Mois : novembre 2010

« Mon œuvre n’est pas moderne, elle est de toute éternité »
Egon Schiele

Egon Schiele, disparu tragiquement en 1918 à l’âge de vingt-huit ans, apparaît comme une figure d’exception parmi les artistes du xxe siècle. Considéré comme l’un des artistes majeurs du mouvement expressionniste, il est aujourd’hui, avec Gustav Klimt , le peintre autrichien le plus célèbre.
De par sa vie très courte, la fulgurance de son génie, sa liberté d’inspiration où, pour la première fois, s’expriment aussi crûment la sexualité et les tourments de l’âme, Schiele est devenu le symbole de l’artiste maudit, marginal et révolté. Pourtant, cette image trop univoque mérite d’être nuancée. Personnalité complexe, doué d’un immense talent, Schiele était aussi un être naïf, soucieux de reconnaissance, vaniteux même, plus habile qu’on ne le soupçonne d’ordinaire. Si, comme beaucoup de jeunes artistes, il a vécu dans le besoin, il n’a jamais connu la misère et a su s’attirer la protection de Klimt, susciter l’intérêt de collectionneurs et de quelques marchands, et gagner les faveurs d’un critique célèbre.
Son œuvre défie les classifications trop rigides, tour à tour révolutionnaire et traditionnelle, spontanée et sophistiquée, dépouillée et maniérée, introspective et exhibitionniste, elle met en scène le corps dans tous ses états mais s’attache aussi aux paysages et à l’architecture baroque de Basse-Autriche et de Bohême.
Adolescent il passe tout son temps à dessiner, si bien que la famille finit par consentir à le laisser s’inscrire aux Beaux-Arts de Vienne. Il rencontre Klimt qui décèle immédiatement son talent, l’encourage et l’inspire. Dès ses débuts, la personnalité de l’artiste s’affirme à travers un trait nerveux, saccadé, la stylisation du sujet et sa mise en valeur sur la feuille de dessin ou sur la toile laissée vide.
Par sa précocité, sa fougue créatrice, l’audace de son inspiration et sa sensualité exacerbée, le parallèle s’impose entre Egon Schiele et Arthur Rimbaud. Une similitude dont le jeune artiste autrichien a plus ou moins pris conscience en lisant le poète français , comme lui il exprime avec la plus totale liberté ses tourments, ses angoisses, ses déchirements mais aussi ses désirs et ses fantasmes   Nul artiste, jusqu’ici, n’avait osé exhiber de manière aussi abrupte et directe sa sexualité et son malaise.
Schiele ne cesse de se représenter dans toutes les postures et sous tous les angles, en torse ou en pied, multiplie les nus féminins, sa compagne Wally Neuzil lui sert de modèle –, ou croque des jeunes filles à peine nubiles dans les poses les plus osées.
Cette période de totale liberté, sans doute la plus heureuse dans la vie de Schiele, passée en partie dans la ville baroque de Krumau en Bohême d’où est originaire sa mère, s’achève par la condamnation de l’artiste pour « pornographie et incitation à la débauche », et lui vaut d’être incarcéré pendant vingt-quatre jours en avril 1912. 125 dessins, dont de nombreuses représentations d’enfants nus, font que l’artiste est soupçonné, injustement, d’avoir abusé d’une fillette. Durant les 24 jours de détention, traumatisants pour l’artiste, il  réalisa une série de 13 travaux dont l’autoportrait. Un homme désespéré, avec une barbe de plusieurs jours, les yeux cernés, enveloppé dans un manteau brun-rouge, beaucoup trop grand. Il se trouve curieusement déséquilibrée, malgré sa posture verticale, comme s’il s’abîmait en lui-même.
Il a accompagné son image d’une inscription
« Entraver l’artiste est un crime, cela revient à assassiner une vie en germe »
Le séjour en prison, aussi bref soit-il, a beaucoup marqué l’artiste, le trait devient plus dur, la ligne plus anguleuse, le motif plus construit. Les visages perdent de leur expressivité, deviennent plus hiératiques. Les peintures aux formes cernées rappellent les vitraux des cathédrales gothiques, tandis que Schiele se représente sous les traits d’un moine au côté de Klimt. Dans ses autoportraits sur papier, il ressemble à ces saints souffrants qu’on peut voir sur les bas-reliefs en bois sculpté des églises autrichiennes. L’évolution de sa vie privée et la pression des événements extérieurs vont amener Schiele à infléchir son style une nouvelle fois.
C’est alors que survient le drame : trois jours après avoir enterré son épouse Edith qui attendait un enfant, Schiele meurt à son tour le 30 octobre 1918, victime de la grippe espagnole.
Mutter und Kind (Femme avec enfant), 1910
Se distinguant de l’érotisme léger de Klimt, celui d’Egon Schiele est plus direct et plus brutal dans sa matérialité immédiate. Ici, le corps de la femme au regard séducteur semble se fondre avec celui de l’enfant. Les mains sont longues décharnées, les muscles étirés, certains croquis évoquent les écorchés aperçus à Bologne, avec des colorations des muscles bleus, mauves, tourmentés, révélant la nature de Schiele.
Kardinal und Nonne (Cardinal et Religieuse), 1912
Il s’agit d’un des tableaux d’Egon Schiele qui ont fait scandale en leur temps et n’ont peut-être pas fini de choquer. L’artiste y brise un tabou. Mais ce tableau offre en même temps une grandiose représentation de la solitude de deux êtres humains qui ne sont pas autorisés à faire ce qu’ils font.
Häuser und bunte Wäsche (Maisons avec linge de couleur ), 1914
Egon Schiele était également un maître du paysage urbain. Ses tableaux d’immeubles aux contours anguleux comptent parmi ses meilleures œuvres. On ne peut qu’admirer le brio avec

lequel il décline toute la palette chromatique à travers la représentation de linge étendu.
Non seulement l’œuvre de Schiele dérange par sa violence d’expression, sa crudité et parfois sa morbidité, mais elle déroute aussi par ses bifurcations, ses chemins de traverse.
images internet et catalogue

