Catégorie : Arts plastiques

Dans le cadre de la Regionale 10, le T66 Kulturwerk de Freiburg – Allemagne a fait le choix de présenter un seul artiste Ivan Fayard, un français, né en 1967, diplomée DNSEP de l’Ecole des BA de Lyon, en 1997. Après une résidence en 1998, à Fès au Maroc dans le cadre des programmes cultures France,  en 2003 il est pensionnaire hors les murs, de la Villa Médicis, au 18  de l’Art Street Center de Los Angeles. Il est enseignant au Quai à Mulhouse (école des BA). Il travaille et vit essentiellement à Paris.
Pour son exposition personnelle Surfacing, Ivan Fayard, le peintre, élargit sa pratique artistique à la réalisation d’oeuvres sur papier et à une sculpture. Ce qu’il donne à voir : des jeux de matière, de reflet, de surface ; Les oeuvres présentées à T66 Kulturwerk oscillent entre nature et artifice, réalité et fiction. Usant du détail infime, de la répétition du geste, l’artiste trace une voie poétique dans la physique des images ordinaires par la révélation de leur matérialité.
Fragile et monumentale, désuète, anachronique et contemporaine, exubérante et minimale, originale et usurpatrice, la peinture d’Ivan Fayard est fragmentée tel un kaléidoscope, un miroir brisé trop vite recollé. Ces différentes séries, sortes de juxtaposition de temporalités et d’identités multiples, sont hantées par 1’histoire de l’art, visitées par d’incessantes intrusions contemporaines.
Parce qu’elle est poreuse, perméable, sa peinture ne peut se contenter d’une signature artistique particulière. Ces éclats
d’identités, ces déguisements incomplets puisés dans les « poubelles » de l’abstraction et de la figuration sont des aspirations, des interrogations et des réflexions menées plutôt que des affirmations péremptoires ou guidées par un on-ne-sait-quoi idéologique. Parce qu’Ivan Fayard préfère jouer, circuler entre ces différents moments artistiques pour en déplacer les enjeux, l’essentiel de son oeuvre interroge quelle est sa part d’implication personnelle et quelles sont celles, fictives, pouvant s’inscrire dans une oeuvre polymorphe. En s’interrogeant sur ces questions de l’assimilation,
de la mémoire, d’un vécu spécifique, on entrevoit dans sa pratique artistique une affirmation troublante de l’existence
constituée de masques derrière lesquels il pourrait se cacher, sorte d’identités artistiques inventées.
extrait du catalogue Regionale 10

Entretien avec Ivan Fayard
Intrigante, érotique, drôle, déroutante, multiple, tantôt nuage atomique, gnome, femme  en extase se livrant à l’art de l’onanisme , empreintes, mais aussi vanités, Eros et Thanatos,  dessins oeuvres sur papier, Sepia, lavis bruns,  telle est l’oeuvre d’ Yvan Fayard, qui a oublié de se servir du medium favori de la Regionale : le mètre pliant -;)))
IF : Cycles des Instantanés

Ces images semblent réalisées avec de l’encre Sépia. Or, il n’en est rien. C’était un piège.
J’ai en fait, introduit un procédé (en référence à la stéganographie, cet art du secret) qui participe de cet art de la dissimulation utilisé dans l’espionnage: Il s’agit d’encre sympathique (pas le jus de citron, trop instable). Pline, dès le 1er siècle av. J.-C. décrit comment fabriquer de l’encre invisible.
Dans la vanité à 4 crânes, vous avez du remarquer deux trous en guise d’orbites oculaires: ce sont les conséquences du feu que j’ai utilisé pour faire apparaitre ces images en les brulant. Sauf qu’ici, la flamme a traversé le papier: Un indice humoristico-macabre.
Ces oeuvres sont regroupées sous le terme du Cycle des Instantanés (les images apparaissent soudainement sous le passage du feu). Les images sont précises, détaillées, elles ont été réalisées par ce qui constitue toutefois une action paradoxale: l’utilisation du feu (destructeur par nature) comme acte créateur.
ps: au paragraphe 35 du livre V de son Enquête, l’historien Hérodote fait référence à la stéganographie, cet art du secret : Histiée incite son gendre Aristagoras, gouverneur de Milet, à se révolter contre son roi, Darius, et pour ce faire,
 « il fit raser la tête de son esclave le plus fidèle, lui tatoua son message sur le crâne et attendit que les cheveux eussent repoussé ; quand la chevelure fut redevenue normale, il fit partir l’esclave pour Milet ».
 
