Chers lecteurs, une année 2014 riche en expositions laisse place à un programme 2015, alléchant, Belle année artistique, oui l’art rend heureux, Belles découvertes, rencontres, lectures. – PAUL GAUGUIN à la Fondation Beyeler
8.2.2015 – 28.6.2015 – Les Tudors (18 mars – 19 juillet 2015) Musée du Luxembourg
– Velázquez (25 mars – 13 juillet 2015) Grand Palais, galeries nationales
– Jean Paul Gaultier (1er avril – 3 août 2015) Grand Palais, galeries nationales
– Icônes américaines. Chefs-d’oeuvre du SFMOMA et de la collection Fisher (8 avril – 22 juin 2015) Grand Palais, galeries nationales
– Cap sur l’Amérique. Napoléon de Waterloo à l’île d’Aix (22 avril – 21 juillet 2015) Château de Malmaison / Musée Napoléon de l’île d’Aix Napoléon Ier ou la légende des arts (24 avril – 27 juillet 2015) Palais impérial de Compiègne
– Art Fiction, de la ville aux étoiles (22 mai – 27 septembre 2015) Vieille Charité, Marseille Echanges au Néolithique.
– La Première industrie du luxe (juin – novembre 2015) Musée national de la Préhistoire, Les Eyzies-de-Tayac
– Fragonard amoureux (16 septembre – 24 janvier 2016) Paris, musée du Luxembourg
– Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842) (23 septembre – 11 janvier 2016) Grand Palais, galeries nationales
– Joie de Vivre (26 septembre – 17 janvier 2016) Lille, palais des Beaux-Arts
– Picasso et l’art contemporain (titre provisoire) (7 octobre – 29 février 2016) Grand Palais, galeries nationales
-Lucien Clergue (13 novembre – 15 février 2016) Grand Palais, galeries nationales
Joyeux Noël à mes lecteurs
voici un pastiche de nativité peint par Denis Ansel,
sorti tout droit de l’imagination fertile de l’artiste. Denis Ansel, pastiche du triptyque de la nativité Portinari 1987 huile sur toile sous ce lien l’original de la nativité Portinaripeint par Hugo van der Goes (1476-1478) c’est le regardeur qui fait l’oeuvre (Marcel Duchamp)
Cette toile est visible dans l’exposition Prendre le temps à la Fondation Fernet Branca jusqu’au 9 mars 2015
Jeff Koons à Beaubourg jusqu’au 27 avril 2015 Jeff Koons à la Fondation Beyeler, Jeff Koons et Split-Rocker, 2000/2012 à la Fondation Beyeler Jeff Koons à Versailles.
Pas de renouvellement de ses jouets, ils sont déclinés dans d’autres couleurs,
et suscitent toujours la foudre d’une certaine presse et d’une partie du public.
Je vous épargne la controverse des puristes, sur le kitch, je considère d’ores et déjà l’évènement comme un amusement et une curiosité. Je ne vous parlerai pas non plus du parallèle entre Andy Warhol et leur méthode de travail en atelier, ou encore d’Olafur Eliasson, travaillant avec 80 personnes dans son atelier, futur occupant des cimaises de la Fondation Vuitton, les maîtres de la Renaissance procédaient de la même façon, à la différence de Jeff Koons, ils mettaient la main à la pâte, procédaient à la finition, ne se contentaient pas d’être un concepteur.
Sa présence à Beaubourg en même temps que Marcel Duchamp, qui lui fait partie de l’histoire de l’art, doit le flatter, mais peut-on lui appliquer la phrase de Duchamp : « C’est le regardeur qui fait l’oeuvre ! » ? En fait le « regardeur » s’y voit, le public se reflète partout et prend plaisir à s’y photographier.
Jeff Koons n’est plus un inconnu, nous avons pu voir son univers baroque, ses bouquets, lors de la spendide exposition au musée Beyeler, le mythe des fleurs, ou encore lors de la magnifique exposition qui montre une sculpture de la la Cicciolina dans son tub, Eros à Beyeler ensuite à Versailles, les collectionneurs Richard et Ulla Dreyfuss-Best dans leur exposition « For Your Eyes Only » actuellement au Kunstmuseum de Bâle ne dédaigne pas de montrer le« Wrecking Ball 2002» de Jeff. Art Basel, la Fondation Prada à Venise, ne manquent pas de présenter JK.
Entre les 2 vedettes actuelles de l’art contemporain (Damien Hirst), il n’y a presque pas de choix possible, les 2 sont des businessmen accomplis, célèbres, provocateurs, talentueux. Les bourses s’effondrent, les banques s’affolent, les gens ne partent plus en vacances et se serrent la ceinture, raclent leurs fond de poches, les femmes indonésiennes se font tuer pour quelques poignées de roupies, mais « l’élite » mondiale soutient, achète et se précipite aux ventes et aux expositions de ces artiste.