 La fondation Beyeler présente jusqu’au 16 janvier 2011 :
Vienne en 1900 a été un des lieux de naissance de l’art moderne. A cette époque, cette ville célèbre par la culture, abritait une foule de compositeurs et d’artistes de cabaret, Freud et sa psychanalyse y prit son élan, la Wiener Werkstätte y multipliait les expériences novatrices, dans l’architecture, l’ameublement.
Margré le climat qui oscillait entre le progrès et l’humeur apocalyptique, cette période a été celle de l’éveil, du renouveau, d’une soif de création absolument dévorante.
Gustave Klimt
Beaucoup de dessins érotiques , au crayon et au fusain, mais aussi des toiles riches en peinture décorative, où dominent l’or, l’érotisme qui choquait ses contemporains, tout en ayant un double language, presque chaque toile comportait une crâne, une évocation de la mort, Eros et Tanatos.
Les poissons rouges, 1901/02
Les représentations de nus de Klimt ont fait scandale, surtout à son époque. Il renvoie ici la balle à ses critiques, en leur dédiant une de ses toiles les plus osées.
Goldfische offre une vue, coupée par le bord de l’image, quatre corps de femmes nues aux longs cheveux roux, blonds et noirs qui glissent comme des poissons à travers un monde maritime enchanté. Le titre initial « A mes critiques » fait allusions aux relations conflictuelles de Klimt avec la critique d’art et avec son public.
L’allégorie de la médecine, couvrant le plafond de la salle des fêtes de l’académie, était une réaction à l’accueil hostile réservé à ses tableaux des Facultés. C’est une femme nu qui plane qui semble s’envoler du centre de l’image vers la partie supérieure droite, un effet d’optique par le tracé vertical dynamique dans la zone des jambes et du ventre, l’effet d’aspiration vers le haut est encore renforcé par l’omission des mains et des pieds.
Judith II, 1909
Gustav Klimt a révolutionné l’image de la femme en la représentant d’une part sous les traits d’une « femme fatale », de l’autre comme une figure énergique et salvatrice : en effet, comme le raconte le livre de Judith des Apocryphes, Judith a sauvé le peuple d’Israël en tuant le tyran Holopherne, qui avait succombé à ses charmes.
Salomé 1905
Sur cette toile, Salomé, placée au pied du trône du roi Hérode, apparaît à peine vêtue de quelques voiles et de nombreux bijoux (influence classique); elle tient à la main une fleur coupée symbole de l’éveil de la sensualité.
Elle désigne de son doigt tendu la tête sans corps de Jean-Baptiste.
Le visage du saint, placé dans un halo de lumière,est entouré d’une auréole, conformément à l’iconographie la plus classique.
L’ensemble présente une abondance de détails précieux.
Cette apparition prend ici des allures d’accusation: à la fois séductrice magnifique et perverse innocente, Salomé est bien désignée comme responsable du sacrifice de Jean-Baptiste, dont elle a demandé la tête au roi Hérode.
En cette fin de siècle, la figure biblique de Salomé symbolise parfaitement l’identité de la pulsion sexuelle et de la pulsion de mort, intimement liées.
Cette figure négative et castratrice de la femme, à la fois désirée et redoutée, abonde dans l’œuvre symboliste. Moreau en donne ici sa propre vision, se démarquant par son style raffiné et surchargé.
Voir l’opéra de Richard Strauss et la danse des sept voiles

Attersee, 1901
Les légendaires tableaux de paysages de Gustav Klimt ne présentent pas seulement les reflets colorés changeants de la nature, comme ici, sur l’Attersee ; leur profondeur est double : ce lac n’est pas seulement un plan d’eau, mais aussi le miroir de l’âme.
La Frise Beethoven 1902
(Reproduction photographique)
Cette frise a été réalisée pour la quinzième exposition du Pavillon de la Sécession qui s’est tenue du 15 avril au 27 juin 1902. Le thème de la frise est né de l’écoute de l’interprétation par Wagner de la IXe symphonie de Beethoven.
La spectaculaire peinture murale du bâtiment de la sécession viennoise, dont une maquette est visible dans l’exposition, est considérée comme un des chefs d’œuvre de Klimt. Dans cette frise, Klimt a transposé en images symboliques, par différents motifs la suite musicale :
« L’aspiration au bonheur, les souffrances de la faible humanité, les prières adressées par celle-ci à la force extérieure de l’homme vigoureux et armé et à la force intérieure de la compassion et de l’ambition, qui le poussent à s’engager pour le bonheur …
les puissances ennemies. Le géant Typhée, contre lequel les dieux eux-mêmes ont vainement lutté : ses filles, les trois Gorgones, Maladie, folie, mort. Volupté et impudicité. Intempérance. Souci dévorant. Les aspirations et les désirs des hommes volent au-dessus …
L’aspiration au bonheur trouve son assouvissement dans la poésie. Les arts nous conduisent dans le royaume idéal, le seul où nous puissions trouver la joie pure, le pur bonheur et l’amour pur. Chœur des anges du Paradis : Ô joie belle étincelle des dieux » « Ce baiser de la terre entière » symbolisé par l’union charnelle d’un couple.