Catégorie : Art

Olivier Debré l’affirmait lui-même :
« Je me défends d’être un paysagiste, je traduis l’émotion qui est en moi devant le paysage, mais pas le paysage. »

Très belle exposition que nous présente, l’ Espace d’art contemporain Fernet Branca de Saint Louis. Les grands murs blancs des anciens chais se prêtent à merveille aux toiles surdimensionnées, mais néanmoins poétiques d’Olivier Debré. Il ne manque que la lumière zénitale dans certaines salles, où les bleus ne sont pas glorifiés. Sensualité des rouges bordés par des concrétions brutales, des blancs jaillissent, des ocres de terres du Maroc, ou de Chine, des tourments de Loire, des ombres surgissent qui paraissent indispensables à l’œuvre.  Ces grands formats sont au nombre de 31, illustrant un parcours de 1961 à 1998 se terminant, par un tableau prémonitoire,
« La Résurrection ou Le Buisson ardent ».
Même si Olivier Debré a beaucoup voyagé et travaillé à l’étranger, on constatera que, justement pour des raisons essentiellement de format, les œuvres présentées privilégient la Loire et la Touraine, sa région de prédilection. Les titres en font largement référence.
Le visiteur est invité  à contempler ou à se laisser engloutir par ces grandes toiles tour à tour sombres ou limpides, en applat, avec quelques déchirures deci-delà, sans aucune perspective, acceptant de se dissoudre dans la sérénité de ces larges plages quasi monochromes, telles les toiles de Rothko.

Ce qui m’intéresse, c’est que la part de moi qui peint soit une part d’un individu sensible et ému ( …) c’est ainsi que je deviens un élément de la nature, (…) Quand je suis comme le vent, comme la pluie, comme l’eau qui passe, je participe à la nature et la nature passe à travers moi, je pourrais le faire les yeux fermés.


Tout est dit ….

A l’étage des formats plus petits témoignent de l’activité diversifiée de l’artiste, ses « signes-personnages », moins connus, ici exécutés à l’encre sur papier. La figure humaine s’y trouve réduite à un pictogramme à l’épure énergique. L’oeuvre de jeunesse, parfois sous nette influence picassienne, est encore évoquée. Tout comme la prestigieuse commande du rideau de scène de l’Opéra de Shanghaï en 1998 – après celui de la Comédie Française et de l’Opéra de Hong-Kong – qui avait fait l’objet d’un reportage photographique de Marc Deville, partiellement présenté à Fernet-Branca.
Gérard Cahn, ami du peintre, en présence du fils et de la fille de l’artiste,  lui rendit un vibrant hommage en racontant les moments intenses qu’il partagea avec lui.
Je ne peux que vous encourager à vous plonger dans les couleurs intenses d’Olivier Debré et ceci jusqu’au 25 avril 2010.
° CAUSERIE SUR L’ŒUVRE ET LA PERSONNALITE DU PEINTRE OLIVIER DEBRÉ         Gérard CAHN, commissaire de l’exposition, parlera de celui qui est considéré comme le plus grand peintre abstrait de sa génération, alors que lui-même se considérait comme un peintre proche de la réalité. Comment concilier ce double aspect. Gérard Cahn a rencontré de nombreuses fois l’artiste. Il va témoigner d’Olivier Debré le peintre, mais aussi le philosophe, celui qui se posait des questions, et qui jusqu’à la fin de sa vie relevait les défis de l’espace pictural.Ø Mercredi 14 octobre à 20h00 (entrée gratuite)______________________________________________________________________________________________________________° VISITES GUIDEES         Auguste Vonville propose ses premières visites guidées de l’exposition d’Olivier Debré. (Autres dates: programmation en cours)Ø dimanche 18 octobre/ dimanche 1^er novembre à 14h30        et pour la première fois, visite guidée nocturne : > vendredi 4 décembre à 20h00 
                            Pour les visites de groupes, renseignements au 03 89 69 10 77 ou musee-fernet-branca@wanadoo.fr ______________________________________________________________________________________________________________° ATTENTION NOUVEAUX HORAIRES…         Depuis le démarrage de l’exposition d’Olivier Debré, l’Espace Fernet Branca pratique de nouveaux horaires.         ouvert du mercredi au dimanche : de 14h00 à 19h00 (fermé le lundi et le mardi)

