Michel Pastoureau : le jaune

Le jaune : tous les attributs de l’infamie !

Par propos recueillis par Dominique Simonnet et ,
publié le 02/08/2004 à 00:00 dans L’Express Styles

Le jaune a t’il un bel avenir devant lui ?

Faut-il débuter par la fin de l’article ?
Cela nous permet de nous plonger dans le livre des couleurs
de Michel Pastoureau (vidéo), érudit et historien des couleurs
et qui se défend d’être historien de l’histoire de l’art.

Vincent van Gogh, Le Moissonneur

Le jaune est assurément la couleur la moins aimée, celle que
l’on n’ose pas trop montrer et qui, parfois, fait honte.
Qu’a-t-elle donc fait de si terrible pour mériter une telle
réputation?

Elle n’a pas toujours eu une mauvaise image. Dans l’Antiquité,
on appréciait plutôt le jaune. Les Romaines, par exemple, ne
dédaignaient pas de porter des vêtements de cette couleur lors
des cérémonies et des mariages. Dans les cultures non européennes
– en Asie, en Amérique du Sud – le jaune a toujours été valorisé:
en Chine, il fut longtemps la couleur réservée à l’empereur,
Empereur Chu Yuam-Chang

et il occupe toujours une place importante dans la vie quotidienne
asiatique, associé au pouvoir, à la richesse, à la sagesse.
Mais, c’est vrai, en Occident, le jaune est la couleur que l’on
apprécie le moins: dans l’ordre des préférences, il est cité en
dernier rang (après le bleu, le vert, le rouge, le blanc et le noir).
Diane villa pompéenne

Sait-on d’où vient cette désaffection?
Il faut remonter pour cela au Moyen Age. La principale raison
de ce désamour est due à la concurrence déloyale de l’or: au fil
des temps, c’est en effet la couleur dorée qui a absorbé les symboles
positifs du jaune, tout ce qui évoque le soleil, la lumière, la chaleur,
et par extension la vie, l’énergie, la joie, la puissance.
L’or est vu comme la couleur qui luit, brille, éclaire, réchauffe.
Le jaune, lui, dépossédé de sa part positive, est devenu une
couleur éteinte, mate, triste, celle qui rappelle l’automne, le déclin,
la maladie? Mais, pis, il s’est vu transformé en symbole de la
trahison, de la tromperie, du mensonge? Contrairement aux
autres couleurs de base, qui ont toutes un double symbolisme,
le jaune est la seule à n’en avoir gardé que l’aspect négatif.
Georges de la Tour, détail du Tricheur à l’as de carreau

Comment ce caractère négatif s’est-il manifesté?
On le voit très bien dans l’imagerie médiévale, où les personnages
dévalorisés sont souvent affublés de vêtements jaunes.
Dans les romans, les chevaliers félons, comme Ganelon, sont
décrits habillés de jaune. Regardez les tableaux qui, en Angleterre,
en Allemagne, puis dans toute l’Europe occidentale, représentent
Judas.
enluminure

Au fil des temps, cette figure cumule les attributs infamants:
on le dépeint d’abord avec les cheveux roux, puis, à partir
du XIIe siècle, on le représente avec une robe jaune et, pour
parachever le tout, on le fait gaucher! Pourtant, aucun texte
évangélique ne nous décrit la couleur de ses cheveux ni celle
de sa robe.
Baiser de Judas, Giotto

Il s’agit là d’une pure construction de la culture médiévale.
Des textes de cette époque le disent d’ailleurs clairement:
le jaune est la couleur des traîtres! L’un d’eux relate comment
on a peint en jaune la maison d’un faux-monnayeur et comment
il a été condamné à revêtir des habits jaunes pour être conduit au
bûcher. Cette idée de l’infamie a traversé les siècles.
Au XIXe, les maris trompés étaient encore caricaturés en costume
jaune ou affublés d’une cravate jaune.
On comprend bien comment la symbolique du déclin a pu lui
être associée. Mais pourquoi le mensonge?
Eh bien, nous n’en savons rien! Dans l’histoire complexe des
couleurs que nous racontons ici, nous voyons bien que les codes
et les préjugés qui leur sont attachés ont une origine assez
logique: l’univers du sang et du feu pour le rouge, celui du destin
pour le vert, en raison de l’instabilité de la couleur elle-même…
Mais, pour le jaune, nous n’avons pas d’explication! Ni dans les
éléments qu’il évoque spontanément (le soleil), ni dans la fabrication
de la couleur elle-même. On obtient le jaune avec des végétaux telle
la gaude, une sorte de réséda qui est aussi stable en teinture qu’en
peinture, et les jaunes fabriqués à base de sulfures tel l’orpiment
ou de safran en peinture ont les mêmes qualités: la teinture jaune
tient bien, elle ne trahit pas son artisan, la matière ne trompe pas
comme le vert le fait, elle résiste bien?
Faudrait-il alors chercher du côté du soufre, qui évoque
évidemment le diable?

