Rembrandt Harmensz. van Rijn –
Brustbild eines Mannes in orientalischer Kleidung
Jusqu’au 14.02.2021, au Kunstmuseum Basel | Hauptbau
Commissaire : Bodo Brinkmann, Gabriel Dette
Commissaire invité : Gary Schwartz
Blatt: 24 x 17.6 cm; Radierung, Kaltnadel; Inv. 2019.168
La curiosité de Rembrandt Harmensz. van Rijn pour tout ce qui est étranger et son insatiable appétit de collectionneur sont déjà légendaires de son vivant. Artiste, collectionneur et citoyen, il entre en contact avec des oeuvres d’art, des objets d’usage courant et des individus de toutes les parties du monde connu à l’époque et s’en inspire pour son oeuvre.
L’exposition L’Orient de Rembrandt présentée à l’automne au Kunstmuseum Basel | Neubau explore ce monde des idées au travers d’une sélection d’oeuvres du peintre hollandais et de ses collègues artistes.
Rembrandt (1606-1669) et ses contemporains n’ont eu de cesse de peindre des objets de pays lointains : turbans et tapis, sabres et soieries. Leurs oeuvres d’art témoignent de la première mondialisation et illustrent l’influence de cultures étrangères dans les Pays-Bas du XVIIe siècle.
La soif de connaissance, le désir de collectionner et la fierté de posséder marquent cette époque significative pour l’histoire de l’art et constituent une source d’inspiration pour les peintres dans la réalisation de scènes d’histoire, de portraits et de natures mortes d’un genre nouveau. Toutefois, comme nous le constatons aujourd’hui, le revers de cette appropriation du monde demeurait absent des représentations ; le déséquilibre des forces entre les cultures se
traduisant également par l’esclavage, la violence, l’exploitation et les guerres commerciales.
L’exposition présente un peu plus de 120 oeuvres au total, parmi lesquelles figurent aux côtés de peintures nombre de gravures, dessins, miniatures, cartes et ouvrages. Parmi ces oeuvres, une centaine sont des prêts consentis par d’importantes collections muséales et particulières du monde entier
Les Sources
Une autre source importante se trouve au sein même de la collection du Kunstmuseum Basel qui possède un témoignage de jeunesse majeur de la confrontation de Rembrandt avec le thème de l’exposition : David présentant la tête de Goliath au roi Saül, peinture réalisée en 1627.
En outre, le Kupferstichkabinett (cabinet des arts graphiques) dispose d’un fonds de l’oeuvre gravé de Rembrandt remarquable tant sur le plan qualitatif que quantitatif. La généreuse donation d’un ensemble de 150 feuilles consentie par le collectionneur bernois Eberhard W. Kornfeld a contribué à l’élargir considérablement ces dernières années. Plus d’une douzaine de ces feuilles sont visibles au sein de L’Orient de Rembrandt.
Une présentation d’Ariane Mensger se tenant simultanément à l’entresol du Hauptbau montre au public d’autres pans de cet exceptionnel ensemble de la collection.
Le parcours de l’exposition
Avec turban et robe en soie :
l’Orient à domicile
L’expansion du commerce vers d’autres continents n’a pas seulement
engendré une très grande prospérité pour une partie de la bourgeoisie
de la République néerlandaise ; l’augmentation des connaissances et la
disponibilité des marchandises ont également assuré la présence, intellectuellement par l’érudition ou physiquement par les objets, de pays
éloignés de l’Europe. La présence de l’exotique a également influencé les
habitudes et la mode aux Pays-Bas – ainsi que la peinture. Les motifs des
cultures étrangères ont trouvé leur place dans les scènes de genre, les
portraits ou les portraits historiés. Ils ont servi de symboles de statut
social, évoquant la position et la prospérité financière de leur propriétaire.
Les voies de la prospérité.