Unique en son genre, cette collection d’objets rares et exotiques, comporte entre autres des objets de culte et des ustensiles d’usage courant venant d’Afrique. Elle fut assemblée au XVIIe s par le marchand Chritoph Wieckmann d’Ulm pour son musée particulier d’art et d’histoire naturelle. Cette collection autrefois célèbre, compte parmi les plus anciennes d’Allemagne. C’est ainsi que j’ai découvert « l’homme-lion » plus de 32 000 ans d’âge avant JC.
Il y a plus de 30 000 ans – au début du paléolithique supérieur – le Jura souabe près d’Ulm faisait partie de l’espace vital des premiers hommes anatomiquement modernes (Homo sapiens sapiens). Ils traversaient en petites groupes les vallées marquées par la période glaciaire sur les traces d’animaux comme le mammouth, le renne et le cheval sauvage. On retrouve les preuves de leur présence dans les grottes environnantes, à savoir des restes des foyers, des outils, des armes et des bijoux en pierres, en os, en bois de rennes et en ivoire.
Par ailleurs on a découvert dans quatre grottes des petites figurines qui sont pour la plupart entièrement sculptées. Ces figurines, taillées à l’aide d’outils en pierre dans de l’ivoire de mammouths, sont les preuves d’art mobilier les plus anciennes du monde. Elles témoignent des animaux de chasse importants à l’homme mais aussi des individus dangereux tels que l’ours et le lion des cavernes qui furent admirés pour leur force. Cette fascination s’exprime par l’homme- lion, la plus grande et la plus spectaculaire des figurines en ivoire, fouillée dans la grotte du Hohlenstein-Stadel dans la vallée de la Lone.
Cette statuette, magnifiquement sculptée dans une défense de mammouth, unifie des attributs humains et ceux propres à l’animal. L’aspect animal est exprimée par la tête de lion, le corps longitudinal et les bras en forme des pieds de derrière. Le côté humain est mis en évidence par les jambes et les pieds ainsi que par le fait que cet être soit représenté debout. La nature fragmentaire de la statuette ne  permet pas d’en déterminer le sexe.
La créature fantastique de l’homme-lion est un vestige unique qui fait preuve de da spiritualité et la religiosité des hommes de la dernière période glaciaire. Néanmoins nous ne saurons déchiffrer leur vision du monde – certainement complexe – qui se caractérise par un combat quotidien avec la nature.
L’homme-lion fera partie d’une exposition itinérante à travers l’Europe, d’après les renseignements obtenus auprès du musée.
photo 2 de l’auteur