Il est possible que la mauvaise réputation du soufre,
qui provoque parfois des troubles mentaux et qui passe pour
diabolique, ait joué, mais cela est insuffisant? Le jaune est une
couleur qui glisse entre les doigts de l’historien. L’iconographie,
les textes qui édictent les règlements vestimentaires religieux et
somptuaires, les livres des teinturiers – en bref, tous les documents
dont nous disposons – sont curieusement peu bavards à son sujet.
Dans les manuels de recettes pour fabriquer les couleurs datant de
la fin du Moyen Age, le chapitre consacré au jaune est toujours
le moins épais et il se trouve relégué à la fin du livre.
Nous ne pouvons que constater que, vers le milieu de la période
médiévale, partout en Occident, le jaune devient la couleur des
menteurs, des trompeurs, des tricheurs, mais aussi la couleur
de l’ostracisme, que l’on plaque sur ceux que l’on veut condamner
ou exclure, comme les juifs.
Déjà, en cette fin de Moyen Age, on invente l’étoile jaune?
Oui. C’est Judas qui transmet sa couleur symbolique à l’ensemble
des communautés juives, d’abord dans les images, puis dans la
société réelle: à partir du XIIIe siècle, les conciles se prononcent
contre le mariage entre chrétiens et juifs et demandent à ce que
ces derniers portent un signe distinctif.
Au début, celui-ci est
une rouelle, ou bien une figure comme les tables de la Loi,
ou encore une étoile qui évoque l’Orient. Tous ces signes s’inscrivent
dans la gamme des jaunes et des rouges. Plus tard, en instituant
le port de l’étoile jaune pour les juifs, les nazis ne feront que puiser
dans l’éventail des symboles médiévaux, une marque d’autant
plus forte que cette couleur se distinguait particulièrement
sur les vêtements des années 1930, majoritairement gris, noirs,
bruns ou bleu foncé.
Quand le jaune devient le symbole, négatif, de la félonie ?
C’est précisément le moment où la société médiévale se crispe
et où le christianisme n’a plus d’ennemis à l’extérieur. Les croisades
ayant échoué, on se cherche plutôt des ennemis à l’intérieur,
et on acquiert une mentalité d’assiégé. En découle une extraordinaire
intolérance envers les non-chrétiens qui vivent en terre chrétienne,
comme les juifs, et envers les déviants, tels les hérétiques,
les cathares, les sorciers. On crée pour eux des codes et des
vêtements d’infamie. Cet esprit d’exclusion ne va pas s’apaiser
avec la Réforme chez les protestants: en terre huguenote,
on manifeste le même rejet des juifs et des hérétiques.
La Renaissance ne va rien changer au statut du jaune?
Non. On le voit bien dans la peinture. Alors que le jaune était
bien présent dans les fresques pariétales (avec les ocres) et les
oeuvres grecques et romaines, il régresse dans la palette des
peintres occidentaux des XVIe et XVIIe siècles, malgré l’apparition
de nouveaux pigments comme le jaune de Naples, qu’utilisent
les peintres hollandais du XVIIe (notons cependant que, sur
les peintures murales, certains jaunes ont pu pâlir et s’estomper
au fil du temps).
Pieter de Hooch, La Mère

Même constat avec les vitraux: ceux du début
du XIIe comportent du jaune, puis la dominante change et
devient bleu et rouge. Le jaune n’est presque plus utilisé que
pour indiquer les traîtres et les félons. Cette dépréciation va
perdurer jusqu’aux impressionnistes.
On songe évidemment aux champs de blé et aux tournesols
de Van Gogh
et aux tableaux des fauves, puis aux jaunes
excessifs
de l’art abstrait.