Commerce et guerre
L’intérêt pour les pays lointains et la disponibilité d’objets exotiques s’explique
par la circulation mondiale des marchandises que les Pays-Bas ont
développée au XVIIe siècle. Les représentations picturales consacrées au
thème du commerce n’étaient pour la plupart ni réalistes ni documentaires ;
elles ne prétendaient pas rendre avec précision une scène quotidienne,
ni présenter un événement historique de manière factuelle. Elles répondaient
davantage à des préoccupations représentatives ou décoratives.
Ceci s’appliquait même à la figuration des conflits armés en cours – la face
cachée du commerce mondial.
La connaissance du monde.
Collectionner et rechercher
L’expansion du commerce sur tous les continents a entraîné un élargissement des connaissances et du savoir dans le monde. Une multitude de livres et de cartes décrivent et révèlent des terres lointaines. Amsterdam devient le centre de l’édition. Les portraits d’érudits figurés entourés de
livres soulignent un idéal d’éducation, qui forme un contrepoint à la passion pour le négoce. Des objets tels que des coquillages exotiques deviennent
des pièces de collection convoitées par la bourgeoisie pour ses cabinets de curiosités. Les natures mortes et les peintures d’intérieurs mettent en évidence l’exotisme et le luxe.
Le rotin. Une étude de cas
Les épices orientales et la porcelaine chinoise importées ne sont pas
les seules à jouir d’une grande popularité aux Pays-Bas : l’inventaire d’un
magasin d’Amsterdam datant de 1664 recense un approvisionnement de
pas moins de 1 700 baguettes en rotin ! Le bois léger et robuste de ce
palmier très répandu en Indonésie (qui constituait en ce temps-là les
Indes orientales néerlandaises) était idéal pour fabriquer des cannes.
Mais l’armée l’a aussi utilisé : le commandant habillé à la dernière mode
sur le tableau de Simon Kick exposé ici présente fièrement son bâton
d’officier en rotin brûlé. Des objets similaires sont encore fabriqués
aujourd’hui pour être utilisés dans diverses disciplines d’arts martiaux.
Le paysage de la Bible
Le jeune Rembrandt et ses modèles
Rembrandt et ses collègues peintres plaçaient leurs représentations des épisodes de l’Ancien ou du Nouveau Testament dans un paysage qui, avec ses
rochers et ses collines gris-brun, semblait en tout cas différent des plaines
verdoyantes du nord des Pays-Bas. Ce décor était peuplé d’hommes
portant des turbans et de femmes souvent magnifiquement habillées de
costumes colorés. Ici aussi, l’imagination était au pouvoir, bien que les
couleurs et les motifs, notamment des soieries, aient pu correspondre
aux modèles réels des tissus orientaux du XVIIe siècle.
La lumière dans le temple.
Rembrandt à Amsterdam et ses suiveurs
Dans les années 1630, Rembrandt et d’autres peintres ont souvent choisi
des thèmes bibliques placés dans un intérieur peu éclairé, qu’il s’agisse
de l’étable de Bethléem ou d’un temple. Là aussi, ils ont utilisé des motifs
exotiques tels que des turbans, des vêtements ou des épées pour rendre
la scène plus authentique.
Dans ces oeuvres, l’Orient est rarement le
théâtre d’une splendeur imaginaire, mais un lieu mystique : la sagesse de
Dieu s’y révèle au peuple d’Israël, ou bien le mystère chrétien du Salut
s’accomplit en son sein. Sous les sombres voûtes, Rembrandt déploie
un magistral jeu de lumières avec des rayons réfléchis par des surfaces métalliques. Cet effet sert non seulement à définir l’espace à l’intérieur
de la scène, mais aussi à souligner certains éléments de sa signification.