Cinq grandes toiles, une sculpture monumentale, ainsi que les travaux de papier issus de la  collection personnelle  de Siegfried Weishaupt, sur un total de 27 travaux exposés, constituent l’exposition Keith Haring  à la Kunsthalle Weishaupt, d’Ulm  dans le Bade Würtemberg
 Outre les œuvres de la collection propre, les prêts de prestigieux clients privés et collections de musée, ainsi que de la Keith Haring Foundation elle-même c’est une vue d’ensemble, de grande qualité des oeuvres de l’artiste new-yorkais  exposées sur  600 m².
La collection de Siegfried Weishaupt, outre les collections de Frieder Burda, Reinhold Würth, Friedrich E. Rentschler (RPC), Josef Froehlich et de la famille Grässlin fait partie des plus importantes dans le Bade-Wurtemberg.
Dans les années 1989 à 1992, sur le site de la société Weishaupt le « Weishaupt Forum » fait construire un bâtiment par l’architecte new-yorkais Richard Meier, auteur du Frieder Burda Museum de Baden Baden. Il sert de centre de formation, d’expositions et de lieu social de l’entreprise de bâtiment, à l’image de ce qu’a réalisé Reinhold Würth à Erstein.
L’élégant ouvrage « Kunsthalle Weishaupt » en dépit de sa présence dans le centre d’Ulm, réalisé par  Wolfram  Wöhr architecte de Munich, ancien collaborateur de Richard Meier, avec ses 16 mètres de haut, est un véritable spectacle sur la Hans-Sophie-Scholl-Platz. Le hall d’entrée entièrement en verre est en continuité avec la rue. Ce gros cube d’ art semble presque flotter dans l’espace.
C’est en visitant l’atelier new-yorkais de keith Haring, que le couple  Weishaupt fit la connaissance de KH. Il acquit sa première œuvre de l’artiste, grâce à son exposition à la galerie Tony Shafrazi à Soho. Ce fut le début d’ importantes acquisitions par les collectionneurs allemands. KH vint leur rendre visite très peu de temps avant son décès en 1990.
Inspiré par le graffiti, tenant du Bad Painting, et soucieux de toucher un large public, Haring commence à dessiner à la craie blanche sur des panneaux publicitaires noirs du métro de New York. Il grave également des dalles de grès des trottoirs dans l’East Village (elles sont toujours présentes de nos jours). Un photographe, Tseng Kwong Chi, le photographie en permanence, même quand la police l’arrête. Il exécute plusieurs milliers de ces dessins, aux lignes énergiques et rythmées. La griffe Haring, c’est la répétition infinie de formes synthétiques soulignées de noir avec des couleurs vives, éclairantes sur différents supports. C’est un récit permanent où l’on retrouve bébés à quatre pattes, dauphins, postes de télévision, chiens qui jappent, serpents, anges, danseurs, silhouettes androgynes, soucoupes volantes, pyramides ou réveils en marche, mais aussi sexualité et pulsion de mort. Il est l’ami de Warhol,  Basquiat et c…
Son œuvre, tel un langage figuré et volubile sur des sujets universels, reste comme l’une des plus importantes de la fin du XXe siècle, comme s’il regardait le monde, derrière ses lunettes, avec des yeux d’enfant, et le présentait ainsi, pour parler aux adultes.
Jusqu’au 1 novembre 2009
photos de l’auteur

Il est curieux ce personnage à la raie au milieu, dont on aperçoit le bout du nez et le regard derrière le phylactère vierge tenu des deux mains, au-dessus et au-dessous.

Quatorze fois répété sur l’archivolte qui surplombe le tympan de Conques : c’est la perfection Numérique 14 : 2. Avec le huitième qui termine chaque série à l’horizontale, c’est la plénitude. S’agit-il de figures angéliques ? Nul ne le sait en vérité, aussi les a t’on nommé Les « Curieux »

Le tympan polychrome de Conques
est une œuvre unique de la sculpture romane. La matière employée est le calcaire de Lunel. Les couleurs d’origine sont encore là en demi-teinte. La composition est une merveille d’équilibre et de sens spirituel. Le jugement de Conques se tisse comme une immense toile de fond théologique, liturgique, intellectuelle, féodale, morale. Pénétrer dans l’abbatiale de Conques est une démarche particulière, un mélange de spiritualité, de recueillement et d’admiration pour ce lieu extraordinaire. Dans une belle tranquillité nous avons eu la chance de monter jusqu’aux tribunes, afin de contempler les vitraux de Pierre Soulages qui complètent admirablement l’ architecture romane et aussi d’en repérer tous les détails.