Cycle des Musca

Les cibles sont issues du Cycle des Musca (mouche en latin).
Ces peintures renouent avec la focalité en peinture et le choix de la mouche comme unité dont la répétition forme le motif du tableau n’est pas innocent.
Symbole de la vanité ou élément du maquillage des élégantes au XVIIIe siècle, les mouches sont alternativement blanches et noires. Cette alternance dessine des rayures concentriques
qui forment sur le voile gris du monochrome une cible. Mais cette cible est comme corrompue. Le va-et-vient entre l’échelle réduite des insectes et celle, beaucoup plus grande, de la cible contribue à la dynamique du tableau.
Si je restaure une certaine peinture géométrique en introduisant un virus dans le monochrome gris argenté, je prend en même temps mes distances avec elle en l’abordant avec ironie.


Cycle des Reliefs

Imaginez un tatouage réalisé sans encre, dont il ne resterait que les trous laissés par le passage de l’aiguille dans votre peau. C’est ce que vous avez vu avec le cycle des Reliefs.
ps: A la Renaissance, en Italie centrale, on introduit l’emploi du carton préparatoire pour réaliser des fresques murales. La fresque entière est figurée grandeur nature sur le carton. Les lignes qui en composent le dessin sont formées par des points perforés. Une fois appliqué le carton sur l’intonaco frais, on projette une très fine poudre de charbon.
Ainsi la poudre, passant à travers les petits trous, laisse la trace à suivre dans le travail au pinceau. Cette technique est appelée « spolvero ».
 

photos de l’auteur

vous pouvez retrouver les dates et les horaires de visites et les parcours indiqués sous Regionale 10

Grand merci à Ivan Favard pour le temps qu’il m’a accordé

Vous qui êtes dubitatif devant l’art contemporain, saisissez l’occasion, pour aller y voir de plus près, de tenter de comprendre, en parcourant les divers lieux qui participent à la Regionale 10, lieux où des guides vous donneront les clés pour une meilleure approche de ce qui vous paraît, insolite, trop conceptuel, élitiste, hermétique.

L’exposition de la Régionale est devenue le rendez-vous artistique de la fin d’année aux frontières de la Suisse, l’Allemagne et la France. Cette manifestation est le seul exemple de collaboration transfrontalière entre 15 lieux d’art contemporain. Elle réunit des artistes confirmés de la scène locale et offre une large visibilité à de nombreux jeunes talents. Cette année les jurys ont retenu 200 artistes sur 680 candidats.
Lieux d’exposition de la REGIONALE 10:

Accélérateur de Particules Strasbourg, Ausstellungsraum Klingental, Cargo Bar Basel, FABRIKculture Hégenheim, Kunsthalle Basel, Kunsthalle Palazzo, Liestal, Kunsthaus Baselland, Muttenz, Kunst Raum Riehen, Kunstverein, Freiburg, Kunsthaus L6, Freiburg, Kunsthalle- Mulhouse, [plug.in] Kunst und neue Medien, Basel, Projektraum M54, Basel, Städtische Galerie Stapflehus, Weil am Rhein, T66 kulturwerk Freiburg.