Dans les années 1860-1880, il se produit un changement de palette
chez les peintres, qui passent de la peinture en atelier à la peinture
en extérieur, et un autre changement quand on passe de l’art
figuratif au semi-figuratif, puis à la peinture abstraite: celle-ci utilise
moins la polychromie, elle use moins des nuances. C’est aussi
le moment où, l’art se donne une caution scientifique et affirme
qu’il y a trois couleurs primaires: le bleu, le rouge et notre jaune
qui, contrairement au vert, se voit donc brusquement valorisé.
Il est possible que le développement de l’électricité ait également
contribué à cette première réhabilitation.
Une fois encore, ce changement de statut du jaune se produit
à une période clef, la fin du XIXe siècle, qui est aussi celle
des bouleversements de la vie privée et des moeurs.
Oui. Les couleurs reflètent en fait les mutations sociales,
idéologiques et religieuses, mais elles restent aussi prisonnières
des mutations techniques et scientifiques. Cela entraîne des goûts
nouveaux et, forcément, des regards symboliques différents.

Et puis il y a le maillot jaune du Tour de France. Lui aussi,
il redonne un coup de jeune au jaune.

Au départ, il s’agissait d’une opération publicitaire lancée en
1919 par le journal L’Auto, l’ancêtre de L’Equipe, qui était imprimé
sur un papier jaunâtre. La couleur est restée celle du leader.
L’expression «maillot jaune» s’est étendue à d’autres domaines
sportifs et à d’autres langues: en Italie, on l’emploie pour désigner
un champion, alors que le premier du Tour d’Italie porte un maillot
rose! L’art et le sport ont donc contribué à réinsérer le jaune
dans une certaine modernité.
Mais pas dans la vie quotidienne, ni dans les goûts des
Occidentaux. Le jaune infamant est toujours là, dans
notre vocabulaire en tout cas: on dit qu’un briseur de
grève est un «jaune». On dit aussi «rire jaune».

L’expression française «jaune» pour désigner un traître remonte
au XVe siècle, et elle reprend la symbolique médiévale. Quant au
«rire jaune», il est lié au safran, réputé provoquer une sorte de folie
qui déclenche un rire incontrôlable.
Les mots ont une vie très
longue, qu’on ne peut éliminer. Qu’on le veuille ou non, le jaune
reste la couleur de la maladie: on a encore le «teint jaune», surtout
en France, où l’on connaît bien les maladies du foie. Pour un
spécialiste des sociétés anciennes, tout signe est motivé.
Au Moyen Age, on pensait qu’un mot désignant un être ou
une chose avait à voir avec la nature de cet être ou de cette chose.
L’arbitraire était impensable dans la culture médiévale.
Les mots sont-ils des constructions purement intellectuelles ou
correspondent-ils toujours à des réalités plus tangibles?
On en débat depuis Platon et Aristote!
Yellow Pigment

Notre jaune ne s’est donc pas complètement débarrassé de
ses oripeaux. On s’en méfie toujours un peu, non?
Il est peu abondant dans notre vie quotidienne: dans les
appartements, on s’autorise parfois quelques touches de jaune
pour égayer, mais avec modération. Nous l’admettons dans nos
cuisines et nos salles de bains, lieux où l’on se permet quelques
écarts chromatiques, mais on est revenu de la folie des années 1970,
où on le mettait à toutes les sauces, l’associant même à des marrons
et à du vert pomme. Les voitures jaunes, par exemple, restent rares.
A l’exception de celles de La Poste?
C’est récent. Depuis le XVIIe siècle, la Poste, qui dépendait de la
même administration que les Eaux et Forêts, était associée
au vert. Le changement a eu lieu quand j’étais adolescent,
avec les premières voitures Citroën à carrosserie jaune,
probablement par imitation des PTT suisses, qui avaient adopté
le jaune. On a tout simplement eu le souci de mieux distinguer
ce service et, comme le rouge était déjà pris par les pompiers?
On voit ainsi que le jaune fait parfois fonction de demi-rouge:
c’est le carton jaune du football. Autre constat: le doré n’est plus
vraiment son rival, beaucoup d’Européens du Nord lui ayant tourné
le dos.
Pour quelles raisons?
Peut-être est-ce un reliquat de la haine des moralistes protestants
envers les fastes et les bijoux. Depuis le XXe siècle, la couleur
or est devenue vulgaire. Les bijoutiers savent que la majorité
des clients préfèrent l’or blanc et l’argenté plutôt que le doré.
Et, dans les salles de bains, les robinets dorés, qui furent un temps
à la mode, ne le sont plus. Le vrai rival du jaune, aujourd’hui,
c’est l’orangé, qui symbolise la joie, la vitalité, la vitamine C.
L’énergie du soleil se voit mieux représentée par le jus d’orange
que par le jus de citron (le jaune a aussi un caractère acide).
Seuls les enfants le plébiscitent: dans leurs dessins, il y a souvent
un soleil bien jaune et des fenêtres éclairées en jaune.
Mais ils se détachent de ce symbolisme en grandissant.
A partir d’un certain âge, chacun prend en compte plus ou moins
inconsciemment le regard des autres, et adopte les codes et
mythologies en vigueur. Ainsi les goûts des adultes sont-ils non
plus spontanés, mais biaisés par le jeu social et imprégnés par
les traditions culturelles.
Va-t-on vers une vraie réhabilitation du jaune?
C’est le cas dans le sport: importé comme le vert par les clubs
de football d’Amérique du Sud, le jaune s’insinue dans les maillots
et les emblèmes. Si revalorisation du jaune il y a, elle passera d’abord
par les femmes, et par les vêtements de loisir (à l’égard desquels
on s’autorise davantage de liberté).
Tram de Mulhouse sous les arches de Buren photo Ramon Ciuret