photos de l’auteur
Visite virtuelle de l’abbatiale de Conques

autres détails en 7 pages

Livia de Poli a investi certaines places de la ville, avec ses sculptures colorées.
On se souvient de ses  « Morts Joyeuses » en 2008.
L’oeuvre de Livia de Poli est marquée par une virtuosité technique maîtrisée que l’artiste dépasse afin d’atteindre un art plus contemporain et torturé, non dénué d’humour. Si le corps reste une souce d’inspiration constante pour cette artiste venue d’Italie, le visage sera le fil d’Ariane qui nous conduira jusqu’à ces mystérieuses, Morts Joyeuses, rencontre entre Eros et Thanatos.
Vues l’été 2007, lors de l’exploration de la ligne bleue des Vosges, j’ai revu dans le jardin du musée des Beaux Arts de Mulhouse, ses sculptures, j’ai été intriguée par ce minotaure au féminin, « La Licorne du Fayé », rappelant autant Niki de St Phalle que le thème si cher à Picasso. Je suis ressortie du musée, enchantée, amusée, ravie même je dirai à l’idée de mourir en laissant une image hilarante, aux dents bien blanches et à la bouche cramoisie, couchée aux côtés d’un amant-aimant ….
 
Hommage à Courbet
Virtuosité, rondeurs, couleurs (rouge et blanc), cette magicienne nous démontre toutes les facettes de son talent, avec un mélange d’humour, d’érotisme mais aussi d’émotion et un net penchant pour la morbidité, en un portrait contrasté de la Femme.
 
Tremblements Rouges
Les céramiques de Livia, virevoltent entre bouches, êtres hybrides, têtes et autres noeuds, Arcimboldo n’aurait pas renié Vertumne et Primavera.