Le goût des autres
L’assimilation de l’Orient par Rembrandt
La fascination pour l’Orient dans les Pays-Bas du XVIIe siècle n’était pas
seulement basée sur le plaisir esthétique procuré par de beaux et luxueux
objets. Il était également associé au monde de la Bible, à la fois onirique
et positivement connoté, tel qu’il se manifeste dans les peintures de
Rembrandt. La splendeur des vêtements et la préciosité des images orientalisantes contrastent avec l’austérité puritaine du calvinisme.
Dans cet intérêt pour les mises en scène orientalisantes,
l’attrait pour le merveilleux, l’extraordinaire, est alors manifeste.
L’ ‹ Orient › est l’Autre, une idée abstraite de ce qu’il est possible de vivre,
une surface de projection pour les besoins humains auxquels la vision rationaliste de l’Occident, particulièrement prégnante dans le protestantisme, n’offrait aucune place.
De ses propres yeux ?
Authenticité et cliché
Dans le cas des histoires bibliques, les costumes ou les décors orientalisants
servaient à créer une certaine ambiance. La question de savoir
dans quelle mesure ces motifs correspondaient à la réalité n’avait que
peu d’importance. Les paysages et les portraits prétendaient parfois
figurer une région ou une personne réelles.
Cependant, dans les Pays-
Bas du XVIIe siècle, seuls quelques tableaux fournirent une représentation
fiable des régions lointaines et de leurs habitants. On ne recherchait
visiblement pas l’authenticité dans la description d’un pays et de ses
habitants.
Inde environs 1800
De nombreuses peintures ont plutôt confirmé les clichés existants.
Les oeuvres d’art originales de l’Orient, comme les miniatures de
l’Inde ou de la Perse, ont reçu peu d’attention. Elles étaient rarement
collectionnées et seuls quelques peintres néerlandais, dont Rembrandt,
s’y sont intéressés.
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Rheinweg 16 / Téléphone +41 61 206 62 62
info@kunstmuseumbasel.ch / kunstmuseumbasel.ch
Visites guidées en français
Dim 22.11., 27.12., 24.1., 14–15h
Frais : Entrée + CHF 5
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L’estampe s’intitule aussi Autoportrait aux yeux écarquillés et Rembrandt au bonnet la bouche ouverte, les yeux et la bouche attirant particulièrement l’attention. Rembrandt réalise un gros plan sur son visage qui occupe presque tout l’espace, déborde même du cadre, surgissant devant le spectateur. L’expression de stupeur, d’étonnement feint peut-être, ou de moquerie, est saisissante. Elle est accentuée par la torsion et le rejet de la tête en arrière. De plus, la position en diagonale et l’éclairage dirigé de haut en bas en diagonale également contribuent encore à dynamiser l’ensemble.
Henri Rousseau, Le lion, ayant faim, se jette sur l’antilope, 1898–1905
Elle permettra d’admirer à nouveau les silhouettes en papiers découpés de Henri Matisse, aussi emblématiques que fragiles, notamment Nu bleu I dont l’élégance, la spatialité et la présence palpable suscitent encore et toujours l’émerveillement. Figurent également à l’honneur le groupe de sculptures
En outre, une salle entière est consacrée à Louise Bourgeois
, artiste qui connaissait bien Giacometti et qui a élargi le concept de sculpture en rendant
fait référence à la composition éponyme du contemporain de Shakespeare,
Ces parcours courts – environ 45 minutes – proposent d’aborder des thématiques transverses aux MOOC de la Collection de la Fondation Orange. Composées principalement d’une vidéo, de ressources complémentaires et d’un quiz, ces Graines sont accessibles à tous.
Actuellement en ligne 2780 œuvres, 1535 études et 118 animations
L’arc en ciel, provoqué par la réflexion des rayons de lumière sur une surface irisée de l’oeuvre apparaît comme un instant fugace à saisir. Visible seulement depuis certains points, il se déplace avec la marche du spectateur, puis disparaît. Le dépouillement du dispositif souligne la nature délicate de cette apparition. L’expérience sensorielle et méditative permet d’apprécier différents phénomènes liés à l’écoulement du temps, aux variations lumineuses ou aux limites de notre perception.