Si j’étais styliste, je m’engouffrerais dans cette voie? Je pense que,
si des changements s’opèrent dans nos habitudes des couleurs,
qui se jouent sur la longue durée, ce sera dans les nuances de jaune.
Etant tombée très bas, et ayant commencé à se relever doucement,
cette couleur-là ne peut que se redresser.
Le jaune a un bel avenir devant lui.
Newsletter STYLES

NEWSHA TAVAKOLIAN

I know why the rebel sings
Je sais ce que chante la rebelle

Jusqu’au 17 février 2019
Première exposition monographique en France de la
photographe iranienne NEWSHA TAVAKOLIAN
à La Filature, Scène nationale – Mulhouse
en guise d’ouverture du Festival Vagamonde

Podcast sur France Inter à écouter
Si la jeune photographe iranienne est déjà une pointure
internationale qui a collaboré entre autres journaux avec
Newsweek, le New York Times ou Der Spiegel c’est qu’elle
n’en est pas à son premier coup d’essai. C’est à 16 ans qu’elle
découvre la photographie qui s’avère un moyen de s’exprimer
plus fiable que d’essayer de trouver les mots. En 1999,
elle couvre le soulèvement étudiant en Iran,
en 2002 la guerre en Irak, ainsi que plusieurs conflits régionaux.
S’éloignant du photoreportage pur, elle explore aujourd’hui,
avec une écriture plus artistique, les conflits internationaux
de l’intérieur et la société iranienne, s’intéressant à la jeunesse
des classes moyennes en mal d’émancipation face
à un pouvoir islamique qui rechigne encore à lâcher du lest.
Newsha Tavakolian
a photographié des combattantes au
Kurdistan irakien, en Syrie et en Colombie,
des chanteuses iraniennes interdites d’exercer leur art
et la vie de populations soumises à la censure.
Ses oeuvres ont déjà rejoint lescollections de musées
prestigieux comme le Victoria & Albert Museum,
le Los Angeles County Museum of Art (LACMA),
le British Museum et le Boston Museum of Fine Art.
Newsha Tavakolian est associée à
Magnum Photos depuis 2017. www.newshatavakolian.com /
www.magnumphotos.com
LISTEN
Listen propose un regard sur les femmes chanteuses qui en Iran
n’ont pas le droit de se produire seules sur scène ou de sortir
des albums en raison de la règlementation islamique en vigueur
depuis la révolution de 1979. Les photos sont des portraits de
chanteuses professionnelles simulant une prestation en concert
devant un large public alors qu’en réalité, les prises de vue sont
réalisées dans un petit studio à Téhéran.
En regard des portraits, Newsha Tavakolian
a imaginé et produit une pochette de CD pour chacune des chanteuses,
donnant une interprétation personnelle de leur expérience de
vie et de la société dans laquelle elles évoluent.
Mais les pochettes de CD resteront vides.

LOOK
texte de Vali Mahlouji
Dans ce travail, Tavakolian centre son attention sur une
relation intime avec l’individu. Les scènes délibérément
théâtrales et composées évoquent l’atmosphère de
tableaux de Hopper.
Tavakolian transforme sa propre chambre en
studio et y met en scène des individus avec
leurs effets personnels. Ils font face à l’objectif,
statiques. En arrière-plan, une fenêtre donne
vue sur le quartier environnant et ses grands ensembles.
Les portraits photographiques sont assemblés en une
séquence qui souligne la nature impersonnelle et la répétitivité
monotone des scènes.
Dans le prolongement de cette série se trouve une reproduction
très grand format du paysage urbain vu à travers la fenêtre.
En tant que spectateurs, nous nous trouvons dans le même
espace que les sujets photographiés. Eux-mêmes sont
encore présents dans des séquences filmées, diffusées dans
des écrans apposés sur la très grande image de fenêtre donnant sur de
grands ensembles. L’installation joue sur les mécanismes du regard
et de la subjectivité. Il y a une interaction entre le spectateur et celui
qui est vu, chacun se trouvant être tour à tour voyeur et observé.
Dans les films comme dans les photographies, les sujets semblent être
condamnés à la paralysie et l’immobilité.
SO FT SHOUL DERS, HA RD BOO TS : THE WO MEN
FIGHTERS OF FARC

