Catégorie : Art

Ecole hollandaise : des Rembrandt à profusion, puis la merveille des merveilles « Le portrait d’une jeune femme à l’aiguière de Vermeer » Le Met possède 5 Vermeer, la Collection Frick, 3 autres, c’est à dire sur les 40 toiles connues du hollandais, 8 sont à New York.
Auteur de représentations intimistes de la société néerlandaise du XVIIe siècle, dans lesquelles la vie familière s’efface derrière la beauté de l’instant, Johannes Vermeer — dit Jan Vermeer ou Vermeer de Delft — a excellé dans l’art de peindre des scènes de genre, aux confortables intérieurs baignés d’une douce lumière argentée. Maître de la composition et de la représentation dans l’espace, l’artiste a en effet percé les effets de la lumière avec une délicatesse subtile et une pureté de couleur quasiment unique.
Vermeer épure progressivement jusqu’à l’extrême pour n’en retenir que la structure interne reliant harmonieusement êtres et objets au sein d’un même espace restreint baigné par la lumière naturelle.

Admirable coloriste, Jan Vermeer sait également jouer de la matière qu’il applique en points lumineux, technique qualifiée par les critiques de « pointilliste ». Associés à différents éléments comme le flou du premier plan, la rigueur de la perspective et la vision par plans, ces grains de couleur laissent penser que l’artiste fait usage de la chambre noire — ou camera obscura, système optique qui permet de projeter sur un plan l’image à retranscrire.
L’extérieur s’efface et n’est plus que suggéré par la lumière frappant la fenêtre, généralement placée à gauche ; un ou deux personnages imposants se tiennent immobiles, saisis dans un geste suspendu. Enfin, la disposition des rares objets concourt à créer l’espace, à affirmer le premier plan et à scander la succession des suivants.
Même si l’on ignore tout de Vermeer, au premier coup d’œil, l’on est happé, par ses toiles, sa lumière. J’ai découvert mon premier Vermeer à la Gemäldegalerie de Berlin « le Verre de vin (v. 1661-1662)
La jeune fille semblant cacher un trouble, en baissant la tête et en dissimulant à moitié son visage dans le verre de vin. L’officier souriant guette le moment pour lui resservir un autre verre. Toute la lumière à travers la vitre effleure le banc, et  mêle ses reflets aux rayons ambiants plus exaltée. L’éclat, l’énergie, la finesse, la variété, l’imprévu, la bizarrerie, je ne sais quoi de rare et d’attrayant, il a tous ces dons des coloristes hardis, pour qui la lumière est une magicienne inépuisable, Vermeer crée une harmonie lumineuse, chaude et odorante, par un jeu de reflets depuis la nappe vers le visage, qui dégage une harmonie douce, intime, prémices de relations plus intimes.

Puis nous en sommes venus aux choses sérieuses : Le Met, Métropolitain Museum of Art.
Grâce au citypass, pas  d’attente. Munis du plan du musée, en français et du plan des peintures et sculptures européennes nous sommes entrés dans le vif du sujet. Depuis le temps que j’en rêvais, je l’ai fait ! Le bâtiment de style néoclassique, bâti à l’aide de philantropes, est propriété de la ville de New York. Les œuvres présentées propriété du musée, proviennent la plupart de dons, de legs ou de prêts de mécènes. Le musée étant ouvert le vendredi jusqu’à 21 h, nous y sommes allés les 2 vendredis de notre séjour, pour la journée entière.
Je commencerai immédiatement par Standing Woman, de Gaston Lachaise,  de la collection Gellmann, dont vous pouvez voir un exemplaire actuellement au jardin des Tuileries. – les détails sur le blog de Louvre-Passion, c’est fait –
Pour Détours des Mondes : belle incursion dans l’art africain, océanien et américain :
Asmat spirit Canoe (Wuramon). Je lui recommande particulièrement  l’aile des Arts d’Afrique, d’Océanie et d’Amérique, mais aussi le musée d’histoire naturelle où elle trouvera son bonheur.
Pour Lunettes Rouges sur son blog les détails de Madame X de Sargent.
Je ne vous ferai pas une liste exhaustive, voilà ce que j’ai vu, dans la partie peintures et sculptures européennes.
Pour les flamands et les allemands : Brueghel, Rubens, Van Dyck, Vermeer ( à voir dans la suite) Durer, Holbein, Cranach,
Pour l’école italienne : Giotto, Botticelli, Antonello de Messine, Mantegna, Bronzino, Le Caravage – le joueur de Luth, Titien, Veronese, Canaletto, Raphael.
Dans son roman, « la Course à l’abîme » Dominique Fernandez, imagine que Le Caravage a voulu peindre un castrat, beau jeune homme, que le cardinal Aldobrandini avait ramené de la  Chapelle Sixtine.  Il s’aperçut du trouble produit sur le Caravage et lui demanda de faire son portrait.
C’est à ce moment que Mario le compagnon du Caravage, prit d’une jalousie féroce, accepta de poser à la place du chanteur, fardé avec du Khôl autour des yeux, de la poudre sur les joues et du rouge sur les lèvres, un luth dans la main. Le cardinal lui apprit à placer les doigts sur les six doubles cordes du luth, le chanteur lui enseigna à placer la langue contre les dents et à garder la bouche entr’ouverte, de manière à prolonger la note. D’après la partition, il chante un madrigal de Jacob Arcadelt : Voi sapete che io v’amo (vous savez que je vous aime).
Ce madrigal est cité par le marquis Giustiniani dans l’un de ses écrits : le Discorso sopra la musica (Discours sur la musique) L’instrument de musique (?), la flûte à bec, la partition, le violon, en font un bel hommage à la musique.
Le tableau du joueur de luth et l’espèce inquiétante de charme qui s’en dégage inspirèrent à Gimabattista Marini un poème que la préciosité des atours et l’outrances des métaphores n’empêchent pas d’être fort clair.
Amants imprudents, fuyez
Ce chanteur homicide
Ces cordes sonores
Sont les lacets d’Amour
Ce qui a l’air d’un luth
Est le carquois d’Amour
Les doux accents vous percent
Comme les flèches d’Amour.
L’ambiguité du personnage,  moitié féminin, moitié masculin, la sensualité ont du choquer pour l’époque. Le Caravage audacieux, cherche avant tout le naturalisme du personnage. Sa lumière est contrastée, avec des ombres profondes, elle fait surgir le modèle étrange dans toute sa vérité mystérieuse.
à suivre ….
Bleu de cobalt, pas d’inquiétude tu seras associée à la Collection Frick

La Gemäldegalerie de Berlin, est l’une des plus importantes  pinacothèques du monde. Six siècles de peinture européenne y ont trouvé un magnifique écrin. La période va du haut Moyen Age, avec de précieux retables, au crépuscule de la tradition baroque vers la fin du XVIIIe siècle. Une subtile sélection de chefs-d’œuvre issus de toutes les écoles et toutes les époques artistiques, permettent d’y être confronté. Cela m’a permis de voir l’original du jugement dernier de Bea Angelico, des annonciations de Fra Filippo Lippi et de Filippino Lippi.
J’ai retenu dans  la salle des Cranach, une toile qui me fait sourire, tellement actuelle, ancêtre des cliniques de rajeunissement suisses et des cliniques d’esthétique actuelles.
« La Fontaine de Jouvence »  ( 1546) La peinture de Cranach traite des êtres humains à l’immortalité et à la jeunesse éternelle. L’âge venant, ils rêvent de jouir à nouveau du printemps de la vie, de pouvoir abandonner leur enveloppe corporelle usée et de l’échanger contre une nouvelle. L’idée de la force purificatrice des éléments, en particulier l’eau, est aussi vielle que le monde. Un bassin dans lequel on descend par quelques marches constitue l’élément central de la scène. Il est placé au milieu d’un paysage imaginaire, loin de toute habitation. Des femmes et des hommes ont rejoint ce lieu isolé afin de plonger dans ces eaux miraculeuses. Ils ont dû pour cela endurer mille peines. Dans la partie gauche de l’image, des femmes toutes ridées et vacillantes de faiblesse sont transportées jusqu’à la fontaine sur des chariots, des brouettes ou des civières. Une fois déshabillées, un médecin les examine avant qu’elles se baignent. Là, dans l’eau, se déroule le processus de rajeunissement progressif. Leurs rides disparaissent. Leur corps prend à nouveau une teinte rose, leur peau se tend : elles se transforment en jeunes filles. Au sortir du bassin, elles sont accueillies par un galant homme qui les guide vers une tente, à l’intérieur de laquelle, elles endosseront de nouveaux habits. C’est ainsi que de vieilles paysannes se transforment en demoiselle de la cour s’adonnant avec insouciance aux plaisirs de la vie. A la joyeuse animation de la table de fête, à la danse, à la musique et aux jeux amoureux, correspond un paysage florissant, celui du royaume de la jeunesse éternelle.
Un paysage rocheux et aride dans lequel sont représentés les tourments de la vieillesse lui fait face, formant un contraste saisissant. Le pilier de la fontaine, qui achemine l’eau de la source vers le bassin, est orné de sculptures de Vénus et d’Amour. Elles montrent qu’il ne s’agit pas là uniquement d’une fontaine de jouvence mais plutôt d’un puits d’amour, et que la force du sentiment est bien la véritable source de jeunesse éternelle.
Et pourquoi cela n’expliquerait pas un peu, l’attirance de beaucoup d’hommes pour les femmes très jeunes, imaginant naïvement que cela agira comme un bain de jouvence…. La version féminine attirée par des jeunes hommes est plus rare, car les femmes ont davantage le sens du ridicule…..

Il y avait le gant de Gilda. Il y a ceux de Dora Maar. Noirs et brodés de roses. Toute sa vie Picasso les garda précieusement dans une vitrine. Quand il avait rencontré Dora, en hiver 1935, elle les avait ôtés et avait posé sa main nue sur la table : elle jouait à lancer la lame aiguisée d’un canif entre ses doigts écartés. Plusieurs fois elle manqua son but et se blessa. C’était aux Deux Magots. Dora était en compagnie d’Eluard, qui les présenta. Lorsque Picasso lui adressa la parole, Dora Maar répondit en espagnol. Ainsi commença cette histoire d’amour que nous conta une exposition au Musée Picasso, des chefs-d’oeuvre et des documents multiples, tels des clichés photographiques jamais montrés, qui éclairent les années 1935 à 1945, sans doute les plus intenses de la création de Picasso.
Dora Maar avait des cheveux d’un noir de jais. Picasso n’était-il pas le Minotaure, et Dora Maar sa proie, celle qu’il transforme en muse, en chimère, en sphynge, en nymphe ou en harpie ? Mais Dora Maar est aussi celle qui, selon Eluard,  » a toutes les images dans son jeu « . Pour Picasso elle incarne l’idéal féminin, selon Victoria Combalia :  » sa taille de guêpe, ses hanches larges, ses fesses rebondies et ses jambes bien formées « . Amie des surréalistes, qui s’intéressent à son oeuvre de photographe, elle a signé le 10 février 1934 avec Breton et Eluard  » l’Appel à la lutte  » du Comité de Vigilance des Intellectuels antifascistes. Loin d’être une amante passive, elle va entraîner Picasso sur des voies nouvelles. Par-delà leur passion, un dialogue d’artistes se noue

entre eux, dont témoignent des gravures de Picasso qui font écho aux photomontages de Dora Maar. Elle initie Picasso à la photographie et ils réalisent à quatre mains des   » photogravures  » qui constituent l’une des révélations de l’exposition.
La vente à Paris de la succession Dora Markovitch, dite Dora Maar, en 1998 a suscité un vif engouement de la part des amateurs et pour cause, le musée personnel de celle-ci recelait de nombreux souvenirs et de trésors réalisés par le maître de la peinture moderne.
Ce sont des peintures et des dessins ayant toujours appartenu à Dora Maar et qu’elle ne voulut jamais vendre, qui auront été proposés aux enchères à la Maison de la Chimie comme cette toile « Femme qui Pleure » et cette « Dora Maar sur la plage » qui respectivement étaient estimées au delà de 20 et 10 millions de francs.
A la Sammlung Berggruen c’est une Dora dégantée,  aux yeux grands ouverts, signe de grande intelligence d’après Heinz Berggruen, qui l’a rencontrée, grâce aux liens qu’il entretenait avec Picasso. C’est une des premières peinture de Dora par Picasso, (1936) assise dans un fauteuil, le haut du corps et l’ovale de la tête comme suspendu en gravitation sont inclinés vers le bord gauche, atténuant sa position hiératique, la tête légèrement de profil, coiffée à l’espagnol, accentue les traits classiques de son visage, tandis que les doigts écartés aux ongles vernis en vert soulignent l’élégance de cette dame capricieuse.
Quatre an plus tard, après le début de la guerre et l’avancée des troupes allemandes, Picasso s’était réfugié à Royan, où il vécu et travailla avec Dora Maar dans une toute petite chambre d’hôtel. En 1939 il peignit le  » pull-over jaune  » un autre portrait de Dora, dans lequel les aspects individuels de sa personnalité lui importaient moins que de donner une image symbolique de l’époque. Ici Dora est assise dans un fauteuil, en plein centre de l’image. La tête stylisée au double visage, à la fois vu de face et de profil selon la manière cubiste quasiment classique. Le corps en revanche, sous l’action des rapports déformant de l’époque est serré dans un  » pull-over jaune  » qui ressemble davantage à une camisole en cotte de mailles. Les mains élégantes et les ongles verts du tableau précédent deviennent ici des pattes griffues et animales.
  photos de l’auteur

sur France culture

Une belle découverte, hors des sentiers battus à Berlin, la Sammlung Berggruen (Montagne Verte), située dans le quartier de Charlottenburg, dans l’édifice Stüler, tout près du Schloss Charlottenburg.  Les plus grands noms de l’art moderne, rassemblés par Heinz Berggruen, galeriste éclairé : Cézanne, Matisse, Klee, Giacometti. Plus de 80 œuvres de Picasso de la période bleue aux encres de 1971, en passant par une étude pour les demoiselles d’Avignon, des toiles cubistes, des portraits.  Ce n’est pas sans douleur que Heinz Berggruen s’est séparé de sa collection 
 » lacrima sunt rerum «  écrit-il. Des études de lettres à Grenoble et Toulouse, puis retour à Berlin, le nazisme le contraint à s’exiler. Après avoir passé la majeure partie de sa vie aux Etats Unis, où il découvre Paul Klee, il revient à Berlin sous l’uniforme américain en 1945, pour rejoindre l’équipe de la revue culturelle  » heute  » à Munich, pour contribuer au renouveau de la démocratie allemande. Ensuite il se rend à Paris, comme attaché culturel américain auprès de l’Unesco. En 1947 il s’établit et travaille de longues années avec succès, comme marchand d’art et éditeur. Il vendit tout ce qui précédait Picasso, pour régler des droits de succession et pour étendre les ensembles Picasso et Klee.
Il montre sa collection privée à Genève, puis pendant 5 ans à la National Gallery de Londres. Revenu dans son pays d’origine il offre l’œuvre de sa vie, sa collection, à la ville de Berlin.
Dans l’audio guide, c’est lui-même qui intervient pour certaines œuvres, évoquant avec bonheur, les moments attachants de l’acquisition et des rencontres privilégiées avec les artistes.
Un portrait du poète Sabartès, qui était le secrétaire de Picasso, souffre douleur d’après Françoise Gillot, peint en 1904 dans les tons de bleu, période monochrome et mélancolique de l’artiste, les traits sévères et durs du modèle, d’après la légende aurait été peint par Picasso d’un seul trait après une morne soirée, se libérant de sa mauvaise humeur. Une photographie retrouvée dans la succession de Picasso semble avoir servi de modèle pour ce portrait.
photos de l’auteur

Une belle histoire d’amour
 
 

Lippi fut apprenti chez Guido, Filippo Lippi est placé très jeune au couvent des Carmes de Florence où il prononce ses vœux en 1421 à l’âge de 15 ans, le même jour que Guido qui devint Fra Angelico (Bea). Il peint ses premières œuvres dans ce couvent. Il va faire souffler un vent de passion sur la peinture de la Renaissance. Moine et libertin, artiste intransigeant, manipulateur et sans scrupules, futur maître de Botticelli, ses madones, sont inspirées entre autre par les pensionnaires des maisons closes.
Il a 52 ans quand il est nommé chapelain du couvent de Sainte-Marguerite à Prato. Il eut un modèle une nonne Lucrezia Buti qui a 20 ans, dont il tomba éperdument amoureux. Il enlève Lucrezia peu après avoir découvert qu’elle était enceinte de lui. C’est elle qui lui servi de modèle pour ses sublimes madones. Il avait la protection de Cosme de Médicis, qui lui commandait sans cesse fresques et toiles. C’est lui qui intercéda auprès du pape Pie II afin d’obtenir la fin de son exil forcé. Ils donnèrent naissance à Fillipino Lippi (1457)
Vierge à l’enfant Filipino Lippi
Daniel Arasse L’Annonciation italienne Hazan – 1999
Le thème de l’«Annonciation» représente un défi pour un peintre. Comment représenter en effet l’irreprésentable, l’invisible – le mystère de l’incarnation : cette venue du Créateur dans la créature ? C’est sur cette question abordée par les artistes italiens entre le XIVème et le XVIème siècles que Daniel Arasse se penche en renouvelant notre perception de l’Annonciation italienne. L’invention progressive de la perspective à partir du XIVème siècle ouvre aux artistes de nouvelles formes de représentation par des moyens mathématiques perceptibles à l’oeil humain.
Daniel Arasse montre comment certains d’entre eux utilisent paradoxalement la mesure géométrique de la perspective pour faire voir la venue de l’immensité divine dans le monde fini de l’humain, et l’acte par excellence mystérieux : l’incarnation. Des Siennois, en passant par les Florentins du Quattrocento, cette histoire commune de la perspective et de l’Annonciation connaît de nombreux épisodes avant de produire à Venise, à la fin du XVIème siècle, un ultime avatar : les machines de Véronèse articulées hors de toute allusion théologique à des fins théâtrales. Une passionnante confrontation des aspirations du monde plastique et du monde religieux à la Renaissance qui débouche ici sur l’écriture d’un nouveau chapitre de l’histoire de l’art italien.
Voilà ce que dit Daniel Arasse à propos des Annonciations, en particulier de celle de Filippo Lippi .

Les Naga vivent à la frontière de l’Inde et de la Birmanie. On estime à 2 millions, le nombre d’individus de cette population vivant en Inde et 100000 seulement en Birmanie.
Jusqu’à une période récente, le territoire des Naga n’apparaissait pas sur les cartes.
Ce n’est qu’en 1963, que le Nagaland est devenu un État fédéral.
L’origine des Naga est mal connue. Naga provient peut-être d’un mot sanscrit qui signifie montagne ou d’un autre, signifiant guerrier. Les Naga eux-mêmes n’ont jamais eu de terme générique pour désigner les 32 différentes communautés qui les constituent.
Autant dire, la diversité des cultures regroupées sous un seul terme

Voir l’essentiel de cette exposition visible jusqu’au 9 mai 2009 au musée des cultures de Bâle  (pass-musées accepté) et le billet complet de
 Détours des Mondes sur cette belle exposition.
Une visite guidée en français est programmée pour le dimanche 5 avril à 11 h
Dans ce musée sont aussi exposés les masques de carnaval de la ville de Bâle , Bâle où le Morgenstreich, les fifres et les Waggis sont une véritable institution.