Vous trouverez les détails des circuits des bus tours ( les dimanches 6/13/20-12 ) ci-dessous :
Regionale 10
Informations: mail@regionale10.net
Accélérateur de particules rejoint pour la première fois l’événement et invite, par là-même, Strasbourg à la REGIONALE.
Dans son exposition, 13 artistes

Bechtel Laurent | Cogitore Clément | Conrad Gianin | Dugit-Gros Chloé |
Haenggi Edith | Hauswirth Stephan | Jun Azumatei | Menzel Michaela |
Muller Karen | Olbricht Kriz | Prunier Marie | Semper David | Stieger Valentina

ont été choisis pour traiter de l’idée d’espace commun et sans limites: le Ciel. Installations, sons, photos, vidéos et peintures déclinent ce sujet aérien de manière contemplative, atmosphérique, nocturne, diurne, politique…
C’est ainsi que Laurent Bechtel, dont le drapeau flottait à la Kunsthalle de Mulhouse, présente un proto-paysage au sol. Un ciel-néon  repose à l’abri d’une tente touareg constituée d’une planche agglomérée beige sable.

Clément Cogitore déchaîne le feu du ciel avec sa vidéo Burning cities. Une succession de sujets pris sur Internet et savamment montés bout à bout avec pour point commun un ciel nocturne embrasé. Un montage très doux nous fait de manière à la fois inquiétant et poétique passer d’un feu d’artifice à un bombardement ou un incendie.

Gianin Conrad revisite les objets du quotidien de manière provisoire et improvisée, Il reconstitue les objets à l’aide de mètres pliants. Sa pièce forme une chaise dessinée par le mètre pliant posée sur un fond noir étoilé. Une véritable constellation de la chaise du firmament.

Chloé Dugit Gros, met en scène dans une petite pièce, une carte postale ancienne représentant un paysage montagneux bordé d’un bloc de plâtre figurant un morceau du glacier représenté sur la carte. Par ce rapprochement d’éléments formels, elle compose une esquisse de narration et nous présente une pièce proche du cabinet de curiosité.

Marie Prunier photographie les seuls personnages de l’exposition. Tels des dieux célestes regardant l’agitation du monde, ces visages sont fortement éclairés par une source lumineuse invisible. Cette image caravagesque est à la fois douce et classique, tout en ayant une force et une contemporanéité que lui confère la qualité de la photographie.

Commissaires de l’exposition : Olivier Grasser, directeur du FRAC Alsace à Sélestat, et Sophie Kauffenstein, directrice de Accélérateur de particules à Strasbourg.

photos de l’auteur

Pour tous ceux qui n’ont pu voir l’exposition à l’espace Beaurepaire, dans la rue du même nom à Paris, pour tous ceux qui sont curieux de son travail, vous pouvez le retrouver sur son blog, où toiles et textes se marient avec bonheur.

La pétulante et gouailleuse artiste nous promet une nouvelle exposition qui est programmée à Mulhouse en 2010

Belle découverte à St’Art à la galerie Bamberger, d’Ann Loubert.
La galerie Bamberger à Strasbourg, présente aussi dans sa galerie, des oeuvres de Titus Carmel jusqu’au 10 janvier 2010.

Juxtaposant des estampes d’Ernest Pignon-Ernest, des aquarelles et des dessins, révélent l’étrange monde pictural d’Ann Loubert. Et ses personnages ne le sont pas moins, tant par leur étonnant traitement que par le fond et l’atmosphère qu’ils dégagent…
La peintre d’ailleurs, les dissèque d’une bien curieuse manière, avec des traits à peine esquissés et qui finissent par se perdre vers des fonds blancs, comme nuageux. Ces vastes espaces vierges, lesquels isolent les sujets pour encore mieux les valoriser, contribuent à faire respirer les compositions avec équilibre.
Le regardeur, alors, peut revenir vers le regard intense de ces êtres à l’allure un peu fantomatique et qui semblent s’extraire péniblement d’un rêve. La finesse du coup de crayon, la juste touche, quoique imprécise, d’un lavis bien placé, et l’harmonieuse répartition des masses accouchent ensemble d’une oeuvre forte et originale.
Ann Loubert dessine sur le motif au fil de ses rencontres, aspirant à un renouvellement constant de son regard sur le monde. La fugacité et la légèreté de son trait elliptique donnent naissance à des figures denses et à des présences singulières. La ligne concise, souvent suspendue ou dédoublée, suggère le caractère éphémère de la scène, et exalte la vie tant physique que psychique de son modèle.
La proximité immédiate de la figure résulte de la perception profondément humaine de l’artiste sur le monde, ainsi qu’une recherche de dialogue permanent avec ce dernier. Les couleurs pastels restreintes, appliquées le plus souvent en tache, créent un rythme du regard, et nous révèlent le caractère profond et secret de ces moments privilégiés vécus par l’artiste aux côtés de ses modèles. Harmonie et tension, stabilité et mouvement, atténuations et accentuations, sont les composants essentiels à cette écriture plastique de l’altérité.