Le 26 novembre 2016, les FARC (Forces armées révolutionnaires
de Colombie) signent un accord de paix avec le gouvernement
colombien, mettant fin à cinquante ans de conflit. Pour la
première fois depuis sa formation, la guérilla marxiste peut sortir
de l’illégalité. Dans le cadre de cet accord et dans les six mois qui
le suivent, les rebelles s’engagent à mettre en oeuvre leur démobilisation.
Ce changement radical déstabilise beaucoup de membres des
FARC qui sont habitués depuis longtemps à leur existence de guérilla
et ne savent pas ce que leur apportera une vie de paix.
En janvier 2017, Newsha Tavakolian a voyagé dans les parties
les plus reculées de la jungle du département du Cauca, la région
où les FARC ont longtemps opéré. Alors qu’elle photographiait
les tout débuts de leur transition vers une vie civile, elle a pu
s’entretenir avec un grand nombre de femmes rebelles. Elle a
enregistré leurs témoignages sur les raisons de leur engagement
dans les FARC et leurs sentiments sur leur nouvelle vie.
les séries exposées Blank Pages of an Iranian Photo Album
conception et texte de Vali Mahlouji
Blank Pages of an Iranian Photo Album (2014-2015) est une série
de travaux basés sur les albums de famille d’amis téhéranais de Newsha
Tavakolian – dont six sont présentés ici. Ces albums contenaient
de nombreux témoignages d’enfances heureuses, en particulier
de moments idéalisés et festifs tels les anniversaires ou les fêtes de
famille. Mais dans chacun des albums, la collecte de mémoire
semblait avoir été interrompue, marquée par un épisode qui
avait mis un terme aux albums eux-mêmes, laissant la plupart
des pages vierges et intactes. Les pages blanches sont
la métaphore de rêves non vécus. Les silences dans ces récits
biographiques sont le point de départ du travail de Tavakolian.
De là, elle suit chacun des protagonistes au jour le jour et
documente les scènes de leur vie quotidienne.
Dans chaque série, la première image est une reproduction
d’une photographie trouvée dans l’album original. Les images
suivantes reflètent les réalités ordinaires et quotidiennes de la vie à
Téhéran.
Iran Walls (2009–2015)
La série présente des photographies couvrant
le spectre du travail de Newsha Tavakolian,
allant de ce qui fait sa signature – les portraits
mis en scène (issus de la série Portraits d’Iran
publiée en ligne par le New York Times) – à
des reportages sur des scènes de rue – de
protestation ou de liesse – ou encore sur
un exercice militaire qui en novembre 2015
commémorait l’anniversaire de la guerre
souvent oubliée de l’Iran contre l’Irak (1980-
1988), qui a coûté la vie à un million de
personnes.
Ocalan’s Angels
Sous le commandement d’Ocalan, chef
charismatique, un groupe de femmes soldats
kurdes s’engage dans le combat contre l’État
Islamique en Irak et dans la région historique
de la Grande Syrie. Une écharpe colorée est
tout ce qu’il reste de Cicek Derek, qui avait 17
ans quand elle est morte il y a quelques mois
dans la ville assiégée de Kobani en Syrie. Ses
compatriotes n’ont jamais pu retrouver son
corps. Cicek était l’une des centaines de jeunes
femmes soldats kurdes qui ont pris les armes
contre Daesh. Ces femmes font partie de l’Unité
de défense de la femme (YPJ), une émanation
du Parti des Travailleurs du Kurdistan (PKK), un
mouvement nationaliste kurde qui mène depuis
longtemps une guerre d’indépendance contre la
Turquie.
IRAQ
Trente images parmi les premiers travaux de
Newsha Tavakolian envoyée en Irak dès 2002
pour couvrir le conflit Irak-Iran en tant que
photographe-reporter.
A thousand word s for a picture I never took
L’installation (vidéo) témoigne de la rencontre de la
photographe avec une jeune fille yazidi victime
d’un enlèvement et de viols par des hommes
de Daesch. Mille mots pour une photographie
jamais prise est une création pour l’exposition à
La Filature. Le texte de Newsha Tavakolian a été
mis en voix par la metteuse en scène Charlotte Lagrange.
club sandwich
jeu. 17 janv. 12h30
visite guidée + pique-nique tiré du sac
sur inscription 03 89 36 28 28
apéro photo
mer. 6 fév. 19h15
réflexion autour d’une photo + apéritif
sur inscription 03 89 36 28 2