photos et vidéo grâce à l’aimable autorisation de l’artiste

Depuis le 4 avril, l’exposition «Holbein bis Tillmans» propose, dans le Schaulager de Bâle, 200 œuvres – peintures, sculptures, installations ou vidéos – étalées sur cinq siècles. Ces créations sont la propriété du Kunstmuseum, mais ont dû en sortir en raison de l’exposition que le musée bâlois consacre à Vincent van Gogh
A la frontière avec Bâle-Campagne, le bâtiment Schaulager, «le plus grand coffre au trésor de Bâle», monolithe signé des architectes Herzog & de Meuron, apparaît comme surgi du sol, cerné d’usines et de dépôts. On traverse la ligne de tram pour pénétrer dans une grotte de luxe. C’est ici que la commissaire et directrice des lieux Theodora Vischer a proposé ce déménagement inédit qui rapproche, par exemple, les Accidents et les  Ten-foot Flowers d’Andy Warhol des photographies du jeune allemand Wolfgang Tillmans.
Mais «Holbein bis Tillmans» est d’abord l’essai d’une rencontre entre les époques. La première œuvre, symbole de cette exposition, une photographie de l’artiste Rodney Graham représentant un savant, en selle à l’envers sur un cheval mécanique, lisant l’annuaire téléphonique de Vancouver la ville où il réside,  pour Allegory of Folly (2005), s’amuse du parallèle qui naît avec le portrait d’Erasme signé Hans Holbein (1530), vieux de cinq siècles, suspendu dans la salle contiguë. Parce que «l’art d’autrefois vu avec les yeux d’aujourd’hui peut parfois retrouver son actualité d’origine», explique Theodora Vischer.
C’est l’Etude d’un monument équestre « In the Form of a Wind Vane » L’artiste canadien reprend la pensée d’Erasme et fait allusion à son écrit provocateur, imprimé à Bâle, Das Lob der Torheit (1509) qui fit scandale à son époque. La modernité du sujet est évidente ainsi que le clin d’œil aux portraits présentés
Parmi les portraits peints par Hans Holbein le Jeune, on peut admirer celui de Bonifacius Amerbach, ami d’Erasme et de Holbein, grand collectionneur, qui céda sa collection au Kunstmuseum de Bâle en 1662.
La collection du musée des Beaux Arts de Bâle est ainsi la plus ancienne collection publique du monde.
Etrangement c’est une photo de Candida Hofer (1944) de la peinture d’un portrait de l’épouse de Holbein, en compagnie de leur fille Katharina et de leur fils Philippe, (car cette toile comme le  Christ Mort, ne doit jamais quitter le Kunst) est mise en coïncidence avec une toile de Picasso, Homme, Femme, Enfant.
Ce couloir vous conduit à l’installation de Llya Kabalov, « Mutter und Sohn » « das album meiner mutter » (1993) des lampes de poche sont à votre disposition pour découvir, ce que Beila Solodonkirna a rassemblé en souvenir de son fils, des objets usuels dérisoires, suspendus par  des fils, sur des cordes, comme une immense lessive, dans la pénombre, tout au long des murs des photos de famille.
Une autre étrangeté la vidéo «  Annex » de Tacita Deans filmant Mario Merz au visage menaçant.
La vidéo de Bill Viola, « Anthem » montre une jeune asiatique, laissant échapper un cri par moments, marchant dans une civilisation post-industrielle au son d’une étrange complainte,  seule humaine à L.A.
Les photos d’Andreas Gursky , montrant les bourses de Tokyo et de Frankfort  sont d’une technique plus actuelle.
David Claerbouts, dans sa vidéo nous emmène dans un « Happy Moment » où un groupe joue au ballon en toute quiétude.
Des tableaux noirs avec des dates d’On Kawara (1933) entourent une installation de Peter Fischli et David Weiss (1992/93) Sur une immense table où ils ont déposé 750 objets reproduits en polyuréthane  significatifs de leur travaux en atelier.
Merian Maria Sibylla avec sa petite souris et ses fraises, voisine avec le RattenKönig de Katharina Fritsch, joli clin d’œil.
Les vanités et allégories de l’éphémère, se répondent avec le présentoir de Katatharina Fritsch, où une multitude des petits cerveaux (comme la pensée unique – formatée) avec la toile de Remy Zaugg, gris sur gris, la vidéo de Gary Hill projetant un arbre minimaliste.
Toutes les associations ne sont pas pertinentes. Certaines toiles gagnent à être vues de loin :  telle Damascus de Frank Stella voisinant avec  Cedra de Donald Judd.
La madone de Robert Gober, transpercée par un énorme tuyau, à travers lequel apparaît un escalier où coûle l’eau purificatrice, trône toujours au-dessus de sa grille, flanquée de 2 coffres tout aussi aquatiques.
Les grands murs bénéficient d’un accrochage à touche-touche, muni d’un guide panoramique vous pouvez découvrir les noms des auteurs des toiles, quelques belles surprises.
Une exposition riche en découvertes, une occasion d’approcher les fonds souvent cachés du Kunstmuseum et de la Fondation Laroche. Il faudrait citer d’autres artistes et leurs oeuvres.
 Exposition visible jusqu’au 4 octobre.

Pas de documentation, ni de catalogue en français, vous  vous guidez seul à l’aide du texte allemand ou anglais. Encore moins de possibilité de photos.
 

« N’oublions pas que nous sommes ici face à un somptueux gâteau de fête. Normal dans ces conditions qu’il s’agisse moins d’une exposition que d’une suite de tableaux. A tout anniversaire, il faut de lumineuses bougies. »
la Tribune de Genève