photos de l’auteur

A l’occasion d’une semaine d’ateliers avec des artistes invités,
Le Quai, école des Beaux Arts de Mulhouse, a ouvert ses portes le temps d’une soirée. Son directeur David Cascaro a accueilli,
Bernard Goy représentant de la DRAC Alsace,
Michel Samuel Weis, adjoint à la culture de la ville de Mulhouse, commentateur bénévole, en voix off, du film de Tobias Rehberger :

La Légende de la Pomme de Terre d’Or.

Film, que vous pouvez retrouver, tournant en boucle dans la vitrine de Manpower, à côté de la Tour du Bollwerk, près du champ de pommes de terre … Quelques bienheureux … ont dégusté quelques pommes de terre, en y cherchant désespérément des pépites d’or….
Un public nombreux se pressait et déambulait dans les diverses salles de l’établissement, dans une chaleureuse ambiance.
Avec dans le désordre, Edson Barrus, Pierre Tillet, Michèle Reverdy, Julien Ottavi, Jennifer lacey, Loran Stosskopf, Bris Rebetez, Benjamin Bardinet, Christian kempf, Christian Savioz et Claire Morel, l’association lalala et quelques surprises dont :

vidéo avec l’aimable autorisation de David Cascaro et MS Weis.

L’art est-il un luxe ou encore  un frenchy aux States.

Beaucoup d’entre vous, caressent le projet d’aller à New York, de courir musées et galeries, de flâner à Chelsea ou à Soho, Brooklyn, Harlem, de se plonger dans l’atmosphère si particulière de cette ville. Il y a, of course,  les grands classiques comme le Moma, le Met, le Guggenheim, le New Museum, la Collection Frick, de côtoyer le monde de la politique et de la diplomatie internationales à l’ONU, mais avant d’aborder toutes ces richesses, vous pouvez suivre l’information en direct et trouver des réponses dans les interviews que présente sur son blog  :
THIBAUT ESTELLON, qui vit à New York auquel je laisse la parole :

« The French Creative Connection ».
lien en blogroll dans la partie droite du blog

Que ce soit dans les arts visuels, la musique, le cinéma, la mode, le spectacle vivant et les arts de la scène, la littérature, le design ou bien encore l’architecture, nombreux sont les français qui s’expatrient aux Etats-Unis pour travailler dans les milieux créatifs et artistiques. Voici donc une série d’interviews de ces personnes qui font bouger New York en version française !

Moi je suis très impatiente d’y retourner, il y a tant d’endroits qui excitent ma curiosité.

Un peu étrange en effet : la 53e Biennale de Venise manque de cohérence. Intitulée « Construire des mondes », vaste programme, mais qui n’engage à rien. La sélection opérée par son directeur, Daniel Birnbaum, laisse perplexe : ni préférences nettes, ni directions établies, ni nouveautés. Tout cela est de l’ordre  du déjà vu à Art Basel dans les différentes sections, souvent en mieux et en primauté, ou ailleurs. Mais allons y voir de plus près et ne boudons pas notre plaisir.