Conçu par l’atelier FCS – Frédéric Casanova Scénographe -, la scénographie de l’exposition L’OEil de Huysmans : Manet, Degas, Moreau,… s’est attaché à établir un parcours fluide aux ambiances différenciées dans lequel l’écriture de Huysmans est centrale. Sans hiérarchie de genre, ce parcours magnifie aussi bien le chef d’oeuvre que le petit objet, tout en maintenant une présence fortes des écrits de l’auteur qui constituent véritablement le coeur du projet de l’exposition.
L’exposition ouvre sur l’oeuvre magistrale de l’artiste contemporaine luxembourgeoise Su-Mei Tse (née en 1973), Many spoken words (2009), que l’on peut sans difficulté rapprocher du repas funèbre raconté par Huysmans dans À Rebours (1884). Cette superbe et étrange fontaine où s’écoule en continu une eau teintée de noir rappelle l’intérêt de l’artiste (venue de la musique) pour le son.
Cette première salle met en place les « menus bibelots » et « fanfreluches » (pour reprendre la dédicace de l’ouvrage) qui forgent l’univers d’un jeune homme, alors employé administratif au ministère de l’Intérieur qui rêve aussi bien de couleurs que de matières, de paysages hollandais que de japonaiseries, de la Reine Margot et d’un hareng saur. Drageoir en cristal, invraisemblables sonnettes de tables, bonbonnières, gravures anciennes, font cercle autour
Huysmans aimait à se présenter comme « un inexplicable amalgame d’un parisien raffiné et d’un peintre de la Hollande ». Né dans une vieille bâtisse du quartier latin, à deux pas de Notre-Dame, il n’aura de cesse, toute sa vie, d’arpenter sa ville de coeur, de la peindre à la manière d’un Rembrandt ou d’un Jan Steen. Étudiant bohème, il fréquente les théâtres, bals et musichalls,
Cette salle propose une évocation de ce rendez-vous annuel où
Décadents, symbolistes, poètes maudits… Les dernières décennies du XIXe siècle voient émerger une nébuleuse d’écrivains dont Huysmans fut partie prenante. Dans sa bibliothèque décadente idéale, des Esseintes, l’anti-héros d’À Rebours, abrite des auteurs qui, pour certains,
La salle, véritable « cabinet rouge », présente des collections d’objets issus de la culture
Avec À Rebours, Huysmans porte à son apogée l’idée de correspondances chère à Baudelaire, selon laquelle « les parfums, les couleurs et les sons se 
Mais c’est la découverte de l’oeuvre de Matthias Grünewald, peintre rhénan de la même époque, qui constitue sa plus grande révélation, preuve pour Huysmans que l’esprit peut loger au plus intime de la matière
Le parcours de l’exposition est globalement chronologique à l’exception de la première section qui met en exergue l’influence continue que le cinéma exerce sur l’imaginaire de l’artiste. Sont ainsi mises en vis-à-vis, les séries Untitled Film Stills (1977-1980), rear screen projections (1980) et flappers (2015-2018).
Cette série marque une première étape dans le passage au numérique, l’artiste utilisant pour la première fois le logiciel de retouche Photoshop pour construire ses fonds et démultiplier les personnages dans l’image.
La galerie 2 se termine avec murals (2010), papier peint aux paysages grisés sur lesquels apparaissent des figures féminines et masculines aux dimensions monumentales avec lesquels viennent dialoguer collages (2015), assemblages de plusieurs photographies d’époques différentes.