COURS PUBLICS 2019 à la Fonderie

Cours Publics est un cycle de cours proposé conjointement
par La Kunsthalle, le Service Universitaire de l’Action
Culturelle de l’Université de Haute-Alsace et
la Haute école des arts du Rhin.


Les cours, assurés par des personnalités universitaires ou
du monde de l’art sont ouverts à tous sur inscription.
Autour d’une thématique, trois intervenants présentent un
courant artistique, un pan de l’histoire de l’art qui permettent
de recontextualiser la création contemporaine.
Thème 2019 :
COLLECTIONNEURS ET COLLECTIONS D’ART
Collectionneurs compulsifs, calculateurs, passionnés,
il y a autant de collectionneurs que de collections.
Qui sont-ils ? Quelles sont leurs motivations ?
Quelles relations établissent-ils avec les artistes ?
Influencent-ils le devenir d’une oeuvre ?
Dans le jeu de l’art contemporain, la figure du collectionneur
est à la fois familière et méconnue. Inscrit dans une tradition,
possiblement confondu avec le commanditaire,
le collectionneur a toujours su faire évoluer son regard
et ses choix en fonction des époques qu’il traversait.
Il a accompagné d’importantes évolutions formelles jusqu’à,
pour certains, prendre des positions courageuses aux côtés
des artistes. Par leurs rôles et leurs choix, non seulement
les collectionneurs soutiennent la création mais développent
aussi des ensembles qui fixent une époque et lèguent une histoire.
À travers des témoignages et des analyses historiques,
ce cycle tentera de démystifier le personnage du collectionneur
et de lui reconnaitre une place primordiale parmi les acteurs de l’art.
Cycle thématique de 3 séances de 1h30 de 18:30 à 20:00
à l’Université de Haute-Alsace / Campus Fonderie Mulhouse
– en Amphithéâtre
Jeudi 28 février Collectionner en Alsace de François Pétry
Jeudi 28 mars – Documentation et reportages
photographiques chez les collectionneurs de Rémi Parcollet

Jeudi 25 avril The Sarajevo Storage de Pierre Courtin

Cycle thématique de 3 séances de 1h30 de 18:30 à 20:00
à l’Université de Haute-Alsace / Campus Fonderie Mulhouse
– en Amphithéâtre.
16 rue de La Fonderie-68093 Mulhouse
La Kunsthalle Mulhouse Service Universitaire de l’Action
Culturelle de l’UHA
Tél. +33 (0)3 69 77 66 28 Tél. + 33 (0) 3 89 33 64 76
Jeudi 28 février 2019
François Pétry
Collectionner en Alsace
Partant des recherches menées sur la collection des Horn,
commanditaire de l’Aubette à Strasbourg, élargies en s’appuyant
sur sa pratique personnelle, François Pétry propose de retracer
le cheminement, la démarche du collectionneur et les caractéristiques,
objectifs et fins d’une collection.
François Pétry est conservateur en chef honoraire du patrimoine.
Il est agrégé d’histoire, ancien conservateur régional de
l’archéologie, puis des monuments historiques (en Alsace).
Sa collection est nourrie de curiosité et de recherche.
Jeudi 28 mars 2019
Rémi Parcollet
Documentation et reportages photographiques chez
les collectionneurs.