Les Giardini rassemblent  30 pavillons, que je n’ai pas tous visités. Le lieu est plaisant loin de la grande foule de San Marco ou du Rialto où se déverse en fin de semaine, la foule des visiteurs du week-end et où les paquebots crachent leurs passagers, qui déambulent, guides en tête à la quête d’un maximum de choses à photographier en un minimum de temps. Surtout qu’un temps fabuleux était de la partie.
J’ai commencé par le pavillon espagnol, présentant  des peintures et de belles céramiques de Miquel Barceló. Puis j’ai pris le temps d’apprécier les installations multimédias de Fiona Tan au pavillon néerlandais, avant de me perdre dans la première grande monstration « Fare Mondi » du Palazzo delle Esposizioni.
L’installation à la fois « florale » et vidéo de la Suédoise vivant à Berlin, Nathalie Djurberg, m’a rappelé celle qu’elle présentait à Art Basel, tout aussi « gore » que l’installation “The Rhinoceros and the Whale” (2008) . Elle se compose d’une structure en bois sur laquelle sont projeté des films d’animation “. Ces  films ont des affinités et présentent des similitudes, dans le traitement de la féminité et tous ses tracas.
J’ai été séduite par les installations de Hans-Peter Feldmann (Allemagne) qui, à partir de petits manèges tournants, projette sur le mur des ombres oniriques, par le biais de petits projecteurs.
La gigantesque installation cosmogonique et filaire de l’Argentin Tomas Saraceno, ne surprend plus, car elle a été reproduite dans tous les magazines, quoique je me sois amusée à y pénétrer.
Aucune surprise en ce qui concerneTobias Rehberger qui a choisi de complètement transformer, radicalement et géométriquement, la cafétéria-restaurant du Palazzo delle Esposizioni, ce qui lui a valu de recevoir le Lion d’Or du meilleur artiste. Il a fait la même « customisation » à la Kunsthalle de Baden Baden, vue 2 mois auparavant.
J’ai zappé Jussi Kivi autour et sa thématique des pompiers,
J’ai un peu regardé la méditation très picturale (tableaux, films, photos) de Péter Forgács autour du regard ou d’actes dominants que l’on peut porter ou exercer sur l’Autre, les pistes se brouillant avec l’interférence d’images de prisonniers de guerre, lors de la Seconde Guerre mondiale, mais zappé le pavillon israélien présentant des acryliques de Rafi Lavie, récemment disparu.
Le Danemark, la Finlande, la Norvège et la Suède ont laissé carte blanche à Michael Elmgreen et à Ingar Dragset. Pour le curieux projet « The Collectors ». Le visiteur est mis dans la peau d’un acheteur potentiel d’une étrange maison contemporaine avant d’être autorisé à pénétrer dans un second espace, très vaste, où sont présentées diverses œuvres d’art très connotées, dont du design, comme il se doit. En sortant, un cadavre flotte dans la piscine, pause photo obligée pour tous et reproduite partout.
Le pavillon russe présente « Victoire sur l’avenir » en ayant invité sept jeunes artistes russes. Alexei Kallima a imaginé un match de football entre le fameux Chelsea et un club tchétchène, Terek. D’impressionnants panneaux muraux, soumis à des jeux de lumière percutants. Anatoly Shuravlev a reproduit en un format minuscule les effigies de ceux qui ont fait l’histoire et les a disséminées, dans un nuage de petites billes de verre suspendues au plafond,
Puis j’ai « emprisonné » JR dans la grand-messe « grillagée » et quelque peu funèbre de Claude Levêque. Le drapeau noir flotte sur « Le grand soir » Il ne faut pas oublier le pavillon vénitien avec sa superbe installation colorée.
A l’Arsenale je me suis amusée avec les miroirs brisés de Pistoletto, déjà vus à Art Basel il y a 2 ans.
Pour les installations parsemées dans la ville, il vaut mieux se reporter à d’autres blogs, j’ai préféré me consacrer aux autres beautés artistiques de Venise.

Dominique L. Il ne faut jamais hésiter devant une envie de voyager et de découvrir.
Si ton mari est aussi ton amoureux, emmène-le avec toi, dans la ville des amoureux par excellence. Si tu veux mettre ton ménage en péril pour aller voir juste la biennale, ne te fies pas à mon appréciation, je te renvoie à l’à propos en haut de mon blog «  dilettantisme ne veut pas dire compétence. »
La prochaine fois, j’irai juste pour me consacrer à la biennale.