Ces désormais grandes dames posent devant des décors qui sentent la réussite et la décadence (Untitled #571, Untitled #575 et Untitled #582), elles accessoirisent leur indépendance par du lamé et une cigarette (Untitled #580), mais sont parfois forcées de rejouer les mêmes comédies familiales en dépit de leur âge avéré (Untitled #577, Untitled #584). Mélancoliques, elles sont déjà parfois leur propre fantôme (Untitled #566). Toujours esquivée par l’œuvre de Cindy Sherman, la question biographique surgit au détour de cette série. Quarante ans après les Untitled Film Stills, l’artiste/actrice se livre dans des portraits promotionnels où ni le maquillage ni les retouches numériques n’effacent les marques du temps.
C’est la première fois qu’elle y consacre une série complète. Pour explorer ce nouveau sujet, elle a saisi l’opportunité offerte par la créatrice de mode Stella McCartney de puiser dans ses collections, et notamment dans sa nouvelle ligne de vêtements pour homme. Elle a ainsi composé un ensemble de silhouettes à la masculinité androgyne qui apparaissent dans des paysages variés, retravaillés numériquement. Lorsqu’ils ne sont pas solitaires, ses personnages sont accompagnés d’un double, cette fois potentiellement féminin.
À travers les poses, les attitudes et les expressions, l’artiste cherche à révéler la vulnérabilité de ces hommes comme elle le fait pour ses personnages féminins. Dans cette galerie de portraits, elle réinvente les codes de représentation d’une masculinité nouvelle et volontiers ambiguë qui brouille les frontières habituelles entre les genres.
Cette série marque une rupture dans la fabrication et dans l’impression des images de Cindy Sherman qui explore un nouveau support, la tapisserie. Dans la trame d’un tissage mêlant coton, laine et acrylique avec parfois de la soie, apparaissent des images préalablement conçues sur Instagram. Si, à l’instar de ses photographies imprimées sur papier, ses tapisseries sont accrochées au mur, mais suspendues à une tringle, un changement radical de régime s’opère pour ces images transposées de l’écran au textile, les faisant basculer du virtuel au matériel. 
L’artiste se photographie au naturel à l’aide de son téléphone portable, à la manière d’un selfie, avant d’entamer sa métamorphose (cheveux, yeux, visage, lèvres, etc.) numériquement. Alors que les applications beauté Facetune, Perfect 365 et YouCam Makeup sont censées sublimer un visage en supprimant les imperfections, Cindy Sherman en détourne le dessein pour créer des personnages fantaisistes, caricaturaux ou grotesques.
Adel Abdessemed
« Pour plonger dans la flamboyance des années 1920 et 1930 en France, il n’y a guère de lecture plus évocatrice que celle de l’Autoportrait de Man Ray […] »
L’oeuvre de cette grande figure de la modernité est ici présentée sous un angle méconnu. Protagoniste de la vie artistique parisienne de l’entre-deux guerres et du surréalisme en particulier, Man Ray avait fait l’objet d’une importante rétrospective au Grand Palais en 1998, et d’une exposition à la Pinacothèque de Paris en 2008. Mais son oeuvre n’avait jamais été explorée sous l’angle de la mode.
l’introduit dans le milieu de l’avant- garde et dans le Tout-Paris des années folles. Pour des raisons alimentaires, Man Ray va d’abord s’adonner avec succès au portrait mondain et glisser peu à peu des mondanités vers la mode.
Née avec le XXe siècle, la photographie de mode est balbutiante : au début des années 1920, elle est utilitaire, documentaire et inféodée aux codes de l’illustration de mode. Rapidement, les magazines, principaux vecteurs de diffusion des modes, vont lui consacrer de plus en plus de place. Ainsi Man Ray
Ainsi de la photographie iconique, Les Larmes,
Ces courts extraits audiovisuels donnent un autre éclairage sur la mode en montrant que la manière de filmer s’émancipe aussi. Quant aux revues de mode, elles occupent une large place, afin de souligner le rôle majeur qu’elles ont tenu dans la diffusion toujours plus large d’une esthétique nouvelle. Man Ray a tout fait pour dissimuler ce qu’il considérait comme une activité mineure, son « métier » de