Pour ses 25 ans, l’Hermitage de Lausanne a sorti le grand jeu. L’institution propose un florilège de 108 œuvres allant
 «de Cézanne à Rothko». Il s’agit de parcourir, l’art du XXe siècle. Mais les collections privées suisses, seules sollicitées, ne semblent-elles pas inépuisables?
Située dans une belle demeure du XIXe siècle, la Fondation de l’Hermitage accueille des expositions temporaires consacrées aux Beaux-Arts.
Elle est entourée d’un parc magnifique, ouvert en permanence au public sur lequel s’ouvrent les fenêtres et vous assistez à des tableaux sur l’extéreur au milieu des tableaux.
Vingt-cinq ans d’engagement passionné au service de l’art et des artistes, ont vu la belle demeure construite par la famille Bugnion au milieu du XIXe siècle accueillir des centaines de milliers de visiteurs enthousiastes.
A la fois directrice de l’Hermitage et commissaire de l’exposition, Juliane Cosandier accorde un reconnaissant
tribut à la clairvoyance des collectionneurs suisses.
Elle fait passer le visiteur de Renoir à Soulages et Richter en bonne maîtresse de maison. Il y en a pour tous les goûts. Aucun genre ne semble favorisé,
La Genevoise s’est pourtant offert le luxe de former quelques ensembles. On pense notamment aux quatre Braque fauves, dont deux de toute beauté, ou aux Forêts de Max Ernst, qui datent comme par hasard des meilleures années du peintre.
Ont ainsi été favorisées les œuvres de grande taille, faites pour être vues de loin. Celles qui frappent, en un mot. Il s’agit de séduire, tout en impressionnant, mission accomplie.
Que citer : les admirables  Paul Klee ou l’inoubliable No 15 (1952) de Mark Rothko.
La petite salle du sous-sol consacrée à Giacometti est tout à fait remarquable, plaisante à retrouver même si l’on a admiré l’expostion de la Fondation Beyeler toujours en cours.
Voici la liste des artistes présentés :
Bacon, Baselitz, Braque, Bonnard, Calder, Cézanne, Dalí, Sonia Delaunay, Derain, Dubuffet, Ernst, Francis, Giacometti, Hodler, Kiefer, Klee, Klein, Léger, Magritte, Matisse, Miró, Monet, Picasso, Renoir, Richter, Rothko, Rouault, Signac, Soulages, Vallotton, Van Velde, Vlaminck, Warhol… et tant d’autres encore.