Damien Hirst a court-circuité les galeristes en vendant directement chez Sotheby’s à Londres, aux enchères, 223 de ses œuvres en encaissant la somme astronomique de 140 millions d’euros. La fortune de Bill Gates serait largement dépassée (?) (faux Bill Gates « pèse » 57 milliards de $). Pour moi, ces montants sont abstraits et surréalistes. Jeff Koons, chevalier, puis officier de la légion d’honneur nous parle de l’acceptation de soi-même et de l’autre, de la confiance en lui-même et du pouvoir de l’art, grâce au rêve réalisé en exposant à Versailles, puis au Whitney Houston. De François Pinault collectionneur fervent de JK à Jean Jacques Aillagon, respectivement ancien ministre de la culture, puis directeur du Palais Grassi puis directeur du château de Versailles, la connexion était aisée.
C’est en regardant l’Olympia de Manet qu’est venue sa compréhension et son amour de l’art et ses niveaux de significations, pourquoi pas de l’Origine du Monde de Courbet.
Il imagine devant le Homard, acrobate, lien entre le visiteur et l’œuvre, la couleur rouge, le motif, évoquant les flammes du Moyen Age, que s’il reste trop longtemps sous le regard du public, il finira dans les flammes, puis pour compléter il lui trouve les mêmes moustaches que le Führer.
Quand à l’ « Aspirateur » sa transparence est pour lui associée au féminin …. (tiens donc !) à la matrice. Quand on le regarde en effet, la disposition des accessoires, font penser à une silhouette.
L’autoportrait entre celui de Louis XIV et Louis XVI, (à Versailles) expression du monumental, sur un socle réplique (pas la meilleure) du Bernin, n’est pas l’image de Jeff Koons, mais « l’expression en tant qu’artiste » confronté aux 2 icônes du passé avec le contemporain. Je cite « le frottement, la juxtaposition d’intérêts communs, voire le parallèle entre 17e, 18e et JK. »
Le petit train évoque son enfance et les souris, chien et autres ballons, les jouets qu’il a conçu pour son fils aîné, issu de son mariage avec la Cicciolina, puis pour les autres
enfants de sa nombreuse famille.
Son discours reste le même : il désire être impliqué, pour lui, ses œuvres sont une métaphore de l’acceptation de l’autre et de soi-même, au niveau mondial. En résumé Jeff Koons souhaite établir une connexion avec l’art et son pouvoir sur le monde.
La petite salle pornographique ne mérite pas le détour, car là on comprend très vite :
« Fuck you » c’est à dire nous. photos de l’auteur
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La Fondation Pierre Gianadda à Martigny associée aumusée des Beaux-Arts de Berne, présente cet hiver, les oeuvres d’artistes emblématiques de la Suisse avec la complicité et la générosité de la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire. Bruno Stefanini, qui fête cette année son quatre-vingtième-dixième anniversaire, se révèle un collectionneur atypique qui a, depuis plus de cinquante ans, rassemblé plus de huit mille pièces, dont des peintures et travaux sur papier, des centaines de statues et d’ouvrages de sculpture, de grands ensembles de livres rares, des objets précieux et des armes d’apparat, du mobilier et des productions des arts décoratifs.
Cette incroyable collection se trouve réunie dans la Fondation pour l’art, la culture et l’histoire fondée en 1980 par Bruno Stefanini, mécène de Winterthur. Elle ne réunit pas seulement l’art suisse depuis le XVIIIe siècle jusqu’à l’époque moderne mais comprend également des monuments historiques d’importance nationale tels leschâteaux de Grandson (canton de Vaud), de Salensteinet de Luxburg, (canton de Thurgovie) et Brestenberg (canton d’Argovie), l’immeuble Sulzer à Winterthour, première tour construite en Suisse en 1962.
Il s’agit certainement «… de la plus vaste collection d’oeuvres d’art et d’objets historiques jamais réunie en Suisse par une seule et même personne ». (Mathias Frehner, directeur du musée des Beaux Arts de Berne) Plat d’apparat du grand milieu de table ayant appartenu à la reine Olga de Wurtemberg
Grâce à Bruno Stefanini et sa Fondation, des oeuvres d’art suisse, proposées sur le marché de l’art et que les musées, faute de moyens financiers n’ont pas pu acquérir, ne sont pas parties à l’étranger et ont rejoint ladite Fondation.
Cela ressemble à du protectionnisme à titre privé. N’est-ce pas un obstacle pour les artistes suisses, d’être cantonnés à la Suisse et à ses cantons, et de ne pas connaître une renommée internationale, à l’instar des artistes régionaux qui peinent à être montrer à
l’international ?
