires. Fragiles et précieux, ces espèces des profondeurs sont en verre, ce qui permet d’offrir une palette d’effets saisissants, comme le jeu de lumière et de reflets sur les surfaces lisses, translucides ou opaques. Poissons, étoiles, monstres marins, c’est donc tout c’est un bestiaire océanique fantasque et luminescent, flottant dans l’espace, qui transforme la grande salle du CRAC en un immense et curieux fond marin, qui n’est pas sans rappeler les fascinants mondes nés sous la plume de Lautréamont ou encore de Mallarmé.
Jouant à dé-produire et à re-produire l’image que se donne le monde, Anne-Marie Jugnet et Alain Clairet explorent dans leurs œuvres les conditions et le processus de production d’une œuvre, ainsi que leurs représentations et leurs limites. Ce travail conceptuel autour de l’image met en scène l’acte artistique ou « le faire » comme un élément permettant de mieux appréhender le système et le contexte dans lesquels il s’inscrit. Avec Ligne FB-BT, néon bleu dans un caisson translucide ou encore Ligne de partage du ciel, les deux artistes investissent le genre du paysage avec le ciel comme champ d’observations. Si Ligne FB-BT est une « sculpture » matérialisant l’éclat lumineux du ciel, les peintures de la série Ligne de partage du ciel sont quant à elles une capture d’un bout de ciel, vaste étendue à la limite du monochrome, où seule une ligne à peine perceptible se dessine. Cette évocation d’un au-delà, frôlant l’abstraction et la dématérialisation, est le résultat de l’analyse du passage de la lumière vers la forme, une tentative illusoire d’approcher une image idéalisée. Un phénomène insaisissable, un motif fugitif ou encore un non-visible qui devient pourtant palpable et apparent au spectateur.
Le travail de Perrine Lievens interroge avec finesse la forme et son intégration dans un espace donné. Ce faisant, le traitement plastique conceptuel de ses œuvres propose une subtile relecture du réel, en perturbant l’approche et la compréhension que nous avons de celui-ci. Transformant notre environnement commun, Perrine Lievens joue avec le spectateur, appelé à faire l’expérience d’un univers réinventé et d’en changer sa perception. Témoin de ce jeu, le balcon exposé dans les escaliers du CRAC et revisité par un effet de lumière diffus, perd son utilité et devient inaccessible : il n’est plus le lien entre deux espaces distincts, intérieur et extérieur. Transgressant l’ordre habituel des choses, Vue se donne à voir au lieu de donner à voir. S’offrant ainsi à notre regard, il confère à l’objet qu’il incarne une nouvelle dimension poétique.
texte provenant du site du CRAC, photos de l’auteur et provenant du site du Crac.
 

Homme libre Hans Arp ne veut pas mettre de frontière entre les gens, les pays, qu' il  traverse. Né en 1886 à Strasbourg, il est allemand et se prénomme Hans, il s’appellera Jean en 1926 lorsqu’il devient français. Avant d’être un sculpteur c’est d’abord un poète. Ses œuvres sont conçues pour se fondre dans la nature. Images joyeuses, ludiques, facétieuses, mais aussi dramatiques en raison de ses origines, déchiré entre deux cultures, il les raconte à travers son travail politique. Le processus de création est le fil conducteur de l’exposition.

  L’ovale sous toutes ses formes, il l’étend, le divise, le peint,  se l’approprie comme un processus génétique. Abstraction et surréalisme est la synthèse de cet artiste cosmopolite. Mais au terme d’abstraction il préfère celui d’ « art concret ». Il annonce, « nous voulons produire comme une plante qui produit un fruit et non pas reproduire. »

Il créé un véritable langage, l’ovale est d’une grande cohérence dans son art. Il laisse faire le hasard, soit il l’invente.

 « Je suis né dans la nature, je suis né à Strasbourg, je suis né dans un nuage », avec l’alsacien Hans Peter Wilhelm Arp, le triple jeu de la langue marque son identité à l’ombre de la cathédrale.

C’est à Strasbourg qu’il participe à la transformation de l’Aubette, en collaboration avec sa femme Sophie Taeuber et avec l’artiste  Theo van Doesburg. Travail considéré, comme la chapelle Sixtine de l’art moderne, car c’était l’implication de tous les principes de l’œuvre d’art totale.

C’est au cabaret Voltaire à Zurich, qu’il signe l’acte de naissance du mouvement Dada, avec Tristan Tsara. C’est là qu’il crée le « nombril du monde » « Dada est pour la nature et contre l’art » Mais aussi les cadavres exquis et toute la création Dada, les collages, les papiers déchirés reflet de l’actualité oppressante et dramatique.
Puis c’est Paris, puis Clamart Meudon, havre de paix où il séjourne avec l’amour de sa vie Sophie Trauber Arp, qu’il se met réellement à la sculpture.

Ces créations renvoient à des formes archaïques, intemporelles, oniriques, symboliques, inspirées par la nature (l’œuf, le nuage, le nombril, l’embryon) C’est une poésie personnelle, des collages en forme de poèmes, des poèmes enforme de collage, tout est cohérent. Il concilie, l’humain, la nature, les courbes géométriques, dans une belle harmonie. Cela aboutit à des formes biologiques mais aussi à un abécédaire secret, en quête d’origine primitive.

C’est ici que le terme concrétion prend toute sa signification.

 Tantôt torse, tantôt vase, tantôt femme, tantôt animal, les formes arrondies, ondoyantes et fluides révèlent un univers épuré.

C’est au cimetière de Locarno, qu’il est enterré, la Villa Arp, foisonne de son abondante production  (800 pièces) et certaines de ses créations prêtées, sont visibles à l’exposition de Strasbourg, comme la femme paysage, les 3 grâces, fruit de lune. la femme amphore,  ailleurs des  tables-forêts. Il mélange les règnes, les échelles, unit, dans ses  » constellations ».

Proche de Miro et de Klee, Arp a un imaginaire débordant, que l’on peut parcourir parmi les 180 objets, qu’expose le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg, à l’occasion de son 10ieme anniversaire et ceci jusqu’au 15 février 2009.

le livre de l’exposition et la vidéo de FR3

 photos 2 et 3 de l’auteur les oeuvres se trouvent à la Fondation Gianadda – Martigny – Valais   Suisse

Le designer américain George Nelson aurait eu 100 ans en 2008.

Pour cette commémoration, le Vitra Design Museum de Weil am Rhein, (architecte Frank Gehry) présente la première rétrospective complète de son œuvre. George Nelson qui a étudié l’architecture à Yale, fut l’une des figures prédominantes du design américain au cours de la seconde moitié du XX° siècle.

Il est un créateur à la vision futuriste, révélant un penchant particulier pour les formes ludiques et l’utilisation de matériaux nouveaux pour le mobilier. L’idée des objets de notre quotidien   a  germé dans le cerveau de ce personnage

Certains grands classiques du design moderne de meubles et d’intérieurs ont vu le jour dans son bureau :

Coconut Chair

Cette création est typique du design des années cinquante qui se caractérise par une ligne pleine d’humour, des formes pures et l’utilisation parcimonieuse de matériaux. Nelson lui-même la comparait à un éclat de noix de coco qui se serait ouverte en huit morceaux, la couleur du Coconut Chair étant inversée : la coque extérieure de l’assise en matière synthétique blanche, le rembourrage d’une seule pièce est disponible en plusieurs coloris. En reprenant la forme naturelle et spatiale d’une coque, Nelson créa un fauteuil accueillant et confortable permettant à l’utilisateur d’adopter librement les positions les plus diverses. L’ottoman que Nelson dessina en 1955 en complément du fauteuil, augmente encore son confort d’assise et ses possibilités d’utilisations. Un autre chaise aux courbes élégantes, au nom assez comique Pretzel Chair

 Marshmallow sofa de 1956  
    Cette création de Nelson transforme le canapé traditionnel en un rapport en trois dimensions composé de 18 coussins multicolores porté par une simple structure métallique. Ses lignes et sa structure inhabituelles font du Marshmallow Sofa un canapé exceptionnel dans l’histoire du design. Un élément de rallonge composé de 6 coussins peut être monté entre deux canapés, qui peuvent ainsi être agrandis à volonté. Elle fut un véritable flop au début de sa création.

Ball Clock
Par la diversité des matériaux utilisés et leurs formes sculpturales, les horloges de George Nelson incarnent l’esprit des années cinquante. Même de nos jours, ses horloges restent une alternative pleine de fraîcheur aux objets habituels de mesure du temps. Le Vitra Design Museum réédite ces créations très recherchées par les collectionneurs dans leur forme d’origine.  La Sunflower Clock est un vrai must.
 Bubble lamps 1952
George Nelson n’était pas seulement  un designer couronné de succès, mais également  un auteur, publiciste et enseignant remarquable, un organisateur d’expositions et un photographe passionné. Dans ses nombreux essais sur le design, il a été l’un des premiers designers à réfléchir sur les conditions de travail, c’est ainsi qu’il dessina le bureau en L, qui ont été si familiers à une époque.
Le Home Desk
Meuble à la fois élégant et décoratif, avec son piètement filigrané minutieusement façonné et une touche discrète de couleurs, le Home Desk s’inscrit parmi les chefs-d’œuvre du designer George Nelson. Conçu à l’origine comme un secrétaire pour dames, il représente aujourd’hui un petit poste de travail pour l’habitat.
Le langage formel aux lignes claires et droites du Bench révèle la formation d’architecte de Nelson. Comme de nombreux classiques du design, le Bench offre une large palette d’utilisations et peut aussi bien servir de banc que de table d’appoint.