La Fondation Pierre Gianadda de Martigny présente les œuvres collectionnées par  Serguei Chtchoukine et Yvan Morozov prêtées par le musée Pouchkine de Moscou. Ces oeuvres taxées d’art bourgeois, par la Russie soviétique, ont été confisquées par le gouvernement par la suite. Ces deux collectionneurs ont fait preuve d’un goût sûr en s’intéressant aux impressionnistes, mais aussi pour Gauguin, Matisse et Picasso, . En moins de 25 ans Chtchoukine avait formé une collection de 259 peintures, aujourd’hui dispersées entre le musée de l’Ermitage à St Petersbourg et le musée d’état des beaux Arts Pouchkine à Moscou.
De son côté Morozov, acquiert  des œuvres de peintres russes, avant de se tourner vers la peinture contemporaine française.
C’est ainsi qu’il acquiert plus d’une dizaine de Gauguin dans la galerie parisienne , dont Matamoe (la mort) du marchand d’art Vollard. Gauguin rassemble dans la même image plusieurs symboles forts, le paon, la hache, le feu, dans un Eden verdoyant, un homme débite un arbre mort pour alimenter le feu, élément renvoyant à la vie, en présence du paon  (qui n’existe pas à l’origine en Polynésie) allusion aux vanités du monde. Gauguin tire le motif de l’homme à la hache d’un modèle antique, d’un détail de la frise du Parthénon.
Une autre toile qui n’est absolument pas mise en valeur, dans la présentation de ce lieu sombre aux murs écrasants, en acquiert encore plus de gravité. C’est la « Ronde des prisonniers de Vincent van Gogh » acquise auprès  du marchand d’art Druet en 1909. Cette ronde est tirée d’une gravure de Gustave Doré,( au MAMCS) « Le Bagne » Le cercle de la ronde des prisonniers s’inscrit dans la géométrie très stricte des murs, que l’absence de ciel, comme à la Fondation, rend encore plus oppressant . Le pavement rappelle les briques des murs, contribuant ainsi l’enfermement complet des prisonniers. La gamme chromatique est réduite à des verts, des
bleus, des gris, sans aucune touche de couleur vive, l’ombre  bleus des silhouettes accentuent la géométrie du cercle. Les prisonniers sont d’anonymes silhouettes, seul un visage est apparent, tourné vers nous, rongé de tristesse, ne nous regardant pas, reflète l’inhumanité du lieu, autoportrait de Vincent, aux cheveux blonds- roux, ? Lui seul pourrait le dire. Seuls 2 papillons qui volètent contre le mur du fond offrent une touche d’espoir et de liberté.
N’est-ce pas aussi l’expression de son tourment de sa maladie, qu’il ressasse et représente ici.
J’aurai bien aimé y voir la Vigne Rouge
Jusqu’au 22 novembre.
Dans le parc une nouvelle sculpture  a fait son apparition, une Roue en granit de René Küng – 2005, bizarrement abandonnée sur le gazon suisse, fraîchement tondu, enlevant tout charme de jardin un peu sauvage, la folle de Richier, la fontaine de Pol Burri, l’homme de Marino Marini avaient tous l’air un peu nu et sans défense, trop propre sur eux.
Le pavillon à côté de la fondation, s’est enrichi d’une mosaïque de Sam Szafran, auteur du mur en céramique aux Philodendrons, « Escalier, Variation I, »  dont on peut voir la déclinaison des dessins, aquarelles sur soie, empruntées aux peintres chinois, sujet qui avec les philodendrons font partie de son univers halluciné. D’autres photos, dont l’une d’Henri Cartier Bresson dont il a été le professeur de dessin, ornent les murs du passage. Sam Szafran au parcours chaotique, dormant dans le métro, passant ses journées au Louvre avec son fusain et son pastel, fréquentant St germain des Prés, galérant, jusqu’au jour où sa rencontre avec le galériste Claude Bernard met un terme à sa vie de misère.

Une autre découverte au collège des Bernardins
(merci à Gérard, merci à Malou, merci à mon sympathique guide)