Le recours à la photographie documentaire, notamment aux
reproductions, était jusqu’à récemment l’un des rares moyens
d’accéder aux collections privées. L’anonymat qui caractérisait
encore l’agencement des oeuvres dans un contexte d’intimité se
dissipe désormais, les collections s’ouvrent au public et s’exposent.
Pourtant ces expositions de collections restent manifestement
tributaires d’une mise en espace conçue en référence à leur cadre
d’origine et les reportages photographiques chez les
collectionneurs le démontrent.
À travers différentes études de cas
(Chambres d’amis à Gand en 1987, Passions privées au Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris en 1995 et L’intime le collectionneur
derrière la porte, à Maison Rouge Fondation Antoine de Galbert
en 2004), il propose de faire observer qu’une collection d’oeuvres
d’art s’inscrit à la croisée de relations et de références que la photographie
garde en mémoire, révèle et met en lumière.
Historien de l’art, Rémi Parcollet travaille sur l’histoire des
expositions, à partir d’approches contemporaines des archives visuelles,
du patrimoine et des humanités numériques et du traitement des
images dans l’histoire des musées.
Postdoctorant au LabEx « Création Art et Patrimoine » en 2012-2013,
il a travaillé à la mise en place du programme histoire des
expositions au Centre Pompidou, dont il a initié le catalogue raisonné.
Commissaire associé à l’Institut Français pour l’exposition
Panorama, il a été co-commissaire de l’exposition
SoixanteDixSept Experiment au Centre Photographique d’Ile de
France (2017) dans le cadre du quarantième anniversaire du
Centre Pompidou, il codirige depuis 2010 la revue Postdocument.

Jeudi 25 avril 2019
Pierre Courtin
The Sarajevo Storage
Débutée en 2001, la collection de Pierre Courtin se compose
aujourd’hui de plus de 350 pièces. Explorant les frontières entre le
travail de collection, le geste artistique et la monstration des
oeuvres en galerie, elle affiche singulièrement le parti pris de son
ambivalence : vraie-fausse collection où se côtoient oeuvres
« complètes » et oeuvres fragments qui sont comme autant de souvenirs
d’expositions, de reliques, d’objets cultuels qui semblent
renvoyer non sans ironie à la vanité de tout acte de collection,
son désir de s’inscrire dans une histoire, une temporalité « supra humaine ».
Toute collection a une valeur marchande et opère une certaine
partition entre valeur d’usage et valeur d’échange, système basé sur
la valeur monétaire. La collection de Pierre Courtin acquise sans
argent et n’ayant aucune vocation à en produire, n’a pas de valeur
marchande et constitue une sorte d’utopie personnelle et affective,
sentimentale.
Figure atypique d’un engagement artistique protéiforme,
qui se définit lui-même comme un acteur, au sens théâtral du terme,
de l’Art. Artiste, galeriste, commissaire d’exposition, collectionneur,
mais aussi iconoclaste, philanthrope sans argent et bricoleur.
Pierre Courtin a dirigé le centre d’art et la galerie
Duplex100m2 à Sarajevo de 2004 à 2017. Il est le commissaire de
plus de 150 expositions personnelles et collectives réalisées à Sarajevo,
Budapest, Vienne, New-York, New-Orleans, Paris…
Modalités d’inscription
Inscription uniquement par courrier auprès du Service
Universitaire
de l’Action Culturelle de l’Université
de Haute-Alsace –
Maison de l’Etudiant – Campus Illberg
– 1, rue Werner 68100 Mulhouse

Tarif plein : 20 euros / tarif réduit 10 euros pour l’ensemble
des conférences. Entrée libre pour les étudiants de la HEAR et de

l’UHA.
Bulletin téléchargeable sur : www.kunsthallemulhouse.com
Pour tout renseignement concernant l’inscription s’adresser au
Service Universitaire de l’Action Culturelle de l’Université de
Haute-Alsace : 03 89 33 64 76 / isabelle.lefevre@uha.fr

L'Epiphanie

The adoration of the magi, oil on panel, 38.5 x 56.5 cm

Les premiers tableaux de Bruegel sont foisonnants de
personnages, déployés sur de grands formats représentant
des vues de villages et, dans l’esprit de
“L’Éloge de la folie” d’Erasme, dénoncent les travers de la
société sous une forme comique, entre devinettes et moralités :
Bruegel signe en 1560 “Les Proverbes flamands”,
“Le Combat de Carnaval et de Carême” et “Les Jeux d’enfants”.
Mais au fur et à mesure que la situation politique et religieuse
empire son inspiration s’obscurcit : inspiré par Jérome Bosch
(1450-1516) qu’il admire, il crée “Margot la Folle”,
“La Chute des anges rebelles” et “Le Triomphe de la mort”
où l’absurdité du monde se traduit par des scènes d’horreur
panique, visages hallucinés, incendies, monstres et tortures.
Sheila 

Pieter Bruegel l'Ancien

Se termine le 13 janvier 2019
À l’occasion du 450e anniversaire du décès de
Pieter Brueghel l’Ancien, le
Kunsthistorisches Museum Vienne
organise la première grande exposition monographique
au monde sur l’œuvre de cet artiste d’exception.
De son vivant déjà, Pieter Bruegel l’Ancien était un artiste très
convoité et ses œuvres se vendaient à des prix jamais atteints pour
l’époque. Pour célébrer le 450e anniversaire de sa mort,
le Kunsthistorisches Museum Vienne consacre une exposition
particulière au peintre flamand le plus influent du XVIe siècle.
C’est la première grande exposition monographique au monde
de son œuvre. Il ne reste actuellement qu’ un peu plus de
40 peintures et 60 dessins du maître. Avec ses 12 tableaux,
le Kunsthistorisches Museum Vienne possède la plus
grande collection de Bruegel au monde.
Le fait que les Habsbourg surent apprécier dès le XVIe siècle
l’extraordinaire qualité et l’originalité de l’univers pictural
de Bruegel y est pour quelque chose – ils se sont par la suite
efforcés d’acquérir de prestigieuses œuvres de l’artiste.

Brueghel les jeux d’enfants

Prêts sensationnels
Forte de quelque 90 œuvres, l’exposition à Vienne donne
pour la première fois un aperçu de l’ensemble de l’œuvre
de Pieter Brueghel l’Ancien : avec presque 30 peintures
(soit les trois-quarts de son œuvre) et la moitié des dessins
et croquis restants, l’exposition offre une occasion unique
de plonger dans l’univers complexe de l’artiste, de comprendre
son évolution stylistique, son processus de création et ses
méthodes de travail, et de découvrir l’esprit de son œuvre
et son don unique pour peindre une histoire.
La Grande tour de Babel Brueghel

Parmi les pièces phares à admirer dans cette exposition,
on trouve Le Triomphe de la Mort, prêté par le Prado de
Madrid, et La petite Tour de Babel, arrivant du Musée Boijmans
Van Beuningen de Rotterdam. La plupart de ces fragiles
tableaux en bois n’avaient jusqu’alors jamais été prêtés
pour une exposition.
Brueghel le combat de carnaval

Bruegel, un homme des Flandres
Bruegel naquit aux environs de 1525 quelque part en
Brabant. Son lieu de naissance reste incertain mais nous
savons qu’il se forma à Anvers, alors l’une des plus grandes
villes d’Europe. Au faîte de sa prospérité et de son rayonnement
culturel, la puissante cité fait partie du Cercle de Bourgogne
institué par Charles Quint, souverain des Pays-Bas.
L’oeuvre de Peter Bruegel l’Ancien s’inscrit dans le contexte
politique et religieux des Flandres qui oppose alors dans
une guerre féroce les réformés aux catholiques et l’aristocratie
locale à Philippe II.
Brueghel le massacre des Innocents

L’œuvre de Pieter Bruegel l’Ancien, qui révolutionna la
peinture de paysage et de genre, continue de susciter quantité
d’interprétations, aussi diverses que controversées. Aujourd’hui
encore, la richesse de son univers et son regard acéré sur
l’humanité exercent une fascination particulière sur le public.
Les débuts de la carrière de Bruegel comme dessinateur et
ses innovations dans le domaine de la peinture de paysage
sont également abordés dans le cadre de l’exposition.
Une autre partie de l’exposition est consacrée à ses œuvres
religieuses, comportant une multitude de chefs-d’œuvre comme
Le Triomphe de la Mort et Dulle Griet, restaurées spécialement
pour l’exposition.

ps : Michel Pastoureau dans son livre « l’étoffe du diable »
parle du Portement de Croix (1563) de Bruegel. Il cite
l’exemple du paysan anonyme placé presque au centre
de la composition, comportant plus de 500 personnages,
marchant d’un pas pressé, couvert d’un bonnet et vêtu
 d’une robe à rayures obliques blanches et rouges […]
Or je ne vois qu’un homme en pantalon à rayures
rouges et blanches.
Brueghel la Crucifixion

Je serai ravie si vous aviez cette photo à me montrer.
Podcast France culture l’Art et la Matière

Sommaire du mois de décembre 2018

Meilleurs voeux pour 2019,
plus d’art, beaucoup de tolérance
encore plus de bienveillance

Patrick Bailly Maître Grand

03 décembre 2018 : Michael Jackson : On the Wall
10 décembre 2018 : Le Caravage était-il un « bad boy »?
15 décembre 2018 : Jean Michel Basquiat & Egon Schiele
22 décembre 2018 : Le Cubisme au Centre Pompidou
25 décembre 2018 : Joyeux Noël