Cela confère aussi une certaine monotonie à la collection qui est bien lisse et sage, bien que comportant de magnifique paysages ainsi que de superbes portraits.
Le mécène, collectionne non seulement des toiles, mais aussi les esquisses, les dessins, tout ce qui concerne une oeuvre, jusqu’à son aboutissement et en plusieurs exemplaires
s’il en existe des séries. Cela est une source intéressante pour des étudiants et des historiens d’art.
Bruno Stefanini est né à Winterthour en 1924, fils d’un émigré de Bergame en Lombardie, ouvrier spécialisé dans la tuyauterie, qui dirigea le légendaire restaurant Salmen aux spécialités italiennes réputées.
Les premières incitations à s’intéresser à l’art viennent de sa mère qui collectionnait les antiquités et emmenait son fils Bruno quand elle allait chiner chez les brocanteurs. Au Lycée il s’adonne avec passion à la lecture et engrange une solide culture sur la littérature. Il affectionne aussi le dessin. Bruno Stefanini entame des études de sciences naturelles à l’Ecole polytechnique fédérale de Zurich, puis est appelé sous les drapeaux au moment de la Deuxième Guerre mondiale.
A l’époque du boom économique des années 1950/60, il développe son activité dans la branche immobilière. Avec une stratégie qui consiste à investir ses revenus locatifs dans de nouvelles promotions, il devient l’un des plus importants propriétaires privés de biens fonciers en Suisse, dont les revenus lui permettent de constituer une collection d’une telle ampleur.
Ne s’accordant que peu de loisirs, Stefanini se consacre exclusivement à sa passion pour l’art. Ardent lecteur, il possède des connaissances étendues sur l’histoire de l’art.
Mathias Frehner a demandé il y a cinq ans à Bruno Stefanini d’organiser une exposition consacrée aux trésors de sa collection. Ce dernier déclina l’invitation, jugeant « que c’était encore trop tôt » !
Pour 2014, le mécène est d’accord pour une présentation de sa collection sous la forme d’une sélection concise. Probablement que le passage de ladite collection à la Fondation Pierre Gianadda, après le Musée des Beaux-Arts de Berne, n’est pas étranger à l’acceptation de Bruno Stefanini de dévoiler un pan des oeuvres prestigieuses de son immense collection. Groupe de cristaux découvert par Michel Flepp et Alfons Derungs
Le nonagénaire achète des immeubles, mais il ne les revend pas. Sa stratégie est la même dans le domaine de l’art. Conservateur, compulsif même, ses achats sont diversifiés.
C’est ainsi que l’on peut admirer la pointe immergée d’un iceberg, un bloc de glace assez gros pour faire couler deux ou trois Titanic, âgé de 15 millions d’années, découvert en 2003, dans les Grisons.
Il y a non seulement les œuvres, centrées sur la Suisse, mais les souvenirs historiques. Goethe, un exemplaire unique de poèmes de Hermann Hesse, Napoléon, Guillaume II, l’empereur François-Joseph, le tsar Nicolas Ier, Albert Einstein le passionnent au même titre que Kennedy et, bien sûr, le général Guisan ou l’impératrice Elisabeth d’Autriche dite Sissi, dont on peut voir le costume d’amazone.
L’exposition se présente sous forme de thèmes : peintures d’histoire, de genre, de paysage, représentation d’animaux, natures mortes, le symbolisme dans l’art suisse, le nu, l’enfant en peinture, portraits et autoportraits. Des oeuvres d’artistes allant de 1762 (Marie Thérèse, Jean Etienne Liotard, pastel) au milieu du XXe s.(Max Gubler, autoportrait à l’huile de 1945) documentent de façon exhaustive les thèmes cités et entraînent le visiteur dans une balade éclectique illustrée en grande partie par des peintres suisses de grand renom et ceci sur les cimaises du musée, en passant par les murs de l’escalier conduisant à la cafétéria et se prolongeant, dans le couloir de part et d’autres et dans la salle qui mène à la donation Franck. ALBERT ANKER, (1831-1910) est présent dans plusieurs thèmes comme par exemple Les Polonais en exil (1868) qui dans le thème de la peinture d’histoire, montre un grand-père mélancolique avec son petit-fils, écoutant jouer sa petite fille au piano, probablement du Chopin, et rappelle les milliers de réfugiés qui émigrent en Allemagne, en Belgique et en France, après l’entrée des troupes russes pour écraser l’insurrection populaire à Varsovie en 1831. Anker préfère dépeindre le calme après la tempête que la fureur des champs de bataille, on retrouve la même démarche dans son tableau Les Bourbakis (1871). Mais c’est dans le thème de la peinture de genre, avec des représentations de la vie quotidienne d’autrefois, qu’Anker excelle. Avec son réalisme tranquille, prompt à saisir avec une sensibilité psychologique développée, il raconte l’enfance Les soeurs Gugger tricotant, 1885, le monde paysan : Le vin nouveau, 1874 ou Vieille lisant le Zollikofer, 1885. FERDINAND HODLER, (1853-1918) (exposé à la Fondation Beyeler en 2013 et au musée d’Orsay)
dans le thème du symbolisme dans l’art suisse avec deux oeuvres célèbres : Las de vivre, après 1892, et Heure sacrée, 1911, qui constitue l’affiche de l’exposition, les paysages du Léman etc .. FÉLIX VALLOTTON, (1865-1925) dont le Grand palais a montré une belle rétrospective en 2014. Après avoir été l’une des figures majeures des Nabis dans les années 1890 à Paris, où ses fameuses gravures sur bois le rendent célèbre, à partir de 1900 il revient à la peinture avec des nus, des paysages et des natures mortes. Les nus féminins représentent plus d’un tiers de la production picturale de Vallotton. Il s’écarte des canons de la beauté habituelle et ses nus étonnent par leur chair marmoréenne et n’incarnent pas un type de perfection idéale. Segantini portrait Leopolda Grubicy GIOVANNI SEGANTINI, (1858-1899), présenté à la Fondation Beyeler en 2011. Il aura été toute sa vie un « sans-papiers ». Dans les Grisons, Segantini, découvre une lumière pure, la beauté enivrante de la nature qui lui inspire les motifs de son oeuvre de maturité. Disparu prématurément, ce « nomade apatride », connaît à partir de 1911 une gloire posthume, lorsque le musée Segantini à St- Moritz, inauguré en 1908, reçoit en dépôt de la Fondation Gottfried Keller, le célèbre Triptyque des Alpes. Sésame, ouvre-toi !Une formule magique qui s’ouvre sur une balade thématique de quelque 150 peintures ! Outre les quatre artistes cités, un panel de peintres suisses, tels Cuno Amiet, Alice Bailly, François Bocion, Alexandre Calame, Augusto et Giovanni Giacometti, Jean-Etienne Liotard, Edouard Vallet,etc., qui fera de cette exposition, un événement exceptionnel : une rencontre avec une collection prestigieuse née d’un mécène hors du commun. COMMISSARIAT DE L’EXPOSITION : Matthias Frehner, directeur du Kunstmuseum Bern. CATALOGUE DE L’EXPOSITION :
reproduit en couleurs toutes les oeuvres exposées. ISBN 978-2-88443-151-4 Exposition ouvertedu 5 décembre 2014 au 14 juin 2015
Tous les jours de 10 h à 18 h photos de l’auteur courtoisie de la Fondation Gianadda
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« Nous sommes la tradition, on ne saurait trop le dire. Et peut-être Titien me dirait-il quelques mots avant de monter dans sa gondole »,
proclamait-il, avec emphase, en 1890.
« Cela ne signifie rien, l’impressionnisme. Tout artiste consciencieux a toujours traduit ses impressions « Vous savez ce que je pense des peintres qui travaillent sur les grands chemins ? C’est à dire que si j’étais le gouvernement, j’aurais une brigade de gendarmerie pour surveiller les gens qui font du paysage sur nature …. Oh ! je ne veux la mort de personne; j’accepterais bien qu’on mît du petit plomb pour commencer » [à Vollard] « Ne me parlez pas des impressionnistes, il faudrait les fusiller »
Voyons est-ce qu’Ingres transportait son chevalet sur les grands chemins ? »
On plante un jeune homme en plein champ et on lui dit « Peignez ! » Et il peint une ferme sincère; c’est imbécile »
« les Impressionnistes ont besoin d’une vie naturelle, moi d’une vie artificielle. » extrait de « je veux regarder par le trou de la Serrure » propos choisis, édition établie par Jean Paul Morel, les Mille-et-une-nuits
Après avoir participé à la 8e et dernière exposition en 1886, de la Société des peintres indépendants, il s’écarte du groupe pour reprendre sa liberté et son indépendance, loin de la mode, des conventions sociales, politiques et artistiques. Portrait de Degas par Sachy Guitry
Disposant d’une certaine fortune, il n’est pas tenu de vendre et passe ses journées au Louvre, à copier les oeuvres des anciens maîtres, ou à faire de longs voyages en Italie.
Refus des honneurs, anarchiste et conservateur, fervent patriote et militariste, il se porte volontaire pour la défense de Paris en 1870.
Informations commissaire : Alexander Eiling catalogue en langue allemande : Pia Müller-Tamm Visites guidées publiques En langue française :
le samedi et dimanche à 15h30 Tarif : 2 €
Audioguides Disponibles en langue française 4 € / 2 € (réduit)
Guide expo : Un livret avec des notices explicatives en français de toutes les oeuvres et un plan de l’exposition est mis à disposition des visiteurs.
Tarif : 1 € PASS TGV EXPO KUNSTHALLE « PASS TGV EXPO DEGAS »:
Offre exclusive pour les visiteurs français de l’exposition Degas à Karlsruhe : réduction de 50% sur le billet TGV (allerretour) avec relation directe, à partir de nombreuses gares françaises
(Paris, Strasbourg, Mulhouse, Lyon, Avignon, Marseille…). Entrée à l’exposition à tarif réduit et d’autres avantages.
Information et réservation dans les gares et boutiques SNCF.
Pour plus d’informations consultez les sites suivants :
www.karlsruhe-tourismus.de/fr
et pour les horaires des TGV France > Karlsruhe :
www.voyages-sncf.com Accès au musée
Le musée se trouve au centre ville, près du Château et de la Cour constitutionnelle. Possibilité de prendre le tram devant la gare de Karlsruhe pour se rendre au musée. Arrêt « Herrenstrasse » ou « Europaplatz ». Pour plus d’informations voir le site des transports en commun www.kvv.de Stationnement voitures A proximité du musée parkings « Zirkel/Herrenstraße », « Passagehof » et « Schlossplatz/Unterführung » Stationnement cars Parking devant la Kunsthalle
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Deux siècles de création artistique jusqu’au 15 février 2015 Voir ici la vidéo du vernissage en présence de Christiane Taubira
Une exposition différente des blockbuster actuels, à la dimension limitée, pour éviter un trop plein, qui peut même éveiller une certaine frustration.
Cette exposition est dédiée à la création artistique haïtienne, du XIXe siècle à aujourd’hui. Autour d’un noyau d’oeuvres contemporaines, certaines réalisées spécifiquement pour l’occasion, elle présente selon un parcours non chronologique, des temps forts de l’histoire de l’art haïtien, et propose de porter un nouveau regard à cet art insuffisamment connu en France.
L’exposition a pour objectif de dépasser les stéréotypes de la peinture naïve et de transcender la vision magico-religieuse et exotique trop souvent associée de manière restrictive à l’art haïtien. Sans écarter les influences syncrétiques des symboles chrétiens, maçonniques et vaudou sur l’imaginaire collectif, l’exposition rend compte de l’extraordinaire vitalité de la création artistique, où tout se métamorphose en toutes circonstances, où se côtoient de manière singulière le « pays réel » et le « pays rêvé ».
Depuis la fin du XXe siècle, la concentration urbaine à Port-au-Prince et l’effervescence qui parcourt la société haïtienne a favorisé l’émergence d’une esthétique contemporaine à travers la peinture, le dessin, l’installation, la vidéo, la sculpture d’objets recyclés…
Autour de sept sections, dont un Duo avec Jean-Michel Basquiat et Hervé Télémaque, la scénographie laisse une large place aux artistes contemporains de toutes générations vivant en Haïti (Mario Benjamin, Sébastien Jean, André Eugène, Frantz Jacques dit Guyodo, Céleur Jean-Hérard, Dubréus Lhérisson, Patrick Vilaire, Barbara Prézeau, Pascale Monnin…), en France (Hervé Télémaque, Elodie Barthélemy), en Allemagne (Jean-Ulrick Désert), en Finlande (Sasha Huber), aux États-Unis (Edouard Duval Carrié, Vladimir Cybil Charlier), au Canada (Marie-Hélène Cauvin, Manuel Mathieu).
À l’extérieur du Grand Palais, les visiteurs sont accueillis par une sculpture monumentale d’Edouard Duval Carrié.
Aux lendemains de l’Indépendance d’Haïti, au début du XIXe siècle, des académies de peinture sont créées par les dirigeants de la première République noire du monde. Animées pour la plupart par des peintres européens, elles donnent naissance à l’art du portrait (Colbert Lochard, Séjour Legros, Edouard Goldman), consacré essentiellement aux hommes et femmes de pouvoir confrontés à la nécessité de se construire une identité historique.
Cette tradition du portrait officiel sera ensuite interprétée, sous forme de satire, pour témoigner du climat politique tourmenté d’Haïti. Fondé en 1944, le Centre d’Art de Port-au-Prince, devient le lieu emblématique de la vie artistique haïtienne. Avec une rare puissance évocatrice, les artistes populaires font irruption dans la ville et forcent à la reconnaissance de leurs sensibilités (Hector Hyppolite, Philomé Obin, Préfète Duffaut, Wilson Bigaud, Robert Saint-Brice…). En forme de dissidence, les années 50 voient naître un nouvel élan créatif avec l’ouverture du Foyer des arts plastiques, puis de la galerie Brochette. Des artistes, parmi lesquels Lucien Price, Max Pinchinat, Roland Dorcély… en quête de nouveaux paradigmes, explorent alors les voies de l’abstraction et du surréalisme dans un contexte d’échanges permanents avec les artistes ou les intellectuels américains et européens.
Avec près de 60 artistes et plus de 160 oeuvres provenant de collections publiques ou privées haïtiennes (Musée du Panthéon national haïtien, Musée d’art haïtien du Collège Saint-Pierre, Bibliothèque des Pères du Saint-Esprit, Loge L’Haïtienne du Cap-Haïtien, Fondation FPVPOCH / Marianne Lehmann, Fondation Culture Création), françaises (Château de Versailles, Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Musée d’art contemporain de Marseille), américaine (Milwaukee Art Museum), l’exposition présente une création artistique dégagée de tout cadre rigide, mêlant sans difficulté poésie, magie, religion et engagement politique. Ces oeuvres d’une extraordinaire richesse qui n’ont cessé de jaillir au coeur du destin agité d’Haïti – certaines restaurées après le séisme de janvier 2010 – sont en grande partie présentées pour la première fois en France. commissaires : Régine Cuzin, commissaire indépendante, fondatrice de l’association OCEA, Paris et Mireille Pérodin-Jérôme, directrice des Ateliers Jérôme, Port-au-Prince scénographie : Sylvain Roca et Nicolas Groult
ST-ARTest devenue, au fil de ses 18 éditions, une vitrine de l’art contemporain sous toutes ses formes et un rendez-vous culturel majeur, incontournable pour les collectionneurs et les amateurs d’art à la recherche d’oeuvres marquantes , à Strasbourg.
C’est la 2e foire française en ancienneté, après Paris, ouverte sur l’Europe et sur le monde, elle est un moment privilégié de rencontres et d’acquisition d’oeuvres.
Foire d’Art Contemporain à taille humaine, adaptée aux 30 000 visiteurs qui s’y rendent, ST-ART continue à construire son caractère unique et son rôle au milieu de la scène internationale.
Un peu moins conceptuelle, avec quelques traits belligérants, 90 galeries participantes,ST-ARTest le rendez-vous avec des galeristes provenant de : Allemagne, Belgique, Espagne, Italie, Luxembourg s’ajoutent ponctuellement celles originaires des Pays Bas, de Suède, de Hongrie, de Suisse, du Danemark, de Turquie, de Roumanie, de République Tchèque ou encore de Corée du Sud et du Japon Cette année, la Foire d’Art Contemporain innove et crée un espace dédié où chaque galerie pourra exposer une oeuvre à moins de 1 000 € permettant ainsi à un public plus large d’accéder à l’art sous toutes ses formes. De plus, pour la première fois cette année, une quinzaine de galeries ont été invitées à présenter, au delà de leur stand, un focus sur un artiste(one man show), un concept ou encore un espace consacré au dessin Galeries participantes : Galleria Punto Sull’Arte, Galerie Phylactère, Galerie Lazarew, Galerie Mario Bermel, Ergastule, Galerie Virginie Barrou Planquart, Radial art contemporain, Galleria Forni, Xavier Ronse Gallery
Silvi Simon, série de Lunes, Galerie Yves Iffrig
La foire présente tous les ans les ouvres d’un collectionneur, cette année, c’est tout à fait original et non classique : Madeleine Millot-Durrenberger (vidéo) Elle met en regard des photos d’artistes, d’oeuvres connues, originales, datées et signées, avec un cartel explicatif, se donnant le rôle de passeur, en proposant un JEU, comme un exercice d’admiration et d’observation, qui aurait le courage de toucher au sacré de certaines icônes de notre mémoire collective.
Mes choix, coups de cœur et focus, arbitraires et subjectifs : Galerie Chantal Bamberger – Strasbourg, Gérard Titus-Carmel
Peintre, dessinateur et graveur, Gérard Titus-Carmel s’est formé à la gravure et à l’orfèvrerie à l’École Boulle à Paris de 1958 à 1962 et réalise depuis une oeuvre très liée à l’écriture, la poésie et la littérature. Travaillant par série autour d’un objet ou d’un thème, ce qui l’amène à concevoir des installations où c’est un objet qui se dégrade. Gérard Titus-Carmel vient d’être couronné, le 19 novembre 2014, du Grand Prix artistique (Peinture) de la Fondation Simone et Cino del Duca en 2014, par l’Académie des Beaux Arts de Paris.
« Ces derniers temps, une flore inconnue s’est sournoisement développée dans l’espace de l’atelier. Des conditions particulièrement favorables ont sans doute aidé sa forte croissance, presque monstrueuse : palmes souples et alanguies, feuilles acérées achevant un fouillis de tiges tordues qu’on devine élastiques et difficilement cassantes, bouquets épineux et buissons fous sont montés à l’assaut des murs, les couvrant déjà à demi. Il s’agit maintenant d’élaguer, d’étêter, de couper et d’égaliser : je ferai, me dis-je, une haie droite et bien taillée de cette forêt sans âge et si peu respirable que l’envie de border de bandes de couleur, en haut et en bas, ces grands fusains noirs, afin d’en contenir l’expansion, m’est naturellement venue à l’esprit. Comme s’il s’agissait d’intimer à cette touffeur l’ordre de s’en tenir là, à une hauteur qui n’est pas à dépasser et, du même coup, d’en estimer la formidable vitalité à la seule échelle de mon corps. Autrement dit, j’ai pris mesure de mon corps à toiser cet exubérant jardin. «
Françoise Pétrovitch L’ESGAA propose sur son stand une exposition consacrée à l’artiste Françoise Pétrovitch. L’installation de 5 à 7 cages en verre, où des coeurs, des petites créatures, des parties du corps, sont emprisonnés ou prêts à s’évader. Les oeuvres sont réalisées avec la collaboration du Centre International d’Art Verrier de Meisenthal. Françoise Pétrovitch
et la jeune chinoise Huiyu YAN créant des roses, des sculptures en verre, travaillant sur la transparence, les reflets, des splendeurs Huiyu YAN Galerie Bertrand Gillig – Strasbourg,
Laure ANDRE
Elle se définit elle-même comme plasticienne, car elle exerce son art sur tous types de médias, dont les plus incongrus, comme des pétales de monnaies du pape, des hosties, des boites d’entomologie, des napperons, des robes, etc … elle a même réalisé des oeuvres en moulage de chocolat. Son propos s’architecture autour de la mémoire : souvenirs des défunts, des objets qui leur ont appartenu, de la trace qu’ils ont laissée de leur passage sur terre, et notamment l’entretien de celle-ci à travers les actes de dévotion. De ceci découle aussi un travail sur la mort et sur la peur de la blessure et de l’accident. Sans oublier son évocation, sur Oradour sur Glanes à partir d’archives, trouvées dans un grenier de la famille.
Merveilleux travail tout de finesse et de délicatesse. Laure André Galerie Arnoux – Paris, A l’écart des modes passagères la Galerie Arnoux s’est donné pour vocation, depuis bientôt 30 ans, de faire découvrir ou redécouvrir les avant-gardes abstraites des années 50. Parallèlement au « deuxième marché », elle se consacre essentiellement à des expositions ou rétrospectives de peintres ou sculpteurs, le plus souvent en exclusivité, dont elle soutient le travail à long terme.! L’abstraction des années 50 est sans aucun doute l’un des principaux mouvements d’avant-garde du siècle dernier. Il commence enfin à prendre la place qu’il mérite auprès des collectionneurs avertis heureux de trouver, notamment à la galerie, des oeuvres historiques à des conditions financières encore abordables. Galerie Pascal Gabert (vidéo) Galerie Christophe Fleuroy
avec ses fidèles Waydelich, Montanaro etc .. Une galerie coréenne « Les œuvres ne sont pas à vendre ». La peintre coréenne Hwang Eun Sung en habit d’apparat explique :
« Les œuvres appartiennent à une fondation, qui nous a fait venir ici. Je souhaite juste me faire connaître et partager mes émotions. Je suis chrétienne, très pratiquante, et peindre est comme prier pour moi. Vous voyez cette ligne verticale dans la peinture ? Cela traduit le moment où la foi me touche. »
Oeuvres assez hermétiques, mais je vais me plonger dans le catalogue remis par son fils, et commenté par le critique d’art Patrick Gilles Persin présent dans la galerie Hwang Eun Sung L’Estampe – Strasbourg,
présente ses dernières éditions de Erro, Adami, Klasen, Villeglé, et Hervé Di Rosa, mais continue de présenter et de soutenir activement des artistes d’autres mouvements comme Tony Soulié ainsi que des artistes régionaux tels que Christophe Hohler, Roger Dale et Raymond Waydelich. ERRÓ
Influencé par la culture populaire autant que par la BD, nous retrouvons dans les oeuvres qu’il nous propose une palette d’images inscrites dans l’histoire de l’art sous forme de référence à Fernand Léger, Lichtenstein, Picasso… La technique de l’aquagravure contribue à donner une nouvelle forme à ses compositions hautes en couleurs et en références.
Un émule de Tinguely, Jacques Leblanc récupérant la ferraille pour créer des oeuvres hétéroclites, essentiellement des navires et des grues. photos de l’auteur
vidéos Ouvre tes yeux
En 1919 le peintre français Jacques Majorelle (1886-1962) (fils du célèbre ébéniste artiste décorateur art nouveau Louis Majorelle de Nancy) s’installe dans la médina de Marrakech (durant le protectorat français au Maroc) dont il tombe amoureux.
En 1922 il achète une palmeraie en bordure de celle de Marrakech, au nord-ouest de la médina, et en 1931, il fait construire par l’architecte Paul Sinoir sa villa style architecture mauresque / art déco d’une étonnante modernité, inspirée de l’architecte Le Corbusier. Il y aménage son habitation principale au premier étage et un vaste atelier d’artiste au rez-de-chaussée pour peindre ses immenses décors.
Amoureux de botanique, il crée son jardin botanique inspiré de jardin islamique avec la luxuriance d’un jardin tropical autour de sa villa, « un jardin impressionniste », « une cathédrale de formes et de couleurs », structuré autour d’un long bassin central, avec plusieurs ambiances variées, où se nichent des centaines d’oiseaux.
Ce jardin est une œuvre d’art vivante en mouvement, composé de plantes exotiques et d’espèces rares qu’il rapporte de ses voyages dans le monde entier : cactus, yuccas, nénuphars, lotus, nymphéas, jasmins, bougainvillées, palmiers, cocotiers, bananiers, bambous, caroubiers, agaves, cyprès … et orné de fontaines, bassins, jets d’eau, jarres en céramique, allées, pergolas …
En 1937 l’artiste crée le bleu Majorelle, un bleu outremer / cobalt à la fois intense et clair dont il peint les murs de sa villa, puis tout le jardin pour en faire un tableau vivant qu’il ouvre au public en 1947.
Suite à un accident de voiture, Majorelle est rapatrié à Paris où il disparaît en 1962. Le jardin est alors laissé à l’abandon durant plusieurs années.
Yves Saint Laurent et Pierre Bergé découvrent le Jardin Majorelle en 1966, au cours de leur premier séjour à Marrakech : « nous fûmes séduits par cette oasis où les couleurs de Matisse se mêlent à celles de la nature ».
Ils achètent le jardin Majorelle en 1980 pour le sauver d’un projet de complexe hôtelier qui prévoyait sa disparition ; ce sera la troisième acquisition du couple dans la ville de Marrakech. Les nouveaux propriétaires décident d’habiter la villa de l’artiste, rebaptisée Villa Oasis, et entreprennent d’importants travaux de restauration du jardin pour « faire du jardin Majorelle le plus beau jardin, celui que Jacques Majorelle avait pensé, envisagé ».
L’atelier du peintre est transformé en un musée berbère ouvert au public et dans lequel la collection Yves Saint Laurent et Pierre Bergé est exposée.
Disparu le 1er juin 2008 à Paris, les cendres d’Yves Saint Laurent sont dispersées dans la roseraie de la villa Oasis et un mémorial, composé d’une colonne romaine ramenée de Tanger posée sur un socle où une plaque porte son nom.
Le 27 novembre 2010, la princesse Lalla Salma, épouse du roi du Maroc Mohammed VI, inaugure l’exposition Yves Saint Laurent et le Maroc en même temps que la création de la rue Yves Saint Laurent.
Le 3 décembre 2011, le musée berbère est inauguré au rez-de-chaussée de la villa en présence du ministre de la culture française Frédéric Mitterrand, et la maison où vivait Yves Saint Laurent est labellisée Maisons des Illustres. À ce jour, le jardin, entretenu par une vingtaine de jardiniers, est un des sites touristiques les plus visités de Marrakech et du Maroc avec plus de 600 000 visiteurs annuels. La villa n’est pas visible, ni visitable
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En forme de dissidence, les années 50 voient naître un nouvel élan créatif avec l’ouverture du Foyer des arts plastiques, puis de la galerie Brochette. Des artistes, parmi lesquels Lucien Price, Max Pinchinat, Roland Dorcély… en quête de nouveaux paradigmes, explorent alors les voies de l’abstraction et du surréalisme dans un contexte d’échanges permanents avec les artistes ou les intellectuels américains et européens.
photos de l’auteur
Ce jardin est une œuvre d’art vivante en mouvement, composé de plantes exotiques et d’espèces rares qu’il rapporte de ses voyages dans le monde entier : cactus, yuccas, nénuphars, lotus, nymphéas, jasmins, bougainvillées, palmiers, cocotiers, bananiers, bambous, caroubiers, agaves, cyprès … et orné de fontaines, bassins, jets d’eau, jarres en céramique, allées, pergolas …