Le retable d’Issenheim, chef-d’œuvre du peintre allemand Matthias Grünewald, créé de 1512 à 1516 pour l’église du couvent des Antonins d’Issenheim, est présenté au musée d’Unterlinden de Colmar. (Alsace)
Il s’agit d’un polyptyque à transformations formé de quatre panneaux peints représentant neufs tableaux de la vie de saint Antoine, de la Vierge et du Christ, encadrant une caisse et une prédelle sculptées par Nicolas de Haguenau, actif à Strasbourg autour de 1500.
Titus Carmel en parle :
Sa découverte suscite un choc émotionnel lié à la qualité picturale de l’oeuvre, mais aussi à sa forte expressivité et à sa monumentalité (3m30x5m90).
Contrairement à ses contemporains Dürer, Holbein et Lucas Cranach, dont on connaît les vies et l’oeuvre, le mystère qui entoure l’identité et la vie de Grünewald  ne fait qu’accentuer cet aspect pour le visiteur d’aujourd’hui.
Cette oeuvre a fasciné Huysmans, Picasso, Bacon et tant d’autres!
La peinture, de dimensions proches du panneau central de l’original, a été réalisée en même temps que les dessins, ceux-ci reprenant dans le détail tel ou tel fragment de la scène de la crucifixion, en en isolant les acteurs, tout en les situant dans l’économie générale de la composition dont l’artiste met à nu, dirait-on, les lignes de force qui les commandent : il se livre à une véritable entreprise de déconstruction de la dramaturgie du tableau en en traitant les séquences à l’aide de toutes les techniques du dessin : fusain, mine de plomb, craies, pastel, encre, aquarelle. Il a aussi recours à la peinture acrylique et, très souvent, au papier collé. Certaines de ces feuilles sont d’ailleurs exclusivement consacrées au collage, spéculant sur les rehauts, les chevauchements, les transparences. Cette âpre descente vers toujours plus de gravité semble même, à certains moments, connaître une sorte de paix par la libération des formes et des gestes, et du dispositif formel qui les rassemble. L’ombre se trouve ici réinvestie par une lumière spécifique qui l’envahit toute et finit par la gagner.
 La crucifixion est à la fois abstraite et figurative, les visages ne sont pas esquissés, mais tout y est, par les pigments et par le trait. D’abord Marie Madeleine, un  travail remaquarble sur  les mains, fait de collages de craie bistre, de rehauts de pierre noire sur lavis d’acrylique, Marie et Jean, on peut se reférer au magnifique ouvrage de Pantxika de Paepe, « Grünewald et le retable, regards sur un chef d’oeuvre », St Jean Baptiste avec son doigt pointé comme chez Léonard de Vinci.
Titus-Carmel propose une suite qui s’offre comme une longue méditation, marquant l’arrêt sur chacun des détails et des personnages de la Crucifixion de Grünewald. La Suite Grünewald devient ainsi, au terme de ce long travail de peinture et de dessin, une interrogation sur les enjeux mêmes de la représentation.
P. N.-D. : Pourquoi ce travail sur le retable d’Issenheim?
Gérard Titus-Carmel :
 – Depuis bien longtemps, comme beaucoup, je connaissais ce retable par des reproductions lorsque
m’a été donnée l’occasion de le contempler en réalité, seul,
souvent et longuement, à une époque où je lisais justement le très intéressant texte de Huysmans,
Trois Primitifs, qui s’attardent particulièrement sur le chef-d’oeuvre de Grünewald. La peinture, pour moi, marque dans son histoire quelques forts repères, et le retable en est un– et non des moindres –, somptueux dans sa violence comme dans sa composition, et terrible
dans la fixité de sa dramaturgie. De plus, le retable d’Issenheim s’offre à la vue par séquences, les scènes se découvrent lorsque les volets pivotent en occultant d’autres : c’est comme
feuilleter un grand livre ou comme démonter un corps en « écorché » pour le comprendre dans sa totalité. Le panneau central, celui de la crucifixion, apparaît comme un opéra glaçant et pourtant plein de compassion. L’ensemble est d’une grande économie de couleurs– on dira essentiellement
blanc, rouge et noir –, ce qui lui confère une force et une puissance à la fois calme et solennelle.
Bien sûr, c’est le corps d’un crucifié qui est représenté là ; bien sûr, c’est la douleur et
l’imploration ; bien sûr aussi, c’est le Livre qui y est mis en scène, il n’y a pas lieu d’évacuer
le sujet. Mais bien plus qu’une terrifiante image pieuse, c’est avant tout un chef-d’oeuvre de la peinture. Et c’est en tant que peintre que je me suis interrogé sur cette oeuvre, m’intéressant avant tout à la géométrie interne qui la gouverne, à l’organisation
de l’espace et des formes, à la situation des personnages
– c’est-à-dire à l’ensemble du dispositif formel qui la commande, toutes ces exigences
rassemblées au seul service de la peinture. En tout cas,pour moi , de la haute idée que
je me fais de la peinture.
Ainsi les dessins sont devenus de plus en plus abstraits, chacun s’attachant à faire apparaître les lignes et les forces qui les faisaient si instamment participer au tableau.
Et cela jusqu’au 159e où, presque à mon corps défendant– et à ma grande surprise –, je me suis vu refaire le geste du bras de saint Jean-Baptiste désignant le Christ, comme s’il récapitulait tous les autres dessins qui le précèdent,
en les pointant du doigt.Comme l’injonction d’un retour.Et pourmoi, comme une fin.

Jusqu’au 9 août au Collège des Bernardins
Photos de l